Blaue Periode Pablo Picasso – Hintergruende und Werke

Warum hatte Picasso eine Blaue Periode und was war der Anlass für Pablo Picassos berühmte Blaue Periode? Während Pablo Picassos Blauer Periode erlebten der Künstler und der Mensch einen tiefgreifenden Wandel. Die Blauen Picasso-Gemälde waren eine Sammlung von Kunstwerken, in denen die Farbe Blau in jedem Stück vorherrscht und ein zutiefst trauriger Ton die gesamte Sammlung durchdringt, wie man an Werken wie dem Gemälde La Vie (1903), Die Suppe (1902),Die Tragödie (1981) und Der alte Gitarrist (1903) beobachten kann.

Erkundung von Pablo Picassos Blauer Periode

Die blauen Picasso-Gemälde sind zutiefst lyrische Darstellungen von Armut, Verletzlichkeit, extremer Verzweiflung und Hilflosigkeit, obwohl sie manchmal melancholisch und romantisch wirken. Die mittellosen und beschädigten Außenseiter der Gesellschaft machen einen großen Teil der Themen aus.

Obwohl die Werke in dieser Sammlung düster sind, sind sie dennoch von unzähligen Ebenen der Eleganz und des Mitgefühls erfüllt.

Porträtfoto des Künstlers Pablo Picasso im Jahr 1908; AnonymousUnknown author, Public domain, via Wikimedia Commons

Keine andere Periode in Pablo Picassos langer und faszinierender Karriere enthält so viel intensive emotionale Tiefe wie Pablo Picassos Blaue Periode, entsprechend den vielen Entwicklungsstufen des Künstlers. Jemanden zu finden, der noch nie von dem spanischen Maler Pablo Picasso gelesen hat, wäre äußerst merkwürdig.

Pablo Picassos Vermächtnis ist so groß und seine Bilder sind weltweit so bekannt, dass den meisten Menschen bei der Erwähnung seines Namens sofort bestimmte Bilder in den Sinn kommen.

Warum hatte Picasso eine blaue Periode?

Was war der Auslöser für Pablo Picassos berühmte Blaue Periode? Über den genauen Zeitpunkt und Ort, an dem die Blaue Periode begann, herrscht Ungewissheit. Sicher ist jedoch, dass sie ungefähr zu dem Zeitpunkt begann, als Picasso eine persönliche Katastrophe erlebte, die zu einer schweren und lang anhaltenden Verzweiflung führte. Entweder in Paris Ende des Jahres oder in Spanien im Frühjahr 1901 begann die Blaue Periode.

Picasso war im Februar 1901 auf einer Reise durch Spanien, als sein persönlicher Bekannter Carlos Casagemas, ein Schriftsteller und Kunststudent aus Spanien, im Café L’Hippodrome in Paris auftauchte.

Die beiden jungen Männer waren zusammen unterwegs, aber Casagemas reiste allein nach Paris, nachdem er von seiner Verliebtheit in Germaine Gargallo Florentin, einer verheirateten Frau, geplagt wurde. Als er eines Abends in Paris mit Germaine und ein paar Freunden im L’Hippodrome speiste, berauschte sich Casagemas. An diesem Abend, gegen neun Uhr, nahm er eine Handfeuerwaffe aus seiner Tasche und erschoss Germaine, dann richtete er die Waffe auf sich selbst und schoss sich in den Kopf. Germaine hatte Glück, dass sie nur leichte Verletzungen an der Schläfe hatte und überlebte. Carlos Casagemas nicht.

Porträt von Picasso (1912) von Juan Gris, im Art Institute of Chicago in Illinois, Vereinigte Staaten; Juan Gris, Public domain, via Wikimedia Commons

Picasso war bei den schrecklichen Ereignissen in jener Nacht im L’Hippodrome Café nicht dabei, aber er war entsetzt darüber, und der Tod seines Begleiters hatte in den folgenden Wochen und Monaten einen tiefgreifenden Einfluss auf sein Kunstwerk. Als Picasso wieder in Paris ankam, verfiel er in tiefe Verzweiflung. Er hing mit denselben Leuten herum, schlief im selben Schlafzimmer wie Casagemas und begann sogar, mit Germaine auszugehen. Es gab keine Möglichkeit, die ständigen Erinnerungen an seine verstorbene Gefährtin zu vermeiden. In seinem Job machte er eine bedeutende Veränderung durch.

„Als ich erfuhr, dass Casagemas tot war, beschloss ich, in Blau zu malen“, soll er später gesagt haben.

Picasso schuf einige blaue Gemälde, die einfarbig sind, aber gelegentlich durch andere Farben erwärmt werden. Diese blau getönten Kunstwerke sind nicht nur eine kraftvolle und deutliche Darstellung des inneren Leids, sondern bieten auch ein Fenster zu etwas anderem.

Fotografie eines älteren Pablo Picasso im Januar 1962; Argentinien. Revista Vea y Lea, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese blauen Picasso-Gemälde zeigen häufig die vernachlässigten oder verstoßenen Menschen, die er in den Pariser Gefängnissen, Gassen und Straßengräben fand, darunter Prostituierte, Straßenkinder und Bettler. Eine Begegnung, die einen großen Einfluss auf Pablo Picassos Gemälde der Blauen Periode hatte, war ein Besuch in einem Frauengefängnis.

Viele der Bilder zeigen einsame Personen, darunter ältere, gebrechliche, blinde und unterernährte Menschen sowie alleinerziehende Mütter. Andere wiederum sind posthume Porträts von Carlos Casagemas, einem geliebten Freund, der verstorben ist.

Kunstwerke aus Pablo Picassos Blauer Periode

Picassos Blaue Periode dauerte von 1900 bis 1904. In dieser Zeit schuf er hauptsächlich monochromatische Werke in Blau- und Blaugrüntönen, die manchmal durch andere Farben aufgehellt wurden. Diese düsteren, von Spanien beeinflussten, aber in Paris entstandenen Werke gehören heute zu seinen wichtigsten Arbeiten, auch wenn er in dieser Zeit Schwierigkeiten hatte, sie zu verkaufen. Picasso kam 1904 in Paris an, nach einigen schwierigen Jahren ohne festes Atelier und mit wenig kreativen Leistungen.

Im Jahr 1903 schuf er seine Werke der Blauen Periode, die seine Erfahrungen von Entbehrung und Unsicherheit darzustellen schienen und Obdachlose, Kleinkriminelle, alte und gebrechliche Menschen und Blinde zeigten.

Der Tod von Casagemas(1901)

Dies ist eine von mehreren Ehrungen, die Picasso zu Ehren des jungen Künstlers errichtete, der sich in Paris erschoss. Casagemas erfolglose Verliebtheit in Germaine Gargallo, die er bei seiner ersten Reise nach Paris im Oktober 1900 kennengelernt hatte, war die direkte Ursache für den Selbstmord. Sie schien im Gegensatz zu seiner Impotenz vergnügt promiskuitiv zu sein.

Pablo Picasso war zum Zeitpunkt des Unfalls in Madrid, aber er begann erst, ihn in seiner Kunst zu verarbeiten, nachdem der Druck, für seine Ausstellung zu schaffen, nachgelassen hatte.

Er muss Van Gogh als Vermittler für die Votivtafel ausgewählt haben, weil er so viele Ähnlichkeiten zwischen dem schrecklichen Leben und dem brutalen Tod der beiden Männer bemerkte, was durch die Tatsache verstärkt wurde, dass er in genau das Gebäude in der Avenue de Clichy einzog, in dem Casagemas zum Zeitpunkt seines Todes wohnte.

Er könnte von Dr. Gachets zartem Porträt Van Goghs auf dem Sterbebett gewusst oder es vielleicht sogar gesehen haben, denn auch es konzentriert sich auf den Kopf und zeigt ihn aus einem fast identischen Blickwinkel.

Eine nervöse, gewalttätige, „expressionistische“ Herangehensweise, die sich an Van Goghs Art und Weise orientiert, muss Picasso für ein Denkmal für einen Künstler, der 1901 von seinen Leiden in die Verzweiflung getrieben wurde, als am passendsten empfunden haben, da sich diese Vorstellung von Van Gogh zu diesem Zeitpunkt bereits verfestigt hatte. Er konnte auch Casagemas loben, indem er ihn mit Van Gogh verglich.

Evokation: Das Begräbnis von Casagemas (1901)

Ein anderes Gemälde aus demselben Jahr zeigt eine Leinwand, die mit der Farbe Blau bedeckt ist. In diesem Bild spielen sich zwei Situationen ab. In der unteren Hälfte ist die alltägliche Zeremonie der Beerdigung zu sehen. Casagemas wird von den Trauernden umringt, während er auf der Erde zur Ruhe gelegt wird.

Ihre Körper sind zusammengesunken und gebeugt und einige halten ihre Köpfe in den Händen, während andere sich in der traditionellen trauernden Körpersprache aneinander kuscheln.

Oben öffnet sich der Himmel, um Casagemas zu empfangen. Die Aufmerksamkeit des Betrachters wird von einem gekreuzigten Mann auf dem Pferd auf das leuchtende weiße Pferd gelenkt, eine Darstellung der aufsteigenden Seele, die sich über die Landschaft des Werkes erhebt.

Es ist eine zu Herzen gehende Darstellung der letzten Wünsche des Künstlers für seinen verstorbenen Begleiter.

Die Suppe (1902)

Trotz seines frühen Triumphs bei der Vollard-Ausstellung im Jahr 1901 gingen Picassos Finanzen schnell zur Neige. Der Künstler ging während dieser Zeit in Paris oft ohne Essen aus, aber seine Situation machte ihm nur noch mehr die extreme Armut der Menschen um ihn herum bewusst. Das Bild mit dem Titel Die Suppe schuf Picasso 1902 in Barcelona. Auch hier schöpfte er aus seinen Beobachtungen, als er das Frauengefängnis von Saint-Lazare besuchte.

Er erinnerte sich auch daran, dass er ins Pantheon ging, um die fünf Jahre zuvor fertiggestellten französischen Gemälde zu sehen, wie die des Künstlers Pierre Puvis de Chavannes, einem Mitglied der Symbolismusbewegung.

Eine von Puvis‘ Darstellungen eines Szenarios aus dem Leben der heiligen Genevieve fällt dadurch auf, dass sie eine hungernde Frau zeigt, die auf der Straße Hilfe erhält. Picasso hat dieses Bild gezeichnet, was ihn wahrscheinlich dazu veranlasst hat, ein ähnliches Motiv zu malen. Auf der anderen Seite ist Die Suppe faszinierend zweideutig. Gibt die ältere Frau, die von ihrer Armut körperlich erschöpft ist, dem jungen Kind die Suppe oder bekommt sie sie von ihr?

Picasso stellt das Grundbedürfnis nach Nahrung in den Mittelpunkt der wohltätigen Tat.

La Vie (1903)

Nur wenige der unzähligen Kunstwerke, die im Laufe von Hunderten von Jahren entstanden sind, können den Betrachter völlig faszinieren, verwirren und geistig herausfordern. Noch weniger sind in der Lage, individuelle Vorurteile zu überwinden und jeden kurzzeitig von seinem stark ausgeprägten ästhetischen Geschmack zu trennen. Sie sind unabhängige künstlerische Strukturen, die für sich selbst sprechen.

Eine solche Rarität ist Picassos Meisterwerk aus der Blauen Periode, das Gemälde „La Vie“ von 1903. Pablo Picasso wollte nie, dass dieses Kunstwerk von allen Menschen auf der Welt verstanden wird.

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Die Schriftstellerin Antonina Vallentin hörte den Künstler einmal sagen: „Meiner Meinung nach spricht ein Bild für sich selbst; was nützt es, Erklärungen abzugeben? Ein Maler spricht, wie die anderen auch, nur eine Sprache.“ Picasso hat diese Schlussfolgerung offenbar mit einem Achselzucken abgetan. Zumindest sind uns die traurigen Ereignisse bekannt, die zu Picassos berühmter Blauer Periode führten.

Das Kunstwerk ist herausfordernd und verwirrend. Seine geheimnisvollen Eigenschaften haben seinen Ruhm enorm gesteigert.

Beobachte, wie Picasso Casagemas linkes Bein mit einem Schritt nach vorne darstellt und seinen linken Finger, der auf die männliche Figur zeigt. Picasso gab ihm auch sexuelle Zuneigung in Form einer hingebungsvollen weiblichen nackten Figur, die sich an ihn lehnt. Picasso assoziierte Casagemas auch mit einer Familie, nämlich mit der mütterlichen Bindung zwischen Mutter und Kind.

Der alte Gitarrist(1903)

Der Künstler fertigte in dieser Zeit häufig Gemälde an, die das Leiden der Mittellosen, Kranken und aus der Gesellschaft Vertriebenen darstellten, weil er mit der Situation der Unterdrückten mitfühlte. Da er das ganze Jahr 1902 über fast mittellos war, hatte auch er Armut erlebt.

Die verzerrte Art dieses Madrider Werks erinnert an El Grecos Gemälde. Beachte, dass der Oberkörper des Gitarristen wie angelehnt aussieht, während der untere Teil im Schneidersitz zu sitzen scheint.

Eine riesige, kugelförmige Gitarre wird von dem gebeugten, blinden Mann neben sich gehalten. Die einzige Farbveränderung in dem Kunstwerk ist in ihrem braunen Körper sichtbar. Das Instrument füllt den Raum um den einsamen Mann aus, der sich seiner Blindheit und Mittellosigkeit nicht bewusst zu sein scheint, während er spielt, sowohl physisch als auch im übertragenen Sinne. In den Schriften der symbolistischen Bewegung zu der Zeit, als das Kunstwerk entstand, wurden blinde Menschen mit Fähigkeiten zur Verbesserung des inneren Sehens dargestellt. Ein weiterer Einfluss auf Picassos schlanken, skelettartigen Körper ist die spanische Kunst, die sein Heimatland ist.

Die ausgestreckten Gliedmaßen des älteren Mannes und seine geduckte, kantige Haltung erinnern an die Werke des berühmten Malers El Greco aus dem 16. Jahrhundert. Picassos Blaue Periode, in der er Härte und innere Zerrissenheit erlebte, ist wohl am bekanntesten für Der alte Gitarrist, eines seiner bekanntesten Werke. Ein weiterer faszinierender Aspekt des Bildes ist die schattenhafte Erscheinung eines verborgenen Bildes, das darunter gemalt wurde. Unter dem Bild Der alte Gitarrist wurden bei technischen Untersuchungen und kunsthistorischen Studien zwei frühere Werke entdeckt.

Dank dieser Informationen wissen wir jetzt mehr über Picassos kreativen Prozess. Durch Forschungen des Art Institute of Chicago und eine Ausstellung im Jahr 2001 im Cleveland Art Museum wurde versucht, die untermalten Bilder zu verstehen.

Die auffälligsten Merkmale sind der nach links gerichtete Kopf einer Frau, ihr nach rechts ausgestreckter Arm, der ihre Hand hält, und ihre Unterschenkel, die auf dem Röntgenbild eine sitzende Haltung einzunehmen scheinen. Picasso begann höchstwahrscheinlich mit dem Bild einer Frau, die sich in einem aufgewühlten oder ängstlichen Zustand befindet und sitzend zu sein scheint. Abgesehen von ihrem Gesicht und ihren Beinen ist von diesem Bild kaum etwas zu sehen.

Die Tragödie (1903)

Pablo Picassos 1903 entstandenes Werk Die Tragödie aus seiner postimpressionistischen Blauen Periode zeigt einen Mann, eine Frau und ein Kind, die sich am Meeresufer zusammenkauern. Ihre niedergeschlagenen Gesichter erzählen von dem Schrecklichen, aber es ist unklar, ob sie es erleben oder beklagen. Die einzige Leuchtkraft, wenn man das überhaupt so nennen kann, kommt von den kühlen Hauttönen auf den Wangen, Händen und Füßen der drei Figuren.

Das gesamte Bild besteht aus Blautönen und dunklen Grüntönen. Es ist wahrscheinlich, dass diese Familie den Verlust eines Verwandten betrauert, vielleicht das Geschwisterkind.

Wie in Die Tragödie von 1903, malte Pablo Picasso häufig oberflächliche Andeutungen, um ein tieferes Bild darunter zu enthüllen. Künstler verändern regelmäßig Gemälde oder verwenden bereits gemalte Leinwände oder Tafeln wieder. Da es sich ein Künstler nicht leisten kann, neue Materialien zu kaufen, werden die Untergründe häufig verändert. Außerdem kann ein Maler neu anfangen, nachdem er ein altes Gemälde abgekratzt hat, oder er trägt gelegentlich eine gleichmäßige Schicht Grundierung über ein Bild auf, das er aufgegeben hat.

Picasso hat das nur selten getan. Häufig übermalte er bei der Überarbeitung eines Gemäldes direkt die vorherigen Bilder, ohne den gescheiterten Versuch auszuradieren oder eine „saubere“ Seite zu verwenden.

Finanzielle Einschränkungen spielten eine Rolle bei Picassos Entscheidung, schon früh in seiner Karriere auf Unterstützung zu verzichten, obwohl der Künstler auch nach seinem Tod weiter an seinen Werken arbeitete. Nicht, weil er geizig war, sondern weil das ursprüngliche Motiv – die Form auf der Leinwand – bei der Überarbeitung oder Wiederverwendung eines Gemäldes oft eine neue Gestalt annahm und neue Inspiration bot.

Das, was Pablo Picasso während seiner Blauen Periode vollbrachte, war zu dieser Zeit nahezu unerhört. Von 1901 bis 1903 vermittelten alle seine Werke den Eindruck, dass er begonnen hatte, die Welt durch eine azurblaue Brille wahrzunehmen. Ziel der Übung war es, Landschaften in schwachem Licht zu schaffen, aber die Farbgebung und Schattierung der Werke verströmen auch eine morbide Mystik, die ein Gefühl von Tod und Trauer hervorruft. Picasso gelang es, völlig originelle Kunstwerke zu schaffen, auch wenn er häufig die Werke von Malern nachahmte, die er mochte, wie El Greco oder Van Gogh. Picasso war der einzige Maler, der in der Lage war, die Techniken und die Ästhetik früherer Künstler nachzuahmen und dennoch seine eigene bahnbrechende Kunst zu schaffen. Du kannst auch unseren Berühmte Picasso-Gemälde Artikel lesen.

Häufig gestellte Fragen

Warum hatte Picasso eine Blaue Periode?

Picassos persönlicher emotionaler Kummer und sein finanzieller Ruin dienten als Inspiration für die Blaue Periode, die als Wendepunkt in seiner kreativen Karriere gefeiert wird. Picassos künstlerische Richtung änderte sich 1901 nach einer Reise nach Spanien und dem Tod seines Vertrauten Carlos Casagemas dramatisch. Der Dichter Casagemas erlebte eine unerwiderte Liebe und versuchte, seine Geliebte zu töten, bevor er schließlich Selbstmord beging. Picasso kämpfte als verkannter und verarmter Künstler, der zu dieser Zeit in Paris lebte, und sein Selbstmord hatte einen starken und nachhaltigen Einfluss auf ihn.

Was war der Auslöser für Pablo Picassos berühmte Blaue Periode?

Picasso kam 1900 im Alter von nur 19 Jahren nach Paris. Er lebte in unsicheren Verhältnissen und wurde schnell von Traurigkeit und Kummer überwältigt. Picassos Blaue Periode, in der er monochromatische Werke schuf, entstand aus dieser intensiven Trauer. Von 1901 bis 1904 war diese Farbe der Melancholie in all seinen Werken präsent und signalisierte einen Wandel in seiner kreativen Strategie.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.