Abstrakte Kunst – Eine einfache Einführung in die abstrakte Kunstwelt

Abstrakte Kunst ist eine ungegenständliche Kunstrichtung. Seit den frühen 1900er Jahren stellen abstrakte Künstlerinnen und Künstler in ihren Werken eine eher subjektive Realität dar und überlassen die Interpretation und Bedeutung dem Betrachter. Damit entfernte sich die Kunst von der wörtlichen Darstellung der Zivilisation und der natürlichen Welt.

Eine Einführung in die Abstrakte Kunst

Wenn man über abstrakte Kunst nachdenkt, taucht eine häufige Frage auf: „Was ist abstrakte Kunst?“. Das Thema ist ziemlich breit gefächert und umfasst eine große Auswahl an berühmter abstrakter Kunst und Künstlern, aber auch hier fragen wir: „Was ist abstrakte Kunst wirklich?“. Um diese Frage zu beantworten, müssen wir die frühen Höhlenmalereien und die modernere abstrakte Kunst aus den 1900er Jahren erwähnen.

Abstrakte Kunst geht auf frühe Höhlenmalereien zurück, in denen die natürliche und kosmische Welt meist als ausdrucksstarke Linien, Formen und Gestalten dargestellt wurden – vielleicht als buchstäbliche Darstellungen? Es stellt sich jedoch die Frage, ob es sich dabei um wörtliche Darstellungen handelte oder ob es versteckte symbolische Bedeutungen gab, die sich auf die spirituelle oder metaphysische Welt bezogen. Andere frühere Darstellungen abstrakter Kunst sind als dekorative Formen auf Textilien oder Töpferwaren in verschiedenen Kulturen zu sehen.

Tafel VIII des Agawa Rock im Lake Superior Provincial Park, Ontario, Kanada. Dargestellt sind ein Kanu (oben links), Michipeshu (oben rechts) und darunter zwei Riesenschlangen (chignebikoogs); D. Gordon E. Robertson, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Obwohl die Höhlenkunst aufgrund ihres geometrischen und symbolischen Charakters als eine Form der abstrakten Darstellung bezeichnet werden kann, geht man davon aus, dass die modernere Bewegung der Abstrakten Kunst im späten 19^ten und frühen 20^ten Jahrhundert begann, als andere Kunstbewegungen wie der Impressionismus, der Postimpressionismus und der Kubismus, um nur einige zu nennen, eine größere Bedeutung in der Kunstwelt hatten.

Die oben genannten Kunstrichtungen entfernten sich radikal von den traditionellen Darstellungsweisen der Kunst, wie zum Beispiel der realistischen Darstellung verschiedener Aspekte des Lebens und der Natur. Außerdem veränderten diese Kunstbewegungen die Art und Weise, wie Medien eingesetzt wurden, z.B. in der Malerei und der Bildhauerei, einschließlich der Verwendung künstlerischer Prinzipien wie Perspektive und Komposition.

Diese wurden von den abstrakten Künstlern ausdrucksstärker eingesetzt, ohne sich um die Einhaltung der Regeln zu kümmern.

Kunst um der Kunst willen

Abstrakte Kunst wurde zu einer ausdrucksstarken Kunstform aus reiner Freude an der Kunst, und viele Kunstquellen verweisen auf das berühmte Zitat des französischen Philosophen Victor Cousin, der sagte: „l’art pour l’art,„, was so viel bedeutet wie „Kunst um der Kunst willen“. Dieser Slogan bedeutet einfach, dass Kunst keine äußere Bedeutung (politisch, sozial oder pädagogisch) haben muss, sondern einfach nur Kunst ist und als solche genossen werden kann.

Der Begriff impliziert aber noch viel mehr: Er ist eine kühne Aussage über die freie Meinungsäußerung in der Kunst, über die Bedeutung, die sie jenseits sozialer und politischer Strukturen vermittelt, und darüber, wie die Ästhetik von anderen beurteilt wird. Der Begriff war in der Moderne weit verbreitet und zog sich durch eine Vielzahl von Modernistischen Kunstbewegungen und Kunstwerken. Ein Beispiel dafür ist das berüchtigte Kunstwerk Fountain (1917) von Marcel Duchamp, bei dem es sich um eine (von Duchamp selbst ausgewählte) Toilette handelt, auf der in schwarzer Schrift „R.Mutt“ steht.

Fountain ist ein Beispiel dafür, dass „Kunst um der Kunst willen“ ein umstrittener Begriff ist, denn der Künstler erhielt viel Ablehnung für dieses Werk und Kritik aufgrund seines ästhetischen Wertes. Als Duchamp das Werk 1917 bei der Gesellschaft Unabhängiger Künstler einreichte, wurde es abgelehnt, weil es „unmoralisch“ sei. Dieses Beispiel stellt den Wahrheitsgehalt dieser Aussage in Frage: Kann Kunst um der Kunst willen sein? Die vielen Formen, in denen sich die abstrakte Kunst in der Kunstwelt präsentiert, können auch aus dieser Perspektive betrachtet werden.

Fountain (1917) von Marcel Duchamp; Marcel Duchamp, Public domain, via Wikimedia Commons

Ein wichtiger Punkt, an den man sich bei der Abstrakten Kunst erinnern sollte, ist, dass sie eine Bewegung war, die sich durch verschiedene Kunstströmungen zog. Mit anderen Worten, es war eine Kunstrichtung, bei der die wörtliche Darstellung eines Objekts nicht mehr das Ziel der Künstler war. Zum Beispiel das Porträt einer sitzenden Frau, ein Stillleben oder eine Landschaft. Stattdessen wurde das Objekt und sogar die Leinwand mit einer Vielzahl von Farben, Formen, Linien, gestischen Bewegungen und Farbspritzern gesättigt.

Das zeigt sich auch in den Werken des bekannten abstrakten Expressionisten Jackson Pollock, der mit dynamischen Bewegungen wie Tropfen und Spritzern Farbe auf große Leinwände auf dem Boden auftrug. Das Endergebnis zeigte eine Vielzahl von Farben, die sich vermischten und nicht in einer scheinbar vorgegebenen Reihenfolge oder Komposition.

Diese Form der Kunst wurde auch als Action Painting bezeichnet, weil Pollock sich beim Malen aktiv auf der gesamten Leinwand bewegen musste.

Wie definiert man abstrakte Kunst

Viele Quellen versuchen, den Begriff „abstrakt“ zu definieren, um ein besseres Verständnis für die Kunstbewegung selbst zu schaffen. Wenn wir uns die Bedeutung des Wortes „abstrakt“ anschauen, sehen wir, warum es Abstrakte Kunst heißt. Als Verb bedeutet „abstrakt“ trennen oder entfernen, und als Adjektiv bezieht sich der Begriff darauf, dass er nicht auf Tatsachen beruht, sondern eher theoretisch ist und von etwas „abgekoppelt“ wird.

Das gilt für das Thema eines Gemäldes, die Farbe selbst und die Kombination von Linien, Formen und Farben, die weit vom Thema entfernt zu sein scheinen. Wenn überhaupt, dann werden diese Elemente zum Thema. Auch die abstrakte Kunst kann von der Realität losgelöst erscheinen, indem sie die Grundlagen des Zusammenspiels von Farben und Formen auf einer Leinwand darstellt.

Wer war der erste abstrakte Künstler?

Viele Kunst- und Geschichtsquellen verweisen auf den russischen Maler Wassily Kandinsky als den ersten Künstler, der abstrakte Gemälde schuf, und zwar beginnend mit seinem Werk Unbetitelt (Erstes abstraktes Aquarell) im Jahr 1910. Er leistete Pionierarbeit in der abstrakten Kunst, indem er sich auf die Beziehung zwischen Formen und Farben konzentrierte und darauf, wie diese die Kunstwerke zusammensetzen. Diese wiederum wurden vom Betrachter genossen und erlebt.

Kandinsky schätzte das Spirituelle in der Kunst. Seine abstrakten Gemälde stellten die innere, „transzendentale“ Natur der Existenz dar, die sich von den visuellen Bezügen der alltäglichen Gegenstände und des Lebens, die wir alle kennen, stark entfernte. Er drückte diese inneren Wahrheiten durch schwebende Formen, amorphe Gestalten und eine zufällige Linearität aus sich kreuzenden Linien und Kanten aus.

Vor allem glaubte Kandinsky auch an die Bedeutung der Musik und wie sie die Kunst beeinflusst.

Er komponierte abstrakte Kunst nach den musikalischen Prinzipien, wie ein Musiker Töne erzeugen würde. Stattdessen benutzte er Farben und Formen, um seine Betrachter auf eine Sinneserfahrung jenseits des Physischen in die ungegenständliche und nicht-gegenständliche Dimension der Kunst mitzunehmen.

Untitled (First Abstract Watercolor)(1910) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Kandinskys wichtige theoretische Publikation Über das Spirituelle in der Kunst (1911) bietet einen ausführlichen Blick auf die spirituellen Qualitäten der Kunst und darauf, wie der Künstler eine wichtige Rolle als spiritueller Mensch spielt. Die Publikation untersucht außerdem die Spiritualität, die der Farbe innewohnt, einschließlich der psychologischen Aspekte der Farbe und wie sie verwendet wird. Dabei geht es vor allem um ihre Beziehung zu Form und Komposition, die für Kandinsky die „zwei Waffen“ eines Gemäldes sind.

Kandinsky spricht auch darüber, dass die Musik der „beste Lehrer“ ist, da sie im Laufe der Jahrhunderte einen gegenstandslosen Ausdruck erreicht hat, anstatt die Welt um sie herum abzubilden, wie es die Malerei tut. Er ist der Meinung, dass die Musik der Malerei in dieser Hinsicht voraus ist, da sie nicht auf eine äußere Eigenschaft angewiesen ist, um ihre „Form“ zu bestimmen. Er erklärt auch, dass die Malerei einen Vorteil gegenüber der Musik hat, da sie nicht auf die Zeit angewiesen ist, um sich zu präsentieren – die gesamte Komposition kann „in einem Moment“ betrachtet werden.

Abstrakte Kunst über alle Kunstrichtungen hinweg

Kandinsky wollte absichtlich abstrakte Kunst schaffen und legte damit den Grundstein dafür, dass andere Künstler dasselbe taten. Er räumte mit der Erwartung auf, dass Kunst eine direkte Darstellung des Lebens und von Gegenständen sein muss, und wies auf eine neu entdeckte Freiheit für Künstler hin, mit verschiedenen Medien und Formen zu experimentieren. Diese Kunst sollte von ihrer inneren Welt und nicht von der äußeren Welt geprägt sein. Obwohl es die Abstraktion in der Kunst schon seit Jahrhunderten gab, wurde die Absicht, sie in der Kunst anzuwenden, immer konkreter.

Andere Kunstrichtungen begannen, verschiedene Techniken zu verwenden, um diesen inneren Ruf in sich zu hören und ihn mit der Welt zu teilen. Zum Beispiel begannen Kunstbewegungen wie der Fauvismus (eine Gruppe französischer Künstler namens Fauves, was so viel wie „wilde Tiere“ bedeutet), Farben zu erforschen, die nicht mehr auf natürlichen Objekten vorkommen oder von ihnen dargestellt werden.

Mit anderen Worten: Die Farben hatten eine eigenständige Bedeutung und waren eine Möglichkeit, die innere, emotionale Welt des Künstlers darzustellen.

Es war die innere Gefühlswelt, die den Kern des Fauvismus ausmachte, und die Verwendung von satten Farben und Formen gab den Ton für andere Kunstbewegungen an. Henri Matisse stand an der Spitze des Fauvismus und inspirierte andere Künstler dazu, die Verwendung von Farben und deren Einfluss auf die Formen und räumlichen Aspekte auf einer Leinwand ähnlich zu erforschen.

Le Bonheur de Vivre („Die Freude am Leben“, 1905-06) von Henri Matisse; Regan Vercruysse aus Phelps, New York, USA, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Eine weitere erwähnenswerte Kunstrichtung ist der Kubismus. Die Künstler dieser Bewegung schufen geometrisch abstrakte Kunstformen, die „gebrochen“ waren und aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet werden konnten. Außerdem vermischten die Künstler den Vorder- und Hintergrund, und die Figuren wurden zu kubischen Darstellungen in einer Komposition. Der Kubismus war fast eine gegenteilige Reaktion auf die Regeln der Perspektive und Komposition, die in der Renaissance zu finden waren.

Ein bekannter Künstler des Kubismus war der in Spanien geborene Pablo Picasso, dessen abstrakte Kunst die oben erwähnte Abkehr von den traditionellen Renaissance-Regeln der Perspektive darstellte. Er schuf auch Collagen, in denen er verschiedene Medien mischte, um seine Vorstellungen von Kunst und Welt darzustellen. Er sagte: „Ich male die Dinge so, wie ich sie denke, nicht wie ich sie sehe“, was die Abkehr von der Darstellung der Kunst als direktem Abbild der äußeren Welt weiter unterstreicht.

Eine wichtige Kunstrichtung, die den Weg für die Entwicklung der Abstrakten Kunst ebnete, war der Abstrakte Expressionismus. Er entstand Anfang und Mitte des 19. Jahrhunderts in New York. Die Künstler wurden von den politischen und sozialen Aspekten der damaligen Zeit beeinflusst, insbesondere von der Großen Depression. Viele Künstler aus Europa wanderten ebenfalls nach New York aus und tauschten ihre künstlerischen Theorien mit amerikanischen Künstlern aus.

Hans Hofmann war in dieser Zeit als Künstler und Theoretiker eine bemerkenswerte Persönlichkeit. Er kam in Kontakt mit prominenten Künstlern des Kubismus und Fauvismus und lehrte die Prinzipien dieser Künstler und Bewegungen. Er gilt sozusagen als Vorvater des Modernismus. Viele amerikanische Künstler wollten ihre eigene amerikanische Kunst auf der Grundlage ihrer Erfahrungen schaffen, anstatt sich zu sehr in die europäische Kunst zu vertiefen, die auf europäischen Erfahrungen basierte.

Die Leber ist der Hahnenkamm (1944) von Arshile Gorki; Arshile Gorky, Public domain, via Wikimedia Commons

Wichtige Konzepte der abstrakten Kunst

Im Folgenden erörtern wir wichtige künstlerische Techniken und Konzepte der Abstrakten Kunst. Dabei geht es vor allem um den Fokus auf die ungegenständliche Art der Darstellung von Kunst im Gegensatz zum traditionellen (naturgetreuen) Stil. Außerdem gehen wir auf die innovativen Techniken ein, mit denen die Künstler ihren inneren Ausdruck und ihre Emotionen darstellen, sowie auf die Verwendung verschiedener Medien.

Tropftechnik

Die Tropftechnik wurde zu einer beliebten Methode, Farbe auf eine Leinwand aufzutragen, und war besonders in der Zeit des Abstrakten Expressionismus weit verbreitet. Das liegt daran, dass diese Technik von Jackson Pollock bekannt gemacht wurde, der sie auf seinen großen Leinwänden auf dem Boden verwendete. Diese Technik war auch der Wegbereiter für das Action Painting, bei dem der Künstler dynamische Bewegungen um die Leinwand herum ausführt, um sie zu gestalten. Dieser Ansatz unterscheidet sich völlig von den traditionellen Methoden mit Staffelei und Pinsel, bei denen die Farbe nicht nur mit Pinseln, sondern auch mit Stöcken und Zigaretten (wie bei Jackson Pollock) auf die Leinwand getropft oder gespritzt wird.

Perspektivische Verschiebungen

Abstrakte Künstler unterliefen die formale Verwendung der Perspektive und die Prinzipien der Tiefe in einem Gemälde, indem sie geometrische, abstrakte Kunstformen und Formen in einer Komposition zusammen mit nicht ortsgebundenen Farben darstellten. So entstehen emotional aufgeladene Szenen, die zu Interpretationen führen, die über das hinausgehen, was als real bekannt ist. Abstrakte Gemälde sind oft außergewöhnlich groß und zwingen den Betrachter, sich in den Raum hineinzuversetzen und sich mit ihm zu beschäftigen, was letztlich intensive Emotionen hervorruft.

Das gilt auch für die Gemälde von Mark Rothko. Er schrieb sogar über die Art der Auseinandersetzung und Interpretation seiner Kunst: „Mir ist klar, dass die Funktion, große Bilder zu malen, historisch gesehen etwas sehr Grandioses und Pompöses ist. Der Grund, warum ich sie male, ist jedoch, dass ich intim und menschlich sein will“.

Nicht-gegenständlich

Die Darstellung des Ungegenständlichen war ein Hauptmerkmal der abstrakten Kunst. Wie bereits erwähnt, war es das oberste Ziel eines abstrakten Künstlers, das Leben und seine unzähligen Szenen und Landschaften nicht so darzustellen, wie man es direkt sah. Mit anderen Worten: Die Künstlerinnen und Künstler wollten die äußere Welt nicht so darstellen, wie es in früheren Kunstströmungen allgemein akzeptiert und erwartet wurde. Wenn Künstlerinnen und Künstler die äußere Welt darstellten, taten sie dies mit einer Freiheit des inneren Ausdrucks. Der Schwerpunkt lag eher auf figurativen Konzepten als auf wörtlichen Bedeutungen.

Untitled (1939) von Albert Eugene Gallatin; Albert Eugene Gallatin, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Formen, Linien, Gestalten und Texturen

Wenn wir uns abstrakte Kunst ansehen, werden wir feststellen, dass die Kompositionen aus verschiedenen Formen, Linien und Texturen bestehen. Das sind die wichtigsten visuellen Mittel, die bei der Gestaltung abstrakter Gemälde zum Einsatz kommen und in den meisten Werken abstrakter Künstler zu finden sind. Ein Beispiel dafür ist Clyfford Still, der Kunstwerke mit starken horizontalen und vertikalen Formen schuf. Ein anderer Künstler war Joan Miró, dessen Werke amorphe Formen und Linien darstellten, die in einem Raum auf der Leinwand zu schweben schienen.

Farb- und Farbfeldmalerei

Neben der Verwendung von Formen wurde die Farbe in der Abstrakten Kunst zu einem wichtigen visuellen Werkzeug und einer Sprache. Seit den früheren europäischen Bewegungen wie dem Fauvismus wurde Farbe verwendet, um das Nicht-Wörtliche darzustellen, einschließlich der ästhetischen Erfahrung, die sie hervorrief. Viele abstrakte Künstler untersuchten auch die psychologischen Aspekte der Farbe, wie zum Beispiel Wassily Kandinsky. In den 1940er und 1950er Jahren entstand die Farbfeld-Bewegung, bei der die Künstler große Farbflächen verwendeten, oft mit einer monochromen Farbpalette.

Geometrische abstrakte Kunst

Abstrakte Kunst ist vielfältig und hat viele Facetten – einige Theoretiker haben sie sogar in geometrisch abstrakte Kunst, die Formen und Gestalten ohne Bezug zur natürlichen Welt darstellt, und in die grundlegenden Strukturen, die Formen schaffen, nämlich Linien, unterteilt. Wir sehen diesen Stil in der kubistischen Bewegung und später in Werken von Künstlern wie Piet Mondrians Komposition mit großer roter Fläche, Gelb, Schwarz, Grau und Blau (1921) und Victor Vasarelys Optischer Kunst.

Compositie met groot rood vlak, geel, zwart, grijs en blauw (‚Komposition mit Rot, Gelb, Blau und Schwarz‘, 1921) von Piet Mondrian; Piet Mondrian, Public domain, via Wikimedia Commons

Einige Künstler verlassen sich bei der Schaffung ihrer Werke immer noch auf Berechnung und Planung, aber nicht alle. Piet Mondrian zum Beispiel schuf durch seine asymmetrischen Raster einen „visuellen Rhythmus“ und wollte nicht kalkulieren. Er wird in einem Brief an H.P. Bremmer, einen niederländischen Künstler, Lehrer und Kritiker, zitiert:

„Ich glaube, dass es möglich ist, dass durch horizontale und vertikale Linien, die mit Bewusstsein, aber nicht mit Berechnung konstruiert, von hoher Intuition geleitet und in Harmonie und Rhythmus gebracht werden, diese Grundformen der Schönheit – wenn nötig ergänzt durch andere direkte Linien oder Kurven – zu einem Kunstwerk werden können, das so stark wie wahr ist.“

Spiritualität und Musik in der abstrakten Kunst

Viele Künstler wie Wassily Kandinsky und Piet Mondrian glaubten an die zugrundeliegenden spirituellen Qualitäten der Kunst und wollten diese in ihren Kunstwerken abbilden. Auch die Musik war ein starker Einfluss, vor allem für Wassily Kandinsky. Die Rückbesinnung auf die metaphysischen Aspekte der Existenz ermöglichte es den abstrakten Künstlern, einen tieferen Sinn in ihren Motiven zu erforschen.

Berühmte abstrakte Künstler

Im Folgenden stellen wir einige bemerkenswerte abstrakte Künstler vor, die nicht nur Pioniere der abstrakten Kunst waren, sondern auch vielen Künstlern den Weg für ihre Entwicklung geebnet haben. Wir schauen uns abstrakte Künstler und ihre Kunstwerke aus verschiedenen Kunstrichtungen an. Wir werden auch herausfinden, was die meisten Künstler gemeinsam hatten: Sie schufen Kunst, die sich von den traditionellen Darstellungen des Lebens und der Natur entfernte und sich stattdessen mehr auf die expressive Natur des Selbst konzentrierte.

Wassily Kandinsky (1866 – 1944)

Wassily Kandinsky war ein russischer Maler und Theoretiker. Er studierte Kunst während seiner Schulzeit an der Grekov Odessa Kunstschule und studierte anschließend Jura und Wirtschaft an der Universität Moskau. Als Kind lernte er Cello und Klavier spielen und wurde von seinem Vater dabei unterstützt, seine künstlerischen Talente zu erforschen, da er eine einzigartige Verbindung und Reaktion auf Klänge, Farben und Worte zeigte, die später seine künstlerischen Fähigkeiten prägen sollten.

Zu Kandinskys bekannten Werken gehört Der Blaue Reiter (1903), das einen Reiter auf einem Pferd zeigt. Hier setzt Kandinsky die Farbe ein, um einen Kontrast zwischen Hell und Dunkel zu schaffen. Dieses Gemälde ist eines von Kandinskys früheren Werken und zeigt, wie der Stil des Impressionismus seine Pinselführung und die Verwendung von Farben beeinflusst hat. Es wird auch deutlich, dass er sich von den traditionellen Formen der ästhetischen Darstellung in der Kunst abwendet und Kunst schafft, die letztendlich seinen Glauben an das Spirituelle symbolisieren soll.

Der Blaue Berg („The Blue Mountain“, 1908) zeigt Reiter auf Pferden, umgeben von zwei großen Bäumen auf beiden Seiten der Komposition und einem blauen Berg in der Mitte. Kandinskys Farbgebung entspricht nicht der natürlichen Erscheinung, wie sie im wirklichen Leben vorkommt, und er verwendet ausdrucksstarke Pinselstriche und dunkle Konturen. Durch die Verwendung von Farben und ausdrucksstarken Pinselstrichen können wir auch den Einfluss des Fauvismus erkennen.

Komposition IV (1911) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Als sich Kandinsky in seiner Kunst und seinem spirituellen Glauben weiterentwickelte, begann er, abstraktere Werke zu malen, wie zum Beispiel seine beliebte Komposition IV (1911). Dieses Werk ist zwar abstrakt, aber bei näherer Betrachtung erkennen wir verschiedene identifizierbare Bilder wie Kosaken, die Lanzen tragen, Boote, eine Burg und Figuren in liegender Position. Diese Figuren sind alle mit einer ungegenständlichen Symbolik dargestellt.

Wir sehen sie in vielen weiteren Kunstwerken Kandinskys, wie zum Beispiel in Komposition VII (1913), Moskau I (Roter Platz) (1916) und Komposition VIII (1913). Diese abstrakten Gemälde stellen die spirituelle Essenz dessen dar, was Kandinsky mit dem Thema darzustellen versuchte. Die Komposition von Farben, Linien und Formen, die alle miteinander spielen, wird zur Bildsprache. Obwohl Kandinskys abstrakte Gemälde zufällig und spontan wirken, sind sie doch absichtsvoll und zielgerichtet.

Für Komposition VII (1913) plante und fertigte der Künstler etwa 30 Skizzen an, bevor er es malte. Die Darstellung wirkt fast bedrohlich, denn die verschiedenen Formen, Linien und Gestalten, die sich überschneiden und miteinander interagieren, wirken hektisch. Dazu gesellen sich satte Farben wie Schwarz, Dunkelblau und Rot, die sich zu neuen Grün-, Blau- und Senftönen vereinen. Dieses Werk soll auch Erzählungen aus der Bibel darstellen, zum Beispiel die Auferstehung und den Garten Eden.

Komposition VII (1913) von Wassily Kandinsky; Von Wassily Kandinsky, Public Domain, Link

Hans Hofmann (1880 – 1966)

Hans Hofmann wurde in Deutschland geboren und wanderte 1932 nach Amerika aus. Er zeigte großes Talent in verschiedenen Bereichen wie Kunst, Wissenschaft und Musik. Als Jugendlicher arbeitete er für den Direktor der öffentlichen Arbeiten in Bayern und patentierte zahlreiche wissenschaftliche Erfindungen. Als er 18 Jahre alt war, entschied er sich, sein Kunststudium an der Moritz Heymann Kunstschule in München fortzusetzen. Bis 1914 arbeitete er als Künstler in Paris, dann kehrte er nach München zurück und gründete eine Kunstschule.

Hofmanns Kunstschule erlangte Anerkennung in der Kunstszene und er begann, in die Vereinigten Staaten zu reisen, wohin er schließlich aufgrund des Krieges in Europa übersiedeln sollte. Er unterrichtete an der Art Students League in New York und eröffnete 1933 eine weitere Kunstschule unter seinem Namen, die Hans Hofmann School of Fine Arts. Im Jahr 1935 eröffnete er eine Sommerschule in Provincetown, Massachusetts. Seine zweite Einzelausstellung fand 1944 in der Peggy Guggenheim’s Art of This Century Gallery statt, seine erste Ausstellung hatte er 1910 in Berlin.

Beliebte Kunstwerke von Hofmann sind The Wind (um 1944) und Effervescence (1944), das die Tropftechnik zeigt. Auch Jackson Pollock benutzte diese Technik, und es ist umstritten, wer sie als Erster einsetzte. Es wird jedoch vermutet, dass beide Künstler sich von André Massons Werken inspirieren ließen, die auf Bildern basierten, die unbewusste, surreale Aspekte erforschten.

Die oben genannten Werke von Hofmann erforschten eine völlig abstrakte Realität auf der Leinwand, mit großen Farbflächen, die auf die Leinwand gespritzt und verstreut wurden.

Zu Hofmanns anderen Werken gehört Pompeji (1959), das große, quadratische Farbblöcke zeigt, die die Leinwand in dunkleren Rot-, Blau- und Rosatönen ausfüllen, wobei Weiß mit Blau gemischt ist, was einen helleren Kontrast erzeugt. Der Hintergrund ist komplett rot, was auf die Verwendung oder Aufhebung der räumlichen Perspektive hindeutet. Diese Bilder werden oft als Slab Paintings bezeichnet, was auf die Verwendung von Rechtecken und Quadraten innerhalb der rechteckigen Form der Leinwand hinweist.

Mark Rothko (1903 – 1970)

Mark Rothko war ein amerikanischer Abstrakter Expressionist, der in Lettland geboren wurde, aber 1913 mit seiner Familie in die Vereinigten Staaten auswanderte. Er wurde zu seiner Künstlerkarriere inspiriert, als er sah, wie ein Student an der Art Students League of New York ein Modell skizzierte. Danach ging er als Student an die Parsons School of Design und studierte bei Lehrern wie Arshile Gorky, einem Maler und abstrakten Expressionisten. Außerdem studierte er bei dem Kubisten Max Weber an der Art Students League.

Rothko arbeitete im New Yorker Garment District, wo er 1923 anfing, und lernte dort bekannte Künstler und ihre Werke kennen. Außerdem begann er, an der Center Academy des Brooklyn Jewish Center Kunstunterricht für Kinder zu geben. Rothko wurde stark von der Arbeit von Milton Clark Avery beeinflusst, einem abstrakten und modernen Maler, der wegen seiner Farbgebung oft als „amerikanischer Matisse“ bezeichnet wird.

Ein Foto von Mark Rothko um 1949; Consuelo Kanaga, Keine Einschränkungen, via Wikimedia Commons

Rothkos Kunstwerke entwickelten sich im Laufe seines Lebens von impressionistischen Darstellungen des städtischen Lebens und Szenen zu mythologisch inspirierten abstrakten Gemälden. Er wurde auch von den Auswirkungen des Zweiten Weltkriegs beeinflusst und beschäftigte sich mit der Idee der Tragödie durch Publikationen wie Die Geburt der Tragödie von Nietzsche und griechischen Tragödienautoren wie Aischylos. Sein Eintauchen in diese Themen führte dazu, dass er eine abstraktere Kunst schuf, die sich mit der inneren Welt befasste, anstatt die äußere darzustellen.

Ödipus (1944) ist ein Beispiel für Rothkos Kunstwerk mit einem mythologischen Thema, das eine einzigartige Mischung aus menschenähnlichen Figuren darstellt. Es ist inspiriert von der Geschichte des Ödipus und der Psychologie von Erzählungen wie Stolz, Leidenschaft und der Verstrickung und Verbindung, die wir alle als Menschen teilen. In dieser Komposition gibt es mehrere Figuren, die an verschiedenen Stellen zerstückelt und wieder zusammengesetzt erscheinen. Der Hintergrund suggeriert ein dekoriertes Interieur und möglicherweise einen Stuhl oder einen Sockel, auf dem die Figuren stehen.

Rothkos spätere Kunstwerke enthalten seine beliebten großen rechteckigen Abschnitte aus fester Farbe und Farbe. Zum Beispiel besteht Orange, Rot, Gelb (1961), wie der Titel schon sagt, aus drei unterschiedlich großen rechteckigen Farbflächen in Gelb und Orange vor einem roten Hintergrund. Jede rechteckige Form geht fast in den roten Hintergrund über, ohne dass sie von einem festen Rand umgeben ist. Rothko trug seine Farbe in dünnen Schichten auf, was den Farbton noch heller erscheinen ließ.

Zu den ähnlichen Werken gehört auch Untitled, Black on Gray (1969), das zwei rechteckige Formen auf der Leinwand zeigt. Der obere Teil ist schwarz, der untere Teil grau, und diese wurden ohne Grundierung auf die weiße Leinwand gemalt, was Rothko normalerweise tat.

Dieses Gemälde wirkt strenger in der Verwendung der Farben und ruft tiefere Gefühle von Traurigkeit und möglicherweise sogar Tod hervor. Interpretationen dieses Bildes wurden mit Mondbildern und Nachtaufnahmen in Verbindung gebracht.

Jackson Pollock (1912 – 1956)

Jackson Pollock ist einer der bekanntesten Künstler der amerikanischen Kunstbewegung des Abstrakten Expressionismus. Pollock wurde in Wyoming geboren, wuchs aber in mehreren Städten in Kalifornien auf. In den 1930er Jahren zog er mit seinem Bruder Charles Pollock, der ebenfalls ein abstrakter Maler war, nach New York City. Beide Brüder studierten an der Art Students League bei Thomas Hart Benton, der der regionalistischen Kunstbewegung angehörte.

Pollock ließ sich von den Kunstwerken mexikanischer Wandmaler inspirieren und lernte bei einem Workshop in New York City von David Alfaro Siqueiros, einem mexikanischen Wandmaler, den Umgang mit Flüssigfarbe. Von hier aus übernahm er die Technik, Farbe auf seine Leinwände zu gießen, was sich zu seiner charakteristischen Tropftechnik entwickelte.

Ein Foto von Jackson Pollock im Alter von 16 Jahren im Jahr 1928; Smithsonian American Art Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Pollock schuf in den 1940er Jahren verschiedene wichtige Kunstwerke, aber es lohnt sich, auf einige seiner früheren Bilder hinzuweisen, bevor seine Drip Paintings zum Höhepunkt seiner Malerkarriere wurden. Going West (1934-35) ist ein figuratives Werk in Ölfarbe. Es stellt eine Familie dar, die mit ihren Pferden und Kutschen in den Westen zieht. Diesem Kunstwerk werden verschiedene Bedeutungen zugeschrieben. Eine davon ist, dass Pollock auf Erinnerungen zurückgriff, als er mit seiner Familie nach Westen zog (von Arizona nach Kalifornien), und dass das Bild von einem Foto einer Brücke in Wyoming stammt.

Going West ist in dunklen Farben gehalten und die Pinselführung ist eher fließend und wirbelnd. Dieser Malstil unterscheidet sich von Pollocks späteren Werken und zeigt, wie gut es ihm gelang, mit Farbe und Pinselstrich verschiedene Geschichten zu erzählen.

Dieses Werk erinnert auch an die Stile von Van Gogh und El Greco, die ebenfalls Farbwirbel darstellten und damit eine größere emotionale Intensität im Bild schufen.

Mural (1943) ist ein frühes Drip Painting von Pollock und hat eine Größe von 8 x 20 Fuß. Pollock begann auf großen Leinwänden auf dem Boden zu arbeiten und setzte seinen ganzen Körper ein, um ein Kunstwerk zu schaffen. Diese Dynamik und die Kraft der Bewegung um seine Leinwand herum wurde als Action Painting bezeichnet. Mural wurde von anderen bekannten Künstlern wie Pablo Picasso, Thomas Hart Benton und der Sandmalerei der Indianer beeinflusst.

Das oben abgebildete Werk von Pollock zeigt scheinbar zahlreiche sich bewegende Figuren in einem Wirbel aus mehrfarbiger Farbe. Die Pinselstriche erscheinen stellenweise dick und dünn, was ebenfalls zum dynamischen Fluss des Kunstwerks beiträgt. Die dicken Bögen der schwarzen Linien heben sich von den eher pastelligen Gelb- , Rosa- und Blautönen ab. Dieses Werk wurde von Peggy Guggenheim in Auftrag gegeben.

Ein Poller in Winchester, England, gemalt im Stil von Summertime von Jackson Pollock. Dies ist einer aus einer Serie, an der Ecke von Great Minster Street und The Square; Andy Mabbett, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Ein weiteres berühmtes Tropfbild von Pollock ist Autumn Rhythm: Number 30 (1950), ebenfalls eines der Kunstwerke, die Teil von Pollocks Einzelausstellung waren, die in den Medien große Beachtung fand. Pollock begann dieses Werk mit einer verdünnten Mischung aus schwarzer Farbe auf der gesamten horizontalen Fläche der Leinwand. Darüber mischte er verschiedene gedämpfte Farben wie Schwarz, Weiß und Beigetöne und Braun. Die Farbe wird in dünnen und dicken Tropfen über die Leinwand gestreut, wobei jeder seinen eigenen Weg entlang der Leinwand nimmt, sich überschneidet und ineinander verschmilzt. In diesem Gemälde haben die Farben und der dynamische Fluss ein herbstliches Gefühl und einen herbstlichen Rhythmus, wie es der Titel so treffend beschreibt.

Es gab zwar viele sehr bekannte abstrakte Künstler (aus verschiedenen Kunstrichtungen), die ihre eigene, einzigartige „Marke“ der abstrakten Kunst schufen, aber hier werden einige bekannte Namen vorgestellt, die wir alle wegen ihrer bahnbrechenden, innovativen und fantasievollen Perspektiven kennen, die anderen Künstlern den Weg wiesen.

Der Tod (und das Leben) der Abstrakten Kunst

Obwohl einige Quellen behaupten, dass die Abstrakte Kunst vor fast 40 Jahren „für tot erklärt“ wurde, stimmt das nicht ganz. Die abstrakte Kunst lebt auch im 21^st Jahrhundert weiter und hat ihren Höhepunkt vielleicht gegen Ende des Abstrakten Expressionismus erreicht. In dieser Zeit wurde der Minimalismus zur vorherrschenden Kunstrichtung. Eine Gruppe von Künstlern konzentrierte sich mehr auf die in der abstrakten Kunst verwendeten Elemente wie Formen, Linien, Gestalten und Farben, ohne dass ihr persönlicher Ausdruck das Thema des Kunstwerks bestimmte.

Die abstrakte Kunst im 21^st Jahrhundert ist genauso vielfältig wie zu Beginn des 19^th Jahrhunderts. Gegenwärtig gibt es Hunderte von abstrakten Künstlern, die ungegenständliche Gemälde, Skulpturen und Installationen schaffen, die die Grenzen dessen, was Kunst sein soll und wie Medien verwendet werden sollen, überschreiten.

Darüber hinaus hat das digitale Zeitalter einen neuen Aufschwung in der Darstellung mit sich gebracht, ebenso wie die Art und Weise, wie Farben, Formen und Symbole verwendet werden (neu kreiert und von den alten entlehnt), um nicht nur das Leben darzustellen, sondern auch Aspekte des Metaphysischen, Spirituellen und die weltweiten Auswirkungen der Globalisierung und einer Welt, die sich stark von der Welt von vor fast einem Jahrhundert unterscheidet. All diese Elemente werden zweifellos die Entwicklung der abstrakten Kunst weit über das 21^st Jahrhundert hinaus vorantreiben.

Häufig gestellte Fragen

Was ist abstrakte Kunst?

Die abstrakte Kunst entstand im 20^ten Jahrhundert und entfernte sich von der traditionelleren gegenständlichen Darstellungsweise der Kunst, etwa im Vergleich zur Renaissance, in der Künstler malten, was sie sahen. Abstrakte Künstler legten mehr Wert darauf, ihre Emotionen und inneren Interpretationen des Lebens auszudrücken und reflektierten oft über tiefere Aspekte wie Spiritualität und Metaphysik. Sie stellten diese tieferen Bedeutungen dar, indem sie verschiedene Farben und Formen verwendeten. Durch den Akt und den Prozess des Schaffens ihrer Kunstwerke schufen die abstrakten Künstler eine völlig neue Thematik.

Was sind die Hauptmerkmale der abstrakten Kunst?

Viele Quellen weisen auf die Hauptelemente hin, die die Abstrakte Kunst ausmachen. Dazu gehört die Konzentration auf visuelle Aspekte und Motive wie Linien, Formen, Farben und verschiedene Texturen. Diese wurden auf verschiedene Weise auf der Leinwand verwendet und oft auf unlogische oder ästhetisch ansprechende Weise angeordnet. Die Leinwände wurden oft auf dem Boden platziert, was dynamischere Bewegungen der Künstlerinnen und Künstler ermöglichte – ein Merkmal, das im Abstrakten Expressionismus weit verbreitet war.

War die Abstrakte Kunst eine einzige Kunstrichtung?

Nein, abstrakte Kunst gab es in verschiedenen Kunstrichtungen, darunter Fauvismus, Kubismus, abstrakter Expressionismus und andere Bewegungen wie den Surrealismus. Man kann sogar sagen, dass die abstrakte Kunst schon in den frühen Höhlenmalereien vorkam, aber als offizielle Kunstbewegung wird angenommen, dass ihre Grundlagen in Kunstbewegungen wie dem Postimpressionismus in Frankreich Ende des 19. Jahrhunderts entstanden sind.

Wer waren die berühmten abstrakten Künstler?

Wassily Kandinsky gilt als der Vorreiter der Abstrakten Kunst. Er war ein russischer Maler, der Farben so einsetzte, wie ein Musiker Musik macht. Die Musik spielte auch in Kandinskys Kunstwerken eine große Rolle und er versuchte, mit seinen Bildern und Farben das Spirituelle in der Kunst zu symbolisieren. Ein anderer berühmter abstrakter Künstler, Jackson Pollock, war ein Pionier des sogenannten Action Painting. Er schuf Kunstwerke auf großen Leinwänden, indem er Farbe auf verschiedene Arten darauf schüttete oder schnippte. Oft verwendete er auch andere Medien, wie z. B. Sand. Ein weiterer Künstler war Pablo Picasso, einer der Wegbereiter des Kubismus. Er war auch berühmt für seine Collagen, die oft aus Teilen von Plakaten, Zeitungen, Zeitschriftenausschnitten und anderen Elementen wie Drähten zusammengesetzt waren. Dieser Stil und die geometrischen und dekonstruierten Bilder, die für den Kubismus charakteristisch waren, schufen eine neue Art der abstrakten Kunst.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.