Abstrakter Expressionismus – Alles über diese Kunstbewegung

Der Abstrakte Expressionismus war eine Kunstbewegung, die Mitte des 20. Jahrhunderts in Amerika nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs entstand. Sie soll die erste explizit amerikanische Bewegung gewesen sein, die weltweite Bekanntheit erlangte und Paris als Mittelpunkt der westlichen Kunstwelt ablöste. Der abstrakte Expressionismus bediente sich verschiedener Stile und Techniken, die oft unkonventionell und unrealistisch waren, um die Freiheit zu betonen, die Künstlerinnen und Künstler hatten, wenn sie ihre Haltungen und Gefühle ausdrücken wollten.

Was ist der Abstrakte Expressionismus?

Der Abstrakte Expressionismus entstand in New York City und war eine Kunstbewegung nach dem Zweiten Weltkrieg, die in den 1940er Jahren entstand. Sie wurde als sehr wichtig angesehen, da sie die erste rein amerikanische Kunstbewegung war, die es je gab, da sie hauptsächlich in den Vereinigten Staaten entstanden ist. Aufgrund seines großen Einflusses verdrängte der Abstrakte Expressionismus bald Europa als Zentrum der modernen Kunst, da New York plötzlich als Mittelpunkt der neuen Kunstwelt galt.

Obwohl sich die Kunstbewegung des Abstrakten Expressionismus recht schnell in ganz Amerika ausbreitete, galten New York City und die kalifornische San Francisco Bay Area immer noch als das Zentrum dieses Stils. Der Abstrakte Expressionismus, der auch als „New Yorker Schule“ bekannt ist, konzentrierte sich auf die Bedeutung von impulsiver Bewegung und Ausdruck, wobei diese Elemente in der Kunst dieser Zeit besonders zum Tragen kamen.

Die Bewegung wurde jedoch nie als formale Vereinigung betrachtet, da die Künstler, die den Abstrakten Expressionismus praktizierten, lediglich die gleichen gemeinsamen Interessen teilten, die mit diesem Stil verbunden waren. Nachdem sie die Schrecken und die Brutalität des Zweiten Weltkriegs miterlebt hatten, begannen die Künstler, gegen die idyllische Darstellung des Lebens zu rebellieren.

Sie waren der Meinung, dass die traditionellen Kunsttechniken nicht mehr geeignet waren, ein authentisches Bild des Lebens einzufangen, da das Leben, wie sie es kannten, nach dem Ende des Krieges völlig im Umbruch war.

Die Künstlerinnen und Künstler begannen, verschiedene Wege zu erforschen, um Emotionen und Gefühle durch abstrakte und gestische Markierungen sowie auffällige Farbfelder auszudrücken. Statt Figuren abzubilden, zogen sich die Künstler in die abstrakte Welt zurück, wo ein neues Interesse an Meditation und Selbstbeobachtung entstand, das sich in den Kunstwerken widerspiegelte.

Elemente wie Spontaneität und Improvisation standen hoch im Kurs, denn die Künstler des Abstrakten Expressionismus nutzten ihre neu gewonnene künstlerische Freiheit, um sich sowohl in der Technik als auch im Thema von etablierten Traditionen zu lösen. Angespornt durch diese Befreiung schufen die Künstlerinnen und Künstler plötzlich Werke von enormer Größe, die als Beobachtungen und Darstellungen ihrer individuellen Denkweise existierten.

Ein Wandgemälde des Künstlers Carl Morris aus der Abteilung für Malerei und Bildhauerei des US-Finanzministeriums, das Landarbeiter zeigt. Es wurde 1942 gemalt und 1943 installiert.; Carl Morris, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Gemälde des Abstrakten Expressionismus widersetzen sich im Wesentlichen stilistischen Kategorisierungen, aber die Kunstwerke können im Allgemeinen nach zwei grundlegenden Vorlieben gruppiert werden. Die Gemälde betonten entweder lebhafte und temperamentvolle Gesten oder legten einen kontemplativen und eher zerebralen Fokus auf offene Farbfelder.

In beiden Fällen wurden vor allem abstrakte Bilder erstellt, auch solche, die auf realen visuellen Situationen basierten.

Die Künstler, die den Abstrakten Expressionismus geprägt haben

In den späten 1940er Jahren hatten sich mehrere Faktoren in Bewegung gesetzt, die die Einführung einer neuen künstlerischen Bewegung in die Gesellschaft ermöglichten. Der Künstler Clyfford Still gilt als Wegbereiter der Bewegung in den Jahren nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs, denn seine Kunstwerke zeigen einen deutlichen Wandel von gegenständlichen zu großen und abstrakten Werken. Jackson Pollock wurde 1947 ebenfalls als Pionier der Bewegung angesehen, da die Erfindung seiner charakteristischen Tropftechnik beim Malen die Abstraktion in der Kunst revolutionierte.

Willem de Kooning war ein weiterer einflussreicher Künstler bei der Entwicklung der Bewegung. Seine zwischen 1950 und 1953 entstandenen Frauenbilder sind dafür bekannt, dass sie die Elemente der Komposition, der Anordnung, des Lichts und der Beziehungen so weit eliminieren, dass die Figuren nicht mehr als Menschen, sondern als Abstraktionen gesehen werden.

Der bemerkenswerteste Beweis für die Gruppensolidarität fand 1951 statt, als eine Gruppe von Künstlern eine Ausstellung zeitgenössischer Kunst im Metropolitan Museum boykottierte. Anschließend wurden sie dazu überredet, ein Foto für eine Zeitschrift zu machen und erhielten die Bezeichnung „The Irascibles“. Dieses Foto, das den Künstlerinnen und Künstlern ein Gefühl von Identität und gemeinsamen Zielen gab, machte später den Begriff „Abstrakter Expressionismus“ populär, und damit war die Bewegung fest etabliert.

Dieser offene Brief erschien auf der Titelseite der New York Times vom 22. Mai 1950. Die Autoren betitelten ihn als „OPEN LETTER TO ROLAND L. REDMOND“, um die Ausstellung des Metropolitan Museum of Art abzulehnen; Jimmy Ernst, Adolph Gottlieb, Robert Motherwell, William Baziotes, Hans Hofmann, Barnett Newman, Clyfford Still, Richard Pousette-Dart, Theodore Stamos, Ad Reinhardt, Jackson Pollock, Mark Rothko, Bradley Walker Tomlin, Willem de Kooning, Hedda Sterne, James Brooks, Weldon Kees, Fritz Bultman, Herbert Ferber, David Smith, Ibram Lassaw, Mary Callery, Day Schnabel, Seymour Lipton, Peter Grippe, Theodore Roszak, David Hare, Louise Bourgeois, Public domain, via Wikimedia Commons

Eine geeignete Definition des Abstrakten Expressionismus

Der Begriff „Abstrakter Expressionismus“ wurde erstmals 1919 in der deutschen Zeitschrift Der Strum in Bezug auf die deutsche expressionistische Bewegung verwendet. Später wurde der Begriff 1946 von dem bekannten Kunstkritiker Robert Coates für die amerikanische Kunst verwendet, als er über die Gemälde von Hans Hofmann, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Arshile Gorky und zahlreichen anderen Künstlern sprach.

Der Name der Bewegung stammt von der Verschmelzung der intensiven Emotionen und der Selbstverleugnung der deutschen Expressionisten mit der ungegenständlichen Ästhetik von Bewegungen wie dem Futurismus, dem Bauhaus und dem synthetischen Kubismus. Der abstrakte Expressionismus galt als eine trotzige, gesetzlose, unglaublich eigenartige und etwas nihilistische Bewegung in der Kunst. Dieser Begriff wurde auf alle Künstler angewandt, die zu dieser Zeit hauptsächlich in New York arbeiteten und in ihren Gemälden ganz unterschiedliche Stile zeigten.

Im Wesentlichen wurde die Definition des Abstrakten Expressionismus verwendet, um Kunstwerke zu klassifizieren, die weder völlig abstrakt noch expressionistisch waren. Beide Arten von Kunstwerken wurden aufgrund ihres Stils dennoch unter dem Begriff Abstrakter Expressionismus zusammengefasst. Ein Beispiel dafür sind Jackson Pollock und Willem de Kooning, die sehr unterschiedliche Kunstwerke schufen, aber dennoch als Künstler des Abstrakten Expressionismus angesehen wurden.

Drei Gemälde von Willem de Kooning, die zusammen eine Art Triptychon bilden, 1968; Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Merkmale und Einflüsse des Abstrakten Expressionismus

Ein großer Widerspruch zum Abstrakten Expressionismus war, dass die Wurzeln der Bewegung eigentlich in der figurativen Malerei lagen, die in den 1930er Jahren populär war. Diese Künstler bekamen alle die Auswirkungen der Weltwirtschaftskrise zu spüren und ihre Malstile reiften unter dem Einfluss des Sozialen Realismus und der regionalistischen Bewegungen.

Aufgrund dieser Erfahrungen wurden die meisten Künstler, die in dieser Zeit arbeiteten, später als Abstrakte Expressionisten eingestuft, basierend auf den Merkmalen, die ihre Kunstwerke aufweisen.

Nach dem Zweiten Weltkrieg konnte das politische Klima die sozialen Proteste, die von den Künstlern des Sozialen Realismus zum Ausdruck gebracht wurden, nicht mehr ertragen. Der Abstrakte Expressionismus, der bereits während des Krieges aufkam, wurde schließlich zur vorherrschenden Kunstbewegung in Amerika, deren Werke in den frühen 1940er Jahren in verschiedenen New Yorker Galerien ausgestellt wurden. Die Nachkriegszeit war eine Zeit, in der die Kunst in Amerika zensiert wurde, aber je abstrakter die Themen wurden, desto mehr wurde die Kunst als unpolitisch und damit akzeptabel angesehen.

Einfluss des Zweiten Weltkriegs

In den 1930er und 1940er Jahren flohen viele europäische Modernisten vor den Nazis nach New York, um den politischen Umwälzungen und dem Krieg zu entgehen. Viele der Künstler, die in Amerika ankamen, brachten die Ideen und Praktiken der europäischen Moderne mit und erwiesen sich als unschätzbare Bereicherung für die späteren künstlerischen Entwicklungen. Ein einflussreicher Künstler, der dies tat, war Hans Hofmann, der die Hans Hofmann School of Fine Arts gründete, an der viele prominente Künstler ausgebildet wurden.

Amerikanische Künstler lernten viele europäische künstlerische Techniken kennen, wie zum Beispiel die formalen Erfindungen des Kubismus und den Automatismus und die psychologischen Grundlagen des Surrealismus. Die Abstrakten Expressionisten wurden von der Idee, das Unbewusste und existenzielle Philosophien zu erforschen, zutiefst beeindruckt. Dieser Zustrom an kreativen Aktivitäten in New York führte dazu, dass amerikanische Künstlerinnen und Künstler allmählich viel mehr über die modernen europäischen Kunstströmungen erfuhren.

Luftfahrt Begrenzung der Formen unter aerodynamischen Beschränkungen IV (1935-1936) von Arshile Gorky; Pedro Ribeiro Simões from Lisboa, Portugal, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Persönliche Begegnungen mit verdrängten großen europäischen Künstlern wie André Breton, Arshile Gorky, Max Ernst und Salvador Dalí trugen dazu bei, den legendären Status, den diese Künstler erlangt hatten, zu vertreiben, da sich die amerikanischen Künstler ihnen gegenüber zunächst unterlegen fühlten. Der Krieg gab den amerikanischen Künstlern jedoch das Selbstvertrauen, die traditionellen europäischen Einflüsse in der Kunst zu überwinden, und sie begannen, eine Rhetorik der Malerei zu entwickeln, die für ihre eigene Nation relevant war.

Die Soldaten, die aus dem Krieg nach Hause kamen, hatten schreckliche Zerstörungen, Völkermord und Gräueltaten erlebt, die sie unmöglich in Worte fassen oder verstehen konnten. Die Künstlerinnen und Künstler, die in den Krieg eingezogen wurden, brauchten ein Ventil, um das Erlebte zu verarbeiten, und nutzten die ausdrucksstarken Emotionen und die große Abstraktion, die die neue Kunstbewegung ausmachten.

Der abstrakte Expressionismus war zu dieser Zeit die richtige Bewegung für Künstler, um etwas von der erlebten Unmenschlichkeit darzustellen.

Künstler und andere Kreative wurden durch die Entwicklung des Krieges beunruhigt, selbst in integrierten und kulturellen Gebieten wie New York, wo freies Denken und Rationalismus immer gediehen waren. Diese Paranoia spiegelte sich im Stil des Abstrakten Expressionismus wider, denn die Kunstwerke passten in die Atmosphäre des Schocks und der Verzweiflung, die die Gesellschaft nach dem Krieg ergriffen hatte.

Philip Guston beim Skizzieren eines Wandgemäldes für das WPA Federal Art Project im Jahr 1939, fotografiert von David Robbins; Archives of American Art, Public domain, via Wikimedia Commons

So nutzten amerikanische Künstler die Abwesenheit der europäischen Künstler, die im Krieg gefangen waren, und begannen, die neue künstlerische Bewegung zu lenken, die sich entwickeln sollte. Der abstrakte Expressionismus bot den Künstlern ein Ventil, um ihre Gefühle und Ideen auszudrücken, ohne dass sie befürchten mussten, dass die Öffentlichkeit diese Gedanken prüfen würde.

Trotzdem zögerte die Öffentlichkeit noch, die Gemälde des Abstrakten Expressionismus als echte Kunstwerke zu akzeptieren. Es war die Hilfe von Vordenkern und einflussreichen Kunstsammlern wie Peggy Guggenheim, die der Bewegung ein breiteres Publikum und ein Gefühl der Authentizität verschaffte.

Dies ermöglichte es der Bewegung, sich zu dem zu entwickeln, als das sie heute bekannt ist, denn die sorgfältige Kuratierung und der Respekt für die Kunstwerke der Gründerkünstler des Abstrakten Expressionismus ermöglichten es ihnen, bis heute zu existieren.

Welche Kunstrichtung hatte einen großen Einfluss auf den Abstrakten Expressionismus?

Ein wichtiger Vorläufer des Abstrakten Expressionismus war der Surrealismus, der das impulsive, automatische und unbewusste Schaffen betonte. Obwohl die amerikanischen Künstlerinnen und Künstler ein Unbehagen mit dem unverhohlenen Freudschen Symbolismus der surrealistischen Bewegung zeigten, ließen sie sich dennoch von dem großen Interesse am Unbewussten inspirieren. Im Surrealismus ging es auch um Ideen des Primitivismus und der Mythologie, und der Einfluss, den der Psychiater Carl Jung auf wiederkehrende Motive hatte, ist auch im Abstrakten Expressionismus präsent.

Bevor er mit seinen ikonischen Drip-Paintings experimentierte, zeigte Jackson Pollock ein großes Interesse an primitiven Themen, die in seinen früheren Werken häufig vorkamen. Ein bemerkenswertes Kunstwerk, das Pollock 1943 malte, She-Wolf, soll auf dem Mythos von der Geburt der Stadt Rom beruhen, was den Einfluss der Mythologie auf seine Kunst zu dieser Zeit zeigt. Die Bedeutung von Mythologie und psychologischen Ideen in Kunstwerken wurde auch von dem Künstler Adolph Gottlieb gezeigt, der häufig archetypische Symbolik in seine Gemälde einbaute.

The She-Wolf (1943) von Jackson Pollock; Jackson Pollock, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Was ist Action Painting?

Der abstrakte Expressionismus lässt sich in zwei Gruppen unterteilen, wobei die erste Gruppe als Action Painting bezeichnet wird. Diese Gruppe legte den Schwerpunkt auf die körperliche Aktion, die beim Malen stattfand. Bekannte Künstler, die in dieser Gruppe des Abstrakten Expressionismus tätig waren, waren Willem de Kooning, Jackson Pollock, Franz Kline und Philip Guston.

Eine der wichtigsten Action-Painting-Techniken wurde 1947 entwickelt und war als Drip-Painting bekannt. Jackson Pollock war wohl der berühmteste Künstler, der diese Technik anwandte. Er goss und tropfte verdünnte Farbe auf eine ungrundierte Leinwand, die er flach auf den Boden legte.

Dies wurde damals als ziemlich radikal angesehen, da Pollock die traditionellen Malmethoden zugunsten von chaotisch und zufällig wirkenden Farbspritzern auf die Leinwand aufgab.

Die Aktionsmaler konzentrierten sich mehr auf den physischen Akt des Malens als auf das, was sie darzustellen versuchten. Bei diesem Prozess spritzten und tropften die Künstler oft Farbe auf ihre Leinwände, und die Pinselstriche wirkten grob und gestisch, weil sie nicht sorgfältig aufgetragen wurden. Durch diese Techniken wurden die Gemälde, die im Stil des Action Painting entstanden, völlig ungegenständlich und turbulent.

Untitled (1960) by Inger Ekdahl; Artesa2, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Der Kritiker Harold Rosenberg hat den Begriff „Action Painting“ 1952 in einem Artikel mit dem Titel The American Action Painters geprägt. Er stellte fest, dass die Gemeinsamkeit aller Action Painters darin bestand, dass sie alle verstanden, dass die Malerei nur eine physische Manifestation des Kunstwerks ist, da der Prozess der Herstellung des Werks als das eigentliche Kunstwerk existiert. Die Spontaneität, die mit dem Action Painting verbunden ist, sollte den Kampf der Künstler mit ihrem Unterbewusstsein darstellen, um sich zu lockern, damit sie reinere Ausdrucksformen schaffen können.

Action Painting war von den 1940er Jahren bis Anfang der 1960er Jahre weit verbreitet. Viele Künstlerinnen und Künstler, die diese Technik praktizierten, wurden auch der zweiten Gruppe zugerechnet, die den Abstrakten Expressionismus beherrschte, wobei beide Stile in den Gemälden zu finden waren.

Was ist Farbfeldmalerei?

Die zweite Stilgruppe, die während des Abstrakten Expressionismus dominierte, war die Farbfeldmalerei. Diese Technik wurde vor allem von Mark Rothko und Kenneth Noland in ihren Kunstwerken angewandt. Beim Color Field Painting ging es vor allem darum, die Wirkung von reiner Farbe auf einer Leinwand zu erforschen.

Der Begriff „Farbfeldmalerei“ wurde erstmals 1955 von dem Kritiker Clement Greenberg für die Gemälde von Clyfford Still, Barnett Newman und Mark Rothko verwendet. Der Grund dafür war, dass diese Künstler geradlinige Kompositionen mit großen Flächen aus einer einzigen flachen Farbe malten, die beim Betrachter eine nachdenkliche und meditative Reaktion hervorrufen sollten.

Wasko, Man in the Night (to Barnett Newman) (1988) by Ryszard Wasko; Ryszard Wasko, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Die Farbfeldmaler waren angeblich auf der Suche nach Transzendenz. Ihre ausgedehnten und gefühlsbetonten Farbflächen ließen den Betrachter eintauchen und inspirierten ihn zu einer Art spirituellem Nachdenken und starken Gefühlen. In diesen Gemälden wurden die bildnerischen Mittel vereinfacht, um sich auf die verwendeten Farbschattierungen zu konzentrieren und eine elementare Wirkung zu erzielen.

Die Künstler erklärten, dass es ihr Ziel war, Gemälde zu schaffen, die nicht als schön, sondern als hervorragend angesehen wurden. Das befreite die Künstler von den überholten traditionellen Malstilen und ermöglichte es ihnen, sich auf die Wirkung von Farben in ihren Kunstwerken zu konzentrieren.

Die Gemälde im Stil der Farbfeldmalerei zielten darauf ab, die überflüssige und übertriebene Rhetorik früherer Kunstwerke zu beseitigen und den Schwerpunkt auf die visuellen Effekte zu legen, die die Farbe auf den Betrachter hatte.

Obwohl sie einfach erscheinen, waren die verwendeten Farben in der Regel komplex und setzten sich aus mehreren Schattierungen zusammen, was den Kunstwerken dieser Zeit mehr Tiefe und Aufrichtigkeit verlieh.

Merkmale des Abstrakten Expressionismus

Der abstrakte Expressionismus wurde nicht immer als eine kohärente Bewegung angesehen, da die Künstlerinnen und Künstler manchmal Werke schufen, die unvergleichlich zu sein schienen. Aus diesem Grund denkst du jetzt vielleicht: Was ist denn der Abstrakte Expressionismus? Im Wesentlichen handelt es sich um eine Kunstrichtung, deren Kunstwerke alle bestimmte Merkmale aufwiesen, die für die allgemeine Bewegung typisch waren. Diese Techniken werden im Folgenden näher erläutert.

Central Park in der Abenddämmerung (zwischen 1936 und 1942) von Arshile Gorky; Arshile Gorky, Public domain, via Wikimedia Commons

Motivation für die Entwicklung der Bewegung

Die Zeit, in der der Abstrakte Expressionismus entstand, war infolge des Zweiten Weltkriegs unglaublich angespannt. Die Künstlerinnen und Künstler fühlten sich in dem, was sie in ihren Kunstwerken darstellen wollten, stark eingeschränkt, denn nichts schien mehr authentisch zu sein. Daher bot der Abstrakte Expressionismus den Künstlern eine dringend benötigte kreative Entlastung für ihre unterdrückten Gefühle und Gedanken.

Inspiration durch den Surrealismus

Wenn man die aktuelle Bewegung betrachtet, ist es leicht, sich zu fragen: Welche Kunstbewegung hatte einen großen Einfluss auf den Abstrakten Expressionismus? Die Bewegung, die dem Abstrakten Expressionismus sowohl vorausging als auch ihn inspirierte, war die surrealistische Bewegung. Die Spontaneität und das Interesse am unbewussten Schaffen motivierten die abstrakten Expressionisten dazu, dem Fluss ihrer Gefühle zu folgen und die Offenheit ihres Geistes beim Schaffen von Kunstwerken zu fördern. Diese Herangehensweise wurde anstelle der vorherigen Planung eines Werks verwendet, bevor die Künstler es auf die Leinwand übertragen konnten.

Farbpalette

Abstrakte Expressionisten konnten mit lebhaften und vielfältigen Farben experimentieren. Das lag daran, dass die Künstler nicht versuchten, greifbare und reale Bilder von Gegenständen oder Figuren darzustellen. Stattdessen konzentrierten sich die Künstler auf die Wirkung von Farben in ihren Kunstwerken, denn sie waren fasziniert davon, wie Farben die Stimmung und die Gedanken beeinflussen können.

Pedazos del Mundos #6 (‚Pieces of the Worlds #6‘, 1961) von Robert S. Neuman; Ssavage11, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Größe der Kunstwerke

Die Gemälde des abstrakten Expressionismus waren in der Regel groß und die Künstler nutzten riesige Leinwände, um ihre Werke zu malen. In manchen Fällen benutzten die Künstler sogar mehrere Leinwände, die als ein einziges Werk betrachtet werden sollten.

Die Perspektive des Künstlers

Da sich der Abstrakte Expressionismus nicht durch einen bestimmten Stil auszeichnete, waren die Perspektiven und Gefühle, die die Künstler in ihre Kunstwerke einbrachten, sehr wichtig. Bei allen Werken dieser Bewegung standen die Gefühle der Künstler und der Betrachter im Vordergrund, denn sie waren zentraler als das eigentliche Bild, das abgebildet wurde.

Der Mangel an Repräsentation im Abstrakten Expressionismus

Während der Hochphase des Abstrakten Expressionismus in den 1940er und 1950er Jahren produzierten viele Malerinnen in New York und San Francisco ebenfalls Kunstwerke, die sich mit den öffentlichkeitswirksamen Werken ihrer männlichen Kollegen messen konnten. Trotzdem wurde ihre Beteiligung an der Bewegung in der Literatur und den Lehrbüchern, die diese Ära dokumentieren, weitgehend ausgeklammert.

Das lag daran, dass der Abstrakte Expressionismus in erster Linie als ein männliches Feld charakterisiert wurde, das von weißen Männern dominiert wurde, die die weicheren Aspekte der bildenden Kunst durchschnitten.

Mehrere Künstlerinnen experimentierten ebenfalls mit dem Abstrakten Expressionismus und schufen bemerkenswerte Kunstwerke, wurden aber bei der Betrachtung der Bewegung immer wieder vergessen. Zu diesen Künstlerinnen gehörten Helen Frankenthaler, Lee Krasner, Joan Mitchell und sogar Elaine de Kooning, die Frau von Willem de Kooning, um nur einige zu nennen.

Auch viele afroamerikanische Künstler, die ebenfalls im Abstrakten Expressionismus tätig waren, blieben außen vor. Norman Lewis ist ein gutes Beispiel dafür, denn seine Werke enthalten viele Merkmale, die für den Abstrakten Expressionismus charakteristisch sind, wie zum Beispiel leuchtende Farben und grafische Linien. Ein weiterer bemerkenswerter Künstler, der aufgrund seiner Rasse unbemerkt blieb, war Ed Clark, der zu den ersten Nutzern von geformten Leinwänden gehörte.

Im Jahr 2016 erhielten die Damen des Abstrakten Expressionismus jedoch endlich die lang erwartete Anerkennung, als das Denver Art Museum die Wanderausstellung Women of Abstract Expressionism zusammenstellte. Diese Ausstellung war die erste große organisierte Würdigung dieser Frauen, bei der über fünfzig wichtige Werke gezeigt wurden.

Berühmte Gemälde des Abstrakten Expressionismus und ihre Künstler

Einige der einflussreichsten Künstler der Bewegung des Abstrakten Expressionismus wurden später zu den bekanntesten Künstlern der Geschichte. Im nächsten Abschnitt werden wir einige der bemerkenswertesten und wichtigsten Gemälde und Künstler des Abstrakten Expressionismus untersuchen, die aus dieser Bewegung hervorgingen.

Mark Rothko (1903 – 1970)

Der lettisch-amerikanische Künstler Mark Rothko war ein prominentes Mitglied der Bewegung des Abstrakten Expressionismus, der für seine Farbfeldgemälde bekannt war, die unförmige und kunstvolle rechteckige Objekte aus Farbe darstellten. Rothko war vor allem für diese Art von Gemälden bekannt, die er von 1949 bis 1970 malte. Sein bekanntestes Farbfeldgemälde soll Nr. 6 (Violett, Grün, Rot) sein, das er 1951 malte.

Wie auch seine anderen Werke aus dieser Zeit ist dieses Gemälde ein Beispiel für die Bedeutung von Rothkos Kunstwerken und den Stellenwert seines gewählten Stils innerhalb des Abstrakten Expressionismus. Jedes von Rothkos Farbfeldgemälden wurde nach seinen Farbunterschieden betitelt und bestand aus glatten, rechteckigen Farbstreifen, die sich horizontal über die Leinwand erstreckten.

Violett, Grün, Rot ist ein bedeutendes Beispiel für die chromatische Abstraktion, die von den Künstlern dieser Ära verwendet wurde, wobei der Schwerpunkt auf den Pinselstrichen und der Farbtextur liegt, die mit dem Betrachter kommunizieren.

Rothkos auffällige Farbblöcke dienten dazu, eine Beziehung zum Bewusstsein der Betrachter aufzubauen, denn die leuchtenden Töne erlaubten es dem Einzelnen, seine eigenen Stimmungen anhand der Farbpalette zu erforschen.

Beim Malen versuchte Rothko, das Wesen der von ihm verwendeten Farben herauszuarbeiten, denn jede Farbe wurde aus einem bestimmten Grund ausgewählt. Außerdem schrieb er eine Reihe von Erklärungen, die seine Gemälde begleiteten und als eine Art Erklärung dienten.

https://www.youtube.com/watch?v=bSOw5nXCJHk

Clyfford Still (1904 – 1980)

Eine der führenden Persönlichkeiten der Bewegung war der amerikanische Maler des Abstrakten Expressionismus, Clyfford Still, dem man nachsagt, dass er den Grundstein für diese Bewegung gelegt hat. Das lag daran, dass er sich früher als andere prominente Künstler des Abstrakten Expressionismus wie Jackson Pollock von seinem bisherigen künstlerischen Stil abwandte und zur Abstraktion überging. Im Vergleich zu seinen Zeitgenossen war Still jedoch einige Jahre lang praktisch unbekannt, obwohl er als eines der talentierteren Mitglieder der Bewegung galt.

Eines der bekanntesten Werke von Still, das er 1957 malte, ist 1957-D-No.1. Dieses Kunstwerk gehört zur Stilgruppe der Farbfeldmalerei, da Still hier Blöcke mit leuchtenden Farben verwendet. 1957-D-No.1 ist ein deutlicher Schritt weg von der Farbfeldmalerei anderer Künstler, denn Still kombiniert leuchtende und warme Farben mit feinen und wackeligen Linien, die an Risse und Einschnitte in seiner Malerei denken lassen.

Dieses Kunstwerk ruft Bilder von organischen Formen und Phänomenen hervor, die den Betrachter an irdische Elemente wie Höhlenstalagmiten erinnern. Durch die Darstellung dieser Art von Objekten erweckt Still die Elemente zum Leben, die sich normalerweise unter der Oberfläche des Alltagsbewusstseins befinden.

Außerdem spielt die Farbpalette, die Still in diesem Gemälde verwendet, mit den Konzepten von Licht und Dunkelheit sowie von Leben und Tod – Ideen, die in seinen anderen Werken häufig auftauchen.

Stills Weigerung, seine Kunstwerke in Ausstellungen auszustellen, die er für minderwertig hielt, führte dazu, dass sein Ruf schwankte, obwohl seine Gemälde künstlerische Erfolge erzielten. Als Stills starb, befanden sich etwa 95 % seiner Kunstsammlung in seinem Besitz, wobei einige Werke nie zuvor von der Öffentlichkeit gesehen wurden.

Willem de Kooning (1904 – 1997)

Ein weiterer bedeutender Anführer der Bewegung war der Maler des Abstrakten Expressionismus Willem de Kooning, der 1926 aus den Niederlanden nach Amerika zog. Neben seinen Kunstwerken hatte de Kooning einen großen Einfluss auf die Entwicklung des Abstrakten Expressionismus, da er sich auch auf sozialer und intellektueller Ebene mit anderen Künstlern der Bewegung auseinandersetzte. Eines von de Koonings bedeutenden Werken aus dieser Zeit ist Excavation, das er 1950 malte.

Excavation ist eines der bekanntesten Werke de Koonings, da es den Stil des Abstrakten Expressionismus am genauesten wiedergibt und gleichzeitig sein größtes Gemälde bis zu diesem Zeitpunkt ist. Auf dem Kunstwerk sind mehrere Formen zu sehen, die stark umrissen sind. Bei näherer Betrachtung sind diese Formen eigentlich nur Abstraktionen von bekannten Formen, die man nach einer Weile wiedererkennt, wie Vögel, Fische, Augen, Kiefer und Zähne.

Dieses Kunstwerk zeigt die ausdrucksstarke Pinselführung und die Organisation des Raums, die für die meisten von de Koonings Gemälden charakteristisch war. Als Künstler ließ sich de Kooning von vielen Dingen inspirieren, so auch von einem Bild von Frauen, die in einem Reisfeld arbeiten, aus einem neorealistischen Film von 1949.

Die Spannung zwischen Abstraktion und Figuration ist in den meisten von de Koonings Werken besonders deutlich.

Man nimmt an, dass dies auf seine Malmethode zurückzuführen ist, bei der er absichtlich Farbe abkratzte, entfernte und hinzufügte, bis er genau das freilegte und wiedergab, was er wollte. So stellt das fertige Kunstwerk in Excavation eine echte Ausgrabung von de Koonings Geist innerhalb der Bewegung dar, da er einer der gestischsten Aktionsmaler des Abstrakten Expressionismus bleibt.

Barnett Newman (1905 – 1970)

Der amerikanische Künstler Barnett Newman war ein wichtiges Mitglied der Bewegung des Abstrakten Expressionismus, denn er war eine der führenden Persönlichkeiten der Gruppe der Farbfeldmalerei. Newmans Gemälde waren bekannt für ihre Fähigkeit, ein Gefühl von Lokalität und Kontingenz auszudrücken. Sein bekanntestes Werk ist wahrscheinlich Vir Heroicus Sublimis, das er zwischen 1950 und 1951 malte. Übersetzt bedeutet dies „Der Mensch, heroisch und erhaben“.

Es ist eines der größten Gemälde, die Newman zu dieser Zeit gemalt hat, obwohl er später noch umfangreichere Werke geschaffen hat. Auf dem Gemälde sieht der Betrachter eine komplett rote Fläche, die zweimal von zwei vertikalen Linien unterbrochen wird, die der Künstler als „Reißverschlüsse“ bezeichnete. Newman wollte, dass das Publikum sein Gemälde aus nächster Nähe betrachtet, damit die Farben den Betrachter vollständig einhüllen.

Newman war der Meinung, dass die Verwendung solch leuchtender Farben auf die Chemie hinweist, die entsteht, wenn sich zwei Menschen zum ersten Mal treffen, denn die gleichen intensiven Gefühle werden beim Betrachten seiner Kunstwerke ausgelöst.

Obwohl die enorme Größe und Schlichtheit des Kunstwerks zu seiner Bedeutung als Werk des Abstrakten Expressionismus beiträgt, ist die Verbindung, die Newman durch die Verwendung von Farbe zwischen dem Gemälde und den Betrachtern herstellen konnte, bemerkenswert.

Norman Lewis (1909 – 1979)

Einer der wichtigsten afroamerikanischen Maler war Norman Lewis, dessen Werke während seiner gesamten Karriere von Galerien und Museen weitgehend ignoriert wurden. Trotzdem war sein Beitrag zum Abstrakten Expressionismus unbestreitbar.

Eine kürzliche Retrospektive in der Pennsylvania Academy of Fine Arts und die Teilnahme an einer großen Ausstellung über den Abstrakten Expressionismus in Großbritannien haben dazu beigetragen, seine Brüskierung in der Kunstgeschichte zu revidieren.

Eines seiner bedeutendsten Gemälde ist Evening Rendezvous, das er 1962 malte. Lewis nutzte seine Kunst als Zufluchtsort, um die emotionalen Erfahrungen eines farbigen Mannes in Amerika zu verarbeiten. Evening Rendezvous ist bekannt für seine markante Verwendung der Farben Rot, Weiß und Blau, die Lewis‘ Farbpalette an die amerikanische Flagge erinnern. Die weißen Figuren sind zwar sehr abstrakt, sollen aber an vermummte Klansmen erinnern, die sich um ein Feuer versammeln.

Lewis‘ Kunstwerk basiert auf dem vorgetäuschten Patriotismus, der zu dieser Zeit in Amerika herrschte und der durch den zwei Jahre später in Kraft tretenden Civil Rights Act noch verstärkt wurde. Der Hintergrund in „Evening Rendezvous“ ist typisch für Lewis‘ Verwendung von atmosphärischen Farbschattierungen, um die Stimmung zu bestimmen, die er zu erzeugen versuchte, wie die düstere Stimmung in diesem Bild zeigt.

Franz Kline (1910 – 1962)

Die Bildsprache des amerikanischen Künstlers Franz Kline war anders als die seiner Kollegen, was ihn zu einem wichtigen Vertreter des Abstrakten Expressionismus machte. Die Techniken, die er anwandte, und seine temperamentvolle Energie beim Malen verkörperten genau die Prinzipien der Bewegung, was ihm zu seiner Bekanntheit als „Action Painter“ verhalf. Eines von Klines bemerkenswerten Werken aus dieser Zeit, gemalt 1950, ist Chief.

Kline begann seine Karriere mit der Figuration und projizierte oft große Bilder seiner Zeichnungen auf die Wände, wenn er mit dem Malen begann. Als er eines Tages ein Bild zu groß vergrößerte, erschien nur ein Bruchteil des Bildes in fetten und dichten schwarzen Strichen. Kline war von der Abstraktion in diesem Teil des Bildes so überrascht, dass er begann, sich in seinen Kunstwerken ausschließlich auf die Darstellung abstrakter Figuren und Elemente zu konzentrieren.

Die kontrastierenden schwarzen und weißen Abschnitte von Chief sind seit Jahren Gegenstand von Spekulationen, denn es scheint keine gesicherte Vorstellung darüber zu geben, welches Objekt Kline bei der Erstellung dieses Kunstwerks abstrahiert hat. Es wurde vermutet, dass die exzessive Verwendung der Farbe Schwarz, die in Klines anderen Werken häufig vorkommt, mit seiner Kindheit in einer Kohlebergbaugemeinde zusammenhängt.

Kline benutzte große Pinsel und Haushaltsfarben, um seine Werke zu schaffen, so dass seine Gemälde fast nicht mehr von ihrem ursprünglichen Thema zu unterscheiden waren.

Die Lebendigkeit und Energie, mit der er seine Kompositionen schuf, schien sie jedoch mit den Titeln zu verbinden, die Kline ihnen gab, und machte seine Bilder zu herausragenden Beispielen für Action Paintings. So lebendig und dringlich Klines Gemälde auch zu sein schienen, so sorgfältig durchdacht und geplant waren sie in ihrer Umsetzung.

Jackson Pollock (1912 – 1956)

Einer der Namen, die am meisten mit der Bewegung des Abstrakten Expressionismus in Verbindung gebracht werden, ist der des amerikanischen Künstlers Jackson Pollock, der im Laufe seiner Karriere durch seine Drip-Painting-Technik bekannt wurde. Obwohl er nicht der erste Künstler war, der diese Technik anwandte, galt Pollock als derjenige, der sie am erfolgreichsten in seine Kunstwerke einbaute.

Pollock verwendete diese Technik in den meisten seiner abstrakt-expressionistischen Gemälde, die heute noch bekannt sind.

Eines von Pollocks bedeutenden Werken ist sein Gemälde Autumn Rhythm (Number 30) aus dem Jahr 1950. In der berüchtigten Tropftechnik schüttete und spritzte Pollock Farben aus der Höhe auf eine ungrundierte Leinwand, die auf dem Boden lag. Dieser Malprozess sollte seine innere emotionale Aufgewühltheit zum Ausdruck bringen, denn Pollock war für seine sprunghafte Persönlichkeit bekannt.

Diese Technik, die gestische Linien und Texturen in seine Kompositionen einbezog, bedeutete einen Durchbruch für Pollock und seine Karriere. Seine Drip Paintings veranlassten den Kunstkritiker Harold Rosenberg dazu, den Begriff „Action Painting“ zu prägen, da seine Kunstwerke eine fragwürdige Mischung aus Zufall und Kontrolle darstellten, die im Abstrakten Expressionismus gleichermaßen von Bedeutung waren.

Abgesehen von seinem unberechenbaren Malprozess gab Pollock seinen Bildern schon früh in seiner Karriere keine aussagekräftigen Titel mehr. Stattdessen begann er, seine Bilder einfach zu nummerieren, da er Zahlen für neutraler hielt. Pollock glaubte, dass die Betrachter so die Reinheit des Gemäldes erleben können, ohne sich auf einen vorgegebenen Titel zu beziehen.

Helen Frankenthaler (1928 – 2011)

Eine der bedeutendsten Künstlerinnen des Abstrakten Expressionismus war die amerikanische Künstlerin Helen Frankenthaler, die von ihrem Freund und Kunstkritiker Clement Greenberg in die New Yorker Kunstszene eingeführt wurde. Frankenthaler verbrachte einen Sommer damit, bei Hans Hoffmann zu studieren und besuchte sogar Jackson Pollocks erste Ausstellung, bevor sie ein aktives Mitglied der abstrakten expressionistischen Bewegung wurde. Frankenthalers Karriere dauerte über sechs Jahrzehnte und sie ist eine der wenigen Künstlerinnen, die mehrere Generationen des Abstrakten Expressionismus überspannt.

Ihr bekanntestes Werk, das sie 1952 malte, ist Berge und Meer. Es ist eines ihrer wichtigsten Werke, da es eines der ersten großen Gemälde war, das sie je gemalt hat. Neben seiner kolossalen Größe spiegelt Mountains and Sea Frankenthalers Abkehr von traditionellen Medien und Oberflächen wider und ist der Beginn ihrer charakteristischen Technik.

Außerdem ist dieses Kunstwerk aufgrund der von Frankenthaler verwendeten Farbmanipulationen ein wichtiges Farbfeldgemälde.

Anstatt die Farbe wie eine Schicht auf der Leinwand zu behandeln, verdünnte Frankenthaler ihre Öl- und Acrylfarben mit Terpentin, um die Konsistenz von Aquarellfarben zu erreichen. Nachdem sie ihre ungrundierte Leinwand auf den Boden gelegt hatte, schüttete, tropfte, schwamm, wischte und rollte Frankenthaler die Farbe auf die Berge und das Meer, um ihre abgemilderten Lavierungen leicht aufzutragen. Der Effekt, den sie damit erzielte, war eine Art Anspannung, da die Farbe vollständig in die Leinwand einsank und einen transparenten Effekt bekam.

Dieses Verfahren ermöglichte Frankenthaler sowohl die Kontrolle als auch die Spontaneität ihrer Kunstwerke, wobei diese Kombination das Schlüsselprinzip des Abstrakten Expressionismus darstellt. Berge und Meer wurde von einer Reise Frankenthalers nach Neuschottland inspiriert, wie das scheinbare Licht und die Ausstrahlung, die sie in diesem Kunstwerk erzielte, zeigen.

The Legacy of Abstract Expressionism

Zwischen 1943 und den frühen 1950er Jahren hatte die erste Generation des Abstrakten Expressionismus Hochkonjunktur. Danach schien es so, als ob die Kunstgattung ihren Lauf genommen hätte. Das lag daran, dass die größten Errungenschaften der Bewegung auf dem Konflikt zwischen Chaos und Kontrolle in der Gesellschaft beruhten, der nur auf vielfältige Weise ausgedrückt und ausgespielt werden konnte. Künstler wie Mark Rothko und Barnett Newman hatten sich zu einem so reduzierten Stil entwickelt, dass es keinen Raum für Verbesserungen mehr gab und der Stil langsam verblasste.

Dies ebnete den Weg für die Entwicklung einer neuen Kunstform, die von jüngeren Künstlern vorangetrieben wurde, die weniger unter dem Druck standen, ein exquisites Werk nach dem anderen zu produzieren. Homosexuellere Künstler wie Andy Warhol und Robert Rauschenberg waren weniger geneigt, in die Fußstapfen einer so offenkundig männlichen Bewegung zu treten und begannen, Kunst in einem neuen Stil zu produzieren. Darin zeigten sich die Anfänge der minimalistischen und der Pop-Art-Bewegung, die sich in den 1960er Jahren durchzusetzen begannen.

Die Wirkung des Abstrakten Expressionismus auf die Kunst bestand darin, dass er den Fokus der Welt von Europa nach Amerika verlagerte, was dazu beitrug, New York zu dem kulturellen und künstlerischen Zentrum zu machen, das es heute ist. Obwohl die Themen und Ideen, die den Abstrakten Expressionismus prägten, ihre Kraft verloren haben, um die neu entstehenden Künstlergenerationen zu beeinflussen, bleiben das Erbe und der Beitrag der Bewegung bedeutend.

Die Kunstrichtung des Abstrakten Expressionismus war in der Kunstgeschichte unglaublich wichtig, da sie Amerika in die übrige Kunstgesellschaft einführte, die zuvor Europa als den einzigen kulturellen Brennpunkt betrachtet hatte. Die Künstlerinnen und Künstler dieses Genres experimentierten mit einer Vielzahl von Techniken, die der Surrealismus eingeführt hatte und die sich weiter von der traditionellen Kunstproduktion entfernten. So ermöglichte es diese Bewegung den Künstlern, die Art von künstlerischer Freiheit in der Gesellschaft darzustellen, die nach den Schrecken des Zweiten Weltkriegs langsam wieder aufkam.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.