Pop Art – Die Geschichte und Analyse der farbenfrohen Pop Art Bewegung

In den 1950er Jahren machte die internationale Kunst eine plötzliche und unerwartete 180-Grad-Wende. In den Vereinigten Staaten und im Vereinigten Königreich begann eine neue Kunstbewegung, die Pop Art Kunst, an Popularität zu gewinnen. Diese neue Kunstbewegung ließ sich von den oft alltäglichen, konsumorientierten, leicht kitschigen und massenproduzierten Teilen der Popkultur inspirieren. Pop-Art-Künstler wie Andy Warhol, Richard Hamilton und Roy Lichtenstein sorgten dafür, dass sich unsere Vorstellung von hohen und niedrigen Kunstformen veränderte. Diese Künstler lenkten die Aufmerksamkeit auf das wachsende Konsumverhalten auf den Märkten und unseren Kunstkonsum.

Was ist Pop Art Kunst?

Viele von uns kennen Künstler wie Andy Warhol, aber was ist Pop Art als Bewegung? Wenn es darum geht, eine Pop Art Definition zu erstellen, müssen wir die Art der Pop Art berücksichtigen. Es gibt einige Kontroversen über den ursprünglichen Geburtsort der Pop Art. Ähnliche Trends tauchten in England und Amerika in den frühen 1950er Jahren auf. Die Pop Art war eine echte 180-Grad-Wende in der Entwicklung der Moderne gegenüber der Bewegung des Abstrakten Expressionismus, die vor ihr kam.

Die Pop Art Definition wandte sich greifbaren und zugänglichen Teilen der Populärkultur als Inspiration zu und ersetzte die traditionellen „hohen Kunst“ Themen der klassischen Geschichte, Mythologie, Moral und Abstraktion. Pop Art erhob die alltäglicheren Teile der Populärkultur zur bildenden Kunst und ist heute einer der anerkanntesten modernen Kunststile.

Pop Art – eine Übersicht

Pop Art mag trivialer und überflüssiger erscheinen als andere traditionelle Kunstrichtungen. Die leuchtenden Farben, die Verwendung populärer Bilder, einfache Formen und dicke Umrisse mögen den Eindruck erwecken, dass es sich um eine spielerische Form der Kunst handelt, aber die Pop Art Bewegung ist vollgepackt mit unterschwelligen Feinheiten und sozialen Kommentaren. Hier ist ein wenig Pop Art Hintergrund.

Marilyn in the Sky (1999) von James Gill; James Francis Gill, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Was macht Kunst schön?

Die prominenteste Idee innerhalb der Pop Art Bewegung war es, die Grenzen zwischen dem, was zuvor als bildende Kunst galt, und den eher kitschigen, alltäglichen Teilen der Populärkultur zu verwischen. Pop Art Künstler feierten Gegenstände von konsumistischem Wert und bestanden darauf, dass es keine kulturelle Hierarchie gibt, wenn es um würdige Themen für künstlerisches Schaffen geht. Pop Art Künstler borgten sich Inspiration aus jeder Quelle, unabhängig von ihrem kulturellen Wert.

Geschockter Rückzug oder kühle Akzeptanz?

Die Werke der Künstler des Abstrakten Expressionismus sind typischerweise sehr gefühlsbetont. Im Gegensatz dazu sind die Gemälde und Collagen der Pop Art eher distanziert und abgehoben. Obwohl Pop Art Werke oft diverse kulturelle Einstellungen und integrale Teile des gesellschaftlichen Lebens erforschen, tun sie dies auf eine kühle und relativ emotionslose Art und Weise. Kunsthistoriker haben heiß diskutiert, ob diese Distanz ein schockierender Rückzug von den kulturellen Themen ist, die Pop Art erforscht, oder ob es das Gegenteil ist. Vielleicht spiegelt die Coolness eine Akzeptanz der Popkultur wider.

Wie erforscht die Pop Art das kulturelle Trauma?

Ein wesentlicher Bestandteil des Abstrakten Expressionismus, der der Pop Art vorausging, war die Suche nach dem Trauma in der Seele. Pop-Künstler suchten nach dem gleichen Seelentrauma, aber auf einer kulturellen Ebene. In der Pop Art würden die Welten der populären Bilder, Cartoons, Werbung und kulturelle Phänomene wie der Boom der Fast-Food-Restaurants dieses soziale Trauma vermitteln.

In der Pop Art sind all diese Manifestationen eines kulturellen Traumas bedeutsam, und sie geben dem Künstler einen unvermittelten Zugang zu den tieferen Sorgen der Menschheit.

Die moderne Welt ist durch den unvermittelten Zugang zu fast allem gekennzeichnet. Von der Umwelt bis hin zum Privatleben von Berühmtheiten ist alles für den Konsum und die Kritik verfügbar. Pop Art spiegelt diesen Zugang wider, indem sie verschiedene kulturelle Elemente zusammenführt, um zu zeigen, dass alles miteinander verbunden ist.

Kapitalistische Kritik oder enthusiastische Befürwortung?

Vor allem in England machten sich die Künstler der Pop Art den Medien- und Produktionsboom des Zweiten Weltkriegs zu eigen. Viele sehen die breite Verwendung von kommerzieller Werbung in Pop Art Werken als eine Befürwortung des kapitalistischen Marktes. Einige Kritiker glauben, dass Pop Art den wachsenden Konsum der Moderne feiert.

Andere finden in diesen vielschichtigen Werken ein kulturkritisches Element verborgen. Pop Künstler erhoben alltägliche, kommerzielle Objekte in den Status der bildenden Kunst. Durch die Gleichsetzung von kommerziellen Gütern mit bildender Kunst lenken die Pop-Künstler unsere Aufmerksamkeit auf die grundlegende Tatsache, dass Kunst selbst eine Ware ist.

Viele Pop Art Künstler begannen als kommerzielle Künstler. Ed Ruscha war ein Grafikdesigner und Andy Warhol war ein unglaublich erfolgreicher Zeitschriftenillustrator. Dank dieser frühen Anfänge zeigen diese Künstler, dass sie das visuelle Vokabular der Popkultur fließend beherrschen. Diese Fähigkeiten erleichterten es diesen Künstlern, Kunst und kommerzielle Kultur nahtlos zu verbinden.

Die Ursprünge der Pop-Art-Bewegung

Die Pop Art Bewegung ist interessant, weil sie sich gleichzeitig in den Vereinigten Staaten und in England entwickelt hat. Die ersten Funken der Pop Art Bewegung waren in jedem dieser Länder sehr unterschiedlich. Daher ist es wichtig, sie getrennt zu betrachten.

In den Vereinigten Staaten war die Pop Art eine Rückkehr zu einer eher gegenständlichen Kunst, die die Ironie der alltäglichen Realität nutzte, um den persönlichen Symbolismus des Abstrakten Expressionismus zu neutralisieren. Im Gegensatz dazu war die frühe britische Pop Art eher akademisch. Britische Pop-Künstler nutzten die Ironie, um den explosiven Konsumismus der amerikanischen Popkultur der Nachkriegszeit zu erforschen und zu kritisieren.

Proto Pop Art

Während in den 1950er Jahren die amerikanische und britische Pop Art ihren Anfang nahm, sind einige europäische Künstler wie Marcel Duchamp, Many Ray und Francis Picabia der Bewegung in ihrer Auseinandersetzung mit kapitalistischen und modernistischen Themen und Stilen vorausgegangen.

Einige amerikanische Künstler deuteten die Entwicklung der modernen Pop Art bereits in den 1920er Jahren an. Künstler wie Stuart Davis, Gerald Murphy, Patrick Henry Bruce und Charles Demuth schufen Werke, die sich mit Bildern aus der Populärkultur auseinandersetzten, einschließlich alltäglicher kommerzieller Objekte und Werbedesign.

Lucky Strike (1921) von Davis Stuart; Davis Stuart, Public domain, via Wikimedia Commons

Die unabhängige Gruppe: Pop Art in Großbritannien

In London wurde 1952 die Independent Group of Artists gegründet, die von vielen als Vorläufer der neuen Pop-Bewegung angesehen wird. Diese Versammlung von jungen Malern, Bildhauern, Schriftstellern, Architekten und Kritikern begründete die neue Pop Art Bewegung. Diese Gruppe von Künstlern begann sich in den 1950er Jahren regelmäßig zu treffen und ihre Diskussionen drehten sich um Entwicklungen in Technologie und Wissenschaft, das gefundene Objekt und den Platz der Massenkultur in der bildenden Kunst.

Einige bemerkenswerte Mitglieder waren die Architekten Peter und Alison Smithson, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi und die Kritiker Reyner Banham und Lawrence Alloway. Als sich diese Kreativen in den 1950er Jahren zu treffen begannen, erholte sich England noch allmählich von den Nachkriegsjahren und ein Großteil der Bevölkerung stand der Populärkultur in Amerika ambivalent gegenüber.

Die Independent Group teilte diese Zurückhaltung gegenüber dem kommerziellen Charakter der amerikanischen Popkultur, aber sie waren begeistert von der reichen Welt der Popkultur und diskutierten ausführlich über Science Fiction, Autodesign, Westernfilme, Rock’n’Roll-Musik, Plakatwände und Comics.

1960 sah man die ersten Einflüsse des amerikanischen Pop in der jährlichen Nachwuchsausstellung der Royal Society of British Artists. Im Januar 1961 waren R. B. Kitaj, David Hockney, Joe Tilson, Billy Apple, Dereck Boshier, Peter Blake, Patrick Caulfield, Allen Jones und Peter Phillips fest auf der Landkarte der Pop Art verankert.

Billy Apple war verantwortlich für die Gestaltung der Einladungen und Plakate für die folgenden zwei jährlichen Young Contemporaries Ausstellungen. Im selben Jahr gewannen Blake, Kitaj und Hockney Preise bei der John-Moores-Ausstellung in Liverpool. Während der Sommerpause 1961 am Royal College, besuchten Hockney und Apple gemeinsam New York.

Ein Foto von Billy Apple bei den 2018 Arts Foundation of New Zealand Icon Awards; New Zealand Government, Office of the Governor-General, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

Pop Art Definition

Wenn es darum geht zu entscheiden, wer der erste war, der den Begriff „Pop Art“ verwendet hat, gibt es eine Menge Streitigkeiten. In Großbritannien gibt es mehrere mögliche Funken, die zum eigentlichen „Pop Art“-Begriff führten. Peter und Alison Smithson benutzten den Begriff in einem Artikel, der 1956 im Ark Magazine veröffentlicht wurde. Der Artikel trug den Titel „But Today We Collect Ads“.

Richard Hamilton definierte Pop in einem Brief, den er schrieb, und auch Paolozzi benutzte das Wort Pop in seiner Collage I Was a Rich Man’s Plaything (1947). John McHale’s Sohn glaubt auch, dass sein Vater den Begriff zum ersten Mal während eines Gesprächs mit Frank Cordell im Jahr 1954 benutzte.

Auch Lawrence Alloway wird oft zugeschrieben, dass er den Begriff zum ersten Mal in seinem Essay The Arts and the Mass Media (1958) verwendet hat. In diesem Essay verwendet er jedoch nur den Ausdruck „populäre Massenkultur“ und er bezog sich auf populäre Kultur als Produkte der Massenmedien und nicht auf Kunstwerke. Im Jahr 1966 klärte Alloway diese Begriffe, aber zu diesem Zeitpunkt hatte die Pop Art bereits ihren Weg in die Schulen und Galerien gefunden.

Amerikas Pop Art Hintergrund

New York City war die Geburtsstätte der amerikanischen Pop Art. Mitte der 1950er Jahre standen die New Yorker Künstler an einem bedeutenden Scheideweg in der Entwicklung der modernen Kunst. In Amerika konnten Pop Art Künstler entweder in die Fußstapfen der Abstrakten Expressionisten treten, oder sie konnten gegen den Formalismus der modernistischen Denkschulen rebellieren. Natürlich entschieden sich viele Künstler für die Rebellion und begannen, mit nicht traditionellen Formen und Materialien zu experimentieren.

Zu dieser Zeit sorgte Jasper Johns bereits für Aufsehen mit seinen abstrakten Gemälden, die sich auf Objekte bezogen, die „der Verstand bereits kennt“. Zu diesen Objekten gehörten Zahlen, Handabdrücke, Flaggen, Buchstaben und Zielscheiben. Andere Pop Art Künstler wie Robert Rauschenberg benutzten gefundene Bilder und Objekte neben traditionellen Ölfarben, um daraus neue Pop Art Bilder zu schaffen. Auch die Fluxus-Bewegung und Allan Kaprow entschieden sich dafür, Elemente aus der Welt um sie herum in ihre Kunstwerke einzubeziehen. Zusammen mit anderen bildeten diese Künstler später die Neo-Dada-Bewegung.

Obwohl die Pop Art in den frühen 1950er Jahren in den Vereinigten Staaten aufkam, war es erst in den 1960er Jahren, dass die Bewegung an Zugkraft gewann. Im Museum of Modern Art wurde die Pop Art 1962 bei einem Symposium über Pop Art vorgestellt. Als Künstler begannen, Elemente der Werbung in der modernen Kunst zu verwenden, begann auch die kommerzielle Werbung, Elemente der modernen Kunst zu übernehmen. Die amerikanische Werbung wurde sehr anspruchsvoll und die amerikanischen Künstler mussten dramatischere Stile finden, um sich von der Massenware zu distanzieren.

Während die britische Pop Art eine leicht humorvolle, romantische und sentimentale Herangehensweise an die amerikanische Populärkultur wählte, produzierten amerikanische Künstler Pop Art, die typischerweise aggressiver und kühner war. Die Briten waren distanziert von den Realitäten der amerikanischen Konsumbilder, während amerikanische Künstler täglich damit bombardiert wurden.

Die Etablierung der amerikanischen modernen Pop Art

Robert Rauschenberg wurde viel von Dada-Künstlern beeinflusst, einschließlich Kurt Schwitters. Rauschenberg glaubte, dass sich die Malerei sowohl auf die Welt der bildenden Kunst als auch auf das alltägliche Leben bezieht. Diese Meinung forderte die dominante modernistische Perspektive der Zeit heraus. Rauschenberg kombinierte Bilder der Popkultur und ausrangierte Objekte in seinen Arbeiten. Auf diese Weise konnte Rauschenberg eine Verbindung zwischen seiner Arbeit und aktuellen Ereignissen in der amerikanischen Gesellschaft herstellen.

Die Siebdrucke, die Rauschenberg zwischen 1962 und 1964 fertigstellte, kombinierten Magazinausschnitte aus National Geographic, Newsweek und Life mit expressiven Pinselstrichen. Rauschenbergs frühes Werk wird oft als Neo-Dada klassifiziert, weil es sich von dem amerikanischen Pop Art Stil unterscheidet, der in den 1960er Jahren aufblühte.

Robert Rauschenberg steht in einem seiner Exponate im Stedelijk Museum, 1968; Jack de Nijs / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Wenn es um prominente amerikanische Pop Art Künstler geht, können wir Roy Lichtenstein nicht vergessen. Lichtensteins Verwendung von Parodie in seinen Werken bietet vielleicht die beste Definition der zugrunde liegenden Prämisse der Pop Art. Lichtenstein produziert präzise, hartkantige Kompositionen, die auf altmodischen Comics basieren.

Mit Magna und Ölfarben eignete sich Lichtenstein Szenen aus DC-Comics und anderen an und veränderte sie. Es ist leicht, Lichtensteins Arbeit an der Verwendung von Benday-Punkten, kräftigen Farben und dicken Konturen zu erkennen. Der Künstler verschmilzt mühelos Populärkultur und Kunst und integriert Ironie, populäre Bilder und Humor in seine Werke.

Amerikanische Pop Art versus Britische Pop Art

Pop Art entstand in den 1950er und 60er Jahren in Amerika und Großbritannien etwa zur gleichen Zeit. Der übergreifende Pop Art Stil ist eine Verschmelzung der Unterschiede zwischen den beiden Nationen. Obwohl beide Länder sich von denselben Themen inspirieren ließen, gibt es einige Unterschiede zwischen den Stilen.

Die frühe britische Pop Art fand ihre Inspiration in der Betrachtung der amerikanischen Popkultur aus der Ferne. Diese Distanz brachte ein gewisses Maß an Romantik und Sentimentalität mit sich, aber auch eine gehörige Portion Geringschätzung.

Britische Pop-Künstler nahmen einen akademischen Zugang zur amerikanischen Populärkultur und sezierten die Macht der amerikanischen populären Bilder, die das Leben der Bürger manipulieren. Der traditionell trockene britische Sinn für Ironie und Parodie sickerte in die britische Pop Art ein.

Amerikanische Pop Art Künstler hingegen lebten und atmeten die amerikanische Populärkultur, und dieser Mangel an Distanz ist offensichtlich. Die amerikanische Pop Art war zum Teil auch eine Rebellion gegen andere Formen der modernen Kunst. Der abstrakte Expressionismus war der größte Antrieb für amerikanische Pop-Künstler, die sich von der hochemotionalen und persönlichen Symbolik des Stils entfernen wollten. Das Ergebnis ist, dass die amerikanischen Pop-Künstler alltägliche, unpersönliche Bilder in ihren Werken verwenden.

Einrichtung einer Roy Lichtenstein Ausstellung im Stedelijk Museum, 1967; Ron Kroon / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Trends, Konzepte und Stile in der Pop Art

Nach dem Übergang von Neo-Dada zur Pop Art interessierten sich Künstler auf der ganzen Welt zunehmend für die Verwendung von Populärkultur in ihren Werken. Während die Mitglieder der Independent Group die ersten waren, die den Begriff „Pop Art“ benutzten, haben sich amerikanische Künstler schnell zu diesem neuen Stil hingezogen gefühlt.

Obwohl die einzelnen Stile der Pop Art Künstler sehr unterschiedlich sind, gibt es gemeinsame Themen und Konzepte, die der Pop Art Bewegung zugrunde liegen. Die Verwendung von Bildern aus der Populärkultur ist das hervorstechendste Merkmal in den Werken der Pop Art.

MM a Critique of Mass Iconology (2013) von James Gill; James Francis Gill, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Nachdem die Pop-Art-Bewegung in Amerika ihren Siegeszug angetreten hatte, entstanden in Europa verschiedene Varianten, darunter der deutsche Kapitalistische Realismus und der französische Nouveau Réalisme.

Das tabellarische Bild: Eduardo Paolozzi und Richard Hamilton

Die europäischen Pop-Art-Künstler hatten gemischte Gefühle gegenüber der amerikanischen Populärkultur, und diese Gefühle werden vielleicht am besten durch die Pop-Art-Collagen von Hamilton und Paolozzi vermittelt. Die Künstler kritisierten gleichzeitig den Exzess und verherrlichten die massenhaft reproduzierten Objekte und Bilder.

Mitglieder der Independent Group, darunter Hamilton, waren unter den ersten, die Bilder aus den Massenmedien in ihren Werken verwendeten. „Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?“, eine Collage von Hamilton aus dem Jahr 1956, kombiniert sorgfältig ausgewählte Elemente aus Massenmedienbildern, um seine Überzeugung zu vermitteln, dass die amerikanische Kultur eine des Exzesses sei. Paolozzi seziert die Flut der Massenmedien durch seine Fotomontage-Collagen, wie zum Beispiel in seinem Werk „I Was a Rich Man’s Plaything“ von 1947.

Pulp Culture: Roy Lichtenstein

Ein Teil der Bedeutung von Lichtensteins Arbeit ist seine Fähigkeit, atemberaubende Kompositionen zu schaffen, obwohl er Comics als Sujet verwendete. Lichtenstein eignete sich nicht nur Bildmaterial aus massenproduzierten Bilderbüchern an, sondern wandte auch die Techniken von Comics an, nämlich Benday-Punkte.

Whaam! (2018) diptych von Roy Lichtenstein; GualdimG, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Obwohl er populäre Bilder in seinen Gemälden verwendet, sind Lichtensteins Werke keine bloßen Duplikate. Lichtenstein konzentrierte sich auf ein einzelnes Panel eines Comics und beschnitt es oft, um die Geschichte zu verändern. Lichtenstein fügte auch verschiedene Elemente hinzu oder entfernte sie und spielte mit Sprache und Text herum. Lichtenstein verwischte außerdem die Grenze zwischen bildender Kunst und Massenreproduktion, indem er die traditionell maschinell gedruckten Punkte von Hand malte.

Das Monumentalbild: James Rosenquist

Rosenquist war ein weiterer Künstler, der sich Bilder der Populärkultur direkt in seinen Gemälden aneignete. Doch wie Lichtenstein produzierte Rosenquist nicht einfach Kopien. Stattdessen stellt Rosenquist verschiedene Berühmtheiten, Produkte und Bilder auf eine surrealistische Weise nebeneinander.

Viele von Rosenquists Werken enthalten auch markante politische Botschaften. Rosenquist begann seine Arbeiten, indem er Collagen aus Werbeanzeigen und Ausschnitten von Fotostrecken erstellte. Dann verwandelte er die einfache Collage in ein zusammenhängendes Gemälde.

Rosenquist begann seine künstlerische Laufbahn mit dem Malen von Plakatwänden, und er konnte perfekt in die Darstellung seiner Collagen in monumentalen Maßstäben übergehen. Viele von Rosenquist’s Werken waren 20 Fuß breit oder größer. Indem er alltägliche Bilder aus der Populärkultur in solch einem großen Maßstab aufblähte, konnte Rosenquist das Gewöhnliche in den Status der bildenden Kunst erheben.

Wiederholung: Andy Warhol und die Wiederholung

Wenn Sie an Pop Art denken, wird Ihnen wahrscheinlich der Name Andy Warhol in den Sinn kommen. Warhol ist einer der berühmtesten Pop-Art-Künstler, und sein Stil ist ikonisch und weltweit sofort erkennbar. Warhol ist vielleicht am bekanntesten für seine knallbunten Prominentenporträts. Warhol experimentierte mit vielen verschiedenen Themen während seiner illustren Karriere.

Der rote Faden, der allen seinen Arbeiten zugrunde liegt, ist die Inspiration durch Massenkonsum und Populärkultur. Wiederholung ist ein weiteres Schlüsselelement in Warhols Werk, das die Massenreproduktion innerhalb des modernen Zeitalters kommentiert.

Coca-Cola-Flaschen und Campbell’s-Suppendosen spielen in vielen von Warhols frühesten Arbeiten eine wichtige Rolle. Warhol reproduzierte die Bilder dieser Gegenstände bis ins Unendliche und verwandelte Galeriewände in Supermarktregale. Um die Massenproduktion weiter zu imitieren und zu parodieren, begann Warhol, seine zuvor handgemalten Werke im Siebdruckverfahren herzustellen.

Indem er darauf bestand, seine Werke maschinell herzustellen, lehnte Warhol die Vorstellung von künstlerischer Genialität und Authentizität ab. Stattdessen betonte Warhol die Kommerzialisierung der Kunst in der Moderne und setzte Gemälde mit Dosensuppen gleich. Sowohl Suppe als auch Gemälde können als Konsumgüter gekauft und verkauft werden, und beide haben einen inhärenten materiellen Wert. Warhol ging sogar noch weiter und setzte massenproduzierte Konsumgüter mit prominenten Persönlichkeiten wie Marilyn Monroe gleich.

Eine New Yorker Ausstellung von Andy Warhols Campbell’s Soup Cans (Serie von 42) im Jahr 2007; andrew warhola, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Pop-Skulptur: Claes Oldenburg

Obwohl die Skulptur wie ein perfektes Medium für die Pop Art erscheint, war Oldenburg einer der ganz wenigen Pop-Künstler, die sich damit auseinandersetzten. Heute ist Oldenburg berühmt für seine weichen Skulpturen und riesigen öffentlichen Repliken von alltäglichen Konsumobjekten. Aber viele seiner früheren Arbeiten waren in einem viel kleineren Maßstab. Im Jahr 1961 schuf Oldenburg eine Ausstellung namens The Store, bei der er ein Ladenlokal in New York mietete, in dem er seine kleinen skulpturalen Repliken von Alltagsgegenständen verkaufte.

Kurz nach The Store begann Oldenburg, mit weichen Skulpturen zu experimentieren. Oldenburg benutzte Stoff und Füllmaterial, um große Eistüten, Kuchenstücke, Mixer und andere Konsumgüter zu konstruieren. Diese weichen Skulpturen fielen in sich zusammen, vielleicht als Kommentar auf die Hohlheit von Konsumgütern.

Während seiner gesamten Karriere konzentrierte sich Oldenburg ganz auf alltägliche Gegenstände. Nach seinen weichen Skulpturen begann Oldenburg, große Kunstwerke für den öffentlichen Raum zu schaffen. Seine 1974 entstandene Wäscheklammer-Skulptur in Philadelphia war 45 Fuß hoch. Ein Sinn für das Spielerische, das Alltägliche auf unkonventionelle Weise zu präsentieren, durchdringt alle Werke Oldenburgs, unabhängig von ihrem Maßstab.

Pop Art in Los Angeles

Während New York City der Geburtsort der amerikanischen Pop Art war, hatte Los Angeles seine eigene Marke. Die New Yorker Szene war viel starrer als Los Angeles, das nicht über die etablierten Kritiker und Galerien der amerikanischen Ostküste verfügte. Dieser Mangel an Starrheit übertrug sich auf die Pop-Künstler, die in Los Angeles arbeiteten und lebten.

Im Jahr 1962 veranstaltete das Pasadena Art Museum die erste Pop-Art-Ausstellung. Die Ausstellung New Painting of Common Objects zeigte Werke von Lichtenstein, Warhol und den Künstlern Joe Goode, Ed Ruscha, Robert Dowd und Phillip Hefferton aus Los Angeles.

Es gab eine weitere Pop-Art-Ästhetik, die von Pop-Künstlern aus Los Angeles wie Billy Al Bengston praktiziert wurde. Die Werke dieser Ästhetik nahmen Bezug auf Motorräder und das Surfen und verwendeten neue Materialien wie Autolack. Das Vertraute fremd zu machen, war ein zentrales Thema der Pop Art in Los Angeles.

Indem sie unerwartete und neue Kombinationen von Medien und Pop Art Bildern verwendeten und den Fokus weg von Konsumgütern verlagerten, brachten die Los Angeles Pop-Künstler die Pop-Art über die reine Replikation hinaus. Diese Künstler begannen, bestimmte Haltungen, Gefühle und Ideen in ihren Werken zu evozieren, indem sie ihre Kompositionen auf Erfahrungen gründeten und die Grenzen zwischen Populärkultur und bildender Kunst verschoben.

Beschilderung: Ed Ruscha

Ruscha war einer der führenden Pop-Art-Künstler von Los Angeles, und er verwendete in seinen Werken eine Vielzahl von Medien. Die meisten seiner Werke waren entweder gemalt oder gedruckt, und er verwendete oft Phrasen oder Wörter als Themen seiner frühen Arbeiten, die die Allgegenwart von Los Angeles Beschilderung hervorheben. Ruschas Arbeiten verwischen die Grenzen zwischen Abstraktion, Malerei und Werbeschildern, was die Trennung zwischen Kommerz und Ästhetik untergräbt.

Die meisten von Ruschas Arbeiten sind sehr konzeptionell, und er neigte dazu, sich auf die Idee hinter dem Werk zu konzentrieren, anstatt auf das Bild selbst. Wie bei vielen Pop-Künstlern ging Ruschas Arbeit über die einfache Reproduktion konsumistischer Bilder und Objekte hinaus. Stattdessen untersuchte er die Austauschbarkeit von Erfahrung, Text, Bild und Ort.

Französischer Neuer Realismus

Im Jahr 1960 gründete der Kunstkritiker Pierre Restany die Bewegung des Nouveau Réalisme, indem er die „Konstitutive Erklärung des Neuen Realismus“ verfasste. Dieses Dokument behauptete, dass der Nouveau Réalisme eine neue Art der Wahrnehmung der Realität sei. Neun Künstler, geeint in ihrer Aneignung der Massenkultur, unterzeichneten die Erklärung im Atelier von Yves Klein. Das Prinzip, die Realität der Industrie, des urbanen Lebens und der Werbung poetisch zu recyceln, zeigt sich in den Decollage-Techniken von Villegle. Durch das Durchschneiden von Schichten von Plakaten entstanden neue Bilder.

Die amerikanische Pop Art, die sich mit der kommerziellen Kultur auseinandersetzt, fand ein Echo in der Nouveau Réalisme Bewegung. Allerdings beschäftigten sich diese Künstler eher mit Objekten als mit Gemälden.

Deutscher Kapitalistischer Realismus

Das deutsche Gegenstück zur amerikanischen und britischen Pop Art war die Bewegung des Kapitalistischen Realismus. Sigmar Polke begründete 1963 die Bewegung, die eine massenmediale Ästhetik nutzte, um Objekte der Warenkultur zu untersuchen.

Andere Künstler wie Konrad Leug und Gerhard Richter versuchten, die Oberflächlichkeit und den Konsumismus der modernen kapitalistischen Gesellschaften mit Hilfe von Ästhetik und Bildsprache in ihren eigenen Arbeiten zu entlarven. Richter hinterfragte die Kultur durch die Fotografie, Polke erforschte die kreative Kapazität der maschinellen Produktion und Leug untersuchte die Bildsprache der Popkultur.

Propellerfrau (1969) von Sigmar Polke; Sigmar Polke, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Berühmte Pop Art Stücke

Wie bei jeder Bewegung gibt es auch innerhalb der Pop Art eine große Vielfalt. Die Bewegung beansprucht viele unterschiedliche Künstler für sich, von denen jeder einen wertvollen Beitrag zur Entwicklung der Moderne geleistet hat. In diesem Abschnitt des Artikels erkunden wir einige der berühmtesten Pop Art Werke und untersuchen ihren Beitrag zu einer der bekanntesten Kunstbewegungen des 21. Jahrhunderts.

Eduardo Paolozzi: I was a Rich Man’s Plaything (1947)

Eduardo Paolozzi war ein in Schottland geborener Künstler und Bildhauer, der ein entscheidendes Mitglied der Nachkriegsavantgarde in England war. Im Jahr 1947 vollendete er diese Collage aus populären Bildern, ein Werk, das auf die Pop Art Bewegung hinweist, die nur wenige Jahre später folgen sollte. Paolozzi verwendet in dieser Collage eine Coca-Cola Werbung, das Cover eines Groschenromans und eine Rekrutierungsanzeige für das Militär.

Wie eine Menge britischer Pop Art spiegelt auch dieses Werk einen dunkleren, kritischeren Ton wider. Das Werk ist ein perfektes Beispiel dafür, wie die britische Pop Art die Kluft zwischen der harten politischen und wirtschaftlichen Realität der britischen Nachkriegszeit und dem wohlhabenden Glamour, der in der amerikanischen Popkultur idealisiert wird, reflektiert. Paolozzi wurde Mitglied der Independent Group und ein Großteil seiner Arbeiten untersucht die Auswirkungen von Massenkultur und Technologie auf die feine oder hohe Kunst.

Paolozzis Wahl des Mediums Collage ist eine Anspielung auf die Einflüsse der Fotomontage der dadaistischen und surrealistischen Bewegungen. Indem Paolozzi eine breite Palette von Bildern der Popkultur und Ideen der Pop Art auf einer einzigen Seite zusammenstellt, stellt er die alltägliche Flut von Bildern der Massenmedien in der modernen Welt nach.

Richard Hamilton: Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing? (1956)

Die Collage war eine beliebte Form der frühen Pop Art, und diese Collage von Richard Hamilton ist ein weiteres reichhaltiges Beispiel. Hamilton hat diese Arbeit für die This is Tomorrow Ausstellung 1956 gemacht. Diese Collage war die Werbung für die Ausstellung und wurde auch im Katalog abgebildet. Viele Kritiker bezeichnen diese Collage als das allererste Werk der britischen Pop Art Bewegung.

In der Collage können wir einen modernen Adam und eine moderne Eva sehen. Anstatt biblischer Figuren sind diese beiden eine Burlesque-Tänzerin und ein Bodybuilder. Diese beiden grundlegenden Charaktere befinden sich in einem Milieu moderner Annehmlichkeiten, darunter Dosenschinken, ein Staubsauger und ein Fernseher.

Hamilton hat jedes Element aus Anzeigen in Magazinen ausgeschnitten. Die Szene, die Hamilton erschafft, hält den Konsumismus aufrecht und nutzt ihn gleichzeitig aus. Hamilton bietet auch eine scharfe Kritik an der Dekadenz der amerikanischen Nachkriegszeit.

James Rosenquist: President-Elect (1960-61)

Dieses Gemälde ist das erste Werk auf unserer Liste, das keine Collage ist, aber es begann sein Leben als eine solche. Rosenquist begann dieses Werk mit einer Collage aus drei verschiedenen Elementen. Jedes Element ist aus verschiedenen Massenmedien ausgeschnitten. Das Gesicht von John F. Kennedy, ein gelber Chevrolet und ein Stück Kuchen zieren das Bild. Rosenquist verwandelte dann die Verschmelzung der Konsumobjekte in ein monumentales, fotorealistisches Gemälde.

Rosenquist erklärte, dass er das Gesicht von John F. Kennedy von einem seiner Wahlkampfplakate zusammen mit anderen Elementen aus der Werbung verwendet hat, weil er sich für den plötzlichen Trend interessierte, dass Menschen sich selbst wie Konsumgüter bewerben.

Rosenquist mischt gekonnt die nebeneinanderliegenden Elemente einer Collage in der Malerei und beweist damit sein künstlerisches Talent und seine Fähigkeit, einen markanten kulturellen und politischen Kommentar durch populäre Bilder zu liefern.

Claes Oldenburg: Pastry Case, I (1961-62)

Obwohl die Skulptur nicht das häufigste Medium in der Pop Art Bewegung war, war Oldenburg der berüchtigtste Pop Bildhauer. Wenn du jemals große, spielerisch absurde Skulpturen von unbelebten Objekten oder Lebensmitteln gesehen hast, wurden sie wahrscheinlich von Oldenburg geschaffen.

Apple Core (1992) von Claes Oldenburg; צילום:ד“ר אבישי טייכר, CC BY 2.5, via Wikimedia Commons

Pastry Case, I ist eine Sammlung von Arbeiten, die Oldenburg 1961 in seiner Installation The Store ausstellte. The Store war ein Laden an der Lower East Side in New York, in dem Oldenburg skulpturale Objekte schuf und ausstellte. Oldenburgs kandierte Äpfel aus Gips, Erdbeer-Shortcakes und andere Gebrauchsgegenstände wurden in seiner shopähnlichen Installation ausgestellt.

Oldenburgs Stücke waren nicht nur kommerzielle Produkte, sondern er verkaufte sie auch in The Store zu sehr niedrigen Preisen. Die Installation und die Pastry Case I Kollektion kommentieren die Beziehung zwischen kommerziellen Waren und Kunst als Gebrauchsgegenstand. Obwohl Oldenburg diese Stücke so verkaufte, als wären sie massenhaft produzierte Konsumgüter, waren sie alle in feinster Handarbeit hergestellt.

Oldenburg hat noch eine weitere Kulturkritik in diese Stücke eingebaut, und zwar durch die üppigen, ausdrucksstarken Pinselstriche, mit denen er jedes Objekt malt. Viele glauben, dass diese Pinselstriche die Arbeit der abstrakten Expressionisten verhöhnen. Die Kritik am Abstrakten Expressionismus zieht sich wie ein roter Faden durch die Pop Art. Oldenburg schafft eine ironische Umgebung, indem er sehr kommerzielle Gegenstände mit expressionistischen Pinselstrichen kombiniert.

Roy Lichtenstein: Drowning Girl (1963)

Zu Beginn der 1960er Jahre wurde Lichtenstein immer berühmter. Lichtenstein spezialisierte sich auf Gemälde, die auf populäre Comics zurückgreifen, und „Drowning Girl“ ist eines seiner bekanntesten Werke. Vor Lichtenstein hatte sich noch kein Pop-Künstler ausschließlich auf Cartoon-Bilder konzentriert. Andere Künstler wie Jasper Johns und Robert Rauschenberg hatten beide schon vorher populäre Bilder in ihren Werken verwendet, aber Lichtenstein war der erste, der sich auf Cartoons konzentrierte.

Es waren die Arbeiten von Lichtenstein und Andy Warhol, die den Beginn der Pop Art Bewegung einläuteten. Während Lichtenstein ausschließlich mit Comics arbeitete, kopierte er sie nicht direkt von ihren Quellen. Stattdessen benutzte er komplizierte Techniken, indem er Comic-Bilder beschnitt, um neue und aufregende Kompositionen zu schaffen. Lichtenstein veränderte auch die Schrift in jedem seiner Bilder, verdichtete sie und wies auf die visuelle Bedeutung der Schrift im Comic-Genre hin.

Drowning Girl ist ein gutes Beispiel für diese Technik, denn das ursprüngliche Bild enthielt den Freund des Mädchens, der über ihr auf einem Boot stand. In seinen Gemälden macht sich Lichtenstein diese Aspekte der kommerziellen Kunst wieder zu eigen. Damit stellt er bestehende Ansichten über die Hierarchie der Kunstformen in Frage.

Wie bei vielen Pop Art Gemälden ist es unklar, ob Lichtenstein die Comicform in seinen Gemälden befürwortet oder kritisiert. Befürwortet er den Comic-Stil und ahmt ihn nach, um seinen Wert zu steigern, oder ist es eine vernichtende Kritik? Die Antwort auf diese Frage bleibt der Interpretation des Betrachters überlassen.

Sigmar Polke: Bunnies (1966)

Sigmar Polke war eine bedeutende Figur des deutschen Kapitalistischen Realismus, der 1963 die Bewegung mitbegründete. Zusammen mit anderen Künstlern wie Konrad Leug und Gerhard Richter begann Polke Bilder der Populärkultur zu malen. Diese Bilder strahlen einen kühlen Zynismus über den Zustand der deutschen Wirtschaft nach dem Zweiten Weltkrieg aus. Diese Pop Art Bilder rufen auch ein Gefühl von echter Nostalgie für die Bilder selbst hervor.

Während Lichtenstein begann, Benday-Punkte zu replizieren, begann Polke, kommerzielle Vierfarbdruck-Punktmuster zu imitieren. In seinem Gemälde Bunnies stellt Polke ein Bild des Playboy Clubs mit vier kostümierten Hasen nach. Die Störung der Punktdrucktechnik auf der Leinwand unterbricht die Massenvermarktungseffekte des sexuellen Reizes. Je näher der Betrachter an die spärlich bekleideten Frauen herankommt, desto weniger kann er sehen.

In den meisten seiner Gemälde lädt Polke nicht zur persönlichen Identifikation des Betrachters ein. Stattdessen werden Polkes Bilder zu Allegorien für den Verlust des Selbst in der Flut der kommerziellen Bilder. Die Dissonanz zwischen der gesteigerten Sexualität der Playboy-Häschen und den Punktmustern spiegelt den Konflikt zwischen der Sehnsucht nach dem massenkommerziellen modernen Leben und der gleichzeitigen Abscheu vor dieser Idee wider.

Im Vergleich zu den New Yorker Pop-Künstlern ist Polkes Arbeit viel offener kritisch gegenüber dem Konsumismus innerhalb der Populärkultur. Diese Ansichten sind in der Bewegung des Kapitalistischen Realismus verwurzelt. Anstatt abgeschirmte und leicht verdeckte Kritik an der Populärkultur zu üben, geht Polke sie frontal an.

Ein Foto von Dieter Frowein Lyasso (links) und Sigmar Polke (rechts) irgendwann nach 2000; Cornel Wachter, Public domain, via Wikimedia Commons

Ed Ruscha: Standard Station (1966)

An der Westküste Amerikas war Ed Ruscha einer der prominentesten Pop-Fotografen, Grafiker und Maler. Viele von Ruschas Arbeiten sind eine einzigartige und farbenfrohe Mischung aus Hollywood-Bildern, der Landschaft des Südwestens und der kommerziellen Kultur. Die Tankstelle, wie die in Standard Station, ist ein häufiges Motiv in seinen Arbeiten. Tatsächlich dokumentiert Ruscha in seinem Buch Twentysix Gasoline Stations (1963) einen Roadtrip, den er durch die Landschaft des Südwestens unternahm.

In diesem Bild ist Ruscha in der Lage, das gewöhnliche und prosaische Bild einer Tankstelle in ein Emblem der amerikanischen Konsumkultur zu verwandeln. Ruscha druckt dieses Bild im Siebdruck, was die Perspektive verflacht und die kommerzielle Werbeästhetik widerspiegelt. Es ist auch möglich, Ruschas frühe Experimente mit dem Zusammenspiel von Text und Sprache zu sehen. In seinen späteren Arbeiten würde Ruscha auf diesen frühen Experimenten aufbauen und Sprache würde ein integraler Bestandteil seiner konzeptionellen Arbeiten werden.

Cover of Twentysix Gasoline Stations (1962) von Edward Ruscha; Edward Ruscha, Public domain, via Wikimedia Commons

David Hockney: A Bigger Splash (1967)

Hockney schuf diese beachtliche Leinwand von 94 Quadratzentimetern nach einem Referenzfoto in einem Pool-Magazin. Für Hockney war die Idee, dass es möglich ist, ein flüchtiges Ereignis von einem Foto in einem Gemälde einzufangen, faszinierend. Während der Moment des Spritzens kurz war, war der Prozess des Malens viel länger. Hockney schafft es, die statische Starrheit des geometrischen Hauses, der Palmen, des Poolrands und des leuchtend gelben Sprungbretts mit der Dynamik des Wasserspritzers zu kontrastieren. Das Ergebnis ist ein absichtlich unzusammenhängendes Gefühl.

Die künstliche Stilisierung dieses Gemäldes ist typisch für den Pop Art Stil.

Andy Warhol: Campbell’s Soup I (1968)

Dieses Gemälde ist eines aus einer ganzen Serie auf Campbell’s Soup Cans von Andy Warhol. Im Gegensatz zu den Werken der Abstrakten Expressionisten, hatte Warhol nie die Absicht, dass die Leute diese Gemälde für ihren kompositorischen Stil oder ihre Form feiern sollten.

Warhol ist einer der berühmtesten Pop-Künstler, und er ist am besten dafür bekannt, dass er universell erkennbare, populäre Bilder in einem Kunstkontext verwendet. Zusätzlich zu seiner Serie auf Campbell’s Soup Cans, verwendete Warhol auch das Gesicht von Marilyn Monroe, Mickey Mouse und anderen berühmten Figuren.

Eine Andy Warhol Sonderedition von Campbell’s Suppen; Foto: Jonn Leffmann, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Indem er diese verschiedenen populären Bilder in einem sich wiederholenden Stil präsentierte, schuf Warhol ein Gefühl der Massenproduktion im Kontext der schönen oder hohen Kunst. Für Warhol ging es nicht darum, populäre Bilder hervorzuheben oder zu feiern, sondern vielmehr darum, einen sozialen Kommentar zum Konsumverhalten abzugeben. In der heutigen Zeit werden Waren wie Berühmtheiten, Suppe und Cartoons mit einem einzigen Blick identifizierbar.

Obwohl Warhol diese frühe Serie malte, wandte er sich schnell dem Siebdruck zu. Der Siebdruck war nicht nur viel wirtschaftlicher, sondern er konnte seinen massenproduzierten Waren ein noch größeres Gefühl der Massenproduktion verleihen. In Warhols erster Einzelausstellung in Los Angeles präsentierte er 100 Leinwände mit Campbell’s Soup Cans. Diese Ausstellung in der Ferus Gallery brachte Warhol sofort auf die Weltkarte und katapultierte ihn zu größeren Höhen.

Pop Art ist sicherlich eine der bekanntesten Kunstbewegungen des 21. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Im Zuge des globalen Krieges und der Not war die Bewegung eine durch und durch moderne Auseinandersetzung mit dem wachsenden Konsumverhalten und dem Exzess der modernen Welt. Hinter den leuchtenden Farben, den verspielten Kompositionen und der absurden Ästhetik verbirgt sich eine schneidende Kulturkritik.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.