Jackson Pollock – Der berühmte Meister des Drip-Painting

Jackson Pollock war ein bekannter Künstler des Abstrakten Expressionismus aus den Vereinigten Staaten. Jackson Pollocks Kunstwerke waren als Drip Paintings bekannt und entstanden, indem er eine waagerecht liegende Leinwand mit tropfender Farbe bedeckte. Diese strenge Art der Abstraktion spaltete die Kritiker: Die einen lobten die Spontaneität des Werks, die anderen spotteten über die willkürlichen Ergebnisse. Pollock, eine einsame und turbulente Persönlichkeit, kämpfte den größten Teil seines Lebens mit dem Alkoholismus. Dieser Artikel befasst sich mit dem Leben Pollocks und seinem Werk im Laufe der Zeit.

Jackson Pollocks Biografie

Pollocks raue und turbulente Kindheit im amerikanischen Westen formte ihn zu der selbstbewussten Persönlichkeit, die er werden sollte. Später kam eine Reihe von Inspirationen zusammen, um den Stil von Jackson Pollocks Gemälden zu formen: Die Jahre, in denen er in den 1930er Jahren realistische Wandgemälde in großem Maßstab anfertigte, lehrten ihn die Wirkung großer Gemälde; der Surrealismus gab ihm Techniken an die Hand, um das Unbewusste auszudrücken, und der Kubismus lenkte sein Verständnis des Bildraums.

Jackson Pollock ging 1939 zu einem Jungschen Analytiker, um seinen Alkoholismus zu behandeln, und sein Therapeut drängte ihn zum Zeichnen. Diese sollten schließlich in Jackson Pollocks Gemälde einfließen.

Sie prägten Pollocks Wahrnehmung seiner Werke nicht nur als Emanationen seines eigenen Geistes, sondern als Darstellungen der gesamten zeitgenössischen Menschheit, die im Schatten des Atomkriegs lebt. Pollocks Größe beruht darauf, dass er eine der radikalsten abstrakten Techniken der zeitgenössischen Kunstgeschichte entwickelt hat, indem er die Linie von der Farbe trennte, die Klassifizierung von Skizze und Malerei veränderte und neue Wege zur Darstellung des Bildraums erfand. Aber wie lebte Jackson Pollock und wie starb Jackson Pollock? Beginnen wir mit der Biografie von Jackson Pollock.

Frühes Leben

Paul Jackson Pollock wurde 1912 als jüngstes von fünf Kindern in Cody, Wyoming, geboren. Seine Mutter Stella brachte ihre Kinder im November 1912 nach San Diego; Jackson war damals erst 10 Monate alt und sollte nie wieder nach Cody zurückkehren. Er ging zunächst auf die Manual Arts High School in Los Angeles, wurde aber später wieder entlassen.

A 1928 sAtelierporträt des Künstlers Jackson Pollock im Alter von etwa 16 Jahren; Smithsonian American Art Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Zuvor war er 1928 von einer anderen High School entlassen worden. Pollock interessierte sich für die Traditionen der amerikanischen Ureinwohner, als er als Kind mit seinem Vater auf Erkundungstouren war. 1930 zog er mit seinem Bruder Charles nach New York City, wo sie die Art Students League besuchten und bei Thomas Hart Benton lernten.

Jackson Pollocks Kunstwerk war mehr von seiner rhythmischen Ölfarbe und seiner furiosen Individualität beeinflusst als von Bentons pastoralem amerikanischen Sujet.

Karriere

David Alfaro Siqueiros, ein mexikanischer Wandmaler, führte Pollock 1936 während einer Sondierungssitzung in New York City in die Verwendung von Flüssigfarbe ein. In Jackson Pollocks Gemälden aus den frühen 1940er Jahren, wie Male and Female, benutzte er schließlich die Tropfmalerei als eines der zahlreichen Verfahren.

Nach seinem Umzug nach Springs, New York, begann er, mit seiner Leinwand auf dem Werkstattboden zu malen und entwickelte das, was als sein „Drip“-Stil bekannt wurde.

Zu dieser Zeit versuchte er, seinen langjährigen Alkoholismus zu überwinden; von 1938 bis 1941 nahm er an einer Jungschen Psychotherapie teil, die er 1941 und 1942 abschloss. Der Therapeut ermutigte ihn zum Zeichnen und bezog ihn über seine Kunst mit ein. Jackson Pollocks Kunstwerke spiegeln Jungsche Begriffe und Archetypen wider. Einige Historiker vermuten, dass Pollock an einer bipolaren Erkrankung gelitten haben könnte. Im Juli 1943 schloss Pollock einen Vertrag mit Peggy Guggenheim ab.

Er wurde beauftragt, das Kunstwerk Mural (1943) für den Eingang ihrer neuen Villa zu schaffen. Auf Wunsch ihres Freundes und Beraters Marcel Duchamp fertigte Pollock das Werk auf Leinwand und nicht an der Wand an, damit es bewegt werden konnte. Clement Greenberg bemerkte, nachdem er das große Wandgemälde gesehen hatte: „Es brauchte nur einen einzigen Blick, um zu erkennen: ‚Das ist großartige Kunst‘, und ich stellte fest, dass Jackson Pollock der beste Maler ist, den diese Nation hervorgebracht hat.“

Pollocks Können wurde im Begleitheft zu seiner ersten Ausstellung als „vulkanisch“ gelobt. „Es brennt. Es erzeugt Unberechenbarkeit. Es fehlt ihm an Disziplin. Es sickert aus sich selbst heraus in einer mineralischen Verschwendung, die sich erst noch verfestigen muss“, so Greenberg weiter.

Pollocks Drip-Painting-Periode

Pollocks bekannteste Werke entstanden zwischen 1947 und 1950, während der „Drip-Painting-Phase“. Er wurde bekannt, als ein Artikel in der Zeitschrift Life vom 8. August 1949 die Frage stellte: „Ist er der beste Künstler Amerikas?“ Dank der Zusammenarbeit mit Pollocks engem Freund Alfonso Ossorio konnte Paul Facchetti (der Galerist) am 7. März 1952 die erste Ausstellung von Jackson Pollocks Kunstwerken in seinem Atelier organisieren.

Jackson Pollock wurde dadurch über Nacht zum Star. Seine Maltechnik wurde überanalysiert und rief sowohl Beifall als auch Spott hervor. Diese neu gewonnene Bekanntheit passte nicht zu Pollocks psychischem Zustand. Seine Berühmtheit war daher nur von kurzer Dauer, denn die Belastung führte dazu, dass er sich gesellschaftlich und kreativ zurückzog. Deshalb gab Pollock die Tropfmethode auf dem Höhepunkt seines Erfolgs unerwartet auf.

Number 1 (Lavender Mist) (1950) von Jackson Pollock, das seinen ikonischen Drip-Stil demonstriert und sich in der National Gallery of Art in Washington, D.C. befindet, Vereinigte Staaten; Jackson Pollock, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons 

Jackson Pollocks Kunstwerke nach 1951 waren in tieferen Tönen gehalten, darunter eine Serie, die in Schwarz auf ungrundierten Leinwänden entstand. Diese Werke wurden als seine „Black pourings“ bezeichnet. Als er sie in der Betty Parsons Gallery ausstellte, wurde absolut keines der Werke gekauft. Diese Werke zeigen, wie Pollock versucht, ein Gleichgewicht zwischen Abstraktion und der Darstellung der menschlichen Figur zu finden.

Er kehrte schließlich zur Farbe zurück und fuhr mit figurativen Themen fort.

In dieser Zeit war Pollock zur Sidney Janis Gallery gewechselt, einer eher unternehmerischen Kunstgalerie, und seine Kunst war bei den Käufern sehr gefragt. Als Reaktion auf diese Belastung verschlimmerte sich seine Trunksucht und seine emotionale Unzufriedenheit.

Jackson Pollock und Lee Krasner

1942 lernten sich die beiden Maler kennen, als beide in der McMillen Gallery ausstellten. Krasner kannte Jackson Pollocks Bilder nicht, interessierte sich aber für sie und ging nach der Ausstellung unerwartet zu ihm, um ihn zu besuchen. Die beiden heirateten im Oktober 1945 im Beisein von Augenzeugen. Sie kauften ein Haus und eine Scheune und Pollock nutzte die Scheune als Arbeitsraum.

An diesem Ort verfeinerte er seine enorme „Tropf“-Methode für die Arbeit mit Farbe, die zum Synonym für den Künstler werden sollte.

Wenn das Paar nicht mehr arbeitete, verbrachte es seine Zeit zu Hause mit Backen und Kochen, Gartenarbeit und der Bewirtung von Gästen. Aufgrund des aufkommenden Feminismus begannen Kommentatoren in der zweiten Hälfte der 1960er Jahre, Krasners Einfluss auf die Kunst ihres Mannes neu zu überdenken. Krasners ausgezeichnetes Verständnis und ihr Fachwissen über moderne Kunst und Methoden halfen ihr dabei, Pollock auf den neuesten Stand zu bringen, was moderne Kunst sein sollte.

Foto der Künstlerin Lee Krasner, Pollocks Frau, aufgenommen 1983; Gotfryd, Bernard, Fotograf, Public domain, via Wikimedia Commons

Krasner gilt weithin als diejenige, die ihrem Mann die Grundlagen der modernistischen Malerei beigebracht hat. So konnte Pollock seinen Ansatz an ein geordneteres und internationaleres Genre der zeitgenössischen Kunst anpassen, und Krasner wurde zur einzigen Beurteilerin, auf die er sich verlassen konnte. Pollock respektierte die Urteile seiner Kollegen darüber, was in seinen Werken funktionierte und was nicht, während die Ehe der beiden Künstler begann.

Krasner war auch ausschlaggebend dafür, dass er eine Reihe von Sammlern, Kritikern und Malern kennenlernte, die ihm dabei halfen, seinen Beruf als junger Maler voranzubringen. Kunsthistoriker analysieren häufig den Einfluss von Jackson Pollock auf die Werke seiner Frau.

Viele Menschen glaubten, dass Krasner begann, die wilden Farbkleckse ihres Mannes in ihrer eigenen Kunst zu kopieren und nachzustellen. Zahlreiche Versionen besagen, dass Krasner ihre Intuition nutzen wollte, um sich Pollocks „Ich bin die Natur“-Methode anzunähern und die Natur in ihrem Werk nachzuahmen.

Spätere Jahre und Tod

Pollock vollendete seine letzten beiden Werke, Search und Sent, im Jahr 1955. 1956 fertigte er überhaupt keine Gemälde mehr an, sondern schuf im Haus von Tony Smith Skulpturen aus Draht, Gaze und Gips. Sie wurden im Sandgussverfahren geformt und weisen extrem strukturierte Merkmale auf, ähnlich denen, die Pollock in seinen Gemälden verwendete. Pollocks und Krasners Partnerschaft begann sich 1956 zu verschlechtern, als Pollocks Alkoholkonsum und sein Ehebruch mit Ruth Kligman anhielten.

Pollock starb am 11. August 1956 bei einem Autounfall in seinem Oldsmobile Cabrio, als er betrunken fuhr. Krasner war zu dieser Zeit bei Freunden in Europa und kehrte schnell zurück, nachdem sie von einem Freund davon erfahren hatte. Edith Metzger, eine der Insassen, starb ebenfalls bei dem Unglück, das sich weniger als eine Meile vom Haus des Künstlers entfernt ereignete. Ruth Kligman, Pollocks Geliebte, war die einzige Passagierin, die überlebte.

Pollock wurde im Dezember 1956 mit einer Gedenkausstellung im Museum of Modern Art in New York City geehrt. Im Jahr 1967 wurde dort eine größere, umfassendere Ausstellung von Jackson Pollocks Kunstwerken gezeigt. Es wird oft angenommen, dass Pollock während seines Lebens finanziell gelitten hat. Es stimmt, dass er einst so mittellos war, dass er als Reinigungskraft arbeiten und Lebensmittel stehlen musste, um zu überleben. Dennoch verbesserten sich seine finanziellen Verhältnisse im Laufe der Zeit deutlich.

Pollock verdiente gegen Ende seines Lebens etwa das Fünffache des durchschnittlichen Jahresgehalts. Für einige seiner Werke wurden bis zu 6000 Dollar bezahlt, was zu dieser Zeit eine Menge Geld für ein Kunstwerk war.

Kluge Kunstsammler hatten den potenziellen zukünftigen Wert von Pollocks Gemälden erkannt und ihn in eine sichere finanzielle Lage gebracht. Und als Pollock 1956 im Alter von 44 Jahren starb, profitierte seine Witwe Lee Krasner stark vom steigenden Wert seiner Bilder.

Jackson Pollocks Kunststil

Pollock wurde von den Arbeiten von Pablo Picasso, Thomas Hart Benton und Joan Miró beeinflusst. Pollock begann, Farben auf Kunstharzbasis zu verwenden, die als Alkyd-Emaille bekannt sind und zu dieser Zeit ein revolutionäres Medium waren. Pollock beschrieb seine Verwendung von handelsüblichen Farben anstelle von Künstlerpigmenten als „natürliches Wachstum aus einer Notwendigkeit heraus.“

Er benutzte steife Pinsel, Stöcke und manchmal sogar Spritzen, um Farbe aufzutragen.

Kunststil

Pollocks gießende und fließende Farbtechnik gilt als eine der Wurzeln des Begriffs „Action Painting. Mit dieser Technik gelang es Pollock, sein Markenzeichen, die Palimpsest-Gemälde, zu schaffen, bei denen die Farben aus dem gewählten Instrument auf die Leinwand fließen. Indem er den Standard, auf einer vertikalen Fläche zu arbeiten, ablehnte, brachte er eine neue Dimension in seine Bilder, da er die Farbe aus allen Winkeln betrachten und auftragen konnte.

Pollock löste sich von der realistischen Darstellung und stellte die westliche Praxis in Frage, beim Malen mit Staffelei und Pinsel zu arbeiten. Er malte mit der Kraft seines ganzen Körpers, wie man an den gigantischen Leinwänden sehen kann. 

Eines der Zitate von Jackson Pollock lautet „Meine Malerei entsteht nicht auf einer Staffelei. Ich befestige die gespannte Leinwand gerne an einer festen Wand oder auf dem Boden. Ich brauche die Zugfestigkeit einer harten Oberfläche. Auf dem Boden fühle ich mich wohler, weil ich dort umhergehen und von allen vier Seiten arbeiten kann und so wirklich im Bild bin. Ich verzichte auf typische Malerwerkzeuge wie Staffeleien, Paletten, Pinsel und so weiter. Stöcke, Messer, fließende, flüssige Farbe oder ein starkes Impasto mit Splitt, Glasscherben oder anderen Fremdkörpern sind meine bevorzugten Werkzeuge.“

The She-Wolf (1943) von Jackson Pollock, im Museum of Modern Art in New York City, Vereinigte Staaten; Jackson Pollock, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

In den 1940er Jahren sah Pollock indianische Sandmalerei-Vorführungen. Pollock sagte über seine Methode, auf dem Boden zu malen: „Ich fühle mich dem Bild näher, mehr ein Teil davon, weil ich um es herumgehen, von allen vier Ecken aus arbeiten und physisch darin sein kann.“

Seine Drip-Methode wurde auch vom surrealistischen Automatismus und von mexikanischen Wandmalern beeinflusst. Pollock bestritt, sich auf „Zufälle“ zu verlassen und behauptete, dass er in der Regel eine Vorstellung davon hatte, wie ein bestimmtes Werk aussehen sollte. Seine Methode kombinierte die kontrollierbare Bewegung seines Körpers, den fließenden Fluss der Farbe, die Schwerkraft und das Eindringen der Farbe in den Stoff. Es war ein Zusammentreffen von kontrollierbaren und unkontrollierbaren Variablen. Wie in Trance bewegte er sich um das Bild herum, warf, schüttete, kleckerte und spritzte und hörte nicht auf, bis er das sah, was er sehen wollte.

Der Fotograf Hans Namuth machte, nachdem er Pollock bei der Arbeit fotografiert hatte, die folgenden Beobachtungen: „Der ganze Boden war mit klatschnasser Leinwand bedeckt. Es herrschte absolute Stille. Pollock warf einen Blick auf das Kunstwerk. Dann nahm er plötzlich eine Farbdose und einen Pinsel zur Hand und begann, sich auf der Leinwand zu bewegen. Es war, als ob ihm plötzlich einfiel, dass er das Bild noch nicht fertiggestellt hatte.

Zuerst langsam, wurden seine Bewegungen schneller und tänzerischer, als er schwarze, weiße und rostfarbene Farbe auf die Leinwand warf. Es war, als hätte er völlig vergessen, dass ich da war; er schien den Auslöser der Kamera nicht zu spüren. Mein Fotoshooting dauerte etwa eine halbe Stunde, oder so lange, wie er mit seiner Arbeit fortfuhr. Pollock hat während dieser Zeit nie aufgehört zu arbeiten. Wie kann jemand so viel Action aushalten? „Das war’s“, sagte er schließlich.

Pollocks beste Werke zeigen, dass seine All-Over-Linie keine negativen oder positiven Bereiche schafft: Wir werden nicht zu der Annahme verleitet, dass ein Teil der Leinwand als Figur – egal ob abstrakt oder figurativ – interpretiert werden muss, während ein anderer Teil der Leinwand als Grund interpretiert wird. Pollocks Linie und die Fläche, durch die sie fließt, haben kein Innen oder Außen. Pollock ist es gelungen, die Linie von der Aufgabe zu befreien, Formen oder Figuren auf der Oberfläche der Leinwand zu beschreiben oder einzugrenzen, zusätzlich zu ihrer Aufgabe, äußere Objekte darzustellen.“

Pollock verzichtete auf Bezeichnungen und begann, seine Bilder zu nummerieren, um zu verhindern, dass das Publikum nach figurativen Aspekten in seinen Kunstwerken sucht. „Schauen Sie aufmerksam hin und versuchen Sie zu akzeptieren, was das Bild zu bieten hat, ohne ein Thema oder ein vorgegebenes Verständnis von dem mitzubringen, wonach sie suchen sollen“, erklärte er. „Früher hat er seinen Bildern traditionelle Titel gegeben, aber jetzt nummeriert er sie einfach“, erklärte seine Frau. „Zahlen sind ein neutrales Medium. Sie zwingen die Menschen, ein Kunstwerk als das zu betrachten, was es ist: reine Kunst.“

Beeinflusst wurde Pollock von Wolfgang Paalens Aufsatz über die Totemkunst der Ureinwohner von Britisch-Kolumbien, in dem der Begriff des Raums in der Totemkunst aus der Sicht des Schöpfers untersucht wird; Pollock besaß eine signierte Ausgabe von Paalens Zeitschrift. Außerdem hatte er Paalens surrealistische Werke bei einer Ausstellung 1940 gesehen. Paalens surrealistische Fumage-Methode, die bei Malern, die nach neuen Wegen suchten, das „Unbeobachtete“ oder das „Mögliche“ auszudrücken, Anklang fand, muss ebenfalls einen großen Einfluss gehabt haben.

Pollocks extreme Abstraktion schien erstaunliche neue Freiheiten für die Kunst zu versprechen, aber im Hintergrund seiner Werke blieben Anzeichen einer identifizierbaren Bildsprache. Blue Poles (1952) ist eine große Fläche, die durch diagonale Linien miteinander verbunden ist. Unter der außergewöhnlichen Vielfalt an Effekten bewahrt eines: Number 31 (1950) einen deutlichen Eindruck von sich rhythmisch bewegenden Figuren. Pollock mag dem Realismus seiner Jugend abgeschworen haben, aber er war immer noch in der Lage, seine Werke elegant symbolisch zu gestalten. Eines davon, wie so viele seiner Werke aus dieser Zeit, vermittelt ein Gefühl von Erhabenheit und knüpft damit an die Tradition der erhabenen Landschaften an, die bis ins 18.

Jahrhundert zurückreicht. Außerdem funkelt es wie von Licht gesprenkelt, ähnlich wie Monets Werke, und viele Kommentatoren haben sich gefragt, ob Pollock von dem französischen Impressionisten inspiriert wurde. Pollocks Begeisterung für figurative Bilder hat er nie ganz verloren – wie er einmal sagte: „Manchmal bin ich sehr figurativ, manchmal nicht. Andererseits sind Figuren unvermeidlich, wenn man aus dem Unbewussten heraus malt.“ Schon in den späten 1940er Jahren tauchte die Figuration wieder in seinem Werk auf.

Bis zum Jahr 1950 hatte sein Alkoholkonsum zugenommen, und er kehrte zum Skizzieren zurück, griff einige seiner früheren Ideen wieder auf und schuf eine Reihe von meist weißen und schwarzen Tropfbildern. Einige, wie „Yellow Islands“ (1952), enthalten Farbe und sind sehr abstrakt; andere, wie „Echo (Number 25)“ (1951), haben eine kalligrafische Form und sind nur am Rande figurativ; wieder andere zeigen unverwechselbare Darstellungen von Köpfen. Als Pollock sie zum ersten Mal ausstellte, wurden sie nicht gut aufgenommen, aber er arbeitete bis 1953, seinem letzten produktiven Arbeitsjahr, weiter an ihnen.

Kritische Debatte

Berühmte Pollock-Gemälde sind Gegenstand hitziger Diskussionen gewesen. Mehrere Werke von Jackson Pollock wurden früher von dem Kritiker Robert Coates als „einfach unstrukturierte Explosionen von zufälliger Energie und daher nutzlos“ abgetan. Reynold’s News titelte 1959: „Das ist keine Kunst – es ist ein schrecklicher Scherz“. Als Jean Hélion zum ersten Mal einen Pollock sah, bemerkte er: „Es füllte eine Fläche aus, die immer weiter ging, da es weder einen Anfang noch ein Ende hatte.“

Aus formalistischen Gründen unterstützte Clement Greenberg Pollocks Werke. Das entsprach Greenbergs Vorstellung von Kunstgeschichte als einer allmählichen Reinheit der Form und Auslöschung der historischen Substanz.

A Poller in Winchester, England, gemalt von The Color Factory im Stil von Summertime von Jackson Pollock; Andy Mabbett, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Er hielt Pollocks Kunst für die größte ihrer Zeit und für den Höhepunkt des westlichen Erbes von Kubismus bis Cézanne. Harold Rosenberg erfand 1952 den Begriff „Action Painting“ (Aktionsmalerei) und erklärte damit, dass „das, was auf die Tafel kommen sollte, kein Bild, sondern eine Erfahrung war.“

Der Durchbruch kam, als er beschloss, „einfach um des Malens willen“ zu malen. Die Bewegung auf der Leinwand stellte eine Befreiung von Werten dar – politisch, künstlerisch und moralisch. Viele dachten, dass er sein Konzept des „Action Painters“ an Jackson Pollock anlehnte.

Vermächtnis

Pollocks direktes Erbe wurde am stärksten von anderen Malern wahrgenommen. Seine Kunst enthielt Aspekte des Surrealismus, des Kubismus und des Impressionismus und übertraf sie alle. Abgesehen von dieser Leistung scheinen selbst Größen wie de Kooning, der dem Kubismus näher stand und am figurativen Material festhielt, einfach zu kurz zu kommen. Und die größten der späteren Künstlergenerationen mussten sich mit seinem Erbe auseinandersetzen, so wie Pollock mit Picasso.

Schon 1958, als der bahnbrechende Konzeptkünstler Allan Kaprow sich in einem Essay für die Art News direkt mit dem Thema Pollocks Einfluss auseinandersetzte, fragten sich andere, ob Pollock überhaupt Alternativen außerhalb der Malerei eröffnet hatte.

Um es mit den Worten des Kritikers Harold Rosenberg zu sagen: Pollock machte die Leinwand zu einem „Stadion, in dem man agieren kann“, und nicht zu einem „Ort, an dem man ein Objekt repliziert, umgestaltet, untersucht oder ‚kommuniziert‘.“

Jackson Pollock (hinten) und Lee Krasners (vorne) Grabsteine auf dem Green River Cemetery in Springs, New York, Vereinigte Staaten; Americasroof, CC BY-SA 2.5, via Wikimedia Commons

Von dieser Erkenntnis war es nur ein kleiner Schritt, Pollocks ballettartige Bewegungen um das Gemälde herum als eine Art Performancekunst zu betrachten. Seitdem ist Pollocks Ruhm nur noch gewachsen. Mehrere Biografien, eine Filmbiografie und große Retrospektiven haben sich mit ihm befasst und er ist nicht nur zu einer der bekanntesten Ikonen der losgelösten modernen Malerei geworden, sondern auch zu einer Inkarnation für Kritiker und Historiker des amerikanischen Modernismus auf seinem Höhepunkt.

Helen Frankenthaler und Morris Louis, beide Farbfeldkünstler, bauten Pollocks Malerei in eine nackte Leinwand ein. Frank Stella entwickelte die „All-Over-Komposition“ zu einem Markenzeichen seiner Arbeit in den 1960er Jahren. Pollocks Betonung des Produktionsprozesses wurde von Allan Kaprow, Richard Serra und Eva Hesse und vielen modernen Künstlern beibehalten; sie wurden von seiner Einstellung zur Technik und nicht von der Ästhetik seiner Arbeit beeinflusst.

In den frühen 1990er Jahren arbeiteten drei verschiedene Gruppen von Filmemachern an Pollock-Biopics, die sich jeweils auf eine bestimmte Quelle stützten. Das am weitesten entwickelte Projekt schien eine Zusammenarbeit zwischen Barwood Films und TriBeCa Productions zu sein. Das Drehbuch von Christopher Cleveland basierte auf To a Violent Grave von Jeffrey Potter, einem Sammelband mit den Erinnerungen von Pollocks Bekannten. Streisand sollte Lee Krasner darstellen, während De Niro Jackson Pollock porträtieren sollte.

Ein zweiter Film sollte sich auf Ruth Kligmans Biografie Love Affair (1974) stützen, die von Pollocks Freundin in den sechs Monaten vor seinem Tod handelt. Harold Becker sollte Regie führen, und Al Pacino sollte Pollock darstellen.

Computer-Fraktalanalyse

Richard Taylor, ein Physiker und Künstler, nutzte 1999 eine Computeranalyse, um Parallelen zwischen den von Pollock geschaffenen Mustern und den in der Natur vorkommenden Fraktalen aufzudecken, was an Pollocks eigene Worte „Ich bin die Natur“ erinnert. Pollocks Stil wurde von seinem Studienteam als fraktaler Expressionismus bezeichnet. 24 Pollock-ähnliche Kunstwerke und Kritzeleien wurden 2003 in einem Schließfach in Wainscott, New York, entdeckt.

Die Pollock-Krasner-Stiftung bat darum, dass die Fraktalanalyse zum ersten Mal bei einer Echtheitsprüfung angewendet wird. Das Verfahren wurde von Wissenschaftlern der Universität von Oregon angewandt, um Diskrepanzen zwischen den Mustern in den sechs umstrittenen Gemälden und denen in 14 bekannten Pollocks zu finden.

Die Pigmentuntersuchung der Kunstwerke durch Experten der Harvard University ergab, dass in einem Werk ein künstliches Pigment verwendet wurde, das erst in den 1980er Jahren geschützt wurde, und in zwei weiteren Werken Bestandteile, die zu Pollocks Lebzeiten nicht zugänglich waren.

Pollock Matters, ein umfassendes Buch, das von Ellen G. Landau, einer der vier verbliebenen Fachleute des früheren Überprüfungsausschusses aus den 1990er Jahren, und Claude Cernuschi, einem Spezialisten für abstrakten Expressionismus, geschrieben wurde, erschien 2007. In ihrem Buch stellt Landau die verschiedenen Verbindungen zwischen den Familien der Besitzer der Kunstwerke und Jackson Pollock zu seinen Lebzeiten dar, um die Kunstwerke in den ihrer Meinung nach richtigen historischen Kontext zu stellen.

Landau geht auch auf die forensischen Ergebnisse der Harvard University und mögliche Gründe für die forensischen Unregelmäßigkeiten ein, die bei drei der 24 Werke entdeckt wurden. Dennoch hielt der Wissenschaftler, der eines der zeitgenössischen Pigmente herstellte, Pollocks Verwendung dieser Farbe für „unwahrscheinlich bis hin zur Fiktion“. Mehr als zehn wissenschaftliche Organisationen haben seitdem über 50 von Pollocks Gemälden auf Fraktale hin untersucht.

Eine Untersuchung aus dem Jahr 2015, bei der die Fraktalanalyse als einer der Ansätze verwendet wurde, hatte eine Erfolgsquote von 93 Prozent bei der Unterscheidung zwischen echten und nachgemachten Pollock-Werken. Die aktuelle Studie von Fractal Expressionism konzentriert sich auf die menschliche Reaktion auf die Wahrnehmung von Fraktalen. Kognitive Neurowissenschaftler haben nachgewiesen, dass Pollocks Fraktale, wie auch computergenerierte Fraktale und Fraktale der Natur, Stress bei den Betrachtern reduzieren.

Das teuerste Jackson Pollock-Gemälde

 Das teuerste Jackson Pollock-Gemälde wurde 2013 von Christie’s verkauft. Das Werk, Number 19 (1948), wurde für 495 Millionen US-Dollar verkauft. Das Kunstwerk kann man leicht als bedeutungslosen Farbspritzer abtun – aber auch wenn du seine Schönheit nicht begreifen kannst, hat dieses Kunstwerk eine Geschichte, die ihr Gewicht in Gold wert ist.

Jackson Pollocks Kunst war auf mehreren Ebenen bahnbrechend. Seit Ewigkeiten haben Maler großformatige Gemälde skizziert oder ausgeführt.

Pollock hingegen ließ sich von seiner Leidenschaft und Intuition leiten, als er sich um seinen Faserplattenuntergrund wickelte und je nach Inspiration Farbe aufträufelte und verschüttete. Er verzichtete auf Pinselstriche und setzte stattdessen auf Tropfen und Spritzer, und seine spontanen Meisterwerke erhellten die Kunstwelt. Farbe mit einer fließenden Viskosität, die ein nahtloses Ausgießen ermöglicht, war ein wesentlicher Bestandteil der Tropftechnik. Aufgrund dieser Voraussetzung waren normale Ölfarben nicht erlaubt.

Stattdessen begann Pollock mit synthetischen Glanzlacken zu experimentieren, die die altmodischen Ölfarben für den Hausgebrauch verdrängten. Obwohl diese geniale Entdeckung gelobt wurde, tat Pollock sie als „eine natürliche Entwicklung aus einer Notwendigkeit heraus“ ab.

Während Kunstexperten ins Schwärmen gerieten und Sammler bei Auktionen Millionen für ein Pollock-Gemälde zahlten, ist ein großer Teil der Öffentlichkeit auch 60 Jahre später noch von den Werken des Künstlers verblüfft. Jedes Mal, wenn eines seiner Kunstwerke für Millionen von Dollar verkauft wird, fragen sich Journalisten, warum. Die einfache Antwort ist, dass seine Tropfbilder zwar nicht leicht zugänglich sind, aber entscheidend dazu beigetragen haben, unsere Wahrnehmung von Kunst neu zu definieren, obwohl sie normalerweise nicht attraktiv sind.

Jackson Pollock, ein berühmter Künstler des 20. Jahrhunderts, veränderte die zeitgenössische Kunst mit seinen unverwechselbaren abstrakten Malmethoden. Jackson Pollock ließ sich bei Thomas Hart Benton ausbilden, bevor er sich von den etablierten Methoden abwandte und mit seinen Splatter- und Action-Paintings, bei denen er Farbe und andere Substanzen direkt auf die Leinwände schüttete, mit dem abstrakten Expressionismus experimentierte. Pollocks Traditionen brachten ihm sowohl Beifall als auch Spott ein. Im Jahr 1956 starb er im Alter von 44 Jahren, nachdem er betrunken Auto gefahren und in New York gegen einen Baum geprallt war.

Häufig gestellte Fragen

Wie ist Jackson Pollock gestorben?

Pollock starb am 11. August 1956 bei einem Autounfall, als er unter Alkoholeinfluss fuhr. Krasner war zu dieser Zeit in Europa, um Freunde zu besuchen, und sie kehrte zurück, kurz nachdem sie die Nachricht von einem Freund erfahren hatte. Edith Metzger, eine der Insassinnen, kam bei dem Unfall, der sich weniger als eine Meile von seinem Haus entfernt ereignete, ebenfalls ums Leben. Pollocks Geliebte, Ruth Kligman, überlebte als einzige Passagierin.

Wofür war Jackson Pollock bekannt?

Pollocks fließender und gießender Malstil soll dazu beigetragen haben, den Begriff „Action Painting“ populär zu machen. Mit dieser Methode, bei der die Farben aus dem gewählten Werkzeug auf die Oberfläche fließen, konnte er seine eigene, unverwechselbare Ästhetik schaffen. Er fügte seinen Bildern eine neue Dimension hinzu, indem er die Konvention ablehnte, auf einer vertikalen Plattform zu arbeiten, was es ihm ermöglichte, die Farbe von allen Seiten zu betrachten und aufzutragen. Jackson Pollocks Kunst wurde von vielen Seiten kritisiert. Einige lobten sie als die besten Gemälde ihrer Zeit, andere taten sie als schlecht gemachten Scherz ab. Trotz solcher Meinungsverschiedenheiten war Pollock unbestreitbar einer der wichtigsten Maler seiner Zeit, und einige seiner Werke wurden für die höchsten Preise verkauft, die je für ein Gemälde gezahlt wurden. Außerdem zeigt sich bei der Betrachtung seiner Werke, dass seine Tropflacke komplizierte, sich wiederholende Muster aus der Natur sehr gut imitieren.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.