Postmoderne Kunst – Übersicht der Postmoderne

Die postmoderne Kunst war eine künstlerische Bewegung, die den Modernismus ablöste und den Weg für die Entwicklung der zeitgenössischen Kunst ebnete. Die Postmoderne kam um die Mitte des 20^ten Jahrhunderts auf und dauerte nur wenige Jahre, bis sie in die späteren Bewegungen überging, die sie in ihrer Popularität ablösen sollten. Als umstrittene künstlerische Praxis zerstörte die Postmoderne bisher etablierte Vorstellungen von Kunst und Design, denn die Bewegung schuf ein neues und avantgardistisches Selbstbewusstsein in Bezug auf den Stil.

Eine Einführung in die postmoderne Kunst

Die postmoderne Kunst entstand in der Mitte des 20^th Jahrhunderts und trat irgendwann zwischen den 1960er und 1970er Jahren in die Kunstszene ein. Diese Bewegung löste die Moderne als wichtigsten künstlerischen Stil ab und galt als eine Kunstform ohne einheitliche Richtlinien, die die Praxis vorschreibt. Die Postmoderne erstreckte sich über zwei Jahrzehnte und endete etwa in den 1990er Jahren, als sich andere Kunststile zu entwickeln begannen, die Merkmale der Postmoderne aufgegriffen hatten.

Die Postmoderne war eine Kunstform, die verschiedene Bewegungen in sich vereinte und bei der Schaffung von Kunstwerken Aspekte aus einer Vielzahl von künstlerischen Praktiken aufnahm. Die Postmoderne beschreibt eine Kunstform, in der die Künstlerinnen und Künstler wirklich ausdrücken konnten, was sie dachten und fühlten. Die Werke aus dieser Zeit zeichnen sich durch völlige Freiheit von Politik und anderen gesellschaftlichen Einflüssen aus.

Im Wesentlichen versuchte die postmoderne Kunst, den Idealen der Moderne zu widersprechen, indem sie versuchte, sich auf allen Ebenen mit gesellschaftlichen Themen auseinanderzusetzen.

Die vorangegangene künstlerische Bewegung, die Moderne, schuf Kunstwerke, die eine tiefe emotionale Distanz zur Gesellschaft zeigten. Die Postmoderne widersprach dieser Idee in allen Werken, die unter diesem Begriff entstanden. Die Einführung neuer Kunstformen wie Neo-Dada und Pop Art in Amerika veränderte die Denkweise der Künstler und läutete eine neue Periode der kreativen Wiederbelebung ein. Da es keine klare und eindeutige Abgrenzung der Postmoderne gab, konnten die Künstler alles schaffen, was sie wollten.

Himmelfahrtsweg der Tante Fränzi (1974-1975) von Lubo Kristek; Lubo Kristek, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Ein früher Einfluss auf die spätere Entwicklung der postmodernen Kunst war die Dada-Bewegung, in der Künstlerinnen und Künstler das traditionelle Kunstestablishment mit ihrem anarchischen Verhalten und ihren respektlosen Performances verspotteten. Die Einführung des Readymade in der Kunst schockierte das Publikum, da es die Betrachter dazu zwang, die Authentizität und Originalität der Kunst in Frage zu stellen, was einen bemerkenswerten Einfluss auf die Entwicklung der Postmoderne hatte.

Die postmoderne Kunst galt als eine unglaublich umstrittene Bewegung, da sie bereits etablierte Kunstvorstellungen offen in Frage stellte und versuchte, ein neues Bewusstsein und Verständnis für den künstlerischen Schaffensprozess zu schaffen.

Die Kunst der Postmoderne war also vielfältig, denn sie zeichnete sich dadurch aus, dass sie theatralische und theoretische Elemente auf unerwartete Weise vermischte, was ihre drastische Abkehr von den Visionen der Moderne zeigte.

Die Kunstwerke der Postmoderne zielten darauf ab, die Grenzen zwischen hoher und niedriger Kunst aufzuheben. Dies geschah durch die Verwendung von Elementen der Populärkultur in Kunstwerken, um den Kontrast zwischen diesen beiden Arten von Kunst hervorzuheben und um zu zeigen, wie diese Elemente zusammenwirken können. Postmoderne Künstlerinnen und Künstler experimentierten intensiv mit der Idee, die Originalität zu untergraben, indem sie Fotografien und andere Werke ohne oder mit nur geringen Änderungen am Original verwendeten.

Die Kunst der Postmoderne galt als antiautoritär, da die Bewegung sich weigerte, die Autorität eines Stils oder einer Definition dessen, woraus Kunst bestehen sollte, anzuerkennen. Obwohl die postmoderne Kunst einige Merkmale anderer Bewegungen übernahm, wandte sie sich gegen die Ideen und Werte, die diese Bewegungen prägten. Auf diese Weise hat die Bewegung letztlich den Unterschied zwischen Hoch- und Populärkultur in den von ihr geschaffenen Werken verfeinert.

Eine Sonderausstellung von Andy Warhols berühmter Campbell’s Soup Serie aus dem Jahr 2015; Foto: Jonn Leffmann, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Die postmoderne Kunst läutete eine neue Ära der Befreiung von der Tradition ein, denn sie basierte auf der Idee, dass in der künstlerischen Gestaltung alles erlaubt ist. So waren die Kunstwerke ironisch, absurd, konfrontativ oder problematisch und stellten oft die Grenzen dessen in Frage, was als angemessen und geschmackvoll galt. Diese Reaktion auf die Art und Weise, wie Kunst produziert werden kann, nahm im Laufe der Postmoderne verschiedene künstlerische Formen an und entwickelte sich schließlich zu Konzeptkunst, Minimalismus, Videokunst, Performancekunst, Identitätspolitik und Institutionskritik.

Im Wesentlichen zeichnete sich die Kunstbewegung der Postmoderne dadurch aus, dass sie das Narrativ, das den Fortschritt und die Entwicklung der Technologie offen in ein positives Licht rückte, immer wieder in Frage stellte. Indem sie diese Akzeptanz ablehnten, waren die Künstler in der Lage, die vergängliche Natur des Lebens zu umarmen und in ihren Werken widerzuspiegeln, anstatt sich auf die totalisierenden und unveränderlichen Theorien zu konzentrieren, die zuvor die Kunst dominierten.

Was ist Postmoderne?

Die Kunstbewegung der Postmoderne ist eine schwer zu definierende Kunstepoche, weil sie keine Regeln hat und Elemente aus anderen Bewegungen aufnimmt. In der Kunst tauchte der Begriff „Postmoderne“ in den 1970er Jahren auf und wurde verwendet, um künstlerische Bewegungen zu beschreiben, die nach den späten 1950er Jahren als Reaktion auf die vermeintlichen Schwächen und den Überschwang der Moderne entstanden waren. Im zeitgenössischen Sinne wurde der Begriff jedoch erst 1979 von dem Philosophen Jean-François Lyotard in seiner Schrift La Condition Postmoderne, „Der postmoderne Zustand“, verwendet.

Eine Definition der Postmoderne

Bis zu einem gewissen Grad lässt sich die Postmoderne nicht definieren, da kein einziger Stil oder keine einzige Theorie in der Lage war, die gesamte Bewegung zu erfassen. Dennoch wird die Postmoderne im Allgemeinen als Bezeichnung für alle Bewegungen verwendet, die aus der Ablehnung der Moderne entstanden sind, wie zum Beispiel die Konzeptkunst, die Pop Art, die neoexpressionistische Kunst, die Feministische Kunst und die Kunst der Young British Artists. Die Kunst, die in diesen Genres geschaffen wurde, war typischerweise avantgardistisch und revolutionär, da sie auf die früheren formalen Elemente reagierte, die das künstlerische Schaffen bestimmten.

Die postmoderne Kunst galt als bahnbrechend und fortschrittlich, da sie die Idee der Entwicklung in der Kunst ablehnte. Um diese Ideen abzulehnen, war ein wichtiges und bestimmendes Merkmal der postmodernen Kunst die Vermischung von Hoch- und Niederkultur durch die Verwendung von industriellen Materialien und Bildern der Popkultur. Die postmodernen Kreationen zeichneten sich dadurch aus, dass sie die Grenzen zwischen dem, was als Kunst gilt, und dem, was allgemein als Kitsch angesehen wird, verwischten.

So brachte die postmoderne Kunstbewegung Komponenten des Kitsches, des Kommerzes und einer allgemeinen Camp-Ästhetik in den Kunstkontext ein. Sie entlehnte auch Elemente aus vergangenen Kunstepochen wie der Renaissance, dem Barock und der Gotik, vermischte sie aber mit neueren Stilen, wodurch ihre ursprüngliche Verwendung sinnlos wurde.

Im Wesentlichen ist es diese großartige Ablehnung der Grenzen zwischen hoher und niedriger Kunst, das Fehlen einer künstlerischen Richtung und das Aufbrechen von Genres mit Stilen wie der Collage und der Fragmentierung, was die Postmoderne Kunst letztlich definiert.

Verständnis des Begriffs „Postmoderne“

Seit den 1950er Jahren ist Zeitgenössische Kunst der vorherrschende Kunstbegriff, um die Kunst nach der Moderne zu beschreiben, obwohl nicht alle zeitgenössische Kunst in die Klammer der Postmoderne fällt. Die Verfechter der Moderne haben jedoch argumentiert, dass der Begriff Postmoderne auch für eine bestimmte Phase der Moderne in der Kunst verwendet werden kann. Außerdem wurde gesagt, dass der Begriff „Postmoderne“ die gesamte Kunst umfasst, die aus der Moderne hervorgegangen ist, da die neuere Bewegung als eine Version ihres früheren Einflusses angesehen wurde.

Der Übergang von der Moderne zur Postmoderne wird in Europa auf das Jahr 1914 und in Amerika auf die Zeit zwischen 1962 und 1968 datiert. Wie bei allen neuen künstlerischen Begriffen gab es auch hier Kritik an der Anwendung. Der Kunsthistoriker Kirk Varnedoe vertrat die Ansicht, dass es so etwas wie Postmoderne gar nicht geben könne, da die Möglichkeiten der Moderne noch nicht vollständig erforscht worden seien. Daher sind die theoretischen Grundlagen des Begriffs Postmoderne als ikonischer Zweig der Kunst immer noch sehr umstritten.

Die Komplexität der Postmoderne machte die Bewegung in den 1980er Jahren unglaublich einflussreich.

Als die Weltwirtschaft expandierte, wurde die postmoderne Kunst zum bevorzugten künstlerischen Stil, um Aspekte des Konsumverhaltens und der Unternehmenskultur zu kommentieren. Leider sollte sich dies als ihr Verhängnis erweisen, da die Postmoderne schließlich unter ihrem eigenen Erfolg zusammenbrach. Dennoch hat sie der Kunstwelt eine neue Sichtweise auf die Welt vermittelt, die auch heute noch aktuell ist.

Charakteristika und Einflüsse der postmodernen Kunst

Als Kunstbewegung kann die Postmoderne nicht als kohärent bezeichnet werden, da es keine erkennbaren Merkmale in den Kunstwerken gibt, die produziert wurden. Trotzdem zeichnete sich die postmoderne Kunst durch eine Reihe von Stilen und Haltungen aus, die in den Werken zu finden waren, denn das gemeinsame Thema der Ablehnung der Moderne war offensichtlich. Das Hauptmerkmal, das die Kunst als postmodern kennzeichnete, war die deutliche Trennung zwischen bildender Kunst und Populärkultur in den Werken.

Dies geschah durch die Verwendung von Stilen wie Collage, Assemblage, Montage, Bricolage, Text als zentrales Element, Aneignung und Vereinfachung in Kunstwerken. Performance Art wurde zu einem beliebten Arbeitsmittel, ebenso wie die Wiederverwendung vergangener Stile und Themen in einem moderneren Kontext. Die Nutzung dieser verschiedenen Quellen ermöglichte das Experimentieren mit Originalität, Performance, Grenzen, ästhetischen Codes und der Beteiligung des Publikums, was die bisherigen Definitionen von Kunst in Frage stellte.

Video Oil (1979) von Sérgio Valle Duarte, abgedruckt in dem Buch New Media Art Multimedia 70/80. Es handelte sich um eine Studie, die darauf abzielte, „das Vergnügen, mit einem Kunstwerk zu leben, zu steigern, indem man Live-Bewegung mit einem zweistündigen VHS-Video hinzufügt“, denn das VHS war gerade erst im Jahr zuvor auf den Markt gekommen. Da es keine Flachbildschirme gab, musste Duarte die Leinwand so gestalten, dass sie eine Tiefe hatte, die den alten TV-Maßen entsprach; Sérgio Valle Duarte Wikidata has entry Q16269994 with data related to this item., CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Vorläufer der Postmoderne

Bewegungen und Trends, die als wichtige Vorläufer der Postmoderne gelten, entstanden rund um den Ersten Weltkrieg, insbesondere in dessen Nachwehen. Die Einführung industrieller Elemente in die Kunst und Techniken wie die Collage veranlassten Bewegungen wie Kubismus, Dada und Surrealismus, den Charakter und den Wert der Kunst in Frage zu stellen. Die neuen Kunstformen, die sich daraus entwickelten, beeinflussten diese Bewegungen, indem sie modernere Wege der Kunstgestaltung einführten.

Die Pop Art und der Minimalismus, die ursprünglich als modernistische Bewegungen begannen, änderten ihre Herangehensweise an die Kunst in den frühen 1970er Jahren grundlegend und gelten als frühe Vorläufer der Postmodernen Kunst. Ein einflussreicher Vorläufer der Postmoderne war jedoch die Zeit des Dadaismus und die Werke von Marcel Duchamp.

Einige Kritiker bezeichneten Duchamp und seine Besessenheit vom Paradoxen als wesentlich postmodern, da die von ihm geschaffenen Werke jedes spezifische Medium und jede inhärente Bedeutung vermieden.

Betrachtet man die chronologische Entwicklung des Dadaismus, war die Bewegung fest in der Moderne verankert. Trotzdem galt die chaotische Kunstepoche als Zeichen für die Verschiebung zwischen Moderne und Postmoderne, da sie eine Bewegung vorwegnahm, die sich von der Ästhetik abwandte und sich für eine Kunst interessierte, die nicht traditionell war. Duchamps Wechsel von der Moderne zur Postmoderne im Jahr 1914 zeigte, dass der Fortschritt in der Kunst eine Lüge war, was ein wesentlicher Begriff in der Kunst der Postmoderne war.

Fountain (1917) von Marcel Duchamp; Marcel Duchamp, Public domain, via Wikimedia Commons

Modernismus versus Postmoderne

Die Postmoderne wurde als Reaktion auf die Moderne gesehen, da sie völlig gegensätzliche Standpunkte vertrat. Die Moderne basierte in der Regel auf einer utopischen und romantischen Sicht der Gesellschaft und des menschlichen Lebens sowie auf der Überzeugung, dass Fortschritt automatisch mit mehr Nutzen verbunden ist. Bis zur Mitte des 20^ten Jahrhunderts wurden Kunst, Literatur, Philosophie und Wissenschaft von den technologischen Entwicklungen der industriellen Revolution und der überwältigenden Positivität, die mit dem modernen Leben verbunden war, bestimmt.

Man ging davon aus, dass die Wissenschaft allgemeingültige Wahrheiten formulieren konnte, die die Realität einfach erklären würden, und so experimentierten die Künstlerinnen und Künstler in der Moderne mit mehr technischen Elementen, die einer wissenschaftlichen Sichtweise folgten. Man konzentrierte sich mehr auf die Form, die Technik und den Prozess des Kunstschaffens, um ein wahres Abbild des modernen Werks zu schaffen, und vergaß dabei die Bedeutung der Themen.

Dies führte zu einer Reaktion gegen den vermeintlichen Idealismus in der Gesellschaft, was zur Entstehung der Postmoderne führte. Die Postmoderne entwickelte sich aus den Gefühlen des Unglaubens und des Misstrauens, die sich in der Gesellschaft zu entwickeln begannen, da die Bewegung die Existenz dieser universellen Gewissheiten, die zuvor behauptet wurden, in Frage stellte. Postmoderne Künstler begannen, sich auf die Philosophien des mittleren bis späten 20. Jahrhunderts zu beziehen, da sie glaubten, dass die individuelle Erfahrung wichtiger sei, um sie in Kunstwerken auszudrücken.

Modernismus Übergang in die Postmoderne

Der Übergang zwischen diesen beiden künstlerischen Perioden war geprägt von den bedeutenden Veränderungen, die die westliche Welt in der Mitte des 20^ten Jahrhunderts erlebte. Zu diesem Zeitpunkt hatten zwei verheerende Kriege stattgefunden, Millionen von Menschen hatten ihr Leben verloren, die kommunistischen Ideale waren zerstört und Atomwaffen wurden eingesetzt. Die Hoffnungslosigkeit der Moderne, die in der Kunst der Vorkriegszeit vorherrschte, schien nicht mehr angemessen, da ihre Überzeugungen als sinnlos, veraltet und zum Scheitern verurteilt angesehen wurden.

Außerdem galt Europa nicht mehr als das Zentrum der Avantgarde oder der Modernen Kunst, da sich der Schwerpunkt der Kunst nach New York verlagert hatte, wo sich die Abstrakte Bewegung zu entwickeln begann. Die Künstlerinnen und Künstler dieser Bewegung blühten in dieser neuen Nachkriegsära der Kunst auf, da ihre Interessen mit einer neuen Bedeutung wiederbelebt wurden, obwohl sie durch die Merkmale ihrer Kunstwerke immer noch als Modernisten identifiziert wurden.

Als sich der Abstrakte Expressionismus in Amerika etabliert hatte, begannen die Künstler, ihn in Frage zu stellen, weil er keinen angemessenen Bezug zum Zustand der Welt und der blühenden Populärkultur herstellte. Ermutigt durch die Leidenschaft, Kunst zu schaffen, die das tägliche Leben wiedererkennt, begannen die Künstler, neue Stile auszuprobieren, die Bilder aus der Massenkultur um sie herum aufgriffen und rekonstruierten.

Damit war der Neo-Dada-Stil geboren, der den Übergang zwischen Moderne und Postmoderne markierte und vielleicht die erste echte postmoderne Kunstbewegung war.

Hohe und niedere Kunst

Es gab eine Unterscheidung zwischen dem, was als hohe und niedrige Kunst wahrgenommen wurde, da die Bewegungen der Moderne und der Postmoderne sich jeweils eines Stils bedienten. Hohe Kunst war ein Begriff, der verwendet wurde, um bildende Kunst zu bezeichnen, die in Bezug auf das verwendete Medium, die Technik und den Stil traditionell war, wie z. B. Gemälde und Skulpturen. Mit diesem Titel wurden alle Kunstwerke bezeichnet, die angeblich einen Klassenstatus hatten, um sich von der Kunst abzugrenzen, die als geschmacklos und damit unwürdig galt.

Als Reaktion darauf übernahm die Postmoderne in ihren Werken Merkmale der niederen Kunst, wie z. B. die Verwendung von Popkultur, Massenware und Elementen aus Zeitschriften und Fernsehen. Die Künstler der Postmoderne machten sich das „Populäre“ in der Gesellschaft zu eigen und fügten dieses Merkmal eifrig in ihre Werke ein, so dass ihre Kunstwerke auf Kunstkritiker wie Kitsch wirkten. Anstatt Kunst zu schaffen, die als traditionell angesehen wurde, experimentierten die Künstler der Postmoderne auf humorvolle und ironische Weise mit alltäglichen Gegenständen, indem sie sie in gigantische Skulpturen und kulturelle Ikonen verwandelten.

Die Aufmerksamkeit, die der niederen Kultur in der Kunst gewidmet wurde, erweiterte die Definition dessen, was Kunst umfasst und sein kann, was zu dieser Zeit eine wichtige Gesellschaftskritik darstellte. Indem die Postmoderne die damalige Populärkultur aufgriff, konnte sie Kunst schaffen, die von den traditionellen Normen abwich und so ein neues künstlerisches Medium entstehen ließ.

Marilyn in the Sky (1999) von James Gill; James Francis Gill, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Bild und Spektakel

In dieser neuen Zeit des Konsums und des Fernsehens, die sich in Amerika entwickelt hatte, wurden Werbung und Populärkultur im Alltag immer weiter verbreitet. Im Jahr 1968 sah die amerikanische Öffentlichkeit zum ersten Mal unzensierte Kriegsbilder in ihren Wohnungen, als Szenen aus dem Vietnamkrieg im Fernsehen gezeigt wurden. Dies dokumentierte den Beginn einer Entkopplung zwischen Bild und Spektakel, denn die Gesellschaft schien sich damit abzufinden, die Gräueltaten des Krieges zu Hause zu sehen.

Die gezeigten Bilder waren bezeichnend für die neue Realität, in der es für die Gesellschaft immer schwieriger wurde, zwischen Fakten und Fiktion zu unterscheiden. Die weit verbreitete Werbung trug zusätzlich dazu bei, dass es immer schwieriger wurde, zwischen den beiden zu unterscheiden.

Diese Situation wurde als „Hyperrealität“ bezeichnet, da die entstandene Postmoderne mit einem blinkenden Fernsehbildschirm verglichen wurde, der sich ständig zu verändern schien und stark fragmentiert war, ohne eine grundlegende Wahrheit zu besitzen.

Dieser neue Kontrast zwischen Bild und Spektakel inspirierte Künstler dazu, Werke zu schaffen, die sich auf die Oberfläche konzentrierten und nicht auf eine tiefere Bedeutung, da das Spektakel Vorrang vor der Substanz hatte. Dieser Fokus auf die Oberfläche war eine Schlüsselkomponente in den Werken von Künstlern der Postmoderne, insbesondere in den Werken von Barbara Kruger.

Die Vermischung der ästhetischen Codes

Die Bewegung der Moderne entstand in Frankreich im 19^ten Jahrhundert als Ablehnung der historischen und symbolischen Darstellungen der französischen Akademie und ihrer Autorität über das, was als künstlerisch angesehen wurde. So entfernten sich die experimentellen Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts von jeglichem Bezug zu einem Thema in den Kunstwerken, da eine reine und direktere Form des visuellen künstlerischen Ausdrucks angestrebt und geschaffen wurde.

Dieser Trend zur ungegenständlichen Malerei erreichte seinen Höhepunkt mit der Entwicklung des Abstrakten Expressionismus, nach dem die Malerei als künstlerisches Medium als überstrapaziert galt und kaum noch Raum für Experimente ließ. Als danach die Postmoderne aufkam, begannen Künstlerinnen und Künstler, vergangene Stile und Medien zu erforschen, um eine historische und subjektive Ästhetik zurückzubringen. Diese Wiederbelebung früherer künstlerischer Stile wurde jedoch so überarbeitet, dass es den geschaffenen Werken absichtlich an Integrität und Harmonie mangelte.

Ein Ausschnitt aus einem BMW 635CSi von 1985, gemalt von Robert Rauschenberg. Rauschenberg nahm seine Entwürfe von realen Gemälden, darunter einige sehr bekannte, die er mit fotografischen Techniken veränderte und auf dem Auto nachstellte; Davidwiz, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Künstlerische Codes und Genres wurden vermischt, um alte und neue Bedeutungen zu zeigen, die auf einzigartige und gewagte Weise miteinander vermischt wurden. In Anlehnung an den Stil der Dadaisten nutzten die Künstler der Postmoderne Techniken wie Collage, Bricolage, Assemblage und das Nebeneinanderstellen von Text und Bild bei der Schaffung von Werken aus gefundenen Objekten, um mehrschichtige Oberflächen zu schaffen.

Basierend auf dem Konzept des „anything goes“ begannen viele Künstler in den 1960er und 1970er Jahren mit der Erforschung der Multimediatechnologie, da sie durch die Kombination verschiedener Medien Spektakel schaffen konnten. Dieser Stil der Vermischung fand seinen Weg ins Filmemachen, wobei Quentin Tarantinos Pulp Fiction (1994) ein gutes Beispiel dafür ist. Der Film soll die konventionelle Erzählweise durch die unzusammenhängende Montage der Figuren und die zufällige Reihenfolge der Handlungen in Frage stellen.

Originalität und Authentizität

In der traditionellen Kunst, die früher die künstlerische Sphäre beherrschte, waren die Individualität und Originalität eines Kunstwerks die Schlüsselelemente, die ihm seinen Wert verliehen, sowohl in finanzieller als auch in symbolischer Hinsicht. Dieses Konzept wurde auch in der Moderne beibehalten, denn die Einzigartigkeit eines Kunstwerks machte es so wichtig, dass es als sehenswerte Kunst angesehen wurde.

Dieses Konzept wurde jedoch 1917 umgestoßen, als Marcel Duchamp ein signiertes Pissoir ausstellte und es als Kunst bezeichnete.

Duchamps Kunstwerk machte das gesamte Fundament, auf dem die Kunst aufgebaut war, lächerlich und gab Künstlern den Weg frei, mit dem Konzept der Kunst zu experimentieren. 1936 schrieb Walter Benjamin seinen einflussreichen Aufsatz Das Kunstwerk im Zeitalter der mechanischen Reproduktion, in dem er feststellte, dass die massenhafte Reproduktion von Kunst deren Barrierefreiheit für die Gesellschaft gewährleisten kann. Außerdem hatten die Kunstwerke durch den Einsatz von Methoden wie dem Druck einen geringeren Warenwert.

Benjamins Gedanken wurden später von Künstlern aus den Bereichen Pop, Minimalismus, Performance und Konzeptkunst aufgegriffen, was dazu führte, dass die Künstler mit einer Vielzahl von Techniken experimentierten, die die Idee der Authentizität und des Wertes der geschaffenen Werke verringerten. Dies zeigte sich in den Kunstwerken von Roy Lichtenstein und Andy Warhol, die in ihren angeeigneten Werken die Konzepte von Originalität und Authentizität durch massenproduzierte Gegenstände, die mit bekannten Bildern bedruckt waren, in Frage stellten.

Roy Lichtenstein vor einem seiner Bilder Whaam!  (1963) bei einer Ausstellung im Stedelijk Museum im Jahr 1967; Eric Koch, CC0, via Wikimedia Commons

Pluralismus

Postmoderne Künstler suchten nach Demokratie in der Kunst, indem sie ihre Kunstwerke reproduzierten, experimentierten und sich aneigneten. Zuvor, in der Ära der Moderne, galt die Kunstwelt als elitär, weil sie überwiegend von weißen, westlichen Männern kontrolliert wurde, die Kunst schufen, die als sehenswert angesehen wurde. Die Postmodernen versuchten, sich von diesem Ideal zu lösen, was zeitlich mit dem Aufkommen des Feminismus, der Bürgerrechtsbewegung und dem Kampf für LGBTQ+-Rechte zusammenfiel.

Kunstwerke, die in der Postmoderne entstanden sind, zeigen den Wunsch nach einem pluralistischeren Ansatz, der dazu führte, dass sich Künstlerinnen und Künstler den Themen aus einer Vielzahl neuer Perspektiven näherten, um die Sichtweisen von bisher nicht vertretenen Positionen einzubeziehen.

Das Ergebnis dieses zunehmenden Pluralismus war, dass die Kunstwerke eine größere Darstellung verschiedener multikultureller Identitäten zeigten und mit der Idee von Identität und Selbst experimentierten.

Berühmte postmoderne Künstler und ihre Kunstwerke

Im Laufe der Kunstgeschichte der Postmoderne wurden viele Kunstwerke geschaffen, die eine Vielzahl von Merkmalen früherer Kunstbewegungen aufgreifen. Performances, Skulpturen und Fotografie waren die beliebtesten Medien dieser Bewegung, aber es gab auch einige postmoderne Gemälde. In diesem Artikel werden einige der aktivsten Künstler der Postmoderne und ihre bedeutenden Werke vorgestellt, die zur Entwicklung der Postmoderne beigetragen haben

Andy Warhol (1928 – 1987)

Der Pop-Art-Künstler Andy Warhol schuf einige ikonische Kunstwerke, die als Teil der Postmoderne definiert wurden. Unter seinen Werken ist der 1962 entstandene Siebdruck Marilyn Diptych ein bemerkenswertes Werk der Postmoderne, denn Warhol experimentierte mit einem ästhetischen Stil, der damals typisch für die Werbebranche war.

Dieses Diptychon, bei dem zwei Kunstwerke zu einem Gesamtkunstwerk zusammengefügt werden, zeigte ein Bild von Marilyn Monroe im Film Niagara, das Warhol zunächst auf der linken Seite in Farbe und dann auf der rechten Seite in Schwarz-Weiß reproduzierte. In den Monaten nach Monroes Tod zeigte Warhol seine Faszination für den Tod und für Berühmtheiten, die er in diesem Kunstwerk vereint. Der starke Farbkontrast zwischen den beiden Tafeln deutet auf die Unähnlichkeit von Leben und Tod hin.

Andy Warhol mit Archie, seinem Dackel, im Jahr 1973; Jack Mitchell, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Warhol stellte die traditionelle Form der Darstellung von Themen in der modernen Kunst in Frage, indem er das gleiche Bild von Monroe wiederholte. Diese Wiederholung wurde auch als spöttischer Kommentar auf die zunehmende Massenproduktion in der Kunst und die vermeintliche Authentizität aller Kunstwerke gesehen. Warhol stellte in seinen Werken oft die Tradition der hohen Kunst in Frage und schuf mit dem Marilyn Diptych eine unbeschwerte Antwort auf seine Frage.

Dieses Werk kann als Kunstwerk der Postmoderne angesehen werden, da es einen offensichtlichen Bezug zur Popkultur hat, die typischerweise mit niederer Kunst assoziiert wird, sich gegen die ästhetischen Ideale der Moderne auflehnt und Wiederholungen verwendet, die für die Massenproduktion stehen. Außerdem gelang es Warhol, die Authentizität seiner Kunstwerke zu unterbrechen, indem er ein gefundenes Bild verwendete, es wiederholte und als Kunst bezeichnete. Dieses Werk stellte die traditionellen Grenzen zwischen hoher und niedriger Kunst in Amerika in Frage, denn es war ein Statement für Konsum und Spektakel.

Carolee Schneemann (1939 – 2019)

Eine ikonische postmoderne Performance wurde von Carolee Schneemann geschaffen, die in ihren Werken den Körper als explizit sexuelles Element in den Mittelpunkt stellte. Sie weigerte sich bewusst, die sexuelle Erfahrung vom Kunstschaffen zu trennen, denn sie wollte den Körper als Anschauungsobjekt für Wissen und Erfahrung nutzen, um seine inneren Energien mit den visuellen Informationen, die er liefert, zu vereinen. Schneemanns ikonischstes Performancekunstwerk trug den Titel Interior Scroll und wurde 1975 aufgeführt.

Viele Künstlerinnen und Künstler in den 1950er und 1960er Jahren stellten die Beziehung zwischen einem Kunstwerk und dem Publikum in Frage, da Performances als neue Kunstform in der Kunstwelt sehr neu waren. Schneemann war radikal in ihrer Herangehensweise an die Performancekunst und zog sich in ihrem bahnbrechenden Werk vor dem Publikum aus. Was ihre Arbeit so schockierend machte, war, dass sie nach dem Entkleiden langsam einen Papierstreifen aus ihrer Vagina herauszog und begann, den darauf geschriebenen Text zu lesen.

Was Schneemanns Performance zu einer Ikone der Postmoderne machte, war die Tatsache, dass sie sich gegen die traditionellen Vorstellungen richtete, die die klassische Kunst und Hochkultur diktierten, die aufgrund der modernistischen Bewegung immer noch existierten. Außerdem war ihre Performance ein feministisches Kunstwerk, da sie den weiblichen Körper als Quelle kreativer Energie vorstellte und seine Darstellung in der Gesellschaft in Frage stellte.

Barbara Kruger (1945 – heute)

Eine weitere prominente Künstlerin in der Postmoderne war Barbara Kruger, deren Werke als Ikonen der Bewegung gelten. Kruger nutzte die Werbung, um ihre Kunstwerke zu gestalten. Einige ihrer bekannteren Werke wurden in Massenproduktion auf Einkaufstaschen und anderen Produkten wie T-Shirts hergestellt. Ein beliebter Begriff, der in einigen ihrer Werke auftauchte, war das Thema Konsum, das in ihrem ikonischen Werk von 1987, Untitled (I shop therefore I am), im Vordergrund stand.

Dieses Kunstwerk war charakteristisch für Krugers Stil, da durch die Kombination einer gefundenen Fotografie mit einem aussagekräftigen oder provokanten Slogan eine Gegenüberstellung geschaffen wurde. In Krugers Werk wurde eine Verbindung zwischen hoher Kunst und massenmedialer Werbung geschaffen, da dieses Werk eher die Form einer Werbeanzeige als die eines formalen Kunstwerks annimmt. Die Farbgebung in Rot, Schwarz und Weiß hat dazu beigetragen, den Schriftzug in den Vordergrund des Werks zu rücken, so dass er für die Betrachter/innen als erstes ins Auge fällt.

Das Zitat „I shop therefore I am“ (Ich kaufe ein, also bin ich) untergräbt die philosophische Aussage von René Descartes „Ich denke, also bin ich“, die sich auf den Konsumismus bezieht, der die Identitäten in der Gesellschaft prägen soll. Mit dieser Arbeit verdeutlichte Kruger, dass der Wert und die Identität eines Menschen nur an der Oberfläche liegen und dass die materiellen Besitztümer bestimmen, wer er ist. Außerdem schuf der rote Rahmen, der das Werk umgibt, einen begrenzten Raum, der den Text vor dem verschwommenen Hintergrund hervorheben sollte.

Eine weitere Ausstellung von Barbara Kruger, Joyful Losers (2014) bei Modern Art Oxford; Jun aus Melbourne, Australien, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Marina Abramović (1946 – heute)

Als Künstlerin eines bedeutenden Performance-Stücks ist die Künstlerin Marina Abramović zu nennen, deren Werke in der Postmoderne bekannt wurden. Ihr bekanntestes Stück, das 1974 aufgeführt wurde, trug den Titel Rhythmus 0/Seven Easy Pieces. In ihrem Werk stellte sich Abramović in eine Galerie und forderte die Zuschauer auf, mit ihr zu machen, was sie wollten, ohne dass sie eine Reaktion darauf zeigte.

Abramović legte 72 verschiedene Gegenstände aus, die die Zuschauer/innen an ihr ausprobieren konnten, darunter Messer und eine geladene Pistole. Da die Gegenstände von Schmerz bis Vergnügen reichten, zögerten die Zuschauer zunächst, an ihrer Performance teilzunehmen. Doch nach Abramovićs sechsstündiger Performance wurden ihre Interaktionen mit den Zuschauern immer aggressiver, was zu bösartigen und verstörenden Ergebnissen führte.

Diese Performance wurde damals als bahnbrechend angesehen, da sie den postmodernen Wandel hin zur Einbeziehung des Publikums als Teil des Kunstwerks unterstützte. Abramović demonstrierte die völlige Aufgabe von Kontrolle und Autorschaft in ihrem Kunstwerk, indem sie den Zuschauern erlaubte, das Ergebnis zu diktieren, und stellte damit die Vorstellung der Moderne in Frage, dass Kunst einzigartig und von einer berühmten Künstlerpersönlichkeit geschaffen sein muss.

Das Künstlerbuch 3 Performances von Marina Abramović, erschienen anlässlich des International Performance Festival, April 1978; Marina Abramović and the CODA Museum, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Cindy Sherman (1954 – heute)

Eine Künstlerin, die mit dem spielerischen Umgang mit Identität und Selbst experimentierte, war Cindy Sherman, die dieses Element des Pluralismus in alle ihre Fotografien der Postmoderne integrierte. Shermans Arbeiten legten einen besonderen Schwerpunkt auf die Spaltung zwischen einer Identität, die durch Film oder andere Medien geschaffen wurde, und der Realität der Erfahrungen von Frauen in der Gesellschaft.

In ihren Werken lenkte Sherman die Aufmerksamkeit auf die Art der Produktion und betonte, dass ein Kunstwerk auf verschiedene Weise interpretiert werden kann.

Damit zeigte Sherman, dass Kunst sich übergeordneten Erzählungen widersetzen kann. In ihrer Serie Untitled Film Stills zeigt ihr Werk aus dem Jahr 1978 mit dem Titel Untitled Film Still #21 eine bekannte Schwarz-Weiß-Fotografie, auf der sie eine weibliche Filmheldin in einem Kostüm und mit Hut abbildet. Abgebildet ist eine junge Frau aus den 1950er Jahren, die von den Wolkenkratzern um sie herum eingerahmt wird, wobei die Epoche des Fotos an ihrem Kleid zu erkennen ist. Ihr Gesichtsausdruck ist vage, denn sie wirkt entschlossen und unruhig zugleich.

Die Bilder in Shermans Fotoserie Postmodernism experimentieren mit der Idee einer zerrütteten postmodernen Identität, da sie in ihrer Arbeit sowohl die Rolle der Fotografin als auch die des Subjekts einnimmt. Auf jedem Foto ihrer Serie Untitled Film Stills posierte Sherman als Schauspielerin in einer Vielzahl von Kulissen aus verschiedenen Epochen, was die Vorstellung von Zeit und Genres ansprach, mit denen sich die Betrachter/innen identifizieren konnten.

Shermans Fotografien sind also postmodern, weil sie nicht authentisch sind und die Identität als ein fließendes und sich veränderndes Konzept darstellen. Durch die Anlehnung an historische Stile konnte sich Sherman sowohl innerhalb als auch außerhalb der Medienwelt positionieren, was eine starke Kritik an der Idee des starren Feminismus und der Darstellung von Frauen in der Gesellschaft darstellt.

Cindy Shermans Ausstellungsräume der 1980er Serie (zum Zeitpunkt der Schließung).  Auf dieser Ansicht können wir die Organisation der Räume im Erdgeschoss (untere Ebene der Stiftung) schätzen, die es ermöglicht, jede Fotoserie der Künstlerin eindeutig zu identifizieren, sowie die Farben der Bilderschienen, die ausgewählt wurden, um die Ausstellung besonders attraktiv zu machen; Jean-Pierre Dalbéra, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Jeff Koons (1955 – heute)

Ein weiterer Künstler, der Werke schuf, die das Kitschpotenzial der Postmoderne ausnutzten, war Jeff Koons. Seine ikonischste Kunstserie, die unter dem Namen Banality bekannt ist, zeigt diesen kitschigen Aspekt, der in den meisten seiner Werke vorhanden ist, denn sie demonstriert den Kontrast zwischen dem Grellen und dem Sentimentalen in seinen Werken. Seine wichtigste Skulptur der Postmoderne gehört zu dieser Serie und trägt den Titel Michael Jackson and Bubbles (1988).

In diesem Kunstwerk schuf Koons eine lebensgroße Skulptur von Michael Jackson und seinem Hausaffen Bubbles, die auf einem Blumenbeet sitzen. Die Skulptur zeigte den Höhepunkt von Jacksons Ruhm zu dieser Zeit. Koons malte sie in Gold, um seine Popularität zu unterstreichen. Dabei verwandelte er Jackson durch diese Farbe auch in eine gottähnliche Ikone, die die Ablehnung traditioneller religiöser Bilder zeigt, die in der Ära des Modernismus noch präsent war.

Außerdem verwies die weiße Färbung der Gesichter auf die byzantinische, barocke und Rokoko-Periode der Kunst, wobei Koons vergangene Stile auf theatralische und knallige Weise wieder aufleben ließ, was typisch für Kunstwerke der Postmoderne war. Diese Skulptur ist ein gutes Beispiel für den Exzess, der in den von Koons geschaffenen Kunstwerken zu finden ist, und stellt auch die traditionellen Vorstellungen von Geschmack, hoher Kunst und Popkultur in Frage.

Puppy (1992) von Jeff Koons; Zarateman, CC0, via Wikimedia Commons

Damien Hirst (1965 – heute)

Damien Hirst, der führende Künstler der Young British Artists-Bewegung, die für ihre provokanten und schockierenden Kunstwerke bekannt war, ist für seine erstaunlichen Skulpturen der Postmoderne bekannt. Sein bekanntestes Werk und ein ebenso bekanntes Kunstwerk war seine Skulptur aus dem Jahr 1991 mit dem Titel Die physische Unmöglichkeit des Todes im Kopf eines Lebenden.

Dieses Kunstwerk, das auch als The Shark bekannt ist, ist wahrscheinlich eines der berühmtesten Werke der Young British Artists Bewegung in den 1990er Jahren und besteht aus einem Tigerhai, der in Formaldehyd konserviert wurde. In diesem Werk konfrontiert Hirst die Betrachter/innen mit ihrem eigenen Tod, indem er ein einst gefürchtetes Tier präsentiert, das die Betrachter/innen dazu zwingt, ihre Ängste vor dem Sterben in einem öffentlichen Raum im Gegensatz zu einem privaten Raum anzuerkennen.

Da die meisten Betrachterinnen und Betrachter ein Tier dieser Größe und Kraft nur in einem Buch oder im Fernsehen gesehen haben, ist es für sie schwierig, den Hai als „echt“ und nicht als Nachbildung zu betrachten, wenn sie mit ihm konfrontiert werden. Indem er den Hai in der Galerie ausstellte, spielte Hirst mit dem Gedanken, dass das Tier seine Kraft verloren hat und daher für die Betrachter nicht mehr gefährlich ist, weil es tot ist. Das Werk ist ein wichtiges Werk der Postmoderne, weil es ein Spektakel ist, das beim Betrachten entsteht, und weil das riesige Tier als bloße Ware betrachtet wird, weil es nicht mehr lebt.

The Shark (1991) and other pieces by the Young British Artists from the Saatchi Collection installed at the Brooklyn Museum October 2, 1999 through January 9, 2000; Brooklyn Museum, Keine Einschränkungen, via Wikimedia Commons

Das Erbe der postmodernen Kunst

Da die Postmoderne Stile und Techniken anderer Kunstbewegungen in sich aufnahm, kann man sich leicht fragen: Was ist die Postmoderne? Am besten lässt sich die Bewegung mit dem Ausdruck „anything goes“ beschreiben, da diese Kunstepoche die Unterscheidung zwischen hoher und niedriger Kunst aufhob und eine Kombination aus beidem zuließ. Das Erbe der Postmoderne wurde auch nach dem Ende der Bewegung weitergeführt, denn die Infragestellung von Wert und Beurteilung von Kunstwerken wurde von den nachfolgenden Bewegungen weitergeführt.

Während die Postmoderne als Störfaktor für die vorangegangene Moderne galt, wurde auch behauptet, dass sie die Fortsetzung der Moderne ermöglichte, da beide Stile in der heutigen zeitgenössischen Kunst zu finden sind. Die Haltungen und Stile der postmodernen Kunst wurden als wichtige Veränderungen angesehen, die einen großen Wandel in der Kunstgesellschaft einleiteten.

Die postmoderne Kunst hat die Kluft zwischen Hoch- und Niederkultur sowie zwischen gutem und schlechtem Geschmack in der Kunst geschlossen, doch einige Kritiker behaupten, dass diese Unterschiede immer noch sichtbar sind. Es wurde behauptet, dass die Kunstgemeinschaft in eine post-postmoderne Ära eingetreten ist, da einige Merkmale der Postmoderne als überholt angesehen wurden. Diese Behauptungen wurden jedoch im Allgemeinen zurückgewiesen, da einige zeitgenössische Kunstwerke Elemente sowohl der Postmoderne als auch der Moderne aufgreifen und lediglich verschiedene Aspekte miteinander kombinieren.

Die Kunst der Postmoderne ist eine schwer zu fassende Bewegung, da es während der Hochphase der Periode viele Varianten gab. Kunstwerke, die von der Norm abwichen und den Idealen der Moderne widersprachen, waren von Natur aus postmodern, da diese Kunstepoche von Künstlern geprägt war, die in ihren experimentellen Werken die Unterscheidung zwischen hoher und niedriger Kunst in Frage stellten. Die Postmoderne gilt als Wegbereiter für die Entwicklung der zeitgenössischen Kunst, die heute der dominierende Kunststil ist.

Zusammenfassung der postmodernen Kunstbewegung

Was ist Postmoderne?

Die Kunstbewegung der Postmoderne beschreibt Kunstwerke, die sich von den traditionellen Elementen der hohen Kunst lösen, da die Künstlerinnen und Künstler beginnen, die Einflüsse der Massenmedien, der Populärkultur und der technologischen Entwicklung anzunehmen.

Was ist die Moderne im Vergleich zur Postmoderne?

Die Moderne entstand vor der Postmoderne und wurde mit einer utopischen und idealisierten
mit einer utopischen und idealisierten Sicht der Gesellschaft und dem Glauben an den Fortschritt. Die Postmoderne,
Die Postmoderne hingegen erforschte die menschliche Erfahrung im Gegensatz zum Realismus in ihren Werken.
Die Künstler nutzten eine Vielzahl neuer Einflüsse.

Welche Arten von Kunst wurden in der Postmoderne geschaffen?

Die beliebtesten Medien dieser Kunstepoche waren die Skulptur der Postmoderne, die Fotografie der Postmoderne und die Malerei der Postmoderne.

Wer waren einige bekannte Künstler der Postmoderne?

Einige der bekannten Künstler der Postmoderne waren Cindy Sherman, Barbara Kruger, Andy Warhol, Carolee Schneemann, Jeff Koons, Marina Abramović und Damien Hirst, um nur einige zu nennen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.