Analytischer Kubismus – Komplette Historie und Informationen

Was ist der Analytische Kubismus und wer hat ihn entwickelt? Das sind die wichtigsten Fragen, die wir in diesem Artikel beantworten werden. Wahrscheinlich hast du schon einmal vom Kubismus gehört, aber kennst du den Unterschied zwischen dem Analytischen und dem Synthetischen Kubismus? Werfen wir einen Blick auf die Geschichte des Kubismus und auf berühmte kubistische Künstler wie Pablo Picasso, die diesen Stil verwendeten, sowie auf Beispiele für den analytischen Kubismus.

Was ist der analytische Kubismus?

Der analytische Kubismus ist eine kubistische Technik, die das Motiv in kantige, vielschichtige Flächen aufteilt und Stillleben und Porträts in die Nähe der vollständigen Abstraktion rückt. Während einer zweijährigen Experimentierphase, in der sich die kubistischen Maler von Paul Cézannes facettierten Landschaften inspirieren ließen, kehrten Pablo Picasso und Georges Braque ins Atelier zurück und perfektionierten die Technik des Analytischen Kubismus. Die Phase des Analytischen Kubismus begründete eine Art, über Kunst zu denken, die über die Grenzen feststehender perspektivischer Kompositionen hinausging, indem sie verschiedene Blickwinkel nutzte, um Bilder zu schaffen, die nur flüchtige Ausschnitte von Alltagsgegenständen enthielten, wie wir sie kennen.

Bäume bei L’Estaque (1908) von Georges Braque; Agnes Weinrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Der analytische Kubismus erhöhte den Anteil der kognitiven Beteiligung an der Kunst. Der analytische Kubismus benutzte eine begrenzte Auswahl an Farbtönen, um sich vom verführerischen Stil des Impressionismus und der Fauves abzugrenzen. Ein Übermaß an Farbe hätte nur als Ablenkung von einer Kunstart gedient, die den Betrachter dazu anregte, die Kunst zu analysieren, anstatt sie nur zu erleben.

Das Aufkommen des analytischen Kubismus

Bevor Georges Braque und Pablo Picasso scheinbar eigenständig Techniken der Bildperspektive entwickelten, war Paul Cézanne der dominierende Einfluss auf das Streben nach künstlerischer Plastizität und Form. Cézanne begann in den späten 1800er Jahren, die Umwelt mit Hilfe von Kegeln, Kugeln und Zylindern darzustellen, um den Blick des Betrachters durch die verschiedenen Standpunkte auf der Bildebene auf einen bestimmten Brennpunkt zu lenken. Cézannes Kunst zeigte unmissverständlich, dass Malerei nicht nur die Kunst ist, einen Gegenstand mit Farben und Linien nachzuahmen, sondern unserer Natur eine plastische (feste, aber formbare) Gestalt zu geben. Die Kunst von Georges Seurat, der vor allem für seine breite Farbpalette und seine flache Tiefenschärfe bekannt ist, hat die Entstehung des Kubismus angeregt, wenn auch indirekt. Seine Gemälde und Skizzen wurden in Paris in zahlreichen Ausstellungen ausgiebig betrachtet und Kopien seiner bekanntesten Werke wurden unter den kubistischen Künstlern weit verbreitet. 

Die Konzentration des analytischen Kubismus auf Komposition und Ton als getrennte Aspekte war mit der Betrachtung der Farbe als eigenständiges formales Element vereinbar, wie es Suerat getan hatte.

Die Merkmale des analytischen Kubismus

Die Künstler des analytischen Kubismus machten die Fragmentierung und Abstraktion zum zentralen Element ihres kreativen Stils. Die Reduzierung der Dinge auf geometrische Formen und Flächen wird als Fragmentierung bezeichnet. Im Analytischen Kubismus wurden die Objekte auf ihre wesentlichen geometrischen Formen wie Kugeln, Würfel und Kegel reduziert. Diese Formen wurden dann in noch kleinere Formen zerlegt und wieder so zusammengesetzt, dass die grundlegende Struktur des Objekts hervorgehoben wurde. Die Praxis, erkennbare Objekte oder Strukturen aus dem Kunstwerk zu entfernen, wird als Abstraktion bezeichnet. Die Künstler des Analytischen Kubismus versuchten, Kompositionen zu schaffen, die fast völlig abstrakt waren.

Porträt von Pablo Picasso (1912) von Juan Gris; Juan Gris, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Objekte wurden fragmentiert und auf eine Weise rekonstruiert, die eine Identifizierung schwierig machte. Der analytische Kubismus, der sich vor allem auf Abstraktion und Fragmentierung konzentrierte, ermöglichte es den Künstlern, eine neue Bildsprache zu entwickeln, die sowohl originell als auch herausfordernd war. Sie waren in der Lage, Kunstwerke zu schaffen, die sowohl anspruchsvoll als auch ästhetisch ansprechend waren, indem sie Objekte in ihre Grundformen zerlegten und sie auf eine Weise neu kombinierten, die die Struktur und die zugrunde liegende Geometrie des Objekts hervorhob. Der analytische Kubismus verwendet geometrische Formen, um Objekte in ihre grundlegenden Elemente zu zerlegen, anstatt sie als zusammenhängendes Ganzes darzustellen.&nbsp

Dies ermöglichte es den Malern, Objekte aus zahlreichen Perspektiven gleichzeitig darzustellen, wodurch ein Gefühl von Bewegung und Dimension im Bild entstand.

Um die Illusion von Tiefe und Dimension in ihren Gemälden zu erzeugen, verwendeten die Künstler eine Vielzahl von gedämpften Farbtönen wie Braun, Grau und Ocker. Anstatt den Betrachter mit leuchtenden, dramatischen Farben abzulenken, konnten sie sich so auf die Struktur und Form der Dinge konzentrieren, die sie darstellten. Durch die begrenzte Farbpalette konnten die Künstler außerdem ein Gefühl von Einheit und Harmonie in ihren Werken erzeugen, da alle Farbtöne sorgfältig aufeinander abgestimmt waren. Dies trug dazu bei, dass ein kohärentes, einheitliches Bild entstand, das für das Publikum leicht zu interpretieren war.

Bedeutende analytische Kubisten

Um einen Fuß fest in der Realität zu lassen, fügte der Analytische Kubismus so genannte „Attribute“ in sein Gerüst aus Flächen und geometrischen Gittern ein. Attribute waren Schnipsel oder Elemente aus dem alltäglichen Leben; Quellen illusionistischer Referenzen, die die Eigenschaften des Bildes zugänglich machten und verhinderten, dass das Werk in die reine Abstraktion abglitt. Pablo Picasso war jedoch nicht der einzige, der zum analytischen Kubismus beitrug. Wir wollen uns nun einige der wichtigsten Künstler dieses Genres ansehen.

Tasse und Pfeife (1914) von Juan Gris; Juan Gris, Public domain, via Wikimedia Commons

Pablo Picasso war eine Schlüsselfigur bei der Etablierung des Analytischen Kubismus als Kunststil und gilt als Mitbegründer des Kubismus. Seine Beteiligung am Analytischen Kubismus bedeutete eine dramatische Abkehr von den traditionelleren Kunstformen, die vor ihm entstanden waren. Picasso begann in den frühen 1900er Jahren mit neuartigen Darstellungsweisen von Objekten auf seinen Leinwänden zu experimentieren. Neben den Werken von Paul Cézanne wurde er von der afrikanischen Kunst beeinflusst, und er begann, Dinge zu zerlegen und sie aus verschiedenen Blickwinkeln und in fragmentierten Formen darzustellen. Picassos frühe analytische kubistische Gemälde betonten geometrische Umrisse, flache Formen und eine begrenzte Farbpalette, wie zum Beispiel Ma Jolie (1912). Er verwendete häufig gedämpfte Farbtöne wie Braun und Grau, um die Illusion von Tiefe in seinen Bildern zu erzeugen. Neben seinen eigenen Werken arbeitete Picasso auch eng mit Braque an der Entwicklung des analytischen Kubismus zusammen.&nbsp

Die Maler teilten ihre Ideen und Techniken miteinander, und ihre Kunstwerke aus dieser Zeit sind regelmäßig schwer zu unterscheiden.

Der französische Künstler Georges Braque gilt als Mitbegründer des Analytischen Kubismus zusammen mit Pablo Picasso. Braques Beteiligung an dieser Bewegung war entscheidend für ihr Wachstum und ihren Fortschritt. Wie Picasso zeichneten sich auch seine frühen Gemälde in diesem Stil durch fragmentierte Formen, gedämpfte Farben und ein flaches Raumgefühl aus. Braques Kunstwerke aus der analytischen kubistischen Periode enthielten typischerweise identifizierbare Objekte, wie Flaschen oder Musikinstrumente, die zerlegt und in flachen, geometrischen Formen wieder zusammengesetzt wurden. Diese Technik betonte die strukturellen Merkmale des Objekts und stellte gleichzeitig etablierte Konzepte der Darstellung in der Kunst in Frage. Braques Beteiligung am Analytischen Kubismus legte den Grundstein für die Entstehung anderer moderner Kunstbewegungen wie dem synthetischen Kubismus in den Jahren nach dem Ersten Weltkrieg. Zusammen mit Picasso beeinflusste sein Beitrag zu dieser Bewegung maßgeblich den Weg der gegenwärtigen Kunst.

Kachelversion von Guernica (2009) von Pablo Picasso; Tony Hisgett aus Birmingham, UK, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Der spanische Künstler Juan Gris war einer der wichtigen Künstler, die den Stil weiterverfolgten, nachdem seine Mitbegründer in andere Richtungen gegangen waren. Bevor er zur Malerei wechselte, arbeitete Gris als Karikaturist und Illustrator. Schon bald identifizierte er sich mit dem kubistischen Stil und war stark von den Werken Picassos und Braques beeinflusst. Gris‘ Herangehensweise an den analytischen Kubismus zeichnete sich dadurch aus, dass er den Schwerpunkt auf das Studium von Objekten und deren Wiederzusammensetzung legte. Eine von Gris‘ wichtigsten Methoden war die Collage, bei der er Gegenstände aus der realen Welt wie Zeitungsausschnitte oder Tapetenstücke in seinen Werken kombinierte. Dies verlieh seinen Werken eine neue Tiefe und erweiterte die Grenzen dessen, was in einem Bild dargestellt werden konnte. Gris‘ Kunst zeichnete sich durch präzise Formen und eine delikate Verwendung von Farben aus. Im Allgemeinen verwendete er eine gedämpfte Farbpalette, in der Beige, Grau und Weiß dominierten. Im Wesentlichen trugen Gris‘ Beiträge zum analytischen Kubismus dazu bei, dass sich der Stil über seine frühen Stadien hinaus entwickelte und verfeinerte.

Die Entwicklung und der Einfluss des analytischen Kubismus

1912 hatten Picasso und Braque eine neue Phase des Synthetischen Kubismus eingeleitet, in der sie die Fragmentierung des Bildes vernachlässigten und realistische Materialien wie Seile oder Öltücher in ihren Werken verwendeten. Dennoch schufen beide Künstler in unterschiedlichen Phasen ihrer Karriere weiterhin Werke, die von den Konzepten des analytischen Kubismus inspiriert waren. Die so genannten Salonkubisten wurden zwar als etwas untergeordnet gegenüber Braque und Picasso angesehen, trugen aber wesentlich dazu bei, den Kubismus über eine exklusive Klasse von Kunstkritikern hinaus populär zu machen.&nbsp

Prominente historische Meister wie Gris und Delaunay verwendeten einige der Methoden des analytischen Kubismus, fügten ihren Gemälden aber einen helleren und lebendigeren Farbgebrauch hinzu.

Einfluss auf nachfolgende Stile

Sie trugen dazu bei, dass eine Kunstform, die in den Händen von Picasso und Braque streng analytisch geworden war, eine verträumtere Qualität erhielt. Auch die Salonkubisten entwickelten sich weiter: Delaunay war der Wegbereiter des Orphismus, der brillante, fragmentierte Formen betonte; Leger war der Wegbereiter des Tubismus, während Gleizes, Metzinger und andere rein abstrakte Gemälde entwickelten, die die flache Bildebene betonten. Der analytische Kubismus seinerseits legte mit seinen fragmentierten Formen und Flächen viele der Grundprinzipien der Moderne des 20. Jahrhunderts. Er beeinflusste die Entwicklung des Suprematismus, des italienischen Futurismus, des Konstruktivismus und später auch des Purismus und des De Stijl sowie die Kunst und Architektur von Le Corbusier.

Stillleben vor einem offenen Fenster, Place Ravignan (1915) von Juan Gris; Philadelphia Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

The Decline of Cubism (1948) von Clement Greenberg wurde zu einem wichtigen Werk, das die historische Bedeutung der kubistischen Bewegung als Ganzes anerkennt. „Der Kubismus ist immer noch der einzige wesentliche Stil unserer Epoche“, erklärte er, „der einzige, der am besten geeignet ist, eine moderne Stimmung zu repräsentieren, und der einzige, der würdig ist, eine Tradition aufrechtzuerhalten, die bis in die Zukunft leben und neue Künstler hervorbringen wird“.  Der zerbrochene, mehrdimensionale Aspekt des Kubismus beeinflusste andere Medien, vor allem die Filme von Jean Cocteau und Sergei M. Eisenstein und die Schriften Blaise Cendars, Gertrude Steins und William Faulkners, die ihren Höhepunkt in der nahezu abstrakten analytischen Phase erreichten.

Der Analytische Kubismus gehörte zu den ersten Kunstbewegungen, die die Darstellung zugunsten der Abstraktion von Objekten aufgaben.

Der abstrakte Expressionismus und der Minimalismus wurden von diesem Ansatz der Abstraktion beeinflusst. Die Künstler des Analytischen Kubismus verwendeten in ihren Werken Collageelemente, um Textur und Tiefe zu erzeugen. Diese Methode förderte die Entstehung der Collage als eigenständiges Kunstgenre. Die Betonung geometrischer Formen wie Würfel und Kugeln im Analytischen Kubismus hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf nachfolgende Kunststile wie den Konstruktivismus und den Suprematismus.

Eine Analyse des analytischen Kubismus

Wir wollen nun erörtern, wie diese Künstler den analytischen Kubismus in ihren Werken eingesetzt haben. Georges Braque hat in seinem Werk Violine und Palette (1909), das als Vorläufer des Analytischen Kubismus gelten kann, mehrere Bildebenen geschaffen, um Bilder einer Palette, einer Geige und von Notenblättern zu fragmentieren und zu verzerren. Die Stücke sind so angeordnet, dass sie die vertikale Achse der Leinwand betonen, während die eingeschränkte Farbpalette die sich überschneidenden Formen hervorhebt, anstatt von ihnen abzulenken, wodurch eine Dichte entsteht, die taktil wirkt. Braque würde die Zerlegung des Motivs auf diese Weise noch weiter betonen, wie in Klavier und Mandola (1910).

Violine und Gitarre (1913) von Juan Gris; Juan Gris, Public domain, via Wikimedia Commons

Ein weiteres bemerkenswertes Kunstwerk ist Daniel-Henry Kahnweiler (1910) von Picasso. Wir können ein Bild von Picassos Dargestelltem zusammensetzen, indem wir es in Facetten und Flächen zerlegen, die in einer begrenzten Farbpalette von Schwarz, Grau, Weiß und Braun hergestellt wurden. Im unteren Teil des Bildes kann der Betrachter die geballten Hände, die Schleife in seiner Krawatte und das fast geometrische Zusammentreffen von Nasenrücken und Augenbrauen sehen. Durch die Komplexität der sich überlagernden undurchsichtigen und durchscheinenden Flächen und die begrenzte Farbpalette erhält das Motiv eine gewisse Dichte, die an den Rändern in den abstrakten Hintergrund übergeht.

Interpretation der Kunstwerke des analytischen Kubismus

Aufgrund der Schwierigkeiten, diese nahezu abstrakten Kunstwerke zu verstehen, bezeichneten zahlreiche Rezensenten den Analytischen Kubismus als eine zurückgezogene Disziplin. Dieser Begriff bezieht sich auf die Überzeugung, dass die Sprache des Analytischen Kubismus so bahnbrechend war, dass es in der Kunstgeschichte keinen Präzedenzfall gab, und dass sie so hermetisch war, dass sie von Grund auf neu erlernt werden musste. Gleichzeitig half das, was Picasso als „Attribute“ bezeichnete, wie das Kräuseln der Haare und die geballten Hände in seinem Gemälde Daniel-Henry Kahnweiler (1910), dem Publikum, indem es das Motiv in der realen Welt verankerte und ihm einen Bezugspunkt bot; mit anderen Worten, es gab dem Betrachter „etwas, worauf er aufbauen konnte“.

Der analytische Kubismus war ein revolutionärer Kunststil und dieser neue Ansatz in der Malerei stellte die alten Vorstellungen von Darstellung und Wahrnehmung in Frage, und die Reaktion der Öffentlichkeit war gemischt.

Vielen Betrachtern fiel es schwer, den zersplitterten, abstrakten Charakter des analytischen Kubismus zu verstehen und zu würdigen. Einige fanden die Kunstwerke verwirrend und hatten Schwierigkeiten, eine emotionale Verbindung zu ihnen aufzubauen. Andere wiederum waren von dieser neuen Form der Darstellung fasziniert und sahen darin eine mutige Abkehr von den traditionellen Kunstkonventionen. Der analytische Kubismus ist bekannt für seine gedämpften Farbtöne und den flachen Raum, der bei manchen Betrachtern ein Gefühl der Distanz oder sogar der Entfremdung hervorrufen kann. Andere wiederum empfanden diese harte Bildsprache als äußerst fesselnd und emotional.

Kritik und Einfluss

Als die ersten Beispiele des Analytischen Kubismus in den frühen 1900er Jahren erschienen, löste er in der Kunstwelt unterschiedliche Reaktionen aus. Einige Künstler und Gelehrte unterstützten das Konzept, weil sie darin einen revolutionären Bruch mit der klassischen gegenständlichen Kunst sahen. Andere waren skeptisch und hielten es für eine Art kreative Anarchie, die den grundlegenden Prinzipien der Malerei widersprach.

Kopf einer Frau (1940) von Pablo Picasso; Fuzheado, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Kritikpunkte

Die Fragmentierung und Verzerrung des Motivs machte es einigen Betrachtern schwer zu verstehen, was sie da sahen, was zu großer Verwirrung und Kritik führte. Kritiker behaupteten auch, dass es dem Analytischen Kubismus an Gefühl fehlte und er keine emotionale Reaktion beim Betrachter hervorrief. Da der Schwerpunkt auf Struktur und Form und nicht auf der Darstellung lag, gab es im Analytischen Kubismus wenig Platz für Emotionen oder Gefühle. Der Stil rief sogar den Vorwurf der Exklusivität und des Elitismus hervor. Einige Kritiker behaupteten, dass das Werk absichtlich geschaffen wurde, um das Publikum zu entfremden und nur eine kleine Anzahl von Menschen anzusprechen, die über die nötigen Einsichten und das Verständnis verfügten, um es zu verstehen. Einige Kritiker brachten den Kubismus mit politischem Aktivismus und antitraditionellen Werten in Verbindung, was den Verdacht der Subversion aufkommen ließ und sogar zur Zensur führte. 

Während des Ersten Weltkriegs beschlagnahmte die deutsche Regierung zum Beispiel kubistische Gemälde mit der Begründung, dass sie eine Gefahr für die nationale Sicherheit darstellten.

Einfluss

Trotz der anfänglichen Gegenreaktion etablierte sich der Kubismus als einer der bedeutendsten Kunststile des 20. Jahrhunderts. Er gilt heute als ein entscheidender Meilenstein in der Entwicklung der zeitgenössischen Kunst, und sein Einfluss ist in vielen kreativen Genres zu spüren. Der analytische Kubismus veränderte die Art und Weise, wie Künstlerinnen und Künstler Zeit, Raum und Darstellungen auffassen. Die Konzentration auf Abstraktion, Fragmentierung und verschiedene Blickwinkel bildete die Grundlage für viele nachfolgende Kunstbewegungen, vom Surrealismus und abstrakten Expressionismus bis hin zu Pop Art und Minimalismus. Der Kubismus gilt heute als revolutionärer Ansatz für das Kunstschaffen, als Herausforderung für etablierte Darstellungstechniken und als nachhaltiger Einfluss auf die Entwicklung der modernen und zeitgenössischen Kunst.

The Musician’s Table (1926) von Juan Gris; Juan Gris, Public domain, via Wikimedia Commons

Auswirkungen auf die Wahrnehmung von Kunst

Der Analytische Kubismus hatte einen bedeutenden und weitreichenden Einfluss auf die traditionellen Konzepte von Kunst und Darstellung. Er stellte das langjährige Erbe der gegenständlichen Malerei in Frage, die auf dem Konzept einer genauen Darstellung der Realität beruhte. Der Kubismus hingegen versuchte, Objekte auf abstraktere und gebrochenere Weise darzustellen, indem er die zugrunde liegenden Formen und Strukturen statt der Oberflächenerscheinung betonte.&nbsp

Dies stellte die Grundlagen der gegenständlichen Malerei in Frage und zeigte, dass die Wirklichkeit auf neue und vielfältige Weise dargestellt werden kann.

Der Kubismus machte den Weg frei für eine experimentellere und innovativere Herangehensweise an das Kunstschaffen. Der Kubismus hob die Oberflächlichkeit der Perspektive und die Zwänge der gegenständlichen Malerei hervor, indem er das Objekt zerlegte und auf neuartige Weise neu anordnete. Das motivierte die Künstler dazu, ihre Umgebung zu erforschen und innovativ auszudrücken, was zu einer Welle von Experimenten und Erfindungen in der Kunstwelt führte.

Das Erbe des Analytischen Kubismus

Wir haben bereits erwähnt, welchen Einfluss dieser Stil auf spätere Kunststile hatte, doch das Erbe des Analytischen Kubismus reicht sogar über die Welt der Kunst hinaus. Die Konzentration auf geometrische Formen und Abstraktion im Analytischen Kubismus hat sich auf die Gestaltung von Häusern und Gebäuden ausgewirkt, vor allem in der Moderne und Postmoderne. Von den 1920er Jahren bis heute haben sich Modedesigner von den geometrischen Formen und leuchtenden Farben des Stils inspirieren lassen. Die fragmentierte Erzählform und die zahlreichen Perspektiven, die von Autoren wie Virginia Woolf und James Joyce verwendet wurden, zeigen den Einfluss des Analytischen Kubismus auf die literarische Moderne. Die Fragmentierung der Form, die in diesem Stil zu beobachten ist, hat sich auch auf die musikalische Komposition ausgewirkt, vor allem in den Werken von Komponisten wie Arnold Schönberg und Igor Strawinsky.

Eroberung der Luft (1913) von Roger de La Fresnaye; Roger de La Fresnaye, Public domain, via Wikimedia Commons

Und mit einem besseren Verständnis der Gesamtwirkung des Analytischen Kubismus schließen wir diesen Artikel ab. Der analytische Kubismus steht für die frühe Phase des Kubismus und die Erfindungen und Experimente der beiden Maler Pablo Picasso und Georges Braque. Die beiden Künstler, die als die „Väter des Kubismus“ bekannt sind, veränderten das Gesicht der Kunst. Die Gemälde des analytischen Kubismus, die zwischen 1909 und 1912 ihren Höhepunkt erreichten, zeichnen sich durch ihren fragmentierten Blick, ihre lineare Struktur, die Reduzierung der Farbe auf eine fast monochrome Farbpalette, das Verständnis von Objekten als geometrische Grundformen und die Verwendung mehrerer Ansichten aus. Ihr Erbe hat nicht nur einen bleibenden Eindruck in der Welt der Kunst hinterlassen, sondern ihre Konzepte und Ideen sind in viele Lebensbereiche eingeflossen.

Häufig gestellte Fragen

Wer entwickelte den analytischen Kubismus?

Der analytische Kubismus wurde Anfang des 20. Jahrhunderts von Pablo Picasso, dem berühmten Künstler aus Spanien, und dem bekannten französischen Künstler Georges Braque entwickelt. Sie arbeiteten zusammen, um die Dinge in geometrische Formen zu zerlegen und sie aus verschiedenen Blickwinkeln zu betrachten. Das Ergebnis war ein neuer Kunststil, der die Kunstwelt veränderte. Die Bewegung begann im Jahr 1907 und dauerte bis etwa 1914.

Was ist der Unterschied zwischen dem Analytischen Kubismus und dem Synthetischen Kubismus?

Zu den Merkmalen des analytischen Kubismus gehören monochromatische Farbschemata, die Darstellung der Struktur des Objekts, gebrochene und abstrahierte Formen und die Verwendung einer begrenzten Palette von Braun, Grau und Schwarz. Der Schwerpunkt lag darauf, Dinge in der realen Welt zu analysieren und sie aus verschiedenen Blickwinkeln in geometrische Formen und Teile zu zerlegen. Im Synthetischen Kubismus lag der Schwerpunkt auf der Schaffung neuer Kunstwerke durch die Kombination einzigartiger Elemente, Materialien und Texturen in einer collageartigen Weise. Zu den Merkmalen des Synthetischen Kubismus gehörten hellere und vielfältigere Farben und die Verwendung von gefundenen Gegenständen und Materialien wie Tapeten und Notenblättern, um Collagen oder Assemblagen herzustellen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.