Moderne Kunst – Übersicht der modernistischen Bewegung

Die Bewegung der Moderne in der Kunst, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstand, bezeichnete eine Kunst, in der sich die Gesellschaft widerspiegelte. Nach der französischen Industrierevolution hatten die Künstler den Wunsch, sich von den traditionellen Aspekten der bildenden Kunst zu lösen und stattdessen Kunstwerke zu schaffen, die die Erfahrungen und Werte des modernen industriellen Lebens widerspiegeln sollten. So entstand die Moderne Kunst als eine breit gefächerte Bewegung, die eine Vielzahl anderer „Ismen“ unter ihrem Titel vereinte.

Was ist Moderne Kunst?

Die Moderne Kunst, die als globale Bewegung in Gesellschaft und Kultur bekannt ist, entwickelte sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts als Reaktion auf die weit verbreitete Verstädterung, die nach der industriellen Revolution einsetzte. Die Moderne Kunst, die auch als Modernismus bezeichnet wird, wurde zur Zeit ihrer Entstehung sowohl als künstlerische als auch als philosophische Bewegung angesehen.

Diese Bewegung spiegelte die große Sehnsucht der Künstlerinnen und Künstler wider, neue Formen von Kunst, Philosophie und sozialen Strukturen zu schaffen, die die sich neu entwickelnde Welt genau widerspiegeln.

Der Modernismus umfasste eine Vielzahl verschiedener Stile, Techniken und Medien innerhalb der umfassenden Bewegung. Das grundlegende Prinzip, das sich in allen Kunstwerken der einzelnen Bewegungen innerhalb der Moderne zeigte, war jedoch die vollständige Abkehr von der Geschichte und den traditionellen Konzepten, die mit dem Realismus verbunden waren.

Künstlerinnen und Künstler begannen, neue Bilder, Materialien und Techniken zu verwenden, um Kunstwerke zu schaffen, die ihrer Meinung nach die Realitäten und Hoffnungen der sich schnell modernisierenden Gesellschaften besser widerspiegelten.

Da die Moderne nicht als einheitliche und zusammenhängende Bewegung betrachtet wurde, entwickelten sich viele verschiedene Bewegungen, die unter den Begriff Modernismus fielen. Zu diesen modernen Bewegungen gehörten Postimpressionismus, Fauvismus, Kubismus, Dadaismus, Expressionismus und Futurismus, um nur einige zu nennen. Das verbindende Element dieser Bewegungen war die Sehnsucht, mit den Gewohnheiten der gegenständlichen Kunst zu brechen.

Einen großen Einfluss auf die Moderne hatte die Bewegung des Impressionismus, da die Künstler dieser Periode begannen, bei der Darstellung von Motiven nicht-naturalistische Farben zu verwenden. Der Impressionismus war in der damaligen High Society äußerst unbeliebt, da er Elemente enthielt, die nicht in die traditionelle Art der Kunstproduktion passten. Diese Abweichung von der Norm ebnete den Weg für die Kunst der Moderne, da sie den Beginn der abstrakten Tendenzen einleitete, die noch erforscht werden mussten.

Stilleben mit Bordeuauxflasche („Stillleben mit einer Bordeauxflasche“, 1919) von Juan Gris; Juan Gris, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Modernisten setzten sich über alte Regeln in Bezug auf Farbe, Perspektive und Komposition hinweg, um ihre eigenen Vorstellungen davon zu entwickeln, wie Kunstwerke aufgebaut sein sollten. Diese Einstellungen wurden durch die rasanten Veränderungen, die die industrielle Revolution Jahrzehnte zuvor mit sich brachte, sowie durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs 1914 verstärkt. Als Reaktion auf den Schrecken und die Brutalität, die der Krieg in der Gesellschaft auslöste, verließen die Künstler in ihren Werken den Intellekt und stellten die Welt so dar, wie sie sie beobachteten.

Diese Zeit des schnellen Wandels kennzeichnete die moderne Gesellschaft zu dieser Zeit und veranlasste die Künstler, ihre Techniken in der Kunst ständig zu aktualisieren und zu verfeinern, um die Bestrebungen und Träume der modernen Welt, die sich entwickelt hatte, genau darzustellen. Die Moderne war eine Reaktion auf die sich schnell verändernden Lebensbedingungen, die durch die zunehmende Industrialisierung und den Beginn des Krieges hervorgerufen wurden, und die Künstler suchten nach neuen Themen, Arbeitstechniken und Materialien, um diesen Wandel besser zu erfassen.

Der Grund für diesen Technikwechsel lag auch darin, dass die Künstler die traditionellen Kunstformen als veraltet und daher in der modernen Gesellschaft als überflüssig ansahen. Die Künstler erklärten, dass sie eine zunehmende Entfremdung von der früheren viktorianischen Gesellschaft spürten und nach neuen Ausdrucksformen suchten, die ihre Gefühle in der neuen Welt angemessen widerspiegeln würden. Die Moderne war stark von den verschiedenen sozialen und politischen Zielen der damaligen Zeit motiviert, und die Künstler versuchten, diese idealen Visionen des menschlichen Lebens und der Gesellschaft in ihren Werken widerzuspiegeln.

Während die Künstler mit neuen Techniken experimentierten, um das moderne Leben angemessen darzustellen, versuchten sie auch, die emotionalen und psychologischen Auswirkungen einer sich schnell verändernden Welt in ihren Kunstwerken auszudrücken. Dies war ein wichtiges Element in der modernen Kunst. Künstler wie Henri Matisse und Paul Cézanne setzten sich intensiv mit ihren Themen auseinander und schockierten damit die Gesellschaft.

Die Kunst der Moderne war im Wesentlichen die Antwort der kreativen Welt auf die rationalistischen Gewohnheiten und Sichtweisen des neuen Lebens und der Ideen, die durch die technologischen Fortschritte der Industrialisierung entstanden sind. Künstlerinnen und Künstler versuchten, ihre Erfahrungen mit dem modernen Leben auf innovative Weise darzustellen, unabhängig von der Kunstgattung, in der sie arbeiteten. So zeichnete sich die Moderne Kunst durch Künstlerinnen und Künstler aus, die traditionelle Stile und Werte ablehnten, stattdessen ihre eigene Perspektive in ihre Werke einbrachten und ihre Sujets genau so darstellten, wie sie in der Welt existierten.

In den 1960er Jahren war die Moderne zu einer führenden Bewegung in der Kunstwelt geworden. Während einige Akademiker sagen, dass die Bewegung bis ins 21. Jahrhundert andauerte, behaupten andere, dass sie sich zu einer späten Form der Moderne entwickelte, die als „Postmoderne“ bezeichnet wird. Obwohl die Postmoderne den Begriff „Moderne“ in ihrem Namen trägt, wandte sie sich von den Prinzipien der Moderne ab, indem sie deren Grundannahmen verwarf, um eine neue Art von Kunst zu schaffen.

Lake George Reflection (1921-1922) von Georgia O’Keeffe; Georgia O’Keeffe, Public domain, via Wikimedia Commons

Eine angemessene Definition von Modernismus

Der Begriff „Modernismus“ wird sehr unterschiedlich interpretiert: Er reicht von einer Denkweise bis hin zu einer ästhetischen Form der Selbstbetrachtung. Darüber hinaus wurde die Bewegung auch als eine breit angelegte soziale, kulturelle und politische Initiative betrachtet, die die Prinzipien der Vergänglichkeit in der neu entstehenden urbanen Welt hochhielt.

Die Begriffe „Modernismus“ und „Moderne Kunst“ wurden von Kunsthistorikern und -kritikern verwendet, um eine Reihe von Kunstbewegungen zu beschreiben, die nach der Periode des Realismus entstanden, die von dem Künstler Gustav Courbet dominiert wurde. Der Realismus entstand kurz vor der Industriellen Revolution in Frankreich und markierte zusammen mit Courbets unverwechselbarem Stil den Beginn einer Kunstepoche, die sich von der Romantik löste, die zuvor das Kunstschaffen bestimmt hatte.

Die philosophischen Merkmale, die die modernistische Bewegung begleiteten, trugen dazu bei, sie nicht nur als Kunstmedium, sondern auch als Denkweise zu definieren. Dies zeigte sich in dem Selbstbewusstsein und dem Selbstbezug, den die Künstlerinnen und Künstler in ihre Kunstwerke einbrachten. Diese frechen und unverschämten Elemente wurden verwendet, um auf ihre neue moderne Realität zu verweisen und um zu zeigen, dass sie sich von dem, was früher als Kunst galt, entfernt hatten.

In der westlichen Gesellschaft wurde die Moderne als eine sozial liberale Denkrichtung definiert. Die moderne Kunst sollte die Kraft des Menschen anerkennen, der seine Umwelt durch den Fortschritt in Technik und Wissenschaft erschafft, verbessert und umgestaltet. Diese Veränderungen zeigten sich in den nachfolgenden Kunstströmungen, die alle ihre Grundprinzipien unter dem weit gefassten Begriff der Moderne fanden.

Der berühmte Satz des Dichters Ezra Pound aus dem Jahr 1934, „Make it New“, wurde zum Maßstab für den Ansatz der Moderne, denn Pound forderte Künstler und Kreative auf, Kunst aus ausgesprochen innovativen Materialien herzustellen.

Eine angemessene Definition der Moderne wären also Kunstwerke, die alle traditionellen Formen der Kunst ablehnen und versuchen, die Perspektive der Künstler und die Folgen und Auswirkungen der Industrialisierung in der sich entwickelnden zeitgenössischen Welt einzubeziehen.

Die Ursprünge der modernen Kunst

Der Beginn der modernen Kunst wird auf das Jahr 1863 datiert, als der Künstler Édouard Manet sein schockierendes und respektloses Gemälde Le Dejeuner sur l’herbe im Salon des Refuses in Paris ausstellte. Obwohl Manets Kunstwerk einem Renaissance-Gemälde von Raffael Respekt zollte, gilt seine Ausstellung in der Gesellschaft als der Beginn der Veränderungen in der Kunst, die zur Entstehung der Moderne führten.

Nach Manets Gemälde war die neue Generation von Künstlern es leid, den konventionellen akademischen Kunstformen zu folgen, die im 18. und frühen 19. Diese Künstler wurden als „modern“ gebrandmarkt und begannen, eine Vielzahl von Gemälden der Moderne zu schaffen, die auf neuen Themen, Materialien und Methoden basierten.

Le Déjeuner sur l’herbe (‚Luncheon on the Grass‘, 1863) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Zwar waren auch die Bildhauerei und die Architektur von diesen neuen Ideen in der Kunst betroffen, aber ihre Veränderungen fanden erst später statt. Zunächst schien die Malerei die erste kreative Sphäre zu sein, die die traditionellen Ansichten zugunsten einer modernen Sichtweise aufgab, die die damalige Gesellschaft akut widerspiegelte.

In den Jahrhunderten vor der Moderne gab es viele Fortschritte in den zahlreichen Stilen, die sich entwickelten, wie in Bewegungen wie der Renaissance, dem Barock und dem Rokoko zu sehen ist. Das vorherrschende Merkmal, das sich durch alle diese Kunstrichtungen zog, war die Idealisierung des Themas.

Anstatt genau das zu malen, was sie sahen, waren die Künstler dafür bekannt, das zu malen, was sie sich als den Inbegriff ihres Themas vorstellten.

Der erste moderne Künstler, der sich von diesen traditionellen Werten der Kunst abwandte, war Gustave Courbet, der Mitte des 19. Jahrhunderts versuchte, seinen eigenen Stil zu etablieren. Dies gelang Courbet mit seinem großen Gemälde „Begräbnis in Ornans“ (1850), in dem er die Beerdigung eines einfachen Mannes mit schmutzigen Landarbeitern um das offene Grab herum darstellte. Das verärgerte die offizielle Kunstakademie, da nur Werke, die klassischen Mythen oder historischen Szenen gewidmet waren, als geeignetes Thema für ein Gemälde dieser Größe angesehen wurden.

Obwohl Courbets Gemälde wegen dieses Werks gemieden wurde, hatte es großen Einfluss auf die folgenden Generationen moderner Künstler. Diese Idee der Ablehnung von Kunstwerken, die zuvor religiösen und bedeutenden Bildern vorbehalten waren, wurde von den Künstlern in der vollen Entwicklung der Moderne aufgegriffen, indem sie riesige Kunstwerke schufen, um das Leben und die Kämpfe der Gesellschaft so darzustellen, wie sie es für richtig hielten.

Un entierro en Ornans (‚A Burial at Ornans‘, 1849-1850) von Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Einfluss der industriellen Revolution

Der Beginn der industriellen Revolution in Frankreich in der Mitte des 19. Jahrhunderts wurde als Wendepunkt in der Weltgeschichte und in den Elementen der formalen Kunst angesehen. Mit der Erfindung und dem rasanten Fortschritt der Technologie begannen die Künstlerinnen und Künstler, ihre romantische Sicht der Welt aufzugeben, um das, was sie sahen, genau darzustellen. Diese drastische Verstädterung führte zu einer Veränderung des Tempos und der Qualität des gewöhnlichen Lebens, und die Künstler sahen sich gezwungen, diese Veränderung in ihren Werken darzustellen.

Viele Menschen zogen vom Land in die Städte, um Arbeit zu finden, und der Lebensmittelpunkt verlagerte sich vom Land und den Dörfern in die wachsenden städtischen Hauptstädte. Künstlerinnen und Künstler wurden von diesen rasanten Entwicklungen angezogen und begannen, die neuen visuellen Landschaften darzustellen, die in der Gesellschaft entstanden und die mit einer Vielzahl von modernen Wundern und Stilen darauf warteten, vollständig erforscht zu werden.

Ein bedeutender technologischer Fortschritt in dieser Zeit war die Erfindung der Kamera im Jahr 1888, die sich rasch weiterentwickelte. Mit der Weiterentwicklung der Technologie wurde die Fotografie für die breite Öffentlichkeit immer zugänglicher. Plötzlich konnten ganz normale Menschen ihre eigenen Porträts erstellen, indem sie einfach ein Foto machten, anstatt ein Kunstwerk anfertigen zu lassen.

Diese Entwicklung in der Porträtmalerei stellte eine Bedrohung für die traditionellen künstlerischen Darstellungsformen dar, da keine der bestehenden Kunstformen in der Lage war, den gleichen Grad an Detailtreue und Tiefe einzufangen wie eine Fotografie. Aufgrund der Genauigkeit der Fotografie waren die Künstler gezwungen, neue Ausdrucksmethoden zu finden, was zu neuen Ideen und Paradigmen in der Kunstwelt führte.

Jeanne au rocher (Cavalière) (1905) von Henri Manguin; w:Henri Manguin, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Einfluss des Krieges

Während die moderne Gesellschaft noch an den Fortschritt und seine vielen Vorteile glaubte, verblasste dieser Glaube mit dem Beginn des Ersten Weltkriegs. Diese Zeit löste eine weitere Empörung aus, die sich auch auf die traditionelle Kunst bezog, denn die Künstler begannen, die Moral der Urbanisierung in Frage zu stellen, wenn sie zu etwas so Grausamem wie einem Krieg führen konnte.

Der Erste Weltkrieg hatte einen zerstörerischen Einfluss auf Europa und auf die Köpfe jedes Einzelnen, den er erreichte. Nach dem Krieg kam es zu einer deutlichen Verschiebung im künstlerischen Schaffen, da die Gesellschaften begannen, sich von den Folgen des Krieges zu distanzieren. Die Städte begannen schnell zu expandieren, was Künstler, Schriftsteller und Philosophen dazu veranlasste, Ansichten und Überzeugungen zu übernehmen, die sich von denen der Vorkriegszeit unterschieden.

Einige Künstler wandten sich in ihren modernen Werken Vorstellungen von Schönheit, Ordnung und Harmonie zu, um die Unordnung, Trennung und Hässlichkeit, die der Krieg hinterlassen hatte, auszugleichen. Andere begannen, die Menschen in ihren Kunstwerken als hohl und geisterhaft darzustellen, um auf die Zerstörung hinzuweisen, die der Krieg verursacht hatte. Dies war besonders in den Kunstwerken der deutschen Expressionisten während des Ersten Weltkriegs zu sehen.

Einige Künstler sahen diese Zersplitterung und Entstellung der Figuren in der Kunst jedoch als grausam an, da die Gesellschaft bereits so viel Tod und Schmerz erlitten hatte, als die Soldaten nach Hause kamen.

Einige Künstlerinnen und Künstler hielten eine Rückkehr zum Vorkriegskubismus und zum Expressionismus für unmöglich und suchten stattdessen nach einer neuen Ausdrucksform, die ihre aktuelle Zeit angemessen einfängt, ohne brutal zu wirken.

Hauptmerkmale der modernen Kunst

Fast ein ganzes Jahrhundert lang gab es in der Modernen Kunst viele verschiedene Kunstbewegungen, die alle eine Vielzahl unterschiedlicher Elemente und Techniken beinhalteten. Die Moderne umfasste alles in ihren nachfolgenden Bewegungen, einschließlich der reinen Abstraktion, des Hyperrealismus und der Anti-Kunst-Stile, um nur einige zu nennen. Aufgrund der großen Vielfalt der Bewegung ist es schwierig, einheitliche Merkmale zu finden, mit denen man diese Epoche definieren kann.

Eine Sache, die man jedoch über die Kunst der Moderne sagen kann und die sie von den vorangegangenen Bewegungen und der darauf folgenden Postmoderne unterscheidet, ist, dass die Künstlerinnen und Künstler wirklich glaubten, dass ihre Kunst wichtig war und einen echten Wert hatte. Das unterscheidet sie von ihren Vorgängern, die einfach davon ausgingen, dass ihre Werke wertvoll waren, wenn sie traditionelle Elemente enthielten, nur weil die Kunstakademien ihnen das sagten.

Homme assis (‚Seated Man‘, 1914) von Roger de la Fresnaye; Roger de La Fresnaye, Public domain, via Wikimedia Commons

Auch wenn es kein einzelnes definierendes Merkmal der Modernen Kunst gibt, so hat sie doch einige wichtige Merkmale, die sich auf einige Bewegungen beziehen. Das erste Merkmal war, dass die meisten Bewegungen der Modernen Kunst versuchten, eine neue Art von Kunst zu schaffen, indem sie Stile wie Collagekunst, Assemblage, Animation, Fotografie, Land Art und Performance Art verwendeten.

Das zweite Merkmal war, dass die meisten modernen Malerinnen und Maler versuchten, neue Materialien für ihre Kunst zu verwenden, z. B. indem sie Zeitungsfragmente und andere Gegenstände auf die Leinwände klebten. Ein gutes Beispiel dafür ist der Künstler Marcel Duchamp, der die Verwendung von Readymade-Objekten durch seine ikonischen Kunstwerke populär machte, die er im Wesentlichen aus Müll schuf. Durch die Verwendung einer Vielzahl neuer Materialien entstand eine Art Assemblagekunst, die es einigen Künstlern ermöglichte, eine Vielzahl unterschiedlicher und gewöhnlicher Materialien in einem einzigen Werk zu kombinieren.

Das dritte Merkmal, das die meisten Modernisten in ihre Werke einfließen ließen, war die lebhafte Verwendung von Farben. Die Bewegungen, die sich dieser Technik am meisten bedienten, waren der Fauvismus und der Expressionismus, da die Künstlerinnen und Künstler dieser Genres dazu neigten, die Farbe auf vielfältige Weise einzusetzen, um die Emotionen, die sie vermitteln wollten, zu unterstreichen.

Das vierte Merkmal, das in der Moderne zum Einsatz kam, war die Erfindung neuer Techniken. Beispiele dafür sind das automatische Zeichnen und die Frottage, die von surrealistischen Künstlern erfunden wurden, sowie Benday Dots und Siebdruck, die von Pop-Künstlern eingeführt und in die formale Kunst eingeführt wurden.

Kritik an der modernen Kunst

Wie jede andere Kunstepoche hatte auch die Moderne Kunst ihren Anteil an der Kritik. Da die Moderne die konventionellen Elemente der Kunst außer Acht ließ und den Schwerpunkt auf freie Meinungsäußerung, Experimentierfreude und Radikalität legte, stieß sie beim Publikum auf völligen Unglauben und Empörung. Die Moderne schaffte es auch, bestimmte Zielgruppen durch ihre exzentrischen und unvorhersehbaren Effekte zu entfremden, wie z. B. die verstörenden Motive, die in surrealistischen Kunstwerken vorkamen.

Ein großer Kritiker der Moderne war die deutsche Nazi-Regierung, die die Kunstwerke der Moderne als narzisstisch und unsinnig ansah. Die Nazis gingen sogar so weit, die Moderne Kunst als „entartete Kunst“ zu bezeichnen, und ließen einige Werke des deutschen Expressionismus zerstören.

Plakat, das potenzielle Käufer zu einer von den Nazis gesponserten Vorverkaufsveranstaltung von Entartete Kunst, Berlin, 1938; Bundesarchiv, Bild 183-H02648 / CC-BY-SA 3.0, CC BY-SA 3.0 DE, via Wikimedia Commons

Die wichtigsten Bewegungen der Moderne

Da die Moderne lediglich ein Oberbegriff für eine Vielzahl verschiedener Bewegungen war, die nach der industriellen Revolution und im frühen 20. Jahrhundert entstanden, ist es leicht, sich zu fragen: Was ist die Moderne? Im Grunde genommen war die Moderne eine Zeit, in der es viele Bewegungen gab. Was diese Bewegungen ähnlich machte, war das verbindende Merkmal, dass sie alle traditionellen Formen der Kunst ablehnten, was sie alle auf ihre Weise modern machte.

Impressionismus (1870er – 1880er Jahre)

Der Impressionismus gilt als wichtiger Vorläufer der Moderne und machte die Verwendung von nicht-naturalistischen Farben in seinen Kunstwerken berühmt. Wie wichtig der Impressionismus war, zeigte der Künstler Claude Monet, dessen Landschaftsbilder sich darauf konzentrierten, flüchtige Momente des Lichts und der Farben bis ins kleinste Detail einzufangen.

Diese Liebe zum Detail zeigte sich auch bei der Wahl der Farben, denn diese lebhaften und schockierenden Farben sollten die Emotionen, die sie empfanden, unterstreichen. Außerdem verwendeten die Impressionisten lockere und stark strukturierte Pinselstriche, die das Gemälde aus der Nähe betrachtet unkenntlich machten. Diese besonderen Techniken machten den Impressionismus in den konventionellen Kunstkreisen sehr unbeliebt, da die Werke nicht den traditionellen Elementen der Kunst entsprachen.

Dies führte dazu, dass der Impressionismus als ein wichtiger Einfluss der Moderne angesehen wurde, da er eine der ersten Bewegungen war, die den Realismus, der mit der traditionellen Kunst verbunden war, durch die Farbpalette und die verwendeten Pinselstriche ablehnte. Der Impressionismus setzte sich für die Verwendung unrealistischer Farben in Kunstwerken ein und ebnete damit den Weg für die Entstehung der abstrakten Kunst. Dies blieb ein wichtiges Merkmal in den sich entwickelnden Bewegungen der modernen Kunst.

Seerosen (1906) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Fauvismus (1905 – 1907)

Angeführt von Henri Matisse war der Fauvismus eine unglaublich kurzlebige Bewegung, die Mitte des 19. Jahrhunderts in Paris entstand. Trotz seiner kurzen Lebensdauer war er eine unglaublich dynamische und einflussreiche Bewegung und galt zu seiner Zeit als sehr modischer und moderner Stil.

Der Fauvismus ist bekannt dafür, dass er auf dem Salon d’Automne seinen Anfang nahm. Die Bewegung wurde sofort für ihre intensiven, lauten und nicht-naturalistischen Farben bekannt, die in den Kunstwerken verwendet wurden. Diese exzessive Verwendung von Farben ließ die vorangegangene Bewegung des Impressionismus in ihrer Farbauswahl monochrom erscheinen, während die Verwendung von Farben im Fauvismus extrem übertrieben war.

Der wichtigste Beitrag des Fauvismus zur Bewegung der Modernen Kunst war die Demonstration der Macht der Farbe. Der Fauvismus zeigte die unabhängige Kraft der Farben, die die Kunstwerke in eine Kraft verwandelte, mit der man rechnen musste, wenn verschiedene Farben kombiniert wurden. Darüber hinaus wurde der Fauvismus als eine sehr subjektive Bewegung angesehen, die eine starke Konkurrenz zu dem zuvor verwendeten klassischen Kunststil darstellte.

Salon d’Automne 6th Annual Exhibition poster (1908); Maxime Dethomas (1867-1929), Public domain, via Wikimedia Commons

Expressionismus (1905 – 1920)

Obwohl er bereits in den Werken von Künstlern wie Paul Gauguin und Vincent Van Gogh angedeutet wurde, entstand die expressionistische Bewegung erst im Vorkriegsdeutschland. Innerhalb des Expressionismus bildeten sich zwei Gruppen heraus, die sich Die Brücke und Der Blaue Reiter nannten und die diese Bewegung als Teil der modernen Kunst definierten.

Der Expressionismus, der vor und nach dem Ersten Weltkrieg entstand, soll sich stark an den Grausamkeiten orientiert haben, die dort geschehen sind. Die expressionistische Bewegung machte den Schrecken des Krieges zu ihrem Hauptthema und schuf Werke, die die Verwüstung und die Folgen für die Gesellschaft nach Kriegsende genau widerspiegelten.

Links: Katalogumschlag der Künstlergruppe „Die Brücke“ mit dem Holzschnitt Sitzende Fränzi, 1910; Prof. Andreas Hoch, für das Bundesministerium der Finanzen und die Deutsche Post AG, Public domain, via Wikimedia Commons. Rechts: Briefmarkenentwurf für die Gruppe „Der Blaue Reiter“ mit dem Gemälde „Blaues Pferd I“ von Franz Marc; Franz Marc, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Brücke wurde 1905 in Dresden gegründet und war eine der wichtigsten Gruppen des Expressionismus. Die Brücke wurde von dem Künstler Ernst Ludwig Kirchner gegründet und nutzte in ihren Werken figürliche Verzerrungen, eine ursprüngliche Geradlinigkeit in der Darstellung und eine ausdrucksstarke Verwendung von Farben.

Die zweite wichtige Gruppe innerhalb der expressionistischen Bewegung war Der Blaue Reider. Der Blaue Reiter“ wurde 1911 von Wassily Kandinsky in München gegründet und konzentrierte sich auf das Potenzial der reinen Abstraktion in der Kunst. Kandinsky vertrat auch die Ansicht, dass die Abstraktion eine Vollständigkeit bietet, die die bloße Darstellung nicht hat.

Die Bedeutung des Expressionismus innerhalb der Moderne bestand darin, dass die Bewegung die Idee der Subjektivität in der Malerei popularisierte. Außerdem war die lebendige Farbpalette, die in den Werken des Expressionismus verwendet wurde, ein grundlegendes Merkmal der anderen modernen Kunstbewegungen.

Kubismus (1908 – 1914)

Der Kubismus wurde von den Künstlern Pablo Picasso und Georges Braque entwickelt und war ein ziemlich harter und herausfordernder Malstil. Diese Kunstform unterschied sich stark von früheren Bewegungen, die von den Techniken der linearen Perspektive und sanft geschwungenen Volumen inspiriert waren, die in der Renaissance berühmt wurden. Stattdessen nutzte der Kubismus eine kompositorische Anordnung von flachen und zerbrochenen Flächen, die zu einem Gemälde kombiniert wurden.

Der Kubismus wurde in zwei Versionen entwickelt, den analytischen und den synthetischen Kubismus. Der analytische Kubismus, der von 1910 bis 1012 existierte, untersuchte die Verwendung von Grundformen und sich überschneidenden Flächen, um die individuellen Formen der Motive in einem Gemälde darzustellen. Der synthetische Kubismus entstand danach und dauerte von 1912 bis 1914. Dieser Stil betonte die Einbeziehung von Merkmalen wie einfachen Formen und leuchtenden Farben, die kaum Tiefe in den Kunstwerken hatten.

Trotz seines Einflusses auf die abstrakte Kunst war die Anziehungskraft des Kubismus äußerst begrenzt. Ein wichtiger Beitrag der kubistischen Bewegung innerhalb der modernen Kunst war jedoch, dass sie mit der Schaffung der flachen Bildebene eine völlig neue Alternative zur herkömmlichen Perspektive bot.

Mandolin and Fruit Dish (1925) von Juan Gris; Juan Gris, Public domain, via Wikimedia Commons

Futurismus (1909 – 1944)

Die futuristische Bewegung, die von dem italienischen Kunsttheoretiker und Dichter Filippo Tommaso Marinetti gegründet wurde, war eine Kunstform, die Technologie, Geschwindigkeit, Erfindungen wie das Automobil und das Flugzeug sowie wissenschaftliche Errungenschaften feierte.

Diese Bewegung sah all diese Entwicklungswege als lobenswert an und glaubte, dass sie für den Fortschritt der modernen Gesellschaft verantwortlich waren. Der Futurismus nahm die Dynamik und Energie der modernen Welt auf und schlug vor, Kunst zu schaffen, die die Modernität und die Entwicklung der Technologie in all ihren Formen feiert.

Als eine sehr einflussreiche Bewegung nahm er Elemente aus anderen Epochen wie dem Neoimpressionismus, dem italienischen Divisionismus und dem Kubismus auf. Dies zeigte sich in den zersplitterten Formen und den zahlreichen Blickwinkeln, die für einige futuristische Kunstwerke typisch waren.

Seine einflussreichste Phase erlebte der Futurismus zwischen 1909 und 1914, als der Erste Weltkrieg die erste Welle des Futurismus zum Erliegen brachte. Dies veranlasste die Künstler, sich anderen Stilen zuzuwenden, die Elemente der Moderne enthielten. Nach dem Ende des Krieges belebte Marinetti die Bewegung jedoch wieder und entwickelte sie zu dem weiter, was als Futurismus der zweiten Generation bezeichnet wurde. Der Futurismus wurde als eine bedeutende Bewegung der modernen Kunst angesehen, da er das Element der Bewegung in die Kunst einführte und das Konzept der Schönheit mit wissenschaftlichen Errungenschaften verband.

Souvenir d’une nuit (‚Memories of a Night‘, 1911) von Luigi Russolo; Luigi Russolo, Public domain, via Wikimedia Commons

Dadaismus (1916 – 1924)

Dada gilt als die erste Anti-Kunst-Bewegung und war eine Kunstpraxis, die sich gegen das System auflehnte, das die Gräueltaten des Ersten Weltkriegs zugelassen hatte. Der Dadaismus begann im Cabaret Voltaire in der Schweiz und wurde von einer Gruppe von Künstlerinnen und Künstlern angeführt, die während des Kriegsausbruchs in das neutrale Land umgezogen waren.

Die ausgelassenen, witzigen und ikonoklastischen Performances sollten die bürgerliche Gesellschaft und die wirtschaftlichen Kräfte, die die Dadaisten für den Ausbruch des Krieges verantwortlich machten, scharf kritisieren. Der Dadaismus wurde schnell zu einer revolutionären Bewegung, da sein Hauptziel darin bestand, das Kunstestablishment zu untergraben, um auf die Sinnlosigkeit von Ordnung und Tradition hinzuweisen, die zum Krieg führten.

Mit Hilfe von Performance-Kunst, die sich nicht vermarkten ließ, setzte sich die Dada-Bewegung für die Abschaffung der kommerziellen Kunstinstitution und ihrer traditionellen Konzepte und Begründungen ein. Dada-Künstler machten sich die Begriffe Irrationalität und Originalität in ihren Werken zu eigen, wie Künstler wie Jean Arp, Hugo Ball und Marcel Duchamp zeigen.

Der bekannteste Künstler der Dada-Bewegung war Duchamp, dessen berühmt-berüchtigter Brunnen aus dem Jahr 1917 eine enorme Kontroverse auslöste, weil er in seinem Kunstwerk lediglich ein gewöhnliches Pissoir benutzte und es zur Ausstellung einreichte. Duchamp führte auch die Idee des „ready-mades“ in die Kunst ein, also die Verwendung von Alltagsgegenständen anstelle von traditionellen künstlerischen Elementen.

Der Dadaismus war eine wichtige Bewegung in der modernen Kunst, da es ihm gelang, die traditionelle Kunstakademie durch seine anarchistischen Tendenzen zu stören. Der Dadaismus brachte große Kreativität und Kritik in die moderne Gesellschaft ein, indem er Alltagsgegenstände in Kunst verwandelte und das Publikum dazu zwang, darüber nachzudenken, was Intellekt in Kunst und Gesellschaft wirklich bedeutet.

Marcel Duchamps Fountain (1917), Foto von Alfred Stieglitz in der 291 (Art Gallery) nach der Ausstellung der Society of Independent Artists 1917, mit sichtbarem Eintrittsschild. Der Hintergrund ist The Warriors von Marsden Hartley; Marcel Duchamp, Public domain, via Wikimedia Commons

Surrealismus (1924 – 1950er Jahre)

Der Surrealismus, der gleich nach dem Dadaismus entstand und seinen aufrührerischen Humor beibehielt, wurde von dem Schriftsteller Andre Breton in Paris gegründet. Der Surrealismus galt als letzte bedeutende Avantgarde-Bewegung der Zwischenkriegszeit, die mit dem Ausbruch des Zweiten Weltkriegs zu verschwinden begann.

Der Surrealismus, der aus der nihilistischen Dada-Bewegung hervorging, lehnte die Vorstellungen von Ordnung und Schönheit in seinen Kunstwerken ab, wurde aber nicht als kunstfeindlich oder stark politisch angesehen. Der Surrealismus hatte eine Vorliebe für das Irrationale und schuf Kunstwerke, die Träume, Halluzinationen und zufällige und automatische Bilderzeugung verwendeten. Dies geschah, um rationale Denkprozesse bei der Schaffung von Kunst zu umgehen und um die Absurdität in den Köpfen der Gesellschaft zu demonstrieren.

Surrealistische Künstlerinnen und Künstler vermieden jede Vorstellung von Rationalität in ihren Werken. Stattdessen orientierten sich die Künstler an psychologischen Konzepten über das Unbewusste, die vor allem von dem Neurologen Sigmund Freud eingeführt wurden, der glaubte, dass dort die Grundlage der künstlerischen Kreativität liegt. So versuchte der Surrealismus, durch die Interpretation von Träumen und den Einsatz von Automatismus in seinen Kunstwerken eine Verbindung zum Unterbewusstsein herzustellen.

Der wichtigste Beitrag des Surrealismus zur Moderne war seine Fähigkeit, eine erfrischende Reihe neuer Kunstwerke zu schaffen, die aus dem eigenen Unterbewusstsein heraus konstruiert wurden. Der Surrealismus war in der Lage, in der Zwischenkriegszeit eine Zeit der Fantasie und des Spaßes in die moderne Kunst einzuführen.

Desejo de amor (‚Longing for Love‘, 1932) von Ismael Nery; Ismael Nery, Public domain, via Wikimedia Commons

Abstrakter Expressionismus (1940er – 1950er Jahre)

Der Abstrakte Expressionismus entstand in New York City nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs und wurde von einer Gruppe vage miteinander verbundener Künstlerinnen und Künstler ins Leben gerufen, die ein stilistisch vielfältiges Gesamtwerk schaffen wollten. Der Abstrakte Expressionismus, der auch als New York School bekannt ist, führte extreme neue Richtungen in der Kunst ein und lenkte die Aufmerksamkeit der Kunstwelt auf die abstrakte Kunst der Moderne.

Der abstrakte Expressionismus, der stark von europäischen Künstlern, die in Amerika lebten, beeinflusst wurde, bestand aus zwei Hauptstilen. Der erste war eine extrem energiegeladene Form der gestischen Malerei, die von Jackson Pollock eingeführt wurde, und der zweite war ein eher passiver, stimmungsgesteuerter Stil, der als Farbfeldmalerei bekannt ist und durch Mark Rothko berühmt wurde.

Der abstrakte Expressionismus zielte darauf ab, Kunst zu schaffen, die zwar immer noch abstrakt ist, aber dennoch große Ausdruckskraft und Emotionen hervorrufen kann. Inspiriert wurde dies von der vorangegangenen Bewegung des Surrealismus, denn auch die abstrakten Expressionisten vertraten die Auffassung, dass Kunst aus dem Unbewussten entstehen sollte. Der Einfluss des Abstrakten Expressionismus innerhalb der Moderne bestand darin, dass er die Abstraktion populär machte und einen neuen Stil namens „Action Painting“ erfand, wie Pollocks Drip Paintings zeigen.

Good hope II (Pastoral) (1945) by Arshile Gorky; Аршил Горки (1904-1948), Public domain, via Wikimedia Commons

Pop Art (1950er – 1960er Jahre)

Die letzte einflussreiche Bewegung innerhalb der Modernen Kunst war die Pop Art. Die Pop Art entstand Ende der 1950er Jahre in Amerika und England und spiegelte die Populärkultur und den Massenkonsum im Amerika der frühen 1960er Jahre wider. Die Pop Art war eine dominante Form der Avantgarde-Kunst, weil sie unverschämte und leicht zu erkennende Bilder verwendete, leuchtende Blockfarben einsetzte und berühmte Ikonen einbezog.

Andy Warhol war eine beispielhafte Figur der Pop Art-Bewegung, denn seine Verwendung berühmter Ikonen und bekannter Persönlichkeiten in seinen Kunstwerken machte seine Werke unglaublich bekannt. Die Pop Art verzweigte sich auch in die Gestaltung von Postern, Werbung, Comics und Produktverpackungen, um die Flexibilität der Kunst in der neuen Konsumgesellschaft zu demonstrieren. Außerdem trugen diese Materialien dazu bei, die Trennung zwischen kommerzieller Kunst und bildender Kunst aufzuheben.

Im Grunde genommen feierte die Pop Art den Konsumismus der Nachkriegszeit. Die Bewegung lehnte den Abstrakten Expressionismus ab, um die Werbung, die materielle Konsumkultur und die Bilddarstellung der Massenproduktionszeit zu preisen und zu verherrlichen. Der wichtigste Beitrag der Pop Art zur modernen Kunst bestand also darin, zu zeigen, dass jede Kunst, die als würdig erachtet wird, nicht nur aus reinen Gebrauchsgegenständen bestehen, sondern auch anspruchslos und massenmarkttauglich sein kann.

Keith Harings Wandgemälde We Are The Youth an der 22nd und Ellsworth Street in Philadelphia. Es wurde 1987 in Zusammenarbeit mit der CityKids Foundation, einer Jugendorganisation mit Sitz in New York, fertiggestellt.; Keith Haring, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Moderne Kunst in Amerika

Aufgrund der Weitläufigkeit der Modernen Kunst ist es nicht einfach, die verschiedenen Bewegungen in Amerika und Europa in eine chronologische Zeitleiste zu integrieren. Sowohl für die amerikanische als auch für die europäische Moderne gibt es eine Vielzahl historischer und soziokultureller Faktoren, die es sehr schwierig machen, die beiden Varianten der Modernen Kunst zu kombinieren.

Die Moderne Kunst brauchte etwas länger, um sich in Amerika bei Künstlern, Kritikern und der Öffentlichkeit zu etablieren. Vor der Entwicklung des Modernismus gab es eine Reihe anderer amerikanischer Bewegungen, die damit begonnen hatten, Elemente der Moderne in ihre Kunstwerke aufzunehmen.

Das Ereignis, das als wahrer Katalysator für das Wachstum des Modernismus in Amerika fungierte, war die Armory Show 1913 in New York. Fast 1300 Kunstwerke von 300 Künstlern wurden ausgestellt, wobei zwei Drittel dieser Künstler Amerikaner waren. Zu den Stilrichtungen dieser Werke gehörten Ashcan, französischer Impressionismus, Kubismus und Fauvismus, die Künstlerkollegen, Sammlern, Kritikern und der Öffentlichkeit einen Einblick in die Zukunft der modernen Kunst gaben.

Die Ideen der Moderne begannen in den Köpfen amerikanischer Künstlerinnen und Künstler zu wachsen und wurden in den kommenden Jahren durch die Künstlerflüchtlinge, die zu Beginn des Ersten Weltkriegs aus Europa flohen, gefördert. Auch der Zustrom von Künstlern, die das von den Nazis besetzte Europa im Vorfeld des Zweiten Weltkriegs verließen, brachte neue Techniken und Philosophien mit, die amerikanische Künstler stark inspirierten und die Entwicklung der Modernen Kunst vorantrieben.

Die Einführung des Abstrakten Expressionismus wurde ebenfalls als ein wichtiger Wendepunkt in der amerikanischen Moderne angesehen, da die Künstlerinnen und Künstler weitgehend von den europäischen Avantgardekünstlern beeinflusst wurden, die sich in Amerika niedergelassen hatten. Aufgrund des wirtschaftlichen Vorteils, den das Land nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs erlangte, löste New York Paris als inoffizielle Hauptstadt der westlichen Kunst ab. Dies sollte dazu führen, dass die Moderne Kunst in Amerika zu einer vollwertigen Bewegung wurde.

Bemerkenswerte moderne Künstler und ihre bekannten Kunstwerke

Während der ausgedehnten Periode der Modernen Kunst haben viele verschiedene künstlerische Bewegungen die Ablehnung des Traditionalismus und die Einführung der Moderne in den von der Moderne geschaffenen Gemälden aufgegriffen. Im Folgenden sind einige der bemerkenswertesten Künstler und ihre Kunstwerke aus der Ära der Moderne aufgeführt.

Paul Cézanne (1839 – 1906)

Ein bedeutender Künstler der impressionistischen und postimpressionistischen Periode war Paul Cézanne, dessen Werke als wichtige Wegbereiter für die Entwicklung der modernen Kunst gelten. Das Gemälde „Die großen Badenden“, das in dem Jahr, in dem Cézanne starb, fertiggestellt wurde, entstand zwischen 1898 und 1906 und gilt als eines der besten Beispiele für Cézannes Auseinandersetzung mit dem Thema des modernen und mutigen Aktes in einer natürlichen Umgebung.

Cézanne schuf eine Reihe dieser badenden Akte, wobei Die großen Badenden sowohl sein letztes als auch sein größtes Werk in dieser Serie ist. In diesem Werk stellte Cézanne die weiblichen Akte in zahlreichen mühelosen Positionen dar, wobei die Leichtigkeit, mit der er seine Komposition schuf, mit dem Arrangement von Gegenständen in einem Stillleben verglichen werden kann. Der Bogen, der durch die sich überschneidenden Bäume und den Himmel gebildet wird, trägt dazu bei, die Figuren in der Mitte des Gemäldes zu erden und macht sie zum Mittelpunkt, indem er den Blick des Betrachters nach innen lenkt.

Les Grandes Baigneuses (‚The Large Bathers‘, 1906) von Paul Cézanne; Paul Cézanne, Public domain, via Wikimedia Commons

Mit dem Gemälde „Die großen Badenden“ wollte Cézanne ein Kunstwerk schaffen, das als zeitlos angesehen wird. Er erreichte dies, indem er von den impressionistischen Themen Licht und natürliche Wirkung abwich und stattdessen die Szene als Serie komponierte, in der der Schwerpunkt auf den sorgfältig konstruierten Figuren lag. Cézanne interessierte sich mehr für die Art und Weise, wie seine Formen den Raum einnahmen, als dafür, seine visuellen Beobachtungen so realistisch wie möglich darzustellen.

Dieses Kunstwerk gilt als wichtiger Vorläufer für die Entwicklung des Kubismus, denn die Störung des Illusionismus und die zunehmende Abstraktion waren Elemente, die später von der kubistischen Bewegung übernommen wurden. Die Pinselstriche in diesem Gemälde waren offensichtlich, was Cézannes Werk eine unvollständige Qualität verlieh. Außerdem hinterließ er kühne Spuren seiner Arbeitsweise auf seinen Gemälden, wobei seine Farben an bestimmten Stellen ineinander übergingen.

Trotz seines scheinbar unvollkommenen Zustands wird „Die großen Badenden“ aufgrund der Merkmale, die es in die Kunstwelt einführte, als ein Meisterwerk der modernen Kunst angesehen. Cézannes Werk wurde für seine lebendigen und doch kühlen Farben gelobt, die auf der Leinwand herumwirbelten, und die Beherrschung seiner Farben wurde später zu einem wichtigen Merkmal der modernen Kunst.

Claude Monet (1840 – 1926)

Ein weiterer einflussreicher Künstler in der Zeit des Impressionismus war Claude Monet. Der Impressionismus wird allgemein als die erste vollständig moderne Bewegung angesehen, und einige seiner Merkmale haben die späteren Bewegungen der Moderne beeinflusst. In seinen Landschaftsbildern legte Monet den Schwerpunkt auf Licht und Atmosphäre, die zu den wichtigsten Merkmalen des Impressionismus gehörten. In seinem Gemälde mit dem Titel Impression, Sonnenaufgang aus dem Jahr 1873 zeigt Monet, dass er sich auf dieselben Elemente konzentriert.

Impression, Sonnenaufgang gilt als Monets bahnbrechendes Kunstwerk der Moderne. Es zeigt einen nebligen Sonnenaufgang über einem französischen Hafen und einen sehr unscharfen Hintergrund. Die orangefarbenen und gelben Töne, die Monet gewählt hat, kontrastieren lebhaft mit den dunkleren Schiffen, wobei für den Betrachter nur wenige oder gar keine Details zu erkennen sind.

Monets lockerer Malstil und seine Abstraktion zeigen, was er fühlte und erlebte, als er die Hafenszene malte, was für einen Maler zu dieser Zeit sehr ungewöhnlich war. Außerdem verdeutlichte der Titel seines Werks den flüchtigen Charakter seines Gemäldes, da es nur auf dem basierte, was Monet zum Zeitpunkt des Sonnenaufgangs beobachtete.

Impression, Sunrise (1872) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Dieses Gemälde war sehr ungewöhnlich für Monets eigene Arbeit zu dieser Zeit und für die impressionistische Bewegung im Allgemeinen, da es wenig bis gar keine impressionistischen Methoden für Licht und Farbe zeigte. Die gewählten Farben waren unglaublich zurückhaltend und an manchen Stellen ließ Monet Teile der Leinwand ganz sichtbar.

Monets Werke galten als äußerst atmosphärisch und subjektiv, im Gegensatz zu den analytischen Bildern, die später ein wichtiges Merkmal der modernen Kunst werden sollten. Monet beschränkte die Details in Impression, Sonnenaufgang auf ein Minimum und verwendete eine flüchtige, fast abstrakte Technik. Dadurch zog der Stil seines Gemäldes mehr Aufmerksamkeit auf sich als die eigentliche Komposition, was die Betrachter damals empörte. Die Zuschauer behaupteten sogar, dass sie nicht erkennen konnten, was sie da sahen.

Aufgrund der von Monet in Impression, Sonnenaufgang verwendeten Techniken wird dieses Werk als wichtiger Vorläufer der Moderne angesehen, da es eine Vielzahl von Stilen verwendet, die später andere moderne Bewegungen beeinflussen sollten.

Georges Seurat (1859 – 1891)

Ein wichtiger neoimpressionistischer französischer Künstler war Georges Seurat, dessen Gemälde seinen eigenen Ruf zu übertreffen schienen. Seurat veränderte die Richtung der modernen Kunst, indem er die neoimpressionistische Bewegung einführte, die in einer Zeit entstand, in der die Maler im modernen Frankreich nach neuen Methoden suchten. Das bekannteste und größte Gemälde von Seurat ist sein Meisterwerk „Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte“ aus den Jahren 1884 bis 1886, das ein wichtiges Werk des Neoimpressionismus ist.

Seurats Kunstwerk zeigt entspannte Menschen in einem Park auf der Seine-Insel „La Grande Jatte“, die im 19. Jahrhundert ein beliebter Ort für die Pariser Mittel- und Oberschicht war. Was dieses Gemälde so bemerkenswert macht, ist die Tatsache, dass es etwas so Langweiliges und Alltägliches wie einen normalen Sonntagnachmittag zeigt, aber dennoch einen Hauch von Geheimnis hat.

A Sunday on La Grande Jatte (1884) by Georges Seurat; Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons

Auf den ersten Blick sieht dieses Werk wie ein Gemälde aus, das normale Menschen beim Entspannen im Park zeigt. Bei näherer Betrachtung kommen jedoch wirklich merkwürdige Bilder zum Vorschein. So scheint die Dame mit dem Sonnenschirm auf der rechten Seite einen Affen an der Leine zu führen, und das kleine Mädchen im weißen Kleid, das in der Mitte des Bildes steht, ist die einzige Figur, die ohne Schatten abgebildet ist.

Außerdem führte Seurat mit seinen bizarren Kunstwerken einen neuen Malstil ein, der Pointillismus genannt wurde und auch heute noch unter diesem Namen bekannt ist. Diese Maltechnik wurde sehr systematisch und fast wissenschaftlich entwickelt, war aber für andere Künstler relativ leicht zu kopieren. Seurat begann mit einer Schicht aus kleinen horizontalen Pinselstrichen in Komplementärfarben, auf die er später kleine Punkte setzte, die aus der Ferne fest und strahlend wirkten.

Damit wollte er seine Theorie beweisen, dass das Malen in Punkten eine hellere Farbe erzeugt als das Malen in Strichen, da das Auge des Betrachters die Farben aus der Ferne optisch vermischen kann. Dies führte zu einem radikalen Wendepunkt in der Ära der Modernen Kunst, da die Künstlerinnen und Künstler nun eine alternative Möglichkeit hatten, die Formen in ihren Kunstwerken zu definieren, anstatt sich der abgenutzten traditionellen Methoden zu bedienen.

Henri Matisse (1869 – 1954)

Ein wichtiger Künstler innerhalb der Fauvismus-Bewegung war Henri Matisse, der für seine ausdrucksstarke Verwendung von Farben und seine flüssigen und originellen Zeichentechniken bekannt war. Matisse wird gemeinhin als ein Künstler angesehen, der die bahnbrechenden Entwicklungen in der bildenden Kunst mitbestimmt hat.

Eines dieser Werke ist sein Gemälde mit dem Titel Le Bonheur de Vivre (Die Freude am Leben), das er zwischen 1905 und 1906 malte. In diesem Werk stellt Matisse blau-grüne und rosa Nackte dar, die tanzen, singen und in einer scheinbar makellosen und bunten Version von Eden herumtollen.

Le Bonheur de vivre (‚The Joy of Life‘, 1905-1906) von Henri Matisse; Regan Vercruysse from Phelps, New York, USA, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Durch die Überbetonung und Vereinfachung seiner Figuren in ungeraden Winkeln gelang es Matisse, die Leinwand als bloßen zweidimensionalen Träger für den harmonischen Farbkontrast zu betonen und nicht als präzise Darstellung der Natur.

Matisse trennte in seinen Kunstwerken die Farbe von der Argumentation, da er diese hellen Töne als Ausdrucksmittel verwendete, das keinen visuellen Sinn ergeben sollte. Es wird angenommen, dass diese Technik dazu diente, das Konzept des Primitivismus in die Moderne des 20. Jahrhunderts einzuführen, da Künstler wie Matisse in einer Zeit, die von der rasanten Industrialisierung und Modernisierung beherrscht wurde, naive und einfache Kunstwerke malten. Außerdem verriet Matisse mit seinen Werken viel über das Neuland der entstehenden Moderne.

Giacomo Balla (1871 – 1958)

Der futuristische Künstler Giacomo Balla schuf einige unglaublich bekannte Kunstwerke der modernen Kunst. Als einer der Hauptvertreter des Futurismus stellte Balla in seinen Werken gekonnt Licht, Bewegung und Geschwindigkeit dar. Was ihn von anderen Futuristen unterschied, war, dass er sich nicht auf die Bewegung einer Maschine konzentrierte, was dazu führte, dass seine Kunstwerke sehr verspielt und witzig waren.

Ballas bekanntestes Werk und zugleich das bekannteste Werk der futuristischen Bewegung war sein Gemälde von 1912 mit dem Titel Dynamik eines Hundes an der Leine. In diesem Werk verband Balla die Idee von Kunst und Wissenschaft, die durch seine Faszination für chronophotographische Studien von Tieren in Bewegung beeinflusst wurde. Die Chronofotografie war eine Technik, bei der mehrere Fotos in schneller Folge aufgenommen wurden, um die Bewegung eines Motivs festzuhalten.

Dynamism of a Dog on a Leash (1912) von Giacomo Balla; Giacomo Balla, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Das Kunstwerk zeigt einen schwarzen Dackel, der neben einer Frau in dunklen Schuhen und einem Kleid spazieren geht, was den monochromen Eindruck des Bildes noch verstärkt. Sowohl die Füße der Figur als auch der Hund befinden sich in schneller Bewegung, was durch die leichte Unschärfe und die Vervielfältigung ihrer Teile sowie die zahlreichen Darstellungen der Hundeleine verdeutlicht wird.

Ein auffälliges Merkmal dieses Gemäldes ist die ruhige Aufrichtigkeit, die durch den hüpfenden Hund angedeutet wird. Während der Titel des Gemäldes die lebhafte Bewegung des Hundes ausdrückt, steht die ruhige Aufrichtigkeit des Werks im Widerspruch dazu.

Um den Eindruck von Geschwindigkeit zu verstärken, malte Balla den Grund mit diagonalen Linien und platzierte seine Unterschrift und das Datum in einem lebhaften Winkel. In diesem Werk kommen Merkmale zum Tragen, die in der Moderne von Bedeutung waren, wie die Faszination für Geschwindigkeit und Technologie, auf die sich später auch andere moderne Bewegungen bezogen.

Pablo Picasso (1881 – 1973)

Ein wichtiger Künstler innerhalb der kubistischen Bewegung war der spanische Künstler Pablo Picasso. Seine Werke werden in verschiedene Perioden eingeteilt, wie zum Beispiel die Blaue Periode und die Rosa Periode, die es Picasso ermöglichten, mit einer Vielzahl von Stilen zu experimentieren. Dazu gehören der analytische und der synthetische Kubismus, aber auch Elemente des Neoklassizismus und des Surrealismus, die er in seinen späteren Werken verwendete.

Von all seinen kubistischen Werken ist sein Gemälde Les Demoiselles d’Avignon aus dem Jahr 1907 eines seiner bemerkenswertesten Werke. Es gilt als das Kunstwerk, das die kubistische Bewegung begründet hat. Picassos Werk wurde wegen der Darstellung einer Bordellszene und der groben, auffälligen und abstrakten Formen, die er für die Darstellung der Frauen verwendete, heftig umstritten.

Beim Malen von Les Demoiselles d’Avignon ließ sich Picasso von verschiedenen Quellen inspirieren, z. B. von der afrikanischen Stammeskunst, dem Expressionismus und den postimpressionistischen Werken von Paul Cézanne. Diese Quellen sind in Picassos Werk spürbar, wie einige der Frauen zeigen, deren Gesichter afrikanischen Masken nachempfunden zu sein scheinen, sowie die skulpturale Dekonstruktion des Raums, die aus den Werken Cézannes stammt.

Die Vielfalt der in diesem Gemälde verwendeten Stile stellt eindeutig einen Wendepunkt in Picassos Karriere dar und schafft es, seine Version der modernen Kunst von der westlichen Kunsttradition zu trennen. Die Integration dieser verschiedenen Quellen in ein einziges Gemälde zeigte die neue Herangehensweise der Künstler an das Kunstschaffen. Dies verdeutlichte auch, wie sich die Perspektive der Künstler mit dem stetigen Aufstieg der modernistischen Bewegung erweitert hatte.

Ein Foto von Pablo Picasso im Jahr 1962; Argentina. Revista Vea y Lea, Public domain, via Wikimedia Commons

Marcel Duchamp (1887 – 1968)

Marcel Duchamp gilt gemeinhin als einer der einflussreichsten Künstler, die die innovativen Entwicklungen in der bildenden Kunst zu Beginn des 20. Jahrhunderts mitbestimmten. Jahrhunderts mitbestimmt haben. Außerdem gilt Duchamp als das Gesicht der Dada-Bewegung, zu der er als einer der bedeutendsten Vertreter zählt.

Duchamps Erfindung des „Readymade“, bei dem er gewöhnliche Gegenstände benutzte und sie als Kunstwerke ausgab, brachte die traditionellen und formalen Kunstakademien ins Wanken. Durch die Verwendung von Alltagsgegenständen, die manchmal sogar als Schrott galten, gelang es Duchamp, die Gegenstände von ihrem Gebrauchszweck zu lösen und sie als neue Kunstformen zu präsentieren. Auf diese Weise trug Duchamp dazu bei, den Begriff des Kunstwerks in der Moderne neu zu definieren.

Fountain (1917) von Marcel Duchamp; Marcel Duchamp, Public domain, via Wikimedia Commons

Sein bekanntestes Werk, das 1917 entstand, ist Fountain. Für diese gebrauchsfertige Skulptur verwendete Duchamp ein im Laden gekauftes Urinal, das er mit dem Pseudonym „R. Mutt“ signierte, bevor er das Werk bei der Society of Independent Artists in New York zur Ausstellung einreichte. Fountain löste bei der Einreichung eine enorme Kontroverse aus und die Gesellschaft lehnte Duchamps Skulptur schließlich ab, was in der Kunstszene zu dieser Zeit für große Aufregung sorgte.

Duchamp zeigte mit seiner Skulptur, dass für ein außergewöhnliches Kunstwerk nicht mehr der Akt der Schöpfung erforderlich ist, sondern dass ein Künstler das Werk nur noch als Kunst bezeichnen muss, damit es als solche angesehen wird. Dieser Gedanke verbreitete sich schnell in Europa und dem Rest der Welt und beeinflusste die bestehenden Techniken der Kunstproduktion. Daher gilt diese Dada-Skulptur als ein wichtiger Meilenstein der Avantgarde in der modernen Kunst des 20.

Salvador Dalí (1904 – 1989)

Der spanische Künstler Salvador Dalí war eine wichtige Figur innerhalb der Surrealismus-Bewegung und wurde für sein technisches Können, seine zeichnerischen Fähigkeiten und die bemerkenswerten, aber eigenartigen Bilder in seinen Werken gefeiert. Ein unglaublich bekanntes Kunstwerk ist sein Gemälde aus dem Jahr 1931 mit dem Titel The Persistence of Memory.

Dieses Gemälde zeigt eine jenseitige Landschaft auf sehr organische Weise, in der die Zeit als eine Reihe von schmelzenden Uhren dargestellt wird, die von krabbelnden Ameisen umgeben sind. Die Idee des Verfalls als natürlicher Prozess faszinierte Dalí sehr, und dieses Konzept tauchte im Laufe der Geschichte immer wieder bei Kritikern auf, die versuchten, die Bedeutung hinter seinen Werken zu verstehen.

Auf die Frage nach der Bedeutung seines Werks antwortete Dalí jedoch immer wieder, dass er die Bedeutung nicht kenne. Außerdem weigerte er sich, seine Uhrendarstellungen mit irgendwelchen konkreten Begriffen in Verbindung zu bringen und bezeichnete sie lediglich als „Camembert der Zeit“.

Eine Bronzeskulptur, die auf Dalís Gemälde The Persistence of Memory von 1931 basiert; Salvador Dalí, CC0, via Wikimedia Commons

Indem er in seinen modernistischen Gemälden eindringliche Traumlandschaften schuf, gelang es Dalí, Bilder von handfester Absurdität darzustellen. Dalí entwickelte eine Technik, die er als paranoisch-kritische Methode bezeichnete, bei der er sich selbst in einen hypnotischen Zustand versetzte. Er glaubte, dass er sich auf diese Weise von der Realität lösen konnte, da ihm die Visionen für seine Bilder nur in diesem uneingeschränkten Geisteszustand erscheinen würden. So entsteht in The Persistence of Memory ein metaphorisch leerer Raum in Dalís Unterbewusstsein, in dem die Zeit wirklich keine Macht hat.

Dalís Besessenheit von Traumbildern und Metaphern sollte seinen Platz in der surrealistischen Bewegung des frühen 20. Die ungezügelten und scheinbar wilden Gedanken, die er in seinen Gemälden umsetzte, verwiesen auf die zunehmende künstlerische Freiheit und Experimentierfreude, die sich in der Moderne entwickelt hatte.

Jackson Pollock (1912 – 1956)

Die Bewegung des Abstrakten Expressionismus entwickelte sich in den 1940er Jahren in New York City als Nachkriegsbewegung, wobei Jackson Pollock zu einem der bedeutendsten Künstler der Bewegung wurde. Pollock definierte nicht nur das Konzept des Action Painting, sondern entwickelte auch seinen „Drip“-Malstil, der ihn zu einer der einflussreichsten treibenden Kräfte der abstrakten Moderne machte.

Beim „Drip Painting“ stellte Pollock seine Leinwände waagerecht auf den Boden und ging dann mit einem Pinsel oder einem Farbtopf um sie herum und ließ die Farbe fallen, wo immer er wollte. Dieser Stil innerhalb seiner modernistischen Gemälde ermöglichte es Pollock, eine neue abstrakte Bildsprache aus seinem Unterbewusstsein zu entdecken, die über die mit dem Surrealismus verbundenen Techniken hinausging.

Ein wichtiges Tropfbild von ihm, das 1950 entstand, ist Autumn Rhythm (Number 30). Zu dieser Zeit befand sich Pollock auf dem Höhepunkt seiner Karriere und schuf dieses ungegenständliche Gemälde aus einer ungespannten Leinwand und verdünnter Farbe. Pollock legte die Leinwand flach auf den Boden und tropfte, träufelte, schüttete, schnippte und spritzte die Farbe auf die Leinwand. Dann setzte er Stöcke und Messer ein, um die dichte und lyrische Komposition mit ihren verschlungenen Linienlabyrinthen zu verstärken und zu intensivieren.

In Autumn Rhythm (Number 30) gibt es keinen Hauptpunkt, auf den man sich konzentrieren könnte, und keine Rangordnung der Elemente, was Pollock ermöglichte, eine Komposition zu schaffen, in der jeder Teil der Oberfläche als gleichwertig betrachtet wurde. An manchen Stellen erinnert Pollocks Werk an Elemente des Impressionismus und des Surrealismus. Pollocks Werk war ein wichtiger Beitrag zur modernen Kunst, denn es zeigte die völlige Freiheit und den Mangel an Formalität, mit der die Künstler experimentierten.

Ein Foto von Jackson Pollock im Jahr 1928, als er 16 Jahre alt war; Smithsonian American Art Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Andy Warhol (1928 – 1987)

Ein bemerkenswerter Pop-Art-Künstler in der Ära der Modernen Kunst war schließlich Andy Warhol. Mit seinen Kunstwerken, die sich der kommerziellen Reproduktion bedienten, vertrat Warhol die Kunstauffassung der Moderne, die die Entwicklung der Technologie und den Einsatz von Maschinen feierte. Ein ikonisches Kunstwerk, das sowohl in die Moderne als auch in die Postmoderne fällt, ist sein 1962 entstandener Siebdruck mit dem Titel Marilyn Diptych.

In diesem Werk stellte Warhol ein bekanntes Bild von Marilyn Monroe im Siebdruckverfahren her und wiederholte das Bild ihres Gesichts 50 Mal in Farbe und Schwarzweiß. Auf den ersten Blick ermutigt die schiere Menge von Monroes Gesicht zu einer Art Anbetung der legendären Ikone. Warhol wählte dieses Bild jedoch nur aufgrund seiner Bekanntheit in der damaligen Populärkultur aus und verewigte es in der Kunst.

Das Marilyn Diptychon und auch Warhols andere Kunstwerke sind Ausdruck der Moderne, denn sie verweisen immer wieder auf den Konsumismus und die Kommerzialisierung. Außerdem wird der technologische Fortschritt durch die gewählte Produktionsmethode demonstriert, mit der Warhol den Einfluss der Popkultur auf die damalige Gesellschaft verdeutlichte.

Foto des amerikanischen Künstlers Andy Warhol vor seinen Brillo-Boxen im Moderna Museet, Stockholm, vor der Eröffnung seiner retrospektiven Ausstellung (1968); Lasse Olsson / Pressens bild, Public domain, via Wikimedia Commons

Von der Moderne zur Postmoderne

Während einige Kunsthistoriker glauben, dass die Kunstprinzipien der Moderne bis ins 21. Jahrhundert fortbestehen, haben andere festgestellt, dass sie sich zu einer Bewegung entwickelt haben, die heute als Postmoderne bekannt ist. Diese Bewegung soll eine bewusste Abkehr von den Werten der Moderne symbolisieren, die zuvor das künstlerische Schaffen bestimmt hatten, und ein breiteres Spektrum an Ansätzen in der Kunst wie der bildenden Kunst, der Literatur, dem Design und anderen Bereichen umfassen.

Obwohl sie damals als neue Kunstform existierte, wurde die Moderne schließlich in all den Institutionen gesehen, gegen die sie ursprünglich rebellierte. Dies führte zur Entwicklung der Postmoderne, die versuchte, die etablierten Stilregeln zu brechen und noch mehr Freiheit in das Kunstschaffen zu bringen.

Die Postmoderne zeichnete sich durch eine ungläubige und ironische Haltung aus, denn sie lehnte die Vorstellung ab, dass die Kunst oder das Leben einen Wert an sich haben. Die Postmoderne kam in den 1980er und 1990er Jahren auf und kritisierte Konzepte wie Realität, menschliche Natur, Rationalität, Wissenschaft, Moral und sozialen Fortschritt.

Künstlerinnen und Künstler der Postmoderne begannen unter anderem mit digitaler, konzeptioneller und Performance-Kunst zu experimentieren. Die Postmoderne wollte die von der Moderne gesetzten Grenzen überschreiten und nahm die große Erzählung der modernen Kunst auseinander, um die kulturellen Codes, die Politik und die soziale Ideologie in ihrem unmittelbaren Kontext zu untersuchen.

Diese Auseinandersetzung mit der Welt, die sie umgibt, unterschied die postmoderne Kunst von der modernen Kunst und machte die Postmoderne zu einem einzigartigen Faktor innerhalb der sich entwickelnden zeitgenössischen Kunst. Die Postmoderne hat mehrere Bewegungen hervorgebracht, darunter die Konzeptkunst, die feministische Kunst, die Installationskunst und die Performancekunst.

Die Moderne war eine Kunstepoche, die eine Vielzahl verschiedener Kunstbewegungen unter demselben Titel zusammenfasste. Die Modernisten versuchten, die Gesellschaft genau so widerzuspiegeln, wie sie sie wahrnahmen, und bedienten sich verschiedener Stile, die ihre Gedanken und Gefühle adäquat wiedergeben konnten. Die Moderne Kunst war also eine Zeit großer Experimente und Rebellion, in der die traditionellen Aspekte, die zuvor das künstlerische Schaffen bestimmt hatten, zugunsten der Techniken, die in der sich schnell entwickelnden industrialisierten Welt entstanden, abgelehnt wurden.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.