Andy Warhol – Die Biographie und seine bekanntesten Werke

Bevor Andy Warhols Kunstwerke in Galerien zu sehen waren, war er bereits ein äußerst produktiver Werbezeichner. Andy Warhols Gemälde von Markenartikeln und Berühmtheiten haben ihn in die obersten Ränge der Pop-Art-Gemälde befördert. Wie hoch war Andy Warhols Nettovermögen und wie wurde er weltweit so bekannt? Die Antwort auf diese Fragen und viele weitere faszinierende Fakten erfährst du in unserer ausführlichen Andy Warhol-Biografie und in den Abschnitten über seine Kunstwerke.

Eine Andy Warhol-Biografie

Andy Warhols Kunstwerke aus seiner Zeit als Werbegrafiker gelten neuerdings als die ersten Werke, mit denen er lernte, den Publikumsgeschmack zu beeinflussen. Seine Zeichnungen aus dieser Zeit waren typischerweise komisch, ornamental und schrullig, ganz im Gegensatz zu dem kalten und mechanischen Geist seiner Pop-Art-Gemälde. Er stieg aus dem Elend und der Unsicherheit eines osteuropäischen Auswandererhaushalts in Pittsburgh zu einem faszinierenden Leuchtturm der New Yorker Gegenkultur und schließlich zu einer Position in der High Society auf.

Viele sahen in Andy Warhols Aufstieg ein Echo auf die Bestrebungen der Pop Art: die vorherrschende Ästhetik und Themen in die elitären Galerien der bildenden Kunst zu bringen. Sein größter Erfolg war, dass er sein eigenes Bild zur öffentlichen Ikone erhob, was einen neuen Grad an Bekanntheit und Beliebtheit für den großen Künstler bedeutete.

Kindheit

Andy Warhola wurde in der Region Pittsburgh in einer Einwandererfamilie geboren, die ursprünglich aus der Tschechoslowakei stammte. Warhola war schon als Kind ein kluger und künstlerischer Junge. Seine Mutter, die selbst Hobbymalerin war, unterstützte seine kreativen Neigungen, indem sie ihm im Alter von neun Jahren seine erste Kamera kaufte. Berichten zufolge litt er an einer Geisteskrankheit, die ihn für längere Zeit an sein Haus fesselte. In all diesen Momenten hörte er Radio und umgab sich mit Bildern von Hollywood-Berühmtheiten.

Diese frühe Einführung in das Zeitgeschehen, so sagte er später, hat seine Fixierung auf die Popkultur und die Prominenz gefördert.

Als Warhol 14 Jahre alt war, starb sein Vater und bestimmte, dass das Familienvermögen ausschließlich für die weitere Ausbildung eines der Brüder verwendet werden sollte. Die Familie war der Meinung, dass Warhola am meisten von einer College-Ausbildung profitieren würde.

Frühe Ausbildung

Nach dem Highschool-Abschluss im Alter von 16 Jahren schrieb sich Warhol an der Carnegie Mellon University ein, wo er eine formale Ausbildung in visuellem Design erhielt. Schon bald nach seinem Abschluss, 1949, zog er nach New York City, um als Werbegrafiker zu arbeiten. Sein erster Job war für die Zeitschrift Glamour, für die er einen Artikel mit dem Titel „Success is a Job in New York“ verfasste.

Durch die 1950er Jahre hindurch behielt Warhol eine profitable kommerzielle Illustrationskarriere bei und arbeitete für Zeitschriften wie „Vogue“ und „The New Yorker“.

Foto von Andy Warhol in New York im Jahr 1950; [1], Public domain, via Wikimedia Commons

Andy Warhol änderte Anfang der 1950er Jahre seinen Nachnamen von Warhola in Warhol und beschloss, sich als professioneller Künstler selbstständig zu machen. Seine Kenntnisse und Fähigkeiten im Bereich der Unternehmenskunst und sein Engagement in der amerikanischen Pop-Gesellschaft beeinflussten seine bemerkenswertesten Werke. Warhol nahm neue aufstrebende Künstler zur Kenntnis, vor allem Jasper Johns und Robert Rauschenberg, deren Arbeiten ihn motivierten, seine eigene künstlerische Erkundung auszuweiten.

Warhol begann 1960 mit der Verwendung von Werbe- und Comic-Panels in seinen Kunstwerken. Diese frühen Pop-Art-Werke zeichneten sich durch gefühlsbetonte und künstlerische Techniken aus, mit deutlich erkennbaren Pinselstrichen.

Diese Techniken sollen auch vom Abstrakten Expressionismus inspiriert worden sein. Dennoch zeigen seine späteren Werke, wie zum Beispiel die Brillo Boxes (1964), eine starke Reaktion auf den Abstrakten Expressionismus, indem sie praktisch alle Hinweise auf die Handarbeit des Künstlers beseitigen.

Reifezeit

Seine produktivste Phase begann im September 1960, nachdem er in ein Haus in Manhattan umgezogen war. In seinem vorherigen Zuhause hatte er keine ausgewiesene Werkstattumgebung, doch jetzt gab es reichlich Platz zum Arbeiten. Um beim Thema Werbung und Comics zu bleiben, basierten Andy Warhols Gemälde in den frühen 1960er Jahren meist auf grafischen Darstellungen aus Nachrichten und Grafiken. Indem er freihändig malte, zeichnete er das Bild mit Farbe direkt auf die Leinwand, ohne eine Bleistiftzeichnung darunter zu benötigen. Infolgedessen sind Warhols frühe Werke von 1961 oft malerischer.

Im Jahr 1961 begann er mit der Arbeit an den berühmten Campbell’s Soup Can Werken. Für die Serie verwendete er verschiedene Verfahren, aber der Großteil entstand, indem er Referenzfotos auf Leinwände projizierte, sie mit einem Bleistift reproduzierte und anschließend übermalte.

Mit dieser Methode gelang es Warhol, den Großteil seiner Handschrift zu verbergen. 1962 begann Warhol mit dem Siebdruck zu experimentieren. Die Schablonenmethode bestand darin, ein Bild auf ein poröses Sieb zu drucken und dann mit einem Gummischwamm Farbe oder Tinte aufzutragen.

Ähnlich wie bei den Schablonen, die er für die Campbell’s Soup Can-Bilder verwendete, konnte er das Motiv mehrmals auf demselben Bild wiederholen und so ein serielles Bild erzeugen, das an die Massenproduktion erinnert. In der Regel begann er das Werk mit dem Auftragen einer Farbschicht, die nach Fertigstellung des Schablonenbildes zu diesem passen sollte.

Foto von Andy Warhol mit Archie, seinem Lieblingsdackel, aufgenommen 1973; Jack Mitchell, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Seine ersten Siebdrucke wurden sowohl auf der Vorder- als auch auf der Rückseite von Banknoten abgebildet, und er nutzte dieses Verfahren auch für mehrere Serien von Bildern anderer Konsumgüter und kommerzieller Dinge. Fracht- und Verarbeitungsetiketten, Limonadenflaschen, Aufkleber auf Kaffeebehältern, Seifenkistenetiketten und Autos wurden von ihm dargestellt. Ab Herbst 1962 begann er mit der Herstellung von Fotosiebdrucken, bei denen er ein Foto auf poröse Siebdruckplatten kopierte.

Baseball (1962) war sein erstes Werk, und viele der folgenden verwendeten häufig alltägliche oder verblüffende Bilder aus Boulevardzeitungen von Autounfällen und Bürgerrechtsdemonstrationen, Bargeld und Haushaltsgegenständen. 1964 zog Warhol in das Gebäude, das er „The Factory“ nannte. Da er zu diesem Zeitpunkt bereits als Künstler bekannt war, konnte er viele Arbeiter einstellen, die ihm bei der Fertigstellung seiner Werke halfen.

Jetzt konnte er seine Hand definitiv von der Leinwand nehmen und monotone, massenproduzierte Werke schaffen, die keinen Wert zu haben schienen und die Frage aufwarfen: „Was macht Kunst aus?“ Das war ein Gedanke, der ursprünglich von Warhols Held Marcel Duchamp vorgeschlagen wurde.

Warhol interessierte sich schon lange für Hollywood, wie man an seinen klassischen Bildern von Elizabeth Taylor und Marilyn Monroe sieht. Er beschäftigte sich auch mit Installationen, vor allem als er Brillo-Boxen in ihren Originalmaßen reproduzierte und ihre Etikettenmotive im Siebdruckverfahren auf Sperrholzplatten druckte.

Warhol begann 1963 mit dem Kino zu arbeiten, um seine Erkundung anderer Medien fortzusetzen. Zwei Jahre später kündigte er während einer Tournee für eine Ausstellung seiner Gemälde an, dass er aufhören würde zu malen, um sich nur noch auf Filme zu konzentrieren.

Obwohl er seine Vision nie ganz verwirklichte, drehte er mehrere Filme, von denen die meisten mit den Warholstars besetzt waren, einer eklektischen und vielseitigen Gruppe von Menschen, die The Factory besuchten und für ihren ungewöhnlichen Lebensstil bekannt waren.

1967 entwarf er außerdem ein Konzept namens The Exploding Plastic Inevitable (EPI). Das EPI war ein multimediales Event, das die Musikgruppe The Velvet Underground mit Filmvorführungen, Beleuchtung und Tänzern kombinierte und in einer sinnlichen theatralischen Begegnung endete. Warhol hatte schon seit den 1950er Jahren Publikationen im Selbstverlag herausgegeben, aber Andy Warhol’s Index, sein erstes massenproduziertes Buch, wurde 1967 veröffentlicht. In der Folgezeit schrieb er zahlreiche weitere Bücher und gründete 1969 zusammen mit seinem Kollegen Gerard Malanga das Magazin Interview.

Foto von Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Bruno Bischofberger, und Fransesco Clemente in New York, 1984; Galerie Bruno Bischofberger, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Das Magazin, das sich den Prominenten widmet, wird auch heute noch gedruckt. Damit war das Ende der Factory-Szene in den 1960er Jahren eingeläutet. Warhol suchte daraufhin Gesellschaft in der New Yorker Oberschicht, und die meiste Zeit der 1970er Jahre bestanden Andy Warhols Kunstwerke vor allem aus Auftragsporträts, die aus gedruckten Polaroidbildern hergestellt wurden. Die bemerkenswerteste Ausnahme ist seine berühmte Mao-Serie, die als Reaktion auf die China-Reise von Präsident Richard Nixon entstanden ist.

Ohne den Glanz und die Marktattraktivität seiner frühen Bilder hielten Kritiker Warhol für einen Ausverkauf seines kreativen Genies, und diese spätere Phase wurde als Periode des Niedergangs betrachtet. Für Warhol hingegen war der finanzielle Erfolg ein wesentliches Ziel. Zu diesem Zeitpunkt hatte er sich erfolgreich vom Grafikdesigner zum Unternehmenskünstler entwickelt.

Spätes Leben und Tod

In den späten 1970er und frühen 1980er Jahren kehrte Andy Warhols Malerei zurück und schuf Werke, die gelegentlich an Abstraktion grenzten. Seine Oxidation Painting Sequenz, die durch das Pinkeln auf eine Leinwand mit Kupferfarbe entstand, spiegelte die Unmittelbarkeit der Abstrakten Expressionisten und die rohe Energie von Jackson Pollocks Drip Painting wider.

In seinen späteren Jahren griff Warhol auf religiöse Themen zurück; besonders bekannt ist seine Darstellung von „Das letzte Abendmahl“ von Leonardo da Vinci.

Grabstein von Andy Warhol auf dem St. John the Baptist Byzantine Catholic Cemetery, Pittsburgh; Allie Caulfield, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Warhol verband in diesen Werken das Heilige mit dem Profanen, indem er übergroße Logos von Unternehmen mit Bildern von Christus und seinen Aposteln kontrastierte. Warhol starb am 22. Februar 1987 im Alter von 58 Jahren an den Folgen einer Gallenblasen-Behandlung. Er wurde in seinem Geburtsort Pittsburgh beigesetzt. Außerdem nahmen 2.000 Menschen an Warhols Zeremonie in der St. Patrick’s Cathedral teil.

Vermächtnis

Warhol nutzte die Populärkultur und die Methoden der Unternehmen, um Kunst zu schaffen, die bei einem breiten Publikum Anklang fand, und lehnte die utopischen Ideen und intimen Gefühle ab, die durch die Abstraktion dargestellt wurden. Er war einer der Begründer des Pop-Art-Genres und führte Duchamps Ansichten weiter, indem er die grundlegende Bedeutung der Kunst angriff.

Seine kreativen Risiken und seine beharrliche Innovation bei Themen und Medien machten ihn zu einem Vorreiter in fast allen Bereichen der bildenden Kunst. Sein einzigartiges Gespür für Mode, Berühmtheit und Gesellschaft verhalf ihm zu dem angestrebten Megastar-Status.

1994 wurde das Andy Warhol Museum in Pittsburgh, Pennsylvania, eröffnet, das eine umfangreiche Sammlung von Andy Warhols Gemälden enthält. Die berühmten Siebdruckbilder, mit denen sich Warhol in den frühen 1960er Jahren als Pop-Maler etablierte, sind immer noch sehr umstritten. Seine Death and Disaster Serie sowie seine Marilyn Bilder werden von vielen als authentische Darstellungen seiner Ängste angesichts der öffentlichen Ereignisse angesehen. Andere wiederum betrachten sie als frühe Anzeichen von „Mitleidsmüdigkeit“ oder der verminderten Fähigkeit der Bevölkerung, mit Umständen mitzufühlen, die weit von ihnen entfernt sind.

Wieder andere betrachten seine Fotos als Projektionsfläche, die zwischen uns und abscheulichen Ereignissen platziert wird, um Traumata einzufangen und zu verarbeiten.  Obwohl sich Künstler das ganze 20. Jahrhundert hindurch an die Popkultur angelehnt haben, stellten die Bilder der Pop Art eine bedeutende neue Stufe in der Trennung von niederen und höheren Kunstformen dar.

Andy Warhols Kunstwerke aus den frühen 1960er Jahren waren entscheidend für diesen Fortschritt, aber es ist fraglich, ob seine späteren Praktiken ebenso einflussreich waren, um die Auswirkungen der Pop-Art-Gemälde auf andere Bereiche auszuweiten und die Grenzen zwischen dem hohen Kunsthandwerk und der vorherrschenden Kultur weiter zu dezimieren.

Trotz der Tatsache, dass Warhol während seiner Karriere weiterhin mit Unterbrechungen Gemälde produzierte, „zog“ er sich 1965 aus dem Medium zurück, um sich auf die Herstellung experimenteller Filme zu konzentrieren. Diese Filme haben nach Jahren der Isolation in jüngster Zeit internationale Bekanntheit erlangt, und Warhol wird heute als einer der bedeutendsten Regisseure des Jahrhunderts und als Gründervater des Indie-Kinos anerkannt. Kritiker haben Warhols Karriere in der Regel als rückläufig betrachtet, nachdem er 1968 von Valerie Solanas angegriffen wurde.

Sie haben seinen frühen Werken den Vorrang vor den Dingen gegeben, die ihn in späteren Jahren beschäftigten, wie Partys, Sammeln, Veröffentlichen und das Erstellen von Auftragsporträts. Andere wiederum sind der Meinung, dass alle Initiativen Warhols sein wichtigstes Vermächtnis darstellen, da sie die vielen Hobbys, Beschäftigungen und Initiativen vorwegnehmen, die Künstler heute beschäftigen.

Andy Warhols Kunstwerke

Anfang der 1960er Jahre galt die Pop Art als innovatives Genre, das von verschiedenen Künstlerinnen und Künstlern separat aufgegriffen wurde; einige dieser Vorläufer sollten später mit dem Trend identifiziert werden. Warhol übernahm diesen neuen Ansatz, bei dem allgemeine Themen in die Palette des Künstlers aufgenommen werden können. Auf diesen Ursprüngen baute er seinen späteren Stil und seine Themen auf. Anstatt sich auf ein bestimmtes Thema zu konzentrieren, wie er es anfangs tat, konzentrierte er sich auf einen einzigartigen Stil und entfernte allmählich das Handwerkliche aus seinem künstlerischen Ansatz.

Coca-Cola 3 (1962)

„Ich mache einfach Dinge, die ich schon immer schön fand, Dinge, die man jeden Tag benutzt und über die man nicht nachdenkt.“ Diese Bemerkung Warhols bringt seinen Ansatz auf den Punkt: Seine Kunstwerke stellen Alltagsgegenstände in den Mittelpunkt. Das trifft auch auf das handgemalte Bild einer Limonadenflasche zu.

Eine weitere Herausforderung an die Dominanz des Abstrakten Expressionismus: Warhols „Coca-Cola“ hat die gleiche Größe wie viele der berühmten Gemälde dieser Zeit, aber es fehlen die Abstraktionen.

Es gibt aber auch noch weitere Parallelen. Coca-Cola besteht wie die ikonische Gemäldeserie Stations of the Cross von Barnett Newman aus einer massiven, schwarzen Masse auf weißem Hintergrund. Die Flasche schreit den Betrachter an und sucht die gleiche Aufmerksamkeit wie Motherwells tiefe Leinwände – und doch regiert die Ironie.

Gold Marilyn Monroe (1962)

Marilyn Monroes Leben, ihr Beruf und ihre Trauer wurden zu einem nationalen Thema, nachdem sie im August 1962 an einer Überdosis Schlaftabletten gestorben war. Warhol, der von Berühmtheiten und Popkultur besessen war, besorgte sich ein Schwarz-Weiß-Werbefoto von ihr und nutzte es für mehrere Bilderserien.

Alle „Marilyn“-Kunstwerke hatten die Prämisse, dass Monroes Bild immer wieder vervielfältigt wurde, so wie es damals in Zeitungen und Publikationen veröffentlicht wurde.

Nachdem er Dutzende oder Hunderte solcher Fotos gesehen hat, sieht der Betrachter nicht mehr die abgebildete Person, sondern ein Symbol der populären, kommerziellen Kultur. Das Bild wurde in eine andere Müslischachtel im Verkaufsregal verwandelt, eine von Hunderten identischer Schachteln. In Gold Marilyn Monroe erweitert Warhol den Begriff der Ikonografie, indem er Marilyns Gesicht auf einen riesigen goldfarbenen Hintergrund setzt.

Der Hintergrund erinnert an byzantinische religiöse Ikonen, die auch heute noch im Mittelpunkt des orthodoxen Glaubens stehen. Anstelle einer Gottheit sehen wir das Bild einer Dame, die zu Ruhm aufstieg und bei einer schrecklichen Katastrophe starb, was bei näherer Betrachtung etwas knallig wirkt.

Warhols Werk übt leise Kritik daran, dass unsere Gesellschaft Superstars in den Bereich des Heiligen erhebt. Auch hier nutzte der Pop-Künstler alltägliche Gegenstände und Bilder, um sehr spezifische Einblicke in die Werte und die Umwelt seiner Zeitgenossen zu geben.

Schlaf (1963)

In einer Ära des unglaublichen Erfindungsreichtums in den frühen 1960er Jahren machte sich Warhol daran, den Status quo mit Hilfe eines anderen Mediums, dem Kino, auf den Kopf zu stellen. Im Laufe seiner Karriere produzierte Warhol über 650 Filme zu den unterschiedlichsten Themen. Seine Filme wurden von der Kunstwelt gelobt, und ihr Einfluss ist auch heute noch in der darstellenden Kunst und im experimentellen Kino zu erkennen. Tilda Swinton trat 2013 in einer Kunstinstallation im Museum of Modern Art (MoMA) auf, in der sie in einem Glaskäfig schlief, während die Schriftstellerin, Schauspielerin und Filmemacherin Lena Dunham kürzlich ihren Wunsch äußerte, Sleep, zu duplizieren, aber mit sich selbst im Mittelpunkt.

„Sleep“ ist eines der ersten Werke des Schöpfers und sein erster Versuch, einen Erfahrungsfilm zu drehen, der zu einem seiner Markenzeichen wurde. Der sechsstündige Film beschäftigt sich mit den Schlafgewohnheiten von John Giorno, der zu dieser Zeit Warhols Freund war.

Der Zuschauer sieht Giorno durch Warhols Augen, wobei in jeder Szene ein Streifen von Giornos nacktem Oberkörper zu sehen ist. Obwohl es wie eine fortlaufende Bildfolge aussieht, handelt es sich in Wirklichkeit um Filmrollen, die übereinander gelegt, zusammengefügt und geloopt wurden. Warhols Arbeit drehte sich um Wiederholungen und seine Besessenheit vom Banalen.

Jeder Mensch braucht Schlaf, und Warhol hat einmal mehr Alltägliches in kreativen Ausdruck verwandelt.

In der Chronologie von Warhols Filmen folgen Empire und Eat (1965) auf Sleep. Empire ist eine achtstündige Dokumentation über das Empire State Building bei Sonnenuntergang, während Eat ein 45-minütiger Kurzfilm über eine Person ist, die einen Pilz isst. Warhols Themen waren so vielfältig wie seine Filmografie und befassten sich auch mit offenkundigeren Aspekten wie der homosexuellen Kultur.

Orange Car Crash Fourteen Times (1963)

Orange Car Crash ist Teil von Warhols Serie, die ihn damals am meisten beschäftigte. Er verwendete oft grausame und gewalttätige Fotos aus Tageszeitungen und brachte sie mit dem Foto-Siebdruckverfahren auf die Leinwand. Die Wiederholung, die Fragmentierung und der Verfall des Bildes sind nicht nur wichtig, um die Wirkung der Bilder zu erzeugen, sondern auch um das Bild zu säubern.

Wenn ein Betrachter das gewalttätige Foto zum ersten Mal sieht, ist er oder sie erschüttert und verängstigt, aber wenn er oder sie das Foto immer wieder sieht, schwächt das die Kraft des Bildes, da der Anblick der Tragödie zu einem weiteren Massenbild wird.

Der Kunstkritiker Christopher Knight hat eine alternative Herangehensweise an dieses und andere Bilder aus Warhols Death and Disaster-Serie vorgestellt. Der gezeigte Autounfall ähnelt frappierend dem Foto von Jackson Pollocks Tod bei einem Autounfall auf Long Island im Jahr 1956.

Warhol sagt den Betrachtern, dass der Abstrakte Expressionismus nicht mehr lebendig ist. Vielleicht ging es Warhol also weniger um populäre Kunst, sondern vielmehr darum, sehr präzise und exklusive Kommentare zur Kunstwelt abzugeben. Auch in Warhols Electric Chair Serie gibt es ein „Silence“-Schild an der Rückseite des gezeigten Elektroschockraums, das Warhol mit John Cages modernistischen Arbeiten mit Klängen in Verbindung bringt.

Außerdem ist Warhols „Race Riot“-Serie eine Reaktion auf zeitgenössische Maler wie Robert Rauschenberg, Jackson Pollock, Ad Reinhardt und Frank Stellas zahlreiche ikonische abstrakte Werke, die Black Series genannt werden.

Brillo Boxes (1964)

Wieder mit dem Siebdruckverfahren, aber diesmal auf Sperrholz, zeigte Warhol dem Betrachter genaue Kopien von Alltagsgegenständen, die man in Wohnungen und Geschäften sieht. Diesmal sind seine Kunstwerke stapelbar; es sind Skulpturen, die in der Galerie auf verschiedene Arten gestapelt werden können – dennoch ist jede Kiste identisch; eine ist nicht besser als die andere.

Anstatt der Aneinanderreihung leicht unterschiedlicher Bilder, die viele große Maler geschaffen haben (man denke an Monets Heuhaufen oder Kathedralen), betont Warhol, dass diese Dinge alle gleich und (seiner Meinung nach) wunderbar sind!

Indem er diese Objekte in seiner „Fabrik“ herstellt, verhöhnt Warhol die Kunstwelt und den Künstler-Schöpfer einmal mehr (oder regt sie auf wunderbare Weise an). Warhol hatte eine besondere Vorliebe für Brillo-Boxen. Warhol wurde in Pittsburg geboren, einer Stahlstadt, die einst wohlhabend war, heute aber in einem Zustand der Verwahrlosung ist. Brillo ist Stahlwolle, eine Substanz, die üblicherweise von Frauen benutzt wurde, um das Küchengeschirr ihrer prächtigen amerikanischen Häuser auf Hochglanz zu bringen.

Schätzte Warhol das Produkt selbst, oder fand er die Auslagen im Einzelhandel lächerlich, oder liebte er als homosexueller Mann die Gegenüberstellung von Stahl und Wolle in einer einladenden Verpackung?

Campbell’s Soup 1 (1968)

In den 1960er Jahren war die New Yorker Kunstindustrie in einen Trott verfallen, und die höchst einzigartigen und begehrten Gemälde der Abstrakten Expressionisten waren zum Klischee geworden. Warhol gehörte zu den Malern, die es für ihre Aufgabe hielten, die Grafik wieder in ihre Werke zu integrieren. Die Galeristin und Innenarchitektin Muriel Latow empfahl Warhol, Gegenstände zu malen, die die Menschen täglich benutzen, und so kam er auf die Idee, Suppendosen zu malen.

Von 1962 bis 1964 schuf er die berühmten Suppendosen, Brillo-Boxen und Limoflaschen.

Er begann seine Arbeit im Bereich des kommerziellen Designs für Verbraucher und wurde zu einem großen Erfolg. Er nutzte sein Fachwissen, um ein Bild zu entwickeln, das sowohl sofort erkennbar als auch ästhetisch interessant ist. Konsumgüter und kommerzielle Bilder überschwemmten das Leben der Amerikaner mit dem Reichtum der damaligen Zeit, und Warhol machte sich daran, diesen Überfluss mit Bildern aus der Werbung sanft nachzubilden.

Er replizierte das Gefühl, in einem Geschäft zu sein, auf die Leinwand. Warhol wird zugeschrieben, einen neuen Kunststil entwickelt zu haben, der das Kaufverhalten seiner Zeitgenossen und der heutigen Kunden lobte (und gleichzeitig kritisierte).

Mao (1973)

In diesem Porträt von Mao Zedong mischt Warhol Farbe und Siebdruck. Es gehört zu einer Serie, die er als Reaktion auf die China-Reise von Präsident Richard Nixon 1972 entwickelte. Warhol benutzte ein Schwarz-Weiß-Foto von Mao aus seinem Kleinen Roten Buch, um Hunderte von Gemälden zu malen, die den autoritären Herrscher in verschiedenen Größen zeigen.

Einige dieser Kunstwerke sind von gewaltigem Ausmaß und stellen den herrschsüchtigen Charakter von Maos Autorität über China sowie den unglaublichen Personenkult dar, den Mao besaß.

Dieser gigantische Maßstab erinnert auch an die gewaltigen propagandistischen Bilder, die in ganz China und während der Kulturrevolution zu sehen waren. Indem Warhol jedoch Hunderte von identischen Fotos anfertigte und sie an der Wand anordnete, verwandelte er die Bilder von Mao in eine Supermarktware, ähnlich wie Coca-Cola-Flaschen in den Regalen. Warhols Mao ist jetzt eine Konsumware, ein Grundpfeiler des Kapitalismus – oder genau das Konzept, das Kommunisten ablehnen.

Warhol geht noch einen Schritt weiter. Die Graffiti-ähnlichen Farbspritzer, das scharlachrote Rouge und der blaue Lidschatten „entstellen“ Maos Bild – ein Akt des Trotzes gegen die kommunistische Desinformationskampagne, indem er ihr eigenes gelobtes Image gegen sich selbst ausspielt.

Als weiteren Witz verwendet Warhol Tropen der modernen Kunst wie die ausdrucksstarken Pinselstriche um Maos Gesicht. Die Pinselstriche sind ein Symbol für persönlichen Ausdruck und kreative Freiheit – die gleichen Konzepte, die Maos Kulturrevolution bekämpfte.

Oxidationsmalerei(1978)

Das Oxidation Painting, das gegen Ende von Warhols Amtszeit entstand, gehört zu einer Reihe von Kunstwerken, die der Künstler allein oder mit einigen seiner Freunde anfertigte, indem er auf eine Leinwand mit Kupferfarbe pinkelte, die waagerecht auf dem Boden verteilt war, und das Ergebnis dann oxidieren ließ.

Das Endergebnis war ein metallischer Glanz mit einer verblüffenden Tiefe von Textur und Farbe, der an die Arbeit von abstrakten Expressionisten wie Jackson Pollock erinnert.

Warhol hat sich viele Gedanken über die Gestaltung dieser Werke gemacht und wird mit den Worten zitiert: „Diese Bilder haben auch eine Technik. Wenn ich jemanden bitten würde, ein Oxidation Gemälde zu malen und er würde nicht darüber nachdenken, wäre das Ergebnis ein Scherbenhaufen. Dann habe ich es selbst gemacht, was viel Aufwand bedeutet, und man versucht, ein schönes Design zu finden.“

Rorschach (1984)

Obwohl Warhols Frühwerk eine deutliche Abkehr vom Abstrakten Expressionismus signalisierte, interessierte er sich zeitlebens für die Abstraktion und kanalisierte seine Gedanken 1984 in seiner großen Serie von Rorschach-Kunstwerken. Sie wurden durch den Rorschach-Test beeinflusst, der von dem Schweizer Psychologen Hermann Rorschach entwickelt wurde. Der Test verlangt von den Patienten, dass sie beschreiben, was sie in einer Reihe von 10 standardisierten Tintenklecksen sehen; Rorschach war der Meinung, dass wir auf diese Weise Zugang zu unbewussten Ideen bekommen können.

Viele abstrakte Gemälde funktionierten nach Warhols Meinung ähnlich: Anstatt dass Künstler ihre Gedanken durch abstrakte Formen ausdrücken konnten, wie viele dachten, hatte er das Gefühl, dass die Betrachter ihre eigenen Vorstellungen einfach über die Werke legten.

Seine „Rorschach“-Bilder waren also eine Art Satire auf die abstrakte Kunst: Sie waren Spiegel, die die eigenen Vorstellungen des Betrachters widerspiegelten, und manchmal ähnelten sie der Anatomie oder floralen Mustern.

General Electric mit Kellner(1984)

Warhol begann auf Drängen des Kunsthändlers Bruno Bischofsberger mit der gemeinsamen Arbeit an Kunstwerken. Zunächst arbeitete er mit dem Italiener Francesco Clemente zusammen, dann mit dem wesentlich jüngeren haitianisch-amerikanischen Maler Jean-Michel Basquiat und schließlich mit Keith Haring. In den frühen 1980er Jahren verblasste Warhols Ruhm, und er hatte seit den 1960er Jahren nichts mehr gemalt.

Doch seine Zusammenarbeit mit Basquiat, die von 1984 bis 1985 dauerte, gab ihm neue Energie und positionierte ihn in einer jüngeren und trendigeren Gruppe.

General Electric mit Kellner ist repräsentativ für die Bilder, die das Paar gemeinsam schuf: Warhol lieferte größere Schlagzeilen, Markennamen und Werbespots, während Basquiat seine gefühlsbetonten Graffiti beisteuerte. Die komischen Elemente, die sowohl in der Pop Art als auch in den Graffiti zu finden sind, machten den Reiz der Serie aus.

Selbstporträt (1986)

Andy Warhols Selbstporträts spiegeln immer eine übergreifende Botschaft wider. Man kann sagen, dass Warhols beliebtestes Gemälde das Bild von sich selbst war, das er während seiner gesamten Karriere immer wieder neu gestaltete. Bedenke dies: Warhol begann seine Kunstkarriere als kauziger, introvertierter, kahlköpfiger Designer und beendete sie als Star, dessen Ruhm mit seinen besten Porträts konkurrierte.

Die Betonung liegt bei diesem Bild auf Warhols Kopf und Perücke.

Warhol schafft ein Gefühl der Bewegung, indem er sich wiederholende Bilder, die sich leicht voneinander unterscheiden, kombiniert und dann übereinander legt. Das Selbstporträt, das er am Ende seines Lebens vollendete, zeigt den Künstler mit seiner Perücke und setzt Licht und Schatten spektakulär ein.

Auch heute noch erinnert sich praktisch jeder, der den Namen „Andy Warhol“ hört, an seine berühmten Bilder von Suppendosen und Marilyn Monroe. Während Warhols Image zum Synonym für Pop Art wurde und den Eindruck der Öffentlichkeit von ihm prägte, sind sein Leben und seine Karriere wesentlich vielfältiger und komplexer als das. Aufgrund der Breite und Tiefe von Warhols Popularität sowie seiner absichtlichen Versuche, seine Biografen zu verwirren, ist es schwierig, ein genaues oder vollständiges Porträt von ihm zu erstellen.

Häufig gestellte Fragen

Wo befindet sich das Andy Warhol Museum?

Es befindet sich an Pittsburghs North Shores. Es ist das größte Museum Nordamerikas, das ausschließlich einem bestimmten Künstler gewidmet ist. Andy Warhol, der in Pittsburgh geborene Star der Pop Art, hat in dem Museum eine große ständige Sammlung von Werken und Dokumenten. Die Pläne für das Museum wurden im Oktober 1989, fast drei Jahre nach Warhols Tod, enthüllt.

Wie hoch war Andy Warhols Nettovermögen?

Wir wissen, dass er wohlhabend ist, aber wie hoch ist Andy Warhols Nettovermögen? Zum Zeitpunkt seines Todes hatte er ein Nettovermögen von 220 Millionen Dollar, wenn man die Inflation und den Wert seiner Kunst berücksichtigt. Andy Warhol war eine Schlüsselfigur der Pop-Art-Malbewegung der 1960er Jahre.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.