Surrealismus Kunst – Alle bekannten Künstler und Kunstwerke

Nach dem Ersten Weltkrieg brach der Surrealismus wie ein Sturm über die Kunstwelt herein und verwüstete alle vorgefassten Meinungen der Pariser über die Natur der Realität, der Kunst und des menschlichen Geistes. Basierend auf den Theorien der Psychoanalyse, griff diese revolutionäre Kunstbewegung tief in die Psyche ein. Indem sie auf diese Weise eine intensive intellektuelle und emotionale Auseinandersetzung provozierte, veränderte sie das Gesicht der modernen Kunst.

Was ist Surrealismus?

Das Wort Surrealismus bezieht sich auf eine Kunstbewegung, die Mitte der 1920er Jahre die ahnungslose Kunstwelt betrat. Sie wurde offiziell von André Breton, einem Pariser Dichter, gegründet. Der Surrealismus wurde zu einer formalen Kunstbewegung mit einer starken politischen, philosophischen und sozialen Unterströmung, die die Methoden definierte, mit denen die Anhängerschaft schockiert und neugierig gemacht werden sollte. Sein bahnbrechender Versuch, die bestehenden Normen der Zeit zu durchbrechen, verbreitete sich in den 1920er und 1930er Jahren in Europa und den USA.

Die Surrealismus Kunst war ein Aufschrei gegen die Rationalität, die ihre Befürworter als eine dominierende und zerstörerische Kraft in der Gesellschaft und in den Köpfen der Menschen sahen, die für einen Großteil der sozialen Missstände der Zeit verantwortlich war. Durch Kino, Kunst und Literatur ließen die surrealistischen Künstler ihr Unbewusstes in den Mittelpunkt rücken, indem sie eine Vielzahl von Techniken nutzten, um das Uhrwerk ihrer Träume und innersten Vorstellungen abzubilden.

Während der Surrealismus eine Plattform für die Erforschung des eigenen Unterbewusstseins bot, ermutigten die surrealistischen Kunstwerke auch die Betrachter dazu, ihr eigenes zu erforschen und zu bewerten. Dies geschah durch verzerrte und bizarre Bilder, die nicht durch logisches, rationales Denken inspiriert wurden, sondern durch die absurden Ereignisse und Bilder, die im Traumzustand entstanden, oder Bilder, die einfach durch ungehemmtes Freiformzeichnen oder Malen entstanden und als Surrealismus Merkmale bekannt geworden sind.

Diese schockierenden, unlogischen und herausfordernden Kompositionen waren nicht an die Grenzen der Regeln und sozialen Sitten gebunden, die zu dieser Zeit für die Kunst und die Gesellschaft galten und die die Menschen von der Kunst erwarten konnten.

Die Geburt der surrealistischen Kunst

Die Zeit rund um die Weltkriege war geprägt von Szenen der Gewalt und des Grauens, und es waren seine eigenen Erfahrungen als Krankenpfleger, die André Breton zu seinen ersten Gedichten inspirierten. Im Jahr 1924 veröffentlichte Breton das Surrealistische Manifest, das die Antworten auf die Frage „Was ist Surrealismus?“ zusammenfasste. Das Manifest umfasste die Bandbreite der Ideen, die den Surrealismus als eine Bewegung untermauerten, die untrennbar mit den psychoanalytischen Theorien des Unbewussten als eine Kraft, die hinter allen kreativen Bestrebungen steht, verbunden war. Seine Surrealismus Definition lautete wie folgt:

„Wir sollten nicht aus den Augen verlieren, dass die Idee des Surrealismus ganz einfach auf die totale Wiedergewinnung unserer psychischen Kraft abzielt, und zwar mit einem Mittel, das nichts anderes ist als der schwindelerregende Abstieg in uns selbst, die systematische Ausleuchtung verborgener Orte und die fortschreitende Verdunkelung anderer Orte…“

Die Surrealisten Bewegung wurde berüchtigt dafür, exklusiv zu sein und Mitglieder abzulehnen, weil sie nicht den Idealen entsprachen, die im Manifest beschrieben wurden. Breton verfasste 1930 eine überarbeitete Version des Manifests, um eine aktualisierte Version seiner Kunstdefinition des Surrealismus zu beschreiben.

Robert Delaunays Illustration auf dem Cover von Yvan Goll’s Surréalisme, Manifeste du surréalisme, 1924; Robert Delaunay, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Bewegung wurde nach Guillaume Apollinaire benannt, einem innovativen Dichter und Kunstkritiker, der als erster das Wort „Surrealist“ als Untertitel für eines seiner skandalösesten Stücke verwendete. Er war weithin bekannt als Kunstkritiker und Mitglied der kubistischen Kunstbewegung und war eine Quelle großer Inspiration für die nächste Generation von Künstlern, deren Kunstwerke die Merkmale des Surrealismus verkörperten.

Die erste surrealistische Ausstellung war La Peinture Surréalist, die in Paris stattfand. Sie fand 1925 in Paris statt und zeigte die Werke der Surrealisten Pablo Picasso, Man Ray und Paul Klee (neben vielen anderen).

Von Paris aus fegte die surrealistische Kunstbewegung bald durch Europa und beanspruchte die Vorstellungskraft vieler Künstler dieser Zeit. Und obwohl der Surrealismus dafür berüchtigt war, diejenigen zu verbannen, die nicht den Idealen der Bewegung entsprachen, ergriff er bald auch die Künstler in den USA, als viele der wichtigsten surrealistischen Künstler keine andere Wahl hatten, als aus Europa zu fliehen und in die USA zu ziehen, um dort ihre Kunst und Philosophie auszustellen.

Die ansteckenden Ideale dieser Bewegung, die das Fundament der Gesellschaft in Frage stellte, verbreiteten sich wie ein Lauffeuer in der dortigen Kunstwelt. Der Surrealismus beeinflusste auch Künstler in Südamerika.

Surreale Einflüsse

Die Kunst des Surrealismus unterschied sich von anderen Kunstrichtungen dadurch, dass sie einen Schritt in tiefere Aspekte der menschlichen Erfahrung wagte und in tiefere, von anderen Künstlern unberührte Bereiche vordrang, um verborgene Teile des menschlichen Unbewussten ans Licht zu bringen.

Christ in Limbo (1550) eines Anhängers von Hieronymous Bosch; Follower of Hieronymus Bosch, Public domain, via Wikimedia Commons

Aber er war auch facettenreich in dem Sinne, dass er nicht durch einen bestimmten Stil oder eine Kombination von künstlerischen Elementen definiert war. Wie die meisten anderen Kunstformen wurde auch der Surrealismus von anderen Künstlern und anderen Kunstbewegungen beeinflusst. Konkret wurde er zum Beispiel von den Bildern beeinflusst, die von Künstlern wie Hieronymus Bosch und Francisco Goya zum Leben erweckt wurden. Andere Künstler, die die surrealistische Bewegung inspirierten, waren Odilon Redon und Marc Chagall.

Dadaismus

Der Surrealismus hat seine heftige Opposition zur Rationalität vom Dadaismus geerbt, der eine Kunstbewegung war, die das Europa des frühen 20. Jahrhunderts in Europa und New York erschütterte. Die Dada-Bewegung entstand aus Protest gegen den Krieg und die sozialen und kulturellen Strukturen, die für die damalige Zeit charakteristisch waren.

Künstler, die sich mit ihr identifizierten, nutzten Spontaneität, Teamwork und Zufall oder Glück, um surrealistische Bilder zu produzieren. Indem sie die traditionelle, starre Herangehensweise an die Kunst infrage stellten, konzentrierten sie sich hauptsächlich auf die Erstellung von Collagen und Fotomontagen, anstatt auf die traditionellere Malerei und Skulptur, um die Bedeutung der Kunst neu zu definieren.

Cabaret Voltaire (1916) von Hugo Ball; Unknown author Unknown author, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl die Surrealismus Kunst einen eindeutigen gesellschaftspolitischen Beigeschmack hatte, lag das Herz der Bewegung nicht in der Replikation anderer Kunstwerke oder Ideen, sondern darin, ein sehr persönliches Projekt zu sein, das sowohl die Künstler als auch die Betrachter dazu einlud, alle Vorstellungen davon, was Kunst sein sollte, aufzugeben und sich nach innen zu wenden. Diese Selbstreflexion öffnete den Raum für das, was die Surrealismus Künstler als die ultimative Realität ansahen, um durch die Überlagerung des Bewussten mit dem Unbewussten Form anzunehmen, was zu einer kreativen Arbeit führte, die sich dem Verständnis des rationalen Verstandes entzieht.

Dieser experimentelle Einstieg in die tiefere Welt des Unterbewusstseins fand seinen Ursprung in den psychoanalytischen Arbeiten von Freud und vielleicht auch in den Jung’schen Ideen. Die Rolle der Träume spielte daher unweigerlich eine Rolle bei der Definition einiger Inhalte, die in mehreren Gemälden enthalten waren.

Das Büro für Surrealistische Forschung

Neben der Veröffentlichung des Surrealistischen Manifests im Jahr 1924, wurde in diesem Jahr auch das Büro für Surrealistische Forschung in Paris gegründet. Dies war eine Sammlung von Künstlern und Schriftstellern, die sich damit beschäftigten, ein Portfolio von Informationen darüber zu erstellen, wie sich das Unbewusste offenbart.

Cover of La Revolution Surrealiste Magazine, Volume 8, 1926; Collective, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese Informationen wurden auf zwei Arten gesammelt. Erstens wurde sie durch das Aufzeichnen von Träumen gesammelt. Zweitens wurde das Verhalten und die Reaktionen der Menschen, die das Büro besuchten, aufgezeichnet. Im selben Jahr begann die Zeitschrift La Revolution Surrealiste zu erscheinen, die die Schriften von Max Ernst und Man Ray enthielt.

Surrealistische Literatur, Skulptur und Kino

Obwohl die Kunst der bekannteste Ausdruck der surrealistischen Ideen ist, hatten diese leidenschaftlichen Philosophien, die Tabus und verdrängte Themen in den Vordergrund rückten, auch eine starke Präsenz in der Literatur, der Bildhauerei und dem Kino.

Lobster Telephone (1936) von Salvador Dalí; Nasch92, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

Literatur

Der erste Text, Les champs Magnetiques (Die magnetischen Felder), der für sich in Anspruch nahm, mit dem „Surrealismus“ in Verbindung gebracht zu werden, und der die Technik des automatischen Schreibens verwendete, wurde von André Breton und Phillipe Soupault geschrieben.

Bemerkenswerte surrealistische Dichter sind André Breton, Paul Éluard, Louis Aragon, Pierre Reverdy, Michel Leiris, Antonin Artaud, René Crevel und Robert Desnos. Die Worte waren durch die Dichter die Gefäße oder die Leitung für den bewussten Ausdruck des Unbewussten.

Foto von Robert Desnos aus dem Jahr 1924; Menerbes, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Neben der surrealistischen Lyrik wurden zwischen 1920 und 1940 auch eine Reihe von Zeitschriften veröffentlicht, darunter La Révolution Surréaliste, Le Surréalisme au service de la révolution und eine Zeitschrift namens Minotaure.

Skulptur

Die Skulpturen des Surrealismus verkörperten die gleichen Prinzipien wie die anderen Formen des Surrealismus, nur dass sie das Element der Dreidimensionalität und der Berührung in die Idee einbrachten, das Unbewusste zum Leben zu erwecken. Dies machte das Kunstwerk interaktiver und zugänglicher für den Betrachter.

Fountain (1917) by Marcel Duchamp; Marcel Duchamp, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Skulpturen des Surrealismus sind vielleicht nicht so populär wie die Gemälde, aber sie haben einen nachhaltigen Einfluss auf die kreative Kunst im 21. Zu den bekanntesten Skulpturen gehören die Arbeiten von Man Ray und Marcel Du Champ.

Kino

Das surrealistische Kino ist relativ einzigartig, wenn man es mit anderen Stilen vergleicht. Es drückt das Unbewusste oder den traumähnlichen Zustand nicht nur durch die Bilder und die Geschichte aus, sondern auch durch die Art und Weise, wie es auf eine unlogische und oft unvorhersehbare Weise zusammengestellt wird. Wie die surrealistische Malerei haben auch die surrealistischen Filme einige Charakteristika gemeinsam, die sich nicht so sehr auf den Inhalt beziehen, sondern auf die Art und Weise, wie die Filme zusammengestellt sind, um die Menschen aus ihrem bequemen Kokon der Unwissenheit oder Untätigkeit herauszuholen.

Luis Buñuel gilt als eine der Schlüsselfiguren bei der Etablierung des surrealistischen Kinos, das darauf abzielte, das Denken anzuregen und intensive emotionale Reaktionen hervorzurufen, was oft durch das Spiel mit den Ängsten der Menschen erreicht wurde. The Seashell and the Clergyman (1928) gilt als der erste offizielle surrealistische Film. Es war die gemeinsame Idee von Germain Dulac und Antonin Artaud.

Frame from the movie The Seashell and the Clergyman (1928) von Germaine Dulac; Germaine Dulac (1882-1942), Public domain, via Wikimedia Commons

Surrealistische Filme enthalten eine beträchtliche Dosis an Schockwerten, die möglicherweise dadurch erreicht werden, dass das Publikum mit schockierenden Bildern bombardiert wird, die Träumen und Albträumen ähneln können oder auch nicht, und mit der Präsentation von Objekten in Zusammenhängen, mit denen man sie normalerweise nicht in Verbindung bringen würde. Dazu kommen Charaktere, die scheinbar keinen moralischen Kompass haben und eine Handlung, die keinen chronologischen Fluss hat, und du hast einen klassisch surrealistischen Film.

Bemerkenswerte surrealistische Künstler

In seiner Blütezeit wurden die Lehren des Surrealismus von vielen Surrealismus Künstlern aus der ganzen Welt vertreten. Obwohl der Surrealismus in Paris seinen Anfang nahm, spiegelte die Mitgliedschaft in der surrealistischen Kunstbewegung die Weltoffenheit Europas selbst wider. Viele der herausragenden Persönlichkeiten, die die surrealistische Flagge mit Integrität und Blüte trugen, kamen aus verschiedenen Kulturen, darunter Spanien, Deutschland und Holland, ganz zu schweigen von New York.

Foto der Mitglieder der Gruppe Art et Liberté, einer ägyptischen Surrealistengruppe. Vordere Reihe, von links nach rechts: Jean Moscatelli, Kamel el Telmissany, Angelo de Riz, Ramses Younan, Fouad Kamel. Hintere Reihe von links nach rechts: Albert Cossery, unidentified, Georges Henein, Maurice Fahmy, Raoul Curiel (1941); The Younan Family Archive, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Bewegung hat den Geist der turbulenten Zeit nach dem Krieg eingefangen und die Gefühle in der Nachkriegszeit haben internationale Grenzen überwunden. Einige der berühmtesten Werke, die den Test der Zeit bestanden haben, sind die von Salvador Dalí, Pablo Picasso, Jean Arp, Yves Tanguy, Man Ray, Andre Masson, Leonora Carrington und Rene Magritte.

Salvador Dalí (1904–1989)

Der in Spanien geborene Salvador Dalí, der in der Kunstschule mehrere künstlerische Stile assimilierte, erreichte neue Höhen, als er begann, die Werke von Freud zu erforschen und als er begann, sich mit der surrealistischen Bewegung zu verbinden. Diese Einflüsse sind in seinem Frühwerk deutlich zu erkennen.

Später in seiner Karriere begannen jedoch seine politischen Ansichten von denen der surrealistischen Bewegung abzuweichen und aus diesem Grund wurde er aufgefordert, diese zu verlassen. Seine Arbeit begann einen anderen Geschmack anzunehmen, indem er sich von Künstlern wie Raphael, dem Renaissance-Künstler, inspirieren ließ. Das kreative Blut fließt durch Dali und er bringt sein künstlerisches Flair auch in andere Bereiche ein, wie z.B. die Inneneinrichtung von Luxusgeschäften und das Entwerfen von Schmuck.

Porträt von Salvador Dalí, aufgenommen im Hôtel Meurice, Paris (1972) von Allan Warren; Allan warren, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Eine der Methoden, die Dali benutzte, um die Fesseln seines Verstandes zu sprengen, war es, einen hypnotischen Zustand durch die „paranoisch-kritische Methode“ herbeizuführen, wie er es nannte. Dies beinhaltete, dass er sich selbst absichtlich paranoid machte, indem er irrationale Assoziationen zwischen Dingen herstellte, die nichts miteinander zu tun hatten, um einen wahnhaften Zustand zu erreichen, der die Grundlage für die Bilder bildete, die er in seine Kunst aufnahm. Die Legende von Dali ist in der modernen Kultur immer noch lebendig, nicht nur wegen seiner Kunst und Methode. Er hatte eine Art, das Absurde zu verkörpern, seine Kreativität durch das Leben selbst zum Leben zu erwecken.

Beständigkeit der Erinnerung (1931)

Dali war und ist immer noch bekannt für sein breites Spektrum an surrealen Gemälden. Eines der berühmtesten Werke, das ihn in die Annalen der Zeit als eine der vorherrschenden Figuren der surrealistischen Bewegung eingebrannt hat, ist The Persistence of Memory. Trotz seiner enormen Präsenz in der Geschichte der Kunst und der modernen Kultur ist das Gemälde von bescheidener Größe – etwas größer als ein Blatt Papier und wird im Museum of Modern Art in New York City ausgestellt. Dali hat dieses Gemälde im zarten Alter von 28 Jahren zum Leben erweckt.

Profile of Time (1984) von Salvador Dalí; Julo, Public domain, via Wikimedia Commons

The Persistence of Memory wird als eine menschenleere Landschaft präsentiert, die nur von schmelzenden Uhren unterbrochen wird, die über einen toten Baum drapiert sind. In der Mitte des Gemäldes befindet sich außerdem ein formloses, fleischfarbenes Objekt (von dem Dali behauptete, es sei eine Darstellung seiner selbst), auf dem eine weitere Uhr kurzerhand drapiert ist. Diese Landschaft wurde als Dalis Heimatstadt, Katalonien, identifiziert.

Pablo Picasso (1881-1973)

Pablo Picasso ist ein weiterer Künstler, dessen Legende uns bis heute begleitet. Als Sohn eines Kunstprofessors in Spanien wuchs Picasso unter den Fittichen seines Vaters auf. Schon früh in seiner Karriere wich er jedoch von den traditionellen Kunstformen ab, die er als Kind kennengelernt hatte.

Obwohl Picasso häufiger mit dem Kubismus in Verbindung gebracht wird (er war einer der Begründer dieser Bewegung), wurde sein späteres Werk stark vom Surrealismus beeinflusst. Er war zwar nie ein offizielles Mitglied der Bewegung, aber er stand in enger Verbindung mit vielen der Hauptvertreter der Bewegung, einschließlich Breton selbst. Seine Kunst verkörperte einige der surrealistischen Ideologien, die die surrealistische Bewegung zu dem machten, was sie war.

Porträt von Pablo Picasso aus dem Jahr 1962; Argentina. Revista Vea y Lea, Public domain, via Wikimedia Commons

Er verbrachte einen Teil seines Lebens damit, zwischen Frankreich und Spanien zu pendeln. Das bunte, bürgerliche Leben in Paris hat ihn schließlich in seinen Bann gezogen, nachdem er von der Leidenschaft und Romantik des intellektuellen und künstlerischen Flairs, das die Pariser Atmosphäre zu Beginn des 20. Er konnte der Versuchung nicht widerstehen, eine Passage zu finden, um dauerhaft in Frankreich zu bleiben.

Obwohl Picasso vor allem für verzerrte surrealistische Bilder bekannt war, die er durch seine Malerei zum Leben erweckte, kanalisierte er seine Kreativität auch in die Bildhauerei, Keramik und Poesie. Am Ende seines Lebens hatte er mehr als 20.000 Kunstwerke geschaffen, darunter Drucke, Keramiken und Kostüme.

Picassos Malerei veränderte ihren Stil im Laufe seines Lebens erheblich. Einige der Gemälde nahmen die verzerrte, fast traumhafte Qualität der surrealistischen Künstler an. Zu anderen Zeiten jedoch nahm sein Malstil die unbeholfene Aneinanderreihung verschiedener geometrischer Formen an, um alltägliche Objekte, Figuren und Porträts zu gestalten.

Mousquetaire, Tête (1967) vonPablo Picasso; Mika58, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Picassos Arbeit wurde bis zu einem gewissen Grad durch die Farben definiert, die er in verschiedenen Perioden seines Lebens verwendete. Einige der frühen Gemälde, die er in Spanien schuf, wurden in die Kategorie „die blaue Periode“ eingeordnet, da sie hauptsächlich aus Blautönen bestanden. Als er in Frankreich ankam, nahm er einen mehr rosafarbenen Ton in seiner Arbeit an. Daher gehören einige seiner Gemälde, die in der Flitterwochenphase seines Lebens in Frankreich entstanden sind, zur „Rosa Periode“ seiner Gemälde.

Obwohl nicht alle seine Gemälde politisch waren und auch nicht den surrealistischen Idealen entsprachen, fasst Picasso seine Meinung über den Sinn des kreativen Lebens zusammen: „Die Malerei ist nicht dazu da, um Wohnungen zu dekorieren. Sie ist eine offensive und defensive Waffe gegen den Feind.“

The Red Armchair (1931)

Picasso hatte im Laufe seines Lebens intime Beziehungen zu verschiedenen Frauen, die ihn jeweils inspirierten. In der Tat können Veränderungen in seinem Malstil mit dem Eintritt einer neuen weiblichen Muse in sein Leben korrespondieren.

Eines seiner berühmten surrealistischen Gemälde mit dem Titel  „Der rote Sessel“ ist ein Porträt von Marie-Thérèse Walter, einer verheirateten Frau, die 28 Jahre älter war als Picasso. Es zeigt eine Frau, die auf einem Stuhl sitzt, mit einer Frontal- und Seitenansicht ihres Gesichts.

Diese doppelte Perspektive wird manchmal als ein Eingeständnis ihrer heimlichen Affäre interpretiert. Dieses Gemälde war eines von vielen Porträts von Walter, die für eine Ausstellung in den Galeries Georges Petit entstanden sind.

In diesem Gemälde verwendet Picasso industrielle Hausfarbe (Ripolin) auf kreative und geschickte Weise. Er mochte dieses Medium wegen der soliden Oberfläche, die er durch das direkte Aufgießen auf die Leinwand erhielt, und wegen der leuchtenden Farben. In diesem Gemälde mischte er die Farbe mit Öl, um interessante Effekte zu erzielen.

Joan Miró (1893-1983)

Breton beschrieb ihn als eines der besten Beispiele für einen surrealistischen Künstler. Heute gilt er als abstrakter Künstler mit deutlich surrealistischen Qualitäten. Anders als Picasso wuchs Miró nicht unter dem künstlerischen Einfluss seiner Eltern auf, die darauf bestanden, dass er eine Handelsschule besuchte; sein Vater war Uhrmacher und Goldschmied.

Miró erlitt einen Zusammenbruch, nachdem er zwei Jahre lang als Angestellter gearbeitet hatte. Zu diesem Zeitpunkt begann er Kunst zu studieren und hatte einen Lehrer, der sein Bedürfnis nach konkreter Auseinandersetzung mit den Themen, die er malte, verstand.

Zu Beginn seiner künstlerischen Karriere konzentrierte sich Miró auf die Malerei von Landschaften, Porträts und Akten und war zu dieser Zeit stark vom Fauvismus und Kubismus beeinflusst, aber der Inhalt seiner Malerei und die Philosophie, die seinen künstlerischen Kreationen zugrunde lag, hatte starke Ähnlichkeiten mit dem Dadaismus und Surrealismus. Es war vor allem zwischen 1925 und 1928, als seine Kunstwerke begannen, sich in echte surrealistische Gemälde zu verwandeln, in der Art, wie sie imaginäre Szenen darstellten, die der Traumwelt ähnelten. 1924 unterzeichnete er das Surrealistische Manifest.

Wie die anderen Künstler war auch er vom kulturellen Aufschwung in Paris beeindruckt und reiste, wie Dali, viele Jahre lang zwischen seinem Heimatland und Frankreich hin und her. Wie viele andere Künstler seiner Zeit fühlte er sich von den Gräueltaten des Krieges sowie dem gesellschaftspolitischen Klima der Zeit bewegt und nutzte die Kunst, um seine politischen Ansichten und seine Stimmung zu vermitteln.

Später begann er mit José Llorens in der Töpferwelt zu arbeiten und traf künstlerische Entscheidungen, die die Erwartungen der Menschen an die Kunstform herausforderten, auf eine sehr surrealistische Art und Weise.

Dog Barking at the Moon (1926)

Der den Mond anbellende Hund ist eines von Mirós bekanntesten Gemälden. Es entstand, während er in Spanien lebte. Dieses Gemälde zeigt ein Tier, das vage an einen Hund erinnert, mit einer Leiter auf der linken Seite, die sich in den Nachthimmel erstreckt. Der Mond befindet sich ganz rechts auf dem Bild, gemalt mit einer roten Nase und einem Herz. Er steht vor einem Nachthimmel auf einer unheimlichen Fläche, die nicht zuletzt die fremde Landschaft Kataloniens widerspiegelt, wo der Künstler aufgewachsen ist. Die surrealistischen Qualitäten sind kein Geheimnis in diesem Gemälde und es hat eine humorvolle Qualität, die charakteristisch für Miros späteres Werk wurde.

Surrealistische Stile und Techniken

Surreale Gemälde wurden nicht so sehr durch erkennbare Merkmale definiert, sondern durch die Philosophie, die die Verwendung bestimmter Techniken inspirierte, um die Intention des Kunstwerks zu vermitteln und es zu ermöglichen, seine Ziele zu erreichen. Einige der surrealistischen Werke von Picasso zum Beispiel unterscheiden sich im Stil von denen von Max Ernst. Künstler veränderten ihre Stile im Laufe der Zeit und neigten sogar dazu, verschiedene Stile und Techniken in einem einzigen Kunstwerk zu verwenden.

Les Voix Intérieures (‚Inner Voices‘, 1985) von Didier Mazuru; Didier Mazuru, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Einige der verwendeten Techniken sind Automatismus, Collage, Frottage und Grattage. Um das „Objekt“ von seinem unglücklichen Schicksal zu befreien, Opfer der Interpretation in Bezug auf allzu vertraute Kontexte zu sein, bezieht sich Breton auf „Entfremdung“ als den Prozess, Objekte aus den normalen Umständen, in denen wir sie zu sehen erwarten, zu entfernen und sie in einen völlig neuen zu stellen. Dies gibt dem Betrachter die Möglichkeit, ein neues Verständnis für dieses Objekt zu entwickeln, das nicht von der Kultur beeinflusst ist.

Automatismus

Eines der bestimmenden Merkmale der unerbittlichen Mission des Surrealismus, die Menschen herauszufordern, in ihr Unterbewusstsein zu blicken, wird als „Automatismus“ bezeichnet. Diese Praxis ermöglichte es der Kreativität, ungefiltert durch den rationalen Verstand und die Regeln, die das traditionelle künstlerische Streben beherrschten, zu entstehen. Automatismus wird oft beim Schreiben verwendet, wo der Schriftsteller einem Strom von Worten erlaubt, ungehemmt zu fließen, und der gleiche Prozess wurde auf die surrealistische Malerei angewandt.

Automatisches Schreiben, demonstriert von dem Magier William Marriott im Jahr 1910; William Marriott, Public domain, via Wikimedia Commons

Frottage und Grattage

Der Surrealismus definiert sich eher durch die zugrundeliegende Philosophie, die den dargestellten Inhalten zugrunde liegt, als dass er sich auf ein bestimmtes Medium oder einen Stil beschränkt. Dennoch wurden einige Techniken entwickelt, die nach Meinung vieler Künstler dazu beitragen, dass die Kunstwerke den Betrachter zum Querdenken verleiten.

Passage Noir (‚Black Passage‘, 1923) von Max Ernst; Pedro Ribeiro Simões from Lisboa, Portugal, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Diese Methoden sollten dem Betrachter helfen, die Tiefen seines Unterbewusstseins zu erforschen, indem sie ihm erlauben, die negativen Räume zu sehen, die durch Techniken wie Frottage und Grattage hinterlassen werden. Bei der Frottage erzeugt der Künstler eine strukturierte Oberfläche und reibt sie leicht mit einem weichen Material wie einem Buntstift. Grattage bedeutet, dass die Farbe auf irgendeine Art und Weise entfernt wird.

Freeform

Der Surrealismus setzte die Messlatte für eine neue Art von Kunst, die keinem bestimmten Stil entsprach und eher durch ihre Philosophie, Ideale und Inhalte definiert wurde. Die Betonung der Rolle des Unbewussten bei der Erschaffung von Kunst und der krasse Antirationalismus der Bewegung übersetzten sich in freie künstlerische Ausdrucksformen auf der Leinwand. Dies stand in krassem Gegensatz zum starren, stark strukturierten Kubismus, der in der Kunstszene Anfang bis Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts ebenfalls Wellen schlug.

Allereerste Gedachten (‚First Thoughts‘, 2004) by Willem den Broeder; Willem den Broeder, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Surrealismus heute

Der Einfluss der zum Nachdenken anregenden und manchmal verstörenden Bilder, die aus den Köpfen der surrealistischen Künstler hervorgingen, fesselt auch heute noch die Aufmerksamkeit, weckt die Neugierde und stimuliert den Geist des Publikums. Jahrzehnte nach der Bewegung beeinflusst sie weiterhin die Kunstwelt. Der Absurdismus, zum Beispiel, ist immer noch stark von ihr inspiriert. Die Werke von Michael Cheval zum Beispiel, die im neuen Jahrtausend an Popularität gewannen, zeugen von dem Nachhall, den der Surrealismus in moderneren kreativen Köpfen hinterlassen hat. Einige der Arbeiten von Anatole Krasnyansky, einem amerikanisch-ukrainischen Aquarellkünstler, verkörpern ebenfalls den surrealistischen Inhalt und Stil.

Der Surrealismus war anders als jede andere Kunstbewegung zuvor. Als direkte Antwort auf die Grausamkeiten des Krieges, forderte er den sozio-politischen Status Quo heraus, der für die sozialen Probleme der Zeit verantwortlich gemacht wurde. Ausgehend von Theorien des Unbewussten, war ihre Tiefe ozeanisch und transzendierte die Grenzen von Raum und Zeit. Kühn und innovativ in seinen politischen Aussagen, erschütterte es die Kunstwelt für die nächsten Jahrzehnte.

Häufig gestellte Fragen

Was ist der Hauptgedanke des Surrealismus?

Die surrealistische Kunstbewegung forderte die Rationalität heraus, die die französische Gesellschaft des frühen 20. Jahrhunderts beherrschte. Sie basierte auf der Idee, dass die wahre Realität und Kreativität aus dem Unbewussten kommt und dass durch die Erforschung des Unbewussten eine höhere Form der Realität erfahren werden kann.

Wie wird der Surrealismus heute genutzt?

Der Surrealismus hat sowohl die Kunst (besonders im Absurdismus) als auch die literarische und akademische Welt beeinflusst. Die berühmten Werke prominenter surrealistischer Persönlichkeiten bieten weiterhin eine Möglichkeit, tabuisierte Themen, Gefühle und Ideen in der Zwei- und Dreidimensionalen Kunst, der Mode, dem Kino und der Literatur auszudrücken.

Was sind die Merkmale des Surrealismus?

Als abstrakte Kunst gibt es keine feste Surrealismus Definition. Es handelt sich um eine Kunst, die nicht auf einen bestimmten Stil beschränkt ist. So kann diese surrealistische Kunst viele Formen annehmen. Du erkennst Surrealismus Merkmale an der Verwendung von verzerrten Bildern, Traumlandschaften, Symbolismus und der bizarren Darstellung und Kombination von gewöhnlichen Objekten. Surrealistische Kunst ist bekannt dafür, absurd zu sein und eine Reihe von Reaktionen zu provozieren.

Was ist ein Beispiel für Surrealismus?

In den frühen 1920er Jahren gehörten einige bekannte Künstler der surrealistischen Bewegung an. Dazu gehörten Salvador Dalí und Pablo Picasso. Eines der bekanntesten Werke ist The Persistence of Memory von Salvador Dalí.

Welche Techniken wurden im Surrealismus verwendet ?

Der Automatismus ist eine beliebte Technik, die es dem Surrealisten erlaubt, sein Unbewusstes auszudrücken, ohne dass seine Kunst durch den rationalen Verstand definiert wird. Der Surrealismus beinhaltet einen ungehemmten künstlerischen Ausdruck. Frottage und Grattage werden ebenfalls häufig verwendet, was dem Betrachter erlaubt, negative Räume zu sehen und dadurch das Querdenken und die Erforschung des eigenen Verstandes fördert. Frottage ist, wenn Farbe leicht über eine strukturierte Oberfläche gerieben wird. Grattage bezieht sich auf das Entfernen von Farbe, nachdem sie aufgetragen worden ist.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.