Berühmte spanische Maler und Künstler – Die Top 10 in der Übersicht

In der gesamten Kunstgeschichte haben spanische Künstlerinnen und Künstler die Kunstströmungen ihrer Zeit dominiert, und viele der berühmtesten Namen stammen aus Spanien. Spanische Malerinnen und Maler haben sowohl viele traditionelle Malstile als auch die Avantgarde-Bewegungen geprägt. Aufgrund seiner geografischen Lage wurde Spanien im Laufe der Jahrhunderte von vielen anderen Ländern beeinflusst, zum Beispiel von Frankreich und Italien während des Barocks und des Neoklassizismus.

Berühmte spanische Künstler und Maler

Aufgrund seiner Lage in Europa konnten viele spanische Künstler reisen und Techniken aus anderen Ländern übernehmen. Die Gemälde vieler spanischer Künstler gelten heute als maßgeblich für die Entwicklung vieler Kunstbewegungen in Europa. Heute werfen wir einen genaueren Blick auf die berühmten spanischen Künstler und Maler, die die Kunstwelt geprägt haben. Im Folgenden findest du eine Liste der 10 berühmtesten männlichen spanischen Maler.

El Greco (1541 – 1614)

Doménikos Theotokópoulos wurde am 1. Oktober 1541 auf Kreta geboren. El Greco war sein Spitzname, der sich auf das Heimatland des Künstlers, Griechenland, bezog. Trotz seiner griechischen Herkunft wurde er als ein Hauptvertreter der spanischen Renaissance angesehen. El Greco lernte und beherrschte die postbyzantinische Kunst, bevor er im Alter von 26 Jahren nach Venedig reiste – eine traditionelle Reise für junge griechische Künstler zu dieser Zeit.

Dann zog er nach Rom und eröffnete 1570 ein Atelier. In dieser Zeit begann El Greco, die Stile zeitgenössischer Künstler wie den Manierismus sowie Elemente der venezianischen Renaissance zu übernehmen. 

Im Jahr 1577 zog er nach Toledo in Spanien, wo er bis zu seinem Tod im Jahr 1614 bleiben sollte. Einige seiner berühmtesten Gemälde wie die Öffnung des fünften Siegels (ca. 1608-1614) und die Ansicht von Toledo (1596-1600) wurden in dieser Zeit in Auftrag gegeben. Obwohl sein Stil aufgrund seines expressionistischen und dramatischen Ausdrucks bei seinen Zeitgenossen auf Verwirrung stieß, wurde er schließlich von Gelehrten und Kritikern des 20. Jahrhunderts hoch geschätzt.

Kunsthistoriker betrachten sein Werk als unkonventionell und keiner bestimmten Kunstrichtung zugehörig, dennoch wird er als Vorläufer des Kubismus und des Expressionismus angesehen.

The Opening of the Fifth Seal (The Vision of St John) (between 1608 and 1614) by El Greco; El Greco, Public domain, via Wikimedia Commons

El Grecos Werk wird als eine faszinierende Mischung aus westlichen Malstilen und traditioneller byzantinischer Kunst angesehen. Seine Kunst ist am besten an seiner fantastischen Verwendung von Pigmenten und seinen seltsam gestreckten und länglichen Figuren zu erkennen. Einige der bekanntesten Gemälde des spanischen Künstlers sind:

• The Dormition of the Virgin (1567)
• The Adoration of the Magi (1565)
• The Assumption of the Virgin (1577)
• The Burial of the Count of Orgaz (1586)

Francisco de Zurbarán (1598 – 1664)

Francisco de Zurbarán wurde am 7. November 1598 in Fuente de Cantos, Spanien, geboren. Er ist vor allem für seine Gemälde bekannt, die religiöse Themen wie Märtyrer, Nonnen und Mönche darstellen. Aufgrund seiner meisterhaften Anwendung der Hell-Dunkel-Technik wurde er als der „Caravaggio Spaniens“ bezeichnet. De Zurbarán begann schon früh mit dem Zeichnen zu spielen und zeichnete schon als Kind Gegenstände mit Kohle nach. 1614 schickte ihn sein Vater für drei Jahre in die Lehre bei einem wenig bekannten Künstler namens Pedro Diaz de Villanueva in Sevilla.

Still Life with Pots (c. 1650) by Francisco de Zurbarán; Ё, Public domain, via Wikimedia Commons

Im Jahr 1626 erhielt de Zurbarán vom Dominikanerkloster den Auftrag, innerhalb von acht Monaten 21 Gemälde anzufertigen. Die meisten Gemälde stellten den Heiligen Dominikus dar, die anderen waren Darstellungen der vier Kirchenlehrer, des Heiligen Thomas von Aquin und des Heiligen Bonaventura. Dies trug dazu bei, dass sich de Zurbarán unter den jungen spanischen Malern einen Namen machte. Zwei Jahre später erhielt er den Auftrag, 22 Gemälde für das Kloster der Mercedarier von Sevilla anzufertigen.

Um 1630 ernannte Philipp IV. de Zurbarán zu seinem persönlichen Maler und vertraute ihm später an, dass er nicht nur ein Maler des Königs, sondern auch der König der Maler sei.

The Apotheosis of Saint Thomas Aquinas (1631) by Francisco de Zurbarán; Jl FilpoC, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Sein Werk wird oft mit dem von Caravaggio verglichen, weil er die Hell-Dunkel-Technik verwendet, um sehr dunkle Hintergründe zu schaffen. Es ist jedoch nicht bekannt, ob er jemals die Gelegenheit hatte, Caravaggios Kunstwerke zu sehen. Er war für seine Darstellungen von Stoffen wie Draperien und Gewändern hoch angesehen. Im Jahr 1631 malte de Zurbarán seinen größten Beitrag zur Kunst, das verehrte Altarbild Die Apotheose des heiligen Thomas von Aquin für die Kirche des Kollegs des Heiligen. Einige seiner anderen bemerkenswerten Werke sind:

• Christ on the Cross (1627)
• St Hugh in the Carthusian Refectory (1630 – 1635)
• Still Life with Pots (1650)
• Immaculate Conception (1630)

Diego Velázquez (1599 – 1660)

Diego Velázquez wurde am 6. Juni 1599 in Sevilla, Spanien, geboren. Diego Velázquez galt als der größte Maler unter den spanischen Malern des Goldenen Zeitalters in Spanien und war ein hoch angesehener Künstler am Hof von König Philipp IV. Er galt als höchst individualistischer Schöpfer spanischer Gemälde während der zeitgenössischen Barockzeit.

Er malte viele Darstellungen kulturell bedeutender Szenen der Geschichte sowie viele Porträts des spanischen Königshauses und des einfachen Volkes.

Infanta Margarita Teresa in a Blue Dress (1659) by Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Für viele Impressionisten und Realisten des 19. Jahrhunderts waren die Werke von Diego Velázquez das Vorbild. Viele Künstler wie Francis Bacon, Salvador Dalí und Pablo Picasso zollten ihm im 20. Jahrhundert Tribut, indem sie einige seiner ikonischsten Kunstwerke selbst nachahmten. Velázquez war mit den bedeutendsten Malern seiner Zeit eng befreundet und war über die verschiedenen italienischen Kunstschulen bestens informiert.

Obwohl er von ebenso talentierten Kollegen und Einflüssen umgeben war, gelang es ihm, sich weitgehend auf die Entwicklung seiner eigenen Prinzipien und seines Stils zu konzentrieren.

Las Meninas (‚The Maids of Honor‘, 1656) by Diego Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Diego Velázquez verschmähte die feierliche Zeremonie, die für die Porträts vieler anderer europäischer Höfe typisch war. Er hatte großes Geschick darin, mit einer sehr begrenzten Farbpalette verschiedene Farbtöne zu erzeugen. Nur wenige Skizzen lassen sich zweifelsfrei und mit Sicherheit seiner Hand zuschreiben. Einige wenige Vorabskizzen zu seinen Gemälden wurden von Gelehrten festgehalten, aber seine am häufigsten angewandte Technik war es, Motive einfach direkt nach dem Leben zu malen und Fehler im Laufe der Zeit zu korrigieren. Einige seiner bekanntesten Werke sind:

• Infanta Margarita Teresa in a Blue Dress (1659)
• Las Meninas (1656)
• Portrait of Juan de Pareja (c. 1650)

Bartolomé Esteban Murillo (1617 – 1682)

Bartolomé Esteban Murillo wurde in der Stadt Sevilla in Spanien geboren, lebte und starb dort. Sevilla war zu dieser Zeit eine Stadt, die in Bezug auf Einfluss und Macht mit Amsterdam und Venedig gleichgestellt war. Bis in die 1630er Jahre war die Stadt aufgrund ihrer Lage an der Handelsroute mit der Neuen Welt sehr wohlhabend. Als Murillo jedoch die ersten Schritte seiner Karriere machte, erlebte Sevilla eine Zeit des Bevölkerungsrückgangs und der Verschlechterung des Lebensstandards der Einheimischen. Die Kirche und andere religiöse Vereinigungen hingegen gewannen an Einfluss und Reichtum.

1645 war ein wichtiges Jahr in Murillos Leben, denn er heiratete Beatriz Cabrera und erhielt außerdem seinen ersten Auftrag, 13 Gemälde für eine Kirche in Sevilla, das Convento de San Francisco, zu schaffen.

The Adoration of the Shepherds (1650) by Bartolomé Esteban Murillo; Bartolomé Esteban Murillo, Public domain, via Wikimedia Commons

Jedes Gemälde stellt einen Heiligen dar, der ein Wunder oder einen Akt der Nächstenliebe vollbringt. Elf der Gemälde sind noch erhalten und befinden sich in verschiedenen Sammlungen in Amerika und Europa. Diese Serie kam sehr gut an und führte dazu, dass in den 1650er Jahren mehrere andere Kunstwerke in Auftrag gegeben wurden, darunter Die Jungfrau vom Rosenkranz und Die Anbetung der Hirten. Zu dieser Zeit galt Sevilla nicht mehr als das wichtigste Handelszentrum Spaniens und fast die Hälfte der Bevölkerung war durch eine Pest und andere natürliche und politische Umwälzungen ausgelöscht worden, so dass die Stadt nur noch ein Schatten ihres früheren Glanzes war.

Aufgrund des Zerfalls der Stadt begannen Kirchen und andere religiöse Orden, große Summen ihres enormen Reichtums in verschiedene Wohltätigkeitsorganisationen zu pumpen und Kunstwerke in Auftrag zu geben, um sicherzustellen, dass ihre karitativen Werke dokumentiert und gefeiert wurden.

The Angel’s Kitchen (1646) by Bartolomé Esteban Murillo; Bartolomé Esteban Murillo, Public domain, via Wikimedia Commons

Als gläubiges Mitglied der katholischen Kirche erlangte Murillo durch diese Auftragsarbeiten viel Arbeit und Ruhm. Im Laufe seiner Karriere schuf er immer wieder Kunstwerke mit religiösen Themen und Inhalten. Zu seinen bekanntesten Werken gehören:

• The Angel’s Kitchen (1646)
• Virgin of the Rosary (1650)
• The Good Shepherd (1660)

Francisco de Goya (1746 -1828)

Francisco de Goya was a Spanish painter born in the town of Fuendetodos in Aragon in 1746. After studying under José Luzán y Martinez from the young age of 14, he went on to study further with Anton Raphael Mengs in Madrid. He was highly regarded for his work in the Romanticism movement, and in 1786 he was appointed court painter of the Spanish Crown.

Ein großer Teil seines früheren Werks umfasst daher hauptsächlich Auftragsporträts von spanischen Königen und Adeligen.

Karl IV. von Spanien und seine Familie (1800-1801) von Francisco de Goya; Francisco Goya, Public domain, via Wikimedia Commons

Francisco de Goya gilt unter Gelehrten als einer der bedeutendsten und einflussreichsten spanischen Künstler des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts und wird oft als letzter alter Meister bezeichnet. De Goyas Kunstwerke wurden für ihre Widerspiegelung historischer Umwälzungen und zeitgenössischer Ereignisse sehr bewundert.

1793 nahm seine Arbeit eine pessimistischere und düsterere Wendung, als er an einer Krankheit erkrankte, die ihn taub werden ließ.

Dieser düstere Ton, der sich sowohl auf den sozialen und politischen Zustand Spaniens als auch auf die persönlichen Kämpfe bezog, die er zu dieser Zeit erlebte, zeigt sich in seinen Wand- und Leinwandbildern. Der Krieg der Franzosen gegen Spanien im Jahr 1807 hat de Goya zutiefst getroffen und er drückte seine unausgesprochenen Gefühle darüber in einer Serie von Drucken mit dem Titel Disasters of War aus.

The Repentant St. Peter (c. 1820-1824) von Francisco de Goya; The Phillips Collection, Public domain, via Wikimedia Commons

In seiner späten Schaffensperiode lebte de Goya in Isolation und malte auf den Wandflächen seines Hauses. In dieser Zeit wuchs seine Enttäuschung über die soziale und politische Situation in Spanien und seine Werke aus dieser Zeit von 1819 bis 1823 werden als die Schwarzen Bilder bezeichnet. Schließlich verließ er Spanien und zog sich 1824 mit seiner jungen Frau nach Bordeaux in Frankreich zurück. Zu den bemerkenswerten Werken von Fransisco de Goya gehören:

• The Nude Maja (1797 – 1800)
• Charles IV of Spain and His Family (1800 – 1801)
• The Third of May 1808 (1814)
• Saturn Devouring His Son (1819 – 1823)

Pablo Picasso (1881 – 1973)

Der spanische Maler Pablo Picasso wurde 1881 in Málaga, Spanien, geboren, lebte aber die meiste Zeit seines Erwachsenenlebens in Frankreich. Picasso war Mitbegründer des Kubismus und der Collagekunst sowie der konstruierten Skulptur. Der spanische Künstler wird von Kunsthistorikern als einer der bedeutendsten Maler des 20. Jahrhunderts angesehen.

Porträtfoto von Pablo Picasso vor seinem Gemälde Der Aficionado (Kunstmuseum Basel) in der Villa les Clochettes, Sorgues, Frankreich, Sommer 1912; Anonymous Unknown author, Public domain, via Wikimedia Commons

Picasso malte bereits in seiner Kindheit in einem naturalistischen Stil und zeigte schon in jungen Jahren und während seiner Jugendzeit außergewöhnliche künstlerische Fähigkeiten. In den 1910er Jahren experimentierte er mit verschiedenen Techniken und Methoden, die zu einem drastischen Wandel in seinem Kunstverständnis führten. Matisse‘ Arbeit in der fauvistischen Bewegung inspirierte Picasso dazu, mit unkonventionelleren Kunststilen zu experimentieren, was zu einer jahrelangen produktiven Rivalität zwischen Picasso und Matisse führte, die beide von Kritikern als führende Persönlichkeiten der modernen Kunst angesehen wurden.

Im Gegensatz zu anderen abstrakten spanischen Künstlern ging Picasso bei seinen Arbeiten immer von der Realität aus, auch wenn das Endergebnis ein ausgesprochen abstraktes Aussehen hatte.

L’Aubade (1942) by Pablo Picasso; Wisi eu, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Picasso war bekannt für seine herausragende Rolle in der kubistischen Bewegung. Zusammen mit dem viel beachteten Künstler Georges Braque entwickelte Picasso einen neuen Stil der Betrachtung von Malerei, den analytischen Kubismus. Der Begriff leitet sich von der Art und Weise ab, in der die beiden Künstler Objekte zerlegten und auf ihre Form und Gestalt hin analysierten.

Die Gemälde dieser beiden spanischen Künstler weisen also viele Gemeinsamkeiten auf.

Picasso war auch an der Entwicklung des Synthetischen Kubismus beteiligt, bei dem Materialien wie Zeitungsausschnitte und Papierstücke verwendet wurden, um Collage-Kompositionen im Stil der bildenden Kunst zu schaffen. Einige von Picassos bemerkenswerten Werken sind:

• La Vie (1903)
• Family of Saltimbanques (1905)
• Les Demoiselles d’Avignon (1907)
• Portrait of Daniel-Henry Kahnweiler (1910)

Joan Miró (1893 – 1983)

Joan Miró wurde am 20. April 1893 in der Stadt Barcelona geboren. Er besuchte eine Privatschule in dem alten Herrenhaus in der Carrer del Regomir und begann bereits mit sieben Jahren mit dem Kunstunterricht. Im Alter von siebzehn Jahren schrieb er sich an der Kunstakademie in La Llotja ein, sehr zum Ärger seines Vaters. Joan Miró zeigte seine erste Einzelausstellung 1918 in den Galeries Dalmau und erntete dafür viel Kritik und Spott.

Portrait of Joan Miró, Barcelona, 1935; Carl Van Vechten, Public domain, via Wikimedia Commons

Auf seinen Reisen nach Barcelona und ins Ausland ließ er sich von den dortigen Ausstellungen inspirieren, insbesondere von der Kunst der Fauvisten und Kubisten. Nachdem er sich 1924 den Surrealisten angeschlossen hatte, lebte und malte er die meiste Zeit in Paris. Sein Werk war bereits sehr poetisch und symbolisch und passte daher gut zu den traumähnlichen Qualitäten der surrealistischen Kunst, mit all ihren Widersprüchen und Dualitäten.

In dieser Zeit wurde seine Arbeit konzentrierter und weniger chaotisch, er begann mit Medien wie der Collage zu experimentieren und seine Kunst spiegelte seinen stetigen Prozess der Abkehr von den traditionellen Methoden der Malerei wider.

Joan Miró wird oft in einem Atemzug mit anderen abstrakten spanischen Künstlern genannt, doch sein Werk war nicht völlig gegenstandslos. Seine ersten Skizzen zeigen, dass er in der Tat einen methodischen und sequentiellen Prozess zur Erstellung seiner Bilder verwendete, obwohl auch die Surrealisten automatische Techniken einsetzten.

Seine Arbeit war immer symbolisch und nie rein gegenstandslos.

1928 malte er die Holländischen Interieurs, die eine deutliche Rückkehr zur gegenständlichen Malerei darstellen, nachdem er sich von der Kunst, die er auf einer Reise nach Holland gesehen hatte, inspirieren ließ. Sie ähneln eher einigen seiner Werke wie Harlekins Karneval als den traumartigen surrealistischen Gemälden, die er einige Jahre zuvor geschaffen hatte. Einige bemerkenswerte Werke von Joan Miró sind:

• Harlequin’s Carnival (1924)
• Dutch Interior (I) (1928)
• The Beautiful Bird Revealing the Unknown to a Pair of Lovers (1941)

Salvador Dalí (1904 – 1989)

Salvador Dalí ist eine der bekanntesten Persönlichkeiten in der Welt der Kunst und wird für seinen wunderbar seltsamen und verschwenderischen Lebensstil ebenso geliebt wie für sein erstaunliches künstlerisches Schaffen. Um zu beweisen, wie sehr Dalí mit seinem Werk verbunden war, wurde er nach seinem Tod 1989 in seinem Museum beigesetzt. Dalí war sich seiner Exzentrik sehr bewusst und schuf sehr persönliche Kunstwerke mit Bildern, die voller unterbewusster Symbolik und traumähnlicher Qualitäten waren.

Das Werk „Dalí Atomicus“ von 1948 beschäftigt sich mit der Idee des Schwebens und zeigt drei fliegende Katzen, Wasser, das aus einem Eimer geworfen wird, eine Staffelei, einen Schemel und Salvador Dalí, der scheinbar in der Luft schwebt.; Philippe Halsman, Public domain, via Wikimedia Commons

Sowohl in seinem Leben als auch in seiner Kunst versuchte Dalí, gesellschaftliche Konventionen aufzubrechen, und trug dazu bei, neue symbolische Bildsprachen und künstlerische Techniken zu schaffen, die unsere Möglichkeiten zur Untersuchung und zum Ausdruck der menschlichen Psyche und des Unterbewusstseins erweiterten. Er wurde von der Madrider Akademie verwiesen, weil er einen Protest unter den Studenten gegen einen Kunstprofessor angezettelt hatte, den er für einen mittelmäßigen Lehrer und ungeeignet hielt, Studenten zu unterrichten.

1929 zog Dalí nach Paris und schloss sich den Surrealisten an, weil er den Status quo des rationalen Denkens umstoßen und so die Psyche aus der Selbstgefangenschaft befreien wollte.

Dieser Umzug weckte Dalís Interesse, neue Medien zu erforschen, und er experimentierte mit anderen Kreativen wie Luis Buñuel, einem spanischen Regisseur, mit dem Dalí zusammenarbeitete, um Un Chien Andalou, den ersten surrealistischen Film, zu drehen.

Obwohl er als einer der spanischen abstrakten Künstler gilt, mochte Dalí bestimmte Aspekte der abstrakten oder surrealistischen Techniken wie den Automatismus nicht. Obwohl diese Methoden den kreativen Geist befreien sollten, zog es Dalí vor, die Objekte und Themen in seinen Kunstwerken bewusst zu gestalten, um eine hyperrealistische Welt anstelle einer Welt mit abstrakten Figuren darzustellen. Einige von Dalís bekanntesten Werken sind:

• • The Persistence of Memory (1931)
  • Metamorphosis of Narcissus (1937)
  • Swans Reflecting Elephants (1937)
  • The Temptation of Sint Anthony (1946)

Antoni Tàpies (1923 – 2012)

Antoni Tàpies war ein spanischer Maler, der am 13. Dezember 1923 in Barcelona geboren wurde. Tàpies war nicht nur Maler, sondern auch Kunsttheoretiker und Bildhauer und galt als einer der bekanntesten europäischen Künstler seiner Generation. Als Tàpies gerade 17 Jahre alt war, erlitt er einen Herzinfarkt und lebte zwei Jahre lang in den Bergen. Dort verbrachte er einen Großteil seiner Zeit mit Lesen und ging seinem wachsenden Interesse an der Kunst nach, das schon in seiner frühen Jugend begonnen hatte.

Nach einem dreijährigen Jurastudium an der Deutschen Schule in Barcelona widmete sich Tàpies ab 1943 ganz seiner Kunst.

1945 begann er, mit Spülmitteln zu experimentieren und mischte Kreidelösung mit Ölfarbe. Die Bilder des spanischen abstrakten Künstlers wurden in vielen großen Museen auf der ganzen Welt ausgestellt. Tàpies war 1948 maßgeblich an der Gründung der ersten Kunstbewegung der Nachkriegszeit beteiligt, die unter dem Namen Dau al Set bekannt wurde und Ähnlichkeiten mit anderen Bewegungen der Zeit wie dem Dadaismus und dem Surrealismus aufweist.

A composition von Antoni Tàpies; Enric, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Obwohl er seine Karriere als Maler der surrealistischen Kunst begann, wurde Tàpies kurz darauf zu einem Künstler des so genannten Informel, einer Technik, bei der er Materialien, die im traditionellen Sinne als unkünstlerisch gelten, in seine Gemälde mischt.

Diese Erkundung der Mischtechnik wird als Tàpies‘ größter Beitrag zur Kunstgeschichte angesehen.

Seine Kunstwerke enthalten oft gewöhnliche Materialien wie Marmorstaub und Erde, gemischt mit ausdrucksstarken Pinselstrichen und interessanten Anwendungen der Impasto-Technik. Zu den bekanntesten Werken des spanischen Künstlers gehören:

• Grey and Green Painting (1957)
• Grey Ochre (1958)
• Great Painting (1958)
• Equation III (1987)

Eduardo Arroyo (1937 – 2018)

Eduardo Arroyo war ein Grafiker und Maler aus Spanien. Aufgrund seiner wachsenden Verachtung für die spanische Politik zog er 1958 nach Paris. In Paris machte er enge Bekanntschaft mit Vertretern der Kunstszene, wie z. B. seinem zukünftigen Bühnenpartner Gilles Aillaud, mit dem Arroyo Bühnenbilder schuf, die ihre Abneigung gegen die zeitgenössische französische Kunst künstlerisch zum Ausdruck bringen sollten.

Mehr als zwei Jahrzehnte des Schaffens von Kunstwerken lassen sich auf eine sehr erfolgreiche Ausstellung im Jahr 1964 zurückführen, die auf dem Markt gute Preise erzielte und von der Kritik begeistert aufgenommen wurde. Arroyos Werk wurde als Treffpunkt von Pop Art und figurativer Erzählung beschrieben. Kennzeichnend für sein Werk sind die Verflachung der Perspektive und das Fehlen von räumlicher Tiefe.

Diese cartoonähnlichen Parodien stellten Themen in einer verflachten Version des Bildraums dar, ein Stil, den er während seiner Zeit als Karikaturist für seine Arbeit gelernt hatte.

Da er in Spanien in einer Zeit großer politischer Unruhen unter der Franco-Herrschaft geboren wurde, spiegelt sich sein Widerstand gegen diese unterdrückenden Kräfte in den Werken des politisch aktiven Künstlers wider. Durch seine Arbeit als Kostüm- und Bühnenbildner wurde Arroyo als kreativer Kopf in Mailand, Berlin und Paris bekannt. Schließlich zog er zurück nach Spanien, wo er bis zu seinem Tod im Jahr 2018 lebte und arbeitete. Arroyos Kunstwerke befinden sich noch immer in Sammlungen auf der ganzen Welt, zum Beispiel im Bilbao Fine Arts Museum, im Hirshhorn Museum und im Museum of Modern Art in New York. Einige der bekanntesten Werke des spanischen Malers sind:

• Cuore (Portrait d’Edmundo d’Amicis) (1962)
• La Perquisition de St. Sebastian (1969)
• Nella giungla della città (1975)
• Portrait de James Joyce (1992)

Heute haben wir zehn berühmte spanische Künstler und Maler kennengelernt, die das Gesicht der Kunstwelt mitgeprägt haben. Spanische Künstlerinnen und Künstler gehören mit ihren verschiedenen Stilen wie Kubismus, Surrealismus, spanischer Renaissance und anderen einflussreichen Bewegungen zu den am meisten respektierten. Die Gemälde spanischer Künstler werden heute als Meisterwerke verehrt und haben dazu beigetragen, den Grundstein für mehrere Bewegungen zu legen, die von spanischen Malern gegründet wurden. Von abstrakten spanischen Künstlern bis hin zu Hyperrealisten haben die berühmten spanischen Künstler und Maler ein Erbe an faszinierenden und unkonventionellen Kunstwerken hinterlassen.

Häufig gestellte Fragen

Welcher spanische Künstler begründete die Kubismus-Bewegung?

Obwohl er zu Beginn seiner Karriere in einem traditionelleren, naturalistischen Stil malte, interessierte sich Picasso dafür, Formen auf eine Art und Weise auszudrücken, die sich auf ihre Gestalt bezieht, und begründete durch seine Experimente den kubistischen Stil. Georges Braque war einer von Picassos engsten Zeitgenossen und spielte ebenfalls eine prägende Rolle bei der Entwicklung der Bewegung.

Warum ist die spanische Kunst so stark von außen beeinflusst?

Aufgrund seiner Lage in der Frühzeit des europäischen Handels mit dem Westen war Spanien immer wieder Dreh- und Angelpunkt kreativer Einflüsse. Menschen aus verschiedenen Kulturen und Ländern zogen durch das Gebiet und hinterließen ihre Techniken und Methoden.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.