Renaissance Kunst – Kompletter Überblick mit Zeitleiste

Wir alle haben eine Vorstellung von der Bedeutung der Renaissance-Epoche in der europäischen Geschichte und dem Zeitalter der Innovation und Aufklärung, das sie so charakterisiert. Die Kunst, die aus dieser Zeit stammt, ist noch heute sichtbar – von Wiederbelebungen in der Popkultur bis hin zu den Originalen, die in Kunstgalerien in ganz Europa ausgestellt sind. Wenn du dich für diesen Teil der Geschichte interessierst und wissen willst, worum es in der Kunstperiode der Renaissance ging, was sie charakterisierte und wo sie stattfand, wird dir dieser Artikel alles Wissenswerte vermitteln.

Was war die Renaissance?

Bevor wir beginnen, lass uns einen kurzen Blick auf die Bedeutung der Renaissance werfen und wo sie in einen breiteren historischen Kontext passt. Renaissance ist ein französisches Wort, das seinen Ursprung im italienischen Wort rinascita hat, was „Wiedergeburt“ bedeutet. Das Zeitalter der Renaissance war eine Periode der Wiedergeburt in fast allen kulturellen und gesellschaftlichen Bereichen und Institutionen in ganz Europa. Einschließlich Kunst, Wissenschaft, Mathematik, Technologie, Philosophie, Religion und Politik, um nur einige zu nennen.

Die Renaissance hatte ihren Ausgangspunkt in Florenz, Italien, in den 1300er Jahren (14. Jahrhundert), kurz nach dem Mittelalter in Europa. Das Mittelalter ist eine dunkle Zeit in der Geschichte Europas und wird wegen der verschiedenen sozio-ökonomischen und politischen Umwälzungen oft als das dunkle Zeitalter bezeichnet.

Wenn wir den Kontrast zwischen dem Mittelalter und der Renaissance betrachten, kann es wie eine dunkle versus helle Periode in der Geschichte erscheinen. Die Renaissance entwickelte neue Ideen und Konzepte und brachte viele großartige Menschen hervor, die mit ihren Talenten und ihrem Geld zum Ruhm und Reichtum der Epoche beitrugen.

Humanismus

Eine der neuen Ideen und Konzepte, die während der Renaissance aufkamen, war der Humanismus. Dies war eine philosophische Denkweise oder intellektuelle Bewegung während des 13. Jahrhunderts, welche die Art und Weise beeinflusste, wie die Menschen sich selbst und Gott in Bezug auf die Welt wahrnahmen. Sie beeinflusste auch eine neue Herangehensweise an die visuellen Künste und Themen und bildete einen wichtigen Rahmen für die gesamte Bedeutung der Renaissance.

Die Philosophie des Humanismus stellte den Menschen sozusagen in den Mittelpunkt des Universums. Sie glaubte an die inhärenten Fähigkeiten des Menschen als kreative Kraft. Das war völlig anders als die katholische Kirche, die den größten Teil der Macht und das Sagen über den Platz des Menschen im Universum hatte.

Der Humanismus konzentrierte sich auf das Erlernen verschiedener Bereiche der Geisteswissenschaften, bekannt als studia humanitatis. Dazu gehörten zum Beispiel Disziplinen wie Rhetorik, Sprachen, Grammatik, Literatur wie Poesie, Philosophien und verschiedene andere. Es war eine Zeit der neuen Entdeckungen und Erkundungen durch den Menschen, sowohl im übertragenen als auch im wörtlichen Sinne.

Six Tuscan Poets (1569) von Giorgio Vasari, das eine Gruppe von italienischen Humanisten darstellt (Dante Alighieri, Giovanni Boccaccio, Petrarch, Cino da Pistoia, Guittone d’Arezzo, and Guido Cavalcanti); Giorgio Vasari, Public domain, via Wikimedia Commons

Klassisches Altertum

Ein weiteres wichtiges Konzept in der Renaissance war die Rückbesinnung auf die klassische Antike, also auf die griechischen und römischen Ideale. Die Griechen versuchten, Schönheit, Harmonie und Symmetrie oder perfekte Proportionen in ihrer Kunst nachzuahmen. Dies wurde auch Realismus genannt, der die menschliche Form mit anatomischer Korrektheit darstellte. Dies unterschied sich von den eher abstrahierten, idealisierten Formen der menschlichen Figuren aus der vorangegangenen byzantinischen Kunstperiode.

Die griechische und lateinische Literatur wurde ebenfalls zu einem wichtigen Lesestoff und einer intellektuellen Quelle, die die Gelehrten und Philosophen der Renaissance beeinflusste. Das Werk des römischen Architekten Vitruv aus dem 1. Jahrhundert v. Chr. bot Erkenntnisse über die Anwendung mathematischer Proportionen in der Malerei und der menschlichen Anatomie.

Die Familie Medici

Die Renaissance wäre ohne die Familie Medici nicht dieselbe gewesen. Sie waren wohlhabende italienische Bankiers, die Florenz in den 1400er Jahren regierten, beginnend unter Cosimo de‘ Medici. Die Medici-Bank, die 1397 bis 1494 gegründet wurde, war die größte Bank in Europa, was den Medici erheblichen Respekt und Status in der Gesellschaft verschaffte.

Darüber hinaus waren die Medicis wichtige Kunstmäzene während der Renaissance in Florenz, die verschiedene Kunstwerke in Auftrag gaben und Einrichtungen wie Bibliotheken finanziell unterstützten, um Kunst und Kultur zu fördern. Cosimo de‘ Medici war auch ein begeisterter Kunstliebhaber und Sammler.

The family of Ferdinando II de‘ Medici, Grand Duke of Tuscany, circa 1621, von einem unbekannten Künstler; Anonymous Unknown author, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Entwicklung der Kunst der Renaissance

Einige geschichtliche Zusammenhänge der Renaissance helfen uns, die Entwicklung der Kunst während dieser Zeit in der europäischen Geschichte besser zu verstehen. Es gibt verschiedene Merkmale, die die Kunst der Renaissance definieren, seien es Gemälde, Skulpturen oder Architektur – die dominierenden Kunstformen während dieser Zeit. Es gibt auch mehrere Zeitlinien der Renaissance, die die Kunst kategorisieren. Wir werden diese im Folgenden genauer besprechen, einschließlich der prominentesten Kunstwerke aus jeder Periode.

Merkmale der Renaissance Kunst

Es gibt mehrere primäre Merkmale, die uns helfen, die Gemälde der Renaissance und andere Bereiche wie Skulptur und Architektur zu verstehen. Sie alle tragen zur Ästhetik bei, zur Art und Weise, wie Farben und Licht eingesetzt werden, und zur Korrektheit der Proportionen, die in diesen Kompositionen dargestellt werden. Zu den Merkmalen gehören Konzepte wie Naturalismus, Contrapposto, Chiaroscuro und die Ein-Punkt-Perspektive, auch bekannt als lineare Perspektive.

Naturalismus

Der Naturalismus entstand aus der Entwicklung, wie Künstler die menschliche Form studierten. Sie wurde realistischer dargestellt und wirkte naturgetreuer. Die menschliche Anatomie wurde von einigen Künstlern besser verstanden, indem sie tote Körper studierten, was zu noch realistischeren Darstellungen von Muskeln und Gliedmaßen führte.

Links: Michelangelo’s Studies for the Libyan Sibyl (c. 1510-1511); Michelangelo, CC0, via Wikimedia Commons | Rechts: The Libyan Sibyl (1508-1512) von Michelangelo, von der Decke der Sixtinischen Kapelle; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Contrapposto

Contrapposto war eine weitere Technik, die von vielen Künstlern angewandt wurde, um den Realismus der Figuren und die Art, wie sie standen, zu verbessern und die Komposition flüssiger und lebensechter zu machen. Diese Technik begann ursprünglich in der klassischen Ära und wurde in der Renaissance wiederbelebt. Sie wird oft mit den flacheren und vertikalen Darstellungen von Figuren aus früheren Kunstepochen verglichen.

Contrapposto ist ein italienisches Wort und bedeutet „Gegengewicht“. Dies wird dadurch dargestellt, dass der Körper mit einer Hüfte höher als die andere und mit mehr Gewicht auf einem Fuß als auf dem anderen steht. Dies ergibt eine charakteristische „S“-Kurve in der gesamten Körperhaltung.

Diese Technik wird oft als dynamisch beschrieben und gibt den Figuren eine entspanntere Haltung.

Chiaroscuro

Chiaroscuro ist ein weiteres italienisches Wort und bedeutet „hell-dunkel“. Es beinhaltet das Spiel zwischen den Farbkontrasten von hell und dunkel, was einen dreidimensionalen Effekt sowie eine erhöhte emotionale Intensität erzeugt. Es trägt auch zum Realismus der Komposition bei, da es Licht und Schatten abbildet.

Sfumato

Sfumato kommt ebenfalls aus dem Italienischen, mit Bedeutungen, die mit dem Wort rauchig, weich oder unscharf zusammenhängen. Diese Technik wurde verwendet, um Farben von hell nach dunkel zu verwischen, so dass sie sich zu einer Unschärfe verbinden und so die Idee der Illusion von Raum oder Form vermitteln. Sie wurde auch verwendet, um Linien und Grenzen zu verwischen, damit die Komposition natürlicher erscheint. Diese Technik wurde oft in Landschaften für Hintergründe verwendet und um einen sogenannten „atmosphärischen“ Effekt auf Gesichtszügen zu erzeugen.

Die Sfumato-Technik ist besonders im Hintergrund von Leonardo da Vincis La Vierge zu sehen, l’Enfant Jésus et sainte Anne (‚The Virgin and Child with Saint Anne‘, c. 1503); Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Lineare Perspektive und der Fluchtpunkt

Die lineare Perspektive (auch Ein-Punkt-Perspektive genannt) und der Fluchtpunkt waren zwei wichtige Techniken, die weit verbreitet waren, um ein Gefühl von Dreidimensionalität in Gemälden zu erzeugen. Dies war eine revolutionäre Technik, die den Künstlern die Möglichkeit gab, neue Räume innerhalb von Kompositionen zu schaffen und die Kunst auf ein neues Niveau zu heben, sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne, als auch illusionistisch.

Der italienische Architekt Filippo Brunelleschi war der Pionier dieser Technik in den frühen 1400er Jahren.

Brunelleschi entdeckte, dass die lineare Perspektive aus parallelen Linien (orthogonal und transversal) besteht, die mit einer Horizontlinie zusammenlaufen, die sich in einem Fluchtpunkt in der Ferne trifft. Diese Technik brachte auch die Idee hervor, dass jedes Gemälde von einem einzigen Betrachter gesehen wird, da es nur einen Blickwinkel auf das Bild gibt. Dies stand im Gegensatz zur mittelalterlichen Kunst, die Kompositionen aus mehreren Blickwinkeln darstellte.

Die Verschiedenen Perioden der Renaissance Kunst

Die Kunst der Renaissance wird in mehrere Perioden oder Phasen eingeteilt, nämlich die Proto-Renaissance, die Frührenaissance, die Hochrenaissance sowie andere Regionen außerhalb Italiens, die zusammen als nördliche Renaissance bezeichnet werden.

Die Renaissance-Perioden werden auch durch verschiedene italienische Namen unterschieden, die sich auf das Jahr beziehen.

Die Renaissance begann um das Jahr 1300 mit der sogenannten Trecento Periode, dem italienischen Wort für „300“. Die Periode ab 1400 wird Quattrocento genannt, was „400“ bedeutet, und die 1500er Periode wird Cinquecento genannt, was „500“ bedeutet. In jeder Kunstphase gab es viele große Künstler, sowie einige wenige, die Pionierarbeit in ihrem Medium und ihren Techniken leisteten und deren Namen in die Geschichte der Renaissance eingegangen sind. Im Folgenden schauen wir uns jede Phase der Renaissance an, einschließlich der prominenten Künstler und Gemälde, die mit jeder Phase verbunden sind.

Proto-Renaissance

Die Periode der Proto-Renaissance ist auch als Vor-Renaissance bekannt und begann um 1280 bis 1400. Diese Periode war noch deutlich byzantinisch geprägt, mit ikonographischen und idealistischen Darstellungen religiöser Themen, die auch zweidimensionaler und flacher waren. Es gab jedoch einige Künstler, die andere Darstellungsweisen erforschten, die über das hinausgingen, was von der mittelalterlichen Kunst dieser Zeit erwartet wurde.

Es gab zwei wichtige Künstler während der Periode der Proto-Renaissance, nämlich Cimabué und Giotto. Beide Künstler sind dafür bekannt, dass sie Kunstwerke geschaffen haben, deren Kompositionen eher naturalistisch sind und an den Realismus der klassischen Epoche erinnern.

Die Betrachtung des Werks dieser beiden Künstler wird dir einen guten Eindruck für die frühe Renaissancezeit schaffen.

Cimabué (c. 1240 – 1302)

Cimabué, auch Bencivieni Cenni di Pepo genannt, war ein florentinischer Künstler, der als einer der ersten Maler gilt, die sich vom byzantinischen Stil abwandten. Während es nur wenige Gemälde gibt, die von Cimabué stammen, gibt es viele Berichte, dass dieser Künstler der Schöpfer von vielen anderen Gemälden ist.

Das Mosaik in der Kathedrale von Pisa, Christus mit der Jungfrau und dem heiligen Johannes (1301 bis 1320), gilt als das letzte von Cimabué geschaffene Werk, was durch Zahlungsbelege belegt ist. Auch andere Fresken werden dem Künstler zugeschrieben, zum Beispiel die Kreuzigung von Santa Croce (1287 bis 1288) und die Maestà (um 1280).

Santa Croce Crucifixion (1287-1288) by Cimabué; Cimabué, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Santa Croce Kreuzigung ist eines von Cimabués Kunstwerken, das eine naturalistische Christusfigur am Kreuz darstellt. Wir sehen seinen Körper in einer charakteristischen contrapposto „S“-Kurve. Auch seine Haut ist realistisch gemalt, was von einigen Quellen als „weicher“ im Vergleich zu den Gemälden aus der byzantinischen Zeit beschrieben wird.

Dieser Malerei wohnt ein neuer gefühlsbetonter Ausdruck inne, der sie zu einem Vorläufer der Renaissance machte.

Giotto (c. 1267 – 1337)

Giotto di Bondone, häufig auch als Giotto bezeichnet, wurde als einer von Cimabués Lehrlingen bezeichnet, obwohl diese Tatsache von einigen Gelehrten bestritten wird. Nichtsdestotrotz war Giotto einer der ganz Großen in dieser Zeit. Er gehörte zu den Pionieren, die wirklich neue Fortschritte in der kompositorischen Perspektive sowie in der naturalistischen Darstellung von Figuren zeigten. Einige Werke von Giotto sind die Ognissanti Madonna (ca. 1300 bis 1306) und Der Verrat Christi (Kuss des Judas) (1305), ein Fresko, das ein Teil der Scrovegni-Kapelle ist.

Ein berühmtes Gemälde, das Giottos bahnbrechende Fähigkeiten veranschaulicht, ist Lamentation (Die Beweinung Christi) (1304 bis 1306). Es ist Teil einer Serie von Fresken in der Scrovegni-Kapelle (Arena-Kapelle) in Padua, Italien. Es zeigt Christus auf dem Boden liegend, nachdem er vom Kreuz abgenommen wurde. Um ihn herum sind verschiedene Figuren zu sehen, die offensichtlich trauern, und wir bemerken auch eine Prozession von Figuren, die sich in den Hintergrund auf der linken Seite des Bildes zurückziehen. Über den Figuren sehen wir Engel am Himmel, die traurig und trauernd wirken.

Szene Nr. 36 aus dem Leben von Christus: Lamentation (The Mourning of Christ) (1304-1306) von Giotto di Bondone; Giotto di Bondone, Public domain, via Wikimedia Commons

Giotto hat die Gesichtszüge der Figuren detailliert dargestellt, einschließlich ihrer Arme und Hände in gefühlsbetonten Gesten. Der Felsen auf der rechten Seite neigt sich nach unten zu den Figuren, speziell zu den Köpfen von Christus und Maria, die seinen toten Körper in ihrer Umarmung hält.

Dies schafft ein Gefühl von Tiefe und Dreidimensionalität. Zusätzlich scheint es, als ob Giotto den Himmel mit der Erde verbindet, indem er den Felsen als mediales Objekt platziert.

Giorgio Vasari, der Kunsthistoriker und Verfasser der berühmten Publikation, die die Biografien zahlreicher Künstler dokumentiert, mit dem Titel The Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects (1550), beschrieb, dass Giotto einen „entscheidenden Bruch mit dem rohen traditionellen byzantinischen Stil“ vollzog und dass der Künstler „die große Kunst der Malerei, wie wir sie heute kennen, zum Leben erweckte, indem er die Technik des genauen Zeichnens nach dem Leben einführte, die mehr als zweihundert Jahre lang vernachlässigt worden war“.

Early Renaissance

Die Periode der Frührenaissance begann in den 1400er Jahren, etwa zwischen 1400 und 1495. Die Künstler dieser Periode begannen, mehr naturalistische Merkmale darzustellen und nutzten die Perspektive in ihren Gemälden. Außerdem entfernten sich die Künstler von den strengen religiösen Motiven und stellten mehr weltliche mythologische Szenen und Figuren dar.

Die Frührenaissance begann in Florenz, das als kulturelles Zentrum Italiens galt, insbesondere für die bildenden Künste. Da Florenz eine Republik war, gab es mehr Freiheit der Meinungsäußerung. Die Art und Weise, wie die Menschen sich selbst und die Welt sahen, begann sich zu verändern – die Philosophie des Humanismus nahm Gestalt an und die Menschen begannen an ihre eigenen Fähigkeiten zu glauben.

Obwohl es viele Künstler während der Frührenaissance gab, gab es drei Meister ihrer Zeit, die neue Techniken etablierten und andere Künstler beeinflussten, die folgen sollten. In der Malerei war es Masaccio, in der Bildhauerei war es Donatello und in der Architektur war es Brunelleschi.

Brunelleschi (1377 – 1446)

Filippo Brunelleschi, ein in Florenz geborener Künstler, war einer der führenden Architekten, Ingenieure und Designer der Frührenaissance. Er studierte auch römische architektonische Ruinen und die Werke des römischen Architekten Vitruv aus dem ersten Jahrhundert vor Christus. Jahrhundert v. Chr. Er gilt als Pionier der linearperspektivischen Technik.

Cigoli’s Zeichnung von Brunelleschi’s Santa Maria del Fiore (Florenzer Dom), 1613; Lodovico Cardi, Public domain, via Wikimedia Commons

Eines seiner berühmten architektonischen Bauwerke ist der Dom di Santa Maria del Fiore (1296 bis 1436). Brunelleschi war der Mann hinter der Konstruktion der Kuppel für diese Kathedrale. Um zu verhindern, dass die Kuppel in sich zusammenfällt, konstruierte Brunelleschi verschiedene Verstärkungen innerhalb und außerhalb der Kuppel, die sie auf der Spitze der achteckigen Kirche festhielten.

Die Kuppel ist aus rotem Backstein gefertigt und ist schätzungsweise 113 Meter hoch. Sie ist eine der größten Kirchen in Italien und ein Zeugnis für Brunelleschis innovatives Denken und Verständnis.

Donatello (1386 – 1466)

Donatello, auch Donato di Niccolò di Betto Bardi, war ebenfalls ein in Florenz geborener Künstler, der klassische Bildhauerei studierte. Er war eng mit Brunelleschi befreundet und begann, die lineare Perspektive in seinen Bronzereliefs zu verwenden, während er römische Skulpturen während seiner Zeit in Rom studierte.

Einige seiner berühmteren Skulpturen sind die Bronzestatue David (1430 bis 1440) und die Büßende Magdalena (ca. 1453 bis 1455). Andere Skulpturen sind sein Bronzerelief, Fest des Herodes (1423 bis 1427), das zwei Gruppen von Menschen auf beiden Seiten der Komposition und einen leeren Raum zwischen ihnen zeigt. Der Künstler verwendet die charakteristische lineare Perspektive in einer „V“-Form.

Donatello’s sculpture, Bronze David (1430 bis 1440); Donatello, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

In Donatellos David sehen wir eine Bronzestatue der biblischen Figur David, mit Goliaths Kopf zwischen seinen Beinen. Diese Skulptur war für ihre Zeit ganz anders, denn Donatello stellte einen nackten David dar, auch die erste freistehende Aktskulptur. Die Figur des David steht ganz entspannt, mit dem Schwert in der rechten Hand und der linken Hand auf die Hüfte gestützt, was zweifelsohne an der klassischen Contrapposto-Technik liegt, die der Künstler verwendete.

Diese Haltung verleiht der David-Figur auch eine Dynamik, als ob er sich gleich bewegen würde oder sich gerade bewegt hat, was zu dem gesamten Realismus beiträgt, der dem Werk innewohnt.

Wir sehen diesen gesteigerten Sinn für Realismus in Donatellos Büßender Magdalena, einer Holzskulptur von Maria Magdalena. Sie wird radikal anders dargestellt als andere Skulpturen von Maria Magdalena, da wir hier ihre Gesichts- und Körperzüge ganz genau sehen. Sie wirkt angeschlagen und dünn, als ob sie hungern würde (einige Quellen deuten darauf hin, dass der Künstler die Version von Maria verwendet hat, als sie in Ägypten war). Wir bemerken auch die detaillierte Ausbildung ihrer Armmuskeln, was auf einen starken und scheinbar agilen Körper hinweist, besonders für eine Frau, die in dieser Zeit dargestellt wurde.

Büßende Magdalena, eine hölzerne (Weißpappel) Skulptur von Maria Magdalena des italienischen Renaissance-Bildhauers Donatello, geschaffen um 1453-1455. Die Skulptur wurde wahrscheinlich für das Baptisterium von Florenz in Auftrag gegeben. Das Stück wurde mit Erstaunen für seinen beispiellosen Realismus aufgenommen. Sie befindet sich heute im Museo dell’Opera del Duomo in Florenz; George M. Groutas, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Masaccio (1401 – 1428)

Der florentinische Urvater der Malerei ist Tommaso di Ser Giovanni di Simone, auch bekannt als Masaccio, was ein Spitzname für den Namen Tommaso ist und „Clumsy Tom“ oder „Big Tom“ bedeutet. Masaccio ist bekannt dafür, dass er einige der revolutionärsten Gemälde während der Frührenaissance geschaffen hat, die die Art und Weise der Malerei in der Zukunft beeinflusst haben.

Einige seiner Werke sind das Triptychon von San Giovenale (1422), Madonna und Kind mit der heiligen Anna (1424 bis 1425), Madonna und Kind mit vier Engeln (1426), Anbetung der Könige (1426), Das Tributgeld (1425 bis 1427), Vertreibung aus Eden (1425 bis 1427), die Predella-Tafel, das Pisa-Altarbild, Die Heilige Dreifaltigkeit (1427 bis 1428) und Die Taufe der Neophyten (1425 bis 1428).

Der Zinsgroschen ist ein berühmtes Fresko, das das Leben des Heiligen Petrus darstellt. Es wurde für die Brancacci-Kapelle von Santa Maria del Carmine in Florenz geschaffen. Es gibt drei Szenen in dieser einzigen Komposition. Die zentrale Szene zeigt uns, wie Christus und seine Jünger mit dem Zöllner in Kapernaum sprechen. Links sehen wir die kniende Figur des Petrus, die Gold aus einem Fisch holt und rechts sehen wir dieselbe Figur des Petrus, die dem Zöllner das ihm geschuldete Geld gibt.

Der Zinsgroschen (1426-1427) von Masaccio; Masaccio, Public domain, via Wikimedia Commons

Masaccio nutzt hier die Perspektive in dem Gebäude und den Bergen, die in den Hintergrund treten und so ein Gefühl von Raumgefühl und Dreidimensionalität vermitteln. Die Figuren wirken auch klassisch in ihrer Kleidung und Haltung.

All diese Elemente konvergieren, um dem Gemälde ein Gefühl von Realismus zu geben und sich komplett vom flachen zweidimensionalen Raum zu entfernen. Wir sind fast ein Teil der Szenen, denn Masaccio erweckt die Harmonie, die dem Zusammenspiel aller Elemente von Raum, Farbe und Perspektive innewohnt, zum Leben und lässt die eigentliche Handlung möglicherweise in den Hintergrund treten.

Mehr Künstler der frühen Renaissance

Andere Künstler der Frührenaissance sind Piero della Francesca. Eines seiner berühmten Kunstwerke ist Die Geißelung Christi (um 1455), in dem er gekonnt perspektivische Linien in den gemalten architektonischen Strukturen einsetzt, die den Innenraum mit den Außenräumen teilen. Außerdem gibt es Allesandro Botticelli, dessen La Primavera (1477 bis 1482) und Geburt der Venus (um 1486) zu den bis heute berühmtesten Gemälden gehören, die die mythologische Göttin Venus darstellen.

Wir sehen auch die Abkehr vom Naturalismus bei den Figuren und einen Fokus mehr auf die Darstellung von Schönheit und ästhetischem Wert.

Wir haben auch Künstler wie Fra Filippo Lippi, Fra Angelico und Paolo Uccello, der letztere war bekannt für seinen detaillierten Fokus auf die Perspektive. In seiner berühmten Gemäldeserie Die Schlacht von San Romano (um 1450) sehen wir die tobende Schlacht der Florentiner gegen die sienesischen Armeen. Hier sehen wir mehr als nur eine Schlacht, sondern auch die elegante Anordnung von Farbe und Linien. Im Vordergrund springen uns kräftige Farben wie Blau- und Rottöne und sogar Weiß entgegen. Die Lanzen, die die Komposition begrenzen, fungieren auch als Linien, die unsere Augen in den Hintergrund leiten, wo wir durch das Laub und die Bäume, die die Ländereien begrenzen, weiter geführt werden.

Die Schlacht von San Romano (um 1438) von Paolo Uccello, zeigt Niccolò da Tolentino an der Spitze der Florentiner Truppen; Paolo Uccello, Public domain, via Wikimedia Commons

High Renaissance

Während die Frührenaissance in Florenz zentriert war, fand die Hochrenaissance hauptsächlich in Rom statt, unter der Herrschaft der katholischen Kirche und des Papstes. Sie begann um 1495 bis 1520 und war der kulturelle Höhepunkt der künstlerischen Tugend. Während dieser Zeit verfeinerten die Künstler (Maler, Bildhauer und Architekten) die Techniken der früheren Perioden, kreierten neue Techniken und benutzten auch neue Medien wie Öl, die der Malerei eine ganz andere Wirkung verliehen.

Genau wie in der Frührenaissance gab es auch in der Hochrenaissance drei große Namen. Obwohl es auch andere große Künstler gab, sind die meisten von uns mit dem vertraut, was Leonardo da Vinci, Michelangelo und Raphael nicht nur der Kunstwelt, sondern der ganzen Welt gebracht haben.

Leonardo da Vinci’s Vitruvianischer Mensch (1492), Darstellung der Proportionen des menschlichen Körpers nach Vitruv; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Während man sich auf den Realismus in der Malerei konzentrierte, gab es auch den Wunsch, zu den Werten der Schönheit und Harmonie aus der klassischen Ära zurückzukehren. Die Ideen des Humanismus gingen noch einen Schritt weiter und führten den „Universellen Menschen“ oder „Renaissance-Menschen“ ein (Da Vinci wurde als „Renaissance-Mensch“ angesehen).

Schönheit wurde in der menschlichen Form dargestellt, was sie in ihrer Erscheinung fast göttlich machte. Auch umgekehrt gab der emotionale Realismus, der in göttlichen und heiligen Figuren dargestellt wurde, ihnen eine menschenähnliche Qualität.

Es herrschte Perfektion darin, wie die Künstler ihre Themen mit detaillierter anatomischer Korrektheit wiedergaben. Künstler führten neue Techniken wie das Sfumato ein und entwickelten Techniken wie die Quadratura, die sich auf die illusionistischen Malereien an Decken bezieht.

Leonardo da Vinci (1452 – 1519)

Leonardo da Vinci war ein Universalgelehrter, ein Mann mit vielen Fähigkeiten und Talenten. Er war Maler, Bildhauer, Designer, Ingenieur, Skizzenzeichner, Wissenschaftler und Erfinder. Er nutzte Techniken wie Sfumato und Chiaroscuro auf hohem Niveau, was seinen Gemälden eine kunstvolle Tiefe und eine geheimnisvolle Qualität verlieh.

Einige seiner berühmten Gemälde sind die Mona Lisa (La Gioconda) (ca. 1503), die Jungfrau von den Felsen (1483 bis 1486), die Dame mit dem Hermelin (1489), der vitruvianische Mensch (ca. 1485), Das letzte Abendmahl (1498), Salvatore Mundi (1500), und Zeichnungen wie Porträt eines Mannes in Rötel (1512), Embryo im Mutterleib (ca. 1510 bis 1512), Die Jungfrau mit Kind, die heilige Anna und Johannes der Täufer (ca. 1491 bis 1508).

Ein Beispiel für Da Vincis geniales Können ist sein Gemälde das letzte Abendmahl. Dieses Gemälde stellt Christus als zentrale Figur dar, der an einem langen, horizontalen Tisch sitzt, mit seinen Jüngern neben ihm. Hinter ihm befinden sich drei vertikale Fenster, wobei das mittlere Fenster direkt hinter Christus liegt und fast wie ein Heiligenschein wirkt, der seinen Kopf einrahmt. Entlang der Wände sehen wir auch vertikale rechteckige Öffnungen, die unseren Blick zum Fluchtpunkt führen.

Das letzte Abendmahl (1495-1498) von Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Da Vinci konstruierte dieses Gemälde in perfekter Übereinstimmung mit dem System der linearen Perspektive, wobei alle Linien zusammenlaufen, um die zentrale Figur Christi zu betonen. Die Fenster deuten auf eine fast idyllisch anmutende bergige grüne Landschaft draußen hin.

Es ist in der Jungfrau der Felsen, wo wir bemerken, wie da Vinci chiaroscuro und sfumato benutzt, um die Kontraste von Hell und Dunkel zu betonen. Wir sehen diese Verschiebung von Schatten und Licht besonders in der Haut der zentralen Figuren der Mutter Maria mit zwei Säuglingen, nämlich Jesus Christus und Johannes dem Täufer. Rechts daneben steht die Begleitfigur des Erzengels Gabriel.

Die Szenerie ist geheimnisvoll. Wir sehen die Figuren umgeben von Felsen – sie könnten möglicherweise auch in einer Höhle sitzen. Die linke Seite der Komposition öffnet sich zu einer Landschaft mit gewundenem Wasser und weiteren bergigen, felsartigen Formationen. Im Vordergrund, vor den Figuren, sind einige Blumen und Laub zu sehen. Die Figuren sind ebenfalls in einer charakteristischen Pyramidenform angeordnet.

Felsenmadonna (ca. 1491 bis 1508) von Leonardo da Vinci, das die Jungfrau Maria mit dem Säugling Johannes dem Täufer darstellt, der das Christuskind anbetet, begleitet von einem Engel. In dieser zweiten Version sind Maria und Jesus mit einem Heiligenschein und Johannes der Täufer mit dem Kreuz dargestellt; Leonardo da Vinci and workshop, Public domain, via Wikimedia Commons

Wenn wir uns die Gesichtsausdrücke in jeder Figur ansehen, gibt es ein Gefühl von Menschlichkeit in ihnen. Wir können sowohl emotionale Zustände als auch ein Gefühl der Ruhe erkennen. Ihre Gesten geben dem Gemälde auch ein Gefühl von Bewegung und eine tiefere Bedeutung für die Erzählung.

Wir bemerken diesen gefühlvollen Ausdruck auch bei da Vincis Mona Lisa, obwohl ihre Gesichtszüge ein schwaches Lächeln bieten, was der ganzen Komposition eine geheimnisvolle Qualität verleiht. Ihre Augen sind weich in ihrem Blick, was ein Gefühl der Ruhe erzeugt. Hinter ihr befindet sich eine weitere Wasser- und Felslandschaft, von der oft gesagt wird, dass sie imaginär ist, wie die Landschaft in Jungfrau der Felsen.

Auch hier schafft da Vinci Realismus mit den Techniken des sfumato und chiaroscuro, was wir in Mona Lisas Hauttönen sehen können, ebenso wie die Abstufung der Farben und des Lichts im Hintergrund. Im Vordergrund gibt es dunklere Töne, die auch ihre ruhenden Hände allmählich aufhellen.

Portrait von Mona Lisa del Giocondo (1503-1506), vonLeonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Michelangelo (1475 – 1564)

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, auch bekannt als Michelangelo, wurde in dem Dorf Caprese in der Toskana, Italien, geboren. Er war verantwortlich für die berühmten Gemälde an der Decke der Sixtinischen Kapelle, nämlich Die Erschaffung Adams (1508 bis 1512) und Das Jüngste Gericht (1536 bis 1541). Papst Julius II. gab das erste Gemälde bei Michelangelo in Auftrag, um die Decke der Sixtinischen Kapelle neu zu bemalen. Das Jüngste Gericht wurde von Papst Clemens VII. und Papst Paul III. in Auftrag gegeben.

Michelangelo war berühmt für seine realistischen Darstellungen der menschlichen Anatomie; wir sehen dies in seinen Figuren aus den beiden oben genannten Gemälden.

Die Erschaffung Adams zeigt Adam auf der linken Seite, der sich nach dem ausgestreckten Arm Gottes auf der rechten Seite ausstreckt. Beide Figuren werden als stark und muskulös dargestellt, mit besonderer Betonung der Umrisse der meisten großen Muskelgruppen.

Michelangelos Die Erschaffung Adams (c. 1511); Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

In Michelangelos berühmten Skulpturen, Pietà (1498 bis 1499) und David (1501 bis 1504), sehen wir seine Meisterschaft im Umgang mit Marmor. Er war auch dafür bekannt, eine Skulptur aus einem einzigen Marmorblock zu schnitzen. In der Pietà sehen wir das gleiche charakteristische Pyramidenformat wie in da Vincis Felsenmadonna, obwohl es hier die Mutter Maria ist, die den Körper Christi auf ihrem Schoß hält.

Die beiden Figuren sind mit einer heiteren, emotionalen Qualität dargestellt, die sich in ihren Gesichtsausdrücken zeigt, im Gegensatz zu den eher gequälten Gesichtsausdrücken ähnlicher Themen, die von anderen Künstlern geschaffen wurden. Wir sehen auch die Kunstfertigkeit des Künstlers in der Art und Weise, wie er die Kleidung darstellt – sie erscheint fast echt und durchsichtig in der Art, wie sie fließt und sich um den Sockel der Mutter Maria drapiert.

Michelangelo’s Pietà (1498-1499), St. Peter’s Basilica; Michelangelo, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

In David schafft Michelangelo die biblische Figur des David fast bis zur Perfektion. Es gibt ein fortschrittliches Auge für Details in der Muskulatur. Außerdem steht David in der Kontraposthaltung, was ihm ein weiteres Gefühl von Bewegung und Realismus verleiht, das an die Statuen aus der klassischen Ära erinnert. Die Statue hat eine Höhe von 17 Fuß.

Andere Skulpturen von Michelangelo sind Bacchus (1496 bis 1497), Madonna mit Kind (Madonna von Brügge) (1501 bis 1504), Moses (1513 bis 1515), der Teil des Grabmals für Papst Julius II. ist, Crouching Boy (1530 bis 1534) und The Deposition (1547 bis 1555), neben vielen anderen Skulpturen, sowohl fertig als auch unvollendet.

Raphael (1483 – 1520)

Die Gemälde von Raffaello Sanzio da Urbino, oder einfach nur Raffael, hatten mehr harmonische Eigenschaften. Mit anderen Worten, während er die charakteristischen Techniken nutzte, die wir in vielen Gemälden der Renaissance sehen, ist Raffael dafür bekannt, seine Kompositionen mit einer Eleganz und „Klarheit“ darzustellen, die ihn von anderen unterscheidet.

Geboren in Urbino, einer Stadt in Italien, war Raffael ein weiterer vielseitiger Künstler seiner Zeit. Er war ein Maler, Architekt, Zeichner und Grafiker. Er schuf in seinem Leben zahlreiche Gemälde, von denen sich einige Fresken in den Raffael-Räumen im Apostolischen Palast in der Vatikanstadt befinden. Die Gemälde wurden auch von Papst Julius II. in Auftrag gegeben.

Raffaels berühmtestes Fresko, Schule von Athen (1509 bis 1511), zeigt die klassischen Philosophen Platon und Aristoteles als zentrale Figuren, umgeben von vielen anderen Philosophen, die entweder in tiefer Diskussion miteinander oder in tiefer Kontemplation mit sich selbst sind.

Raphaels Schule von Athen (‚School of Athens‘, 1511), Fresko in den Raphael-Räumen, Apostolischer Palast, Vatikanstadt; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Raffael hat die Szene so dargestellt, dass es so aussieht, als könnten wir sie jeden Moment betreten. Im Vordergrund befindet sich ein architektonischer Bogen, der das Bild einrahmt, und unser Blickwinkel bewegt sich allmählich auf die beiden zentralen Figuren zu. Hinter ihnen befinden sich weitere architektonische Bögen, die zum Außenbereich führen, der ein klarer blauer Himmel mit weißen Wolken ist. Die Farben sind gedämpft und nicht zu hell, was die Komposition einladender macht und es leichter macht, alles in sich aufzunehmen.

Wir sehen Raffaels geschickten Einsatz von Perspektive und Farbe, um eine harmonische Komposition zu schaffen, die an den Stil der klassischen Epoche erinnert.

Andere Gemälde von Raphael sind the Wedding of the Virgin (1504), Disputation of the Holy Sacrament (1510), The Parnassus (1511), Sistine Madonna (1512), Triumph of Galatea (1514), La Fornarina (1520), and The Transfiguration (1520).

Raffaels Disputation des Heiligen Sakraments (1509-1510), Stanza della Segnatura, Raffael-Säle, Apostolischer Palast, Vatikanstadt;Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Weitere Künstler der Hochrenaissance

Zu den weiteren Malern der Hochrenaissance gehört Antonio Correggio, der die Himmelfahrt der Jungfrau (1526 bis 1530) im Dom von Parma schuf. Dieses hochqualifizierte illusionistische Fresko an der Kuppeldecke der Kathedrale wirkt, als würde sich der Himmel an der Decke öffnen.

Donato Bramante war ein weiterer großer Architekt dieser Periode, der für die Findung des architektonischen Stils der Hochrenaissance bekannt war und in hohem Ansehen stand. Er gehörte zu der Gruppe von Architekten (Michelangelo und Raffael), die die Architektur Roms zu dem zurückbrachten, was sie aus der römischen Zeit war.

Er wurde von Papst Julius II. beauftragt, den Petersdom neu zu errichten, der zuvor ein konstantinisches Gebäude war. Er war auch an der Schaffung verschiedener neuer Strukturen beteiligt, die die Stadt Rom und den Vatikan aufwerten sollten.

Nördliche Renaissance Kunst

Die Kunst der nördlichen Renaissance begann zwischen den 1430er und 1580er Jahren in Ländern wie Belgien, den Niederlanden und Deutschland. Diese Periode unterschied sich deutlich von der oben beschriebenen italienischen Renaissance – sie eiferte nicht den Tugenden der klassischen Ära nach, sondern war hauptsächlich vom gotischen Kunststil beeinflusst.

Wenn wir die italienische mit der nördlichen Renaissance vergleichen, beschreiben charakteristische Worte jede Periode. Zum Beispiel war die italienische Seite „verträumt“ und „idealisiert“, während die nördliche Seite „bodenständig“ und „praktisch“ war.

Der Garten der Lüste (1490-1500) vom niederländischen Maler Hieronymus Bosch; Hieronymus Bosch, Public domain, via Wikimedia Commons

Ölfarbe wurde verwendet, um einen tiefen Realismus in den Motiven zu vermitteln, wobei alle Details klar und objektiv gemalt wurden. Dies geschah auf Tafelbildern und Altarbildern in religiösen Gebäuden. Aufgrund der geschichtlichen Veränderungen dieser Zeit, hauptsächlich durch die protestantische Reformation, gingen die Künstler nicht auf dieselbe Weise an ihre Themen heran wie die italienischen Künstler.

Die Themen der nördlichen Renaissance beinhalteten mehr alltägliche Objekte und Lebensstile, oft mit moralischen Botschaften. Dies stand im Gegensatz zu den idealisierten Formen für die katholische Kirche, die als ikonographisch angesehen wurden. Zu den Genres der Malerei gehörten Landschaften, Stillleben und Porträts. Die Gemälde waren auch kleiner und wurden nicht in so großem Maßstab gemalt wie in Italien, wo sie hauptsächlich für öffentliche Zwecke in Kirchen ausgestellt wurden.

Außerdem wurden der Holzschnitt und illuminierte Manuskripte ausgiebig genutzt. Die Erfindung der Druckerpresse war eine revolutionäre Entwicklung, die eine weite Verbreitung von Büchern, Flugblättern, Drucken und Stichen ermöglichte.

Jan van Eyck (1390 – 1441)

Einer der beliebtesten Künstler dieser Zeit ist Jan van Eyck, der das berühmte Genter Altarbild (1431) schuf, das als bahnbrechendes Kunstwerk gilt und den Weg für die Kunst der nördlichen Renaissance ebnete. Es war berühmt für seinen tiefgründigen Realismus und dafür, wie die Künstler das Medium Öl als Malmittel fachmännisch einsetzten, was weiter zum Realismus beitrug.

Genter Altar (1432) by Jan van Eyck; Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Genter Altarbild ist ein Polyptychon (ein Gemälde oder Altarbild, das aus mehr als drei Tafeln besteht), das eine reichhaltige religiöse Erzählung darstellt, die oft als geheimnisvoll angesehen wird, weil alle religiösen Figuren und wer sie in der Komposition sind.

Andere Werke von van Eyck sind das Arnolfini Porträt (1434), ein weiteres seiner berühmten Werke, das den Geschäftsmann Giovanni di Nicolao Arnolfini und seine Frau darstellt. Auch hier sehen wir den detaillierten Realismus, den der Künstler durch das Auftragen von mehreren Glasurschichten erreicht hat, wodurch die Farben noch mehr zur Geltung kommen.

Albrecht Dürer (1471 – 1528)

Albrecht Dürer war ein weiterer wichtiger Künstler in dieser Zeit, da er den naturalistischen Realismus des Nordens mit den Theorien der Proportion, des Gleichgewichts und des Humanismus der italienischen Renaissance verschmolz. Er erforschte auch die Theorien der Perspektive von einem wissenschaftlichen Standpunkt aus und schrieb mehrere Publikationen, die dies erforschten, nämlich die Vier Bücher über die Messung (1525), Abhandlung über die Befestigung (1527) und die Vier Bücher der menschlichen Proportion (1528).

Selbstporträt (1500) von Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Public domain, via Wikimedia Commons

Einige von Dürers Kunstwerken beinhalten sein berühmtes Selbstporträt (1500), das den Künstler zeigt, wie er uns, die Betrachter, direkt anschaut. Wir sehen seine rechte Hand mit zwei Fingern erhoben, die als klassische Geste des Segens erscheint, die wir so oft in religiösen Gemälden sehen.

Es wird vermutet, dass der Künstler sich selbst als Christus darstellt, wobei sein langes, lockiges Haar ebenfalls zu dieser Ähnlichkeit beiträgt. Zusammen mit dem abgedunkelten Hintergrund deutet dieses Gemälde auf eine mittelalterliche Essenz hin.

Der Hase (1502) ist ein weiteres Beispiel für Dürers künstlerisches Können. Es zeigt einen Hasen, der detailliert und in Aquarell gemalt ist, was die genaue Beobachtung der Natur durch den Künstler zeigt. Der weiße Hintergrund deutet auch eher auf eine wissenschaftliche Beobachtung hin, als auf das Malen eines religiösen Objekts. Der Hase wirkt entspannt und ruhig, aber es gibt auch ein Gefühl der Bewegung, da die Hinterbeine des Hasen bereit sind, wegzuspringen, wenn jemand sich ihm nähert.

Der Hase (1502) von Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Public domain, via Wikimedia Commons

Weitere Künstler der nördlichen Renaissance

Andere Künstler der nördlichen Renaissance sind Robert Campin, Hieronymus Bosch, Pieter Bruegel der Ältere und viele mehr, die das alltägliche Leben und die Menschen malten. Diese Periode ging aufgrund verschiedener politischer Härten, wie dem Achtzigjährigen Krieg (1568), zu Ende. Das Goldene Zeitalter der Niederlande griff auch Aspekte und Techniken der nördlichen Renaissance wieder auf und führte deren Erbe fort.

Moderne Kunstbewegungen wie der Impressionismus, Post-Impressionismus, Kubismus und Surrealismus ließen sich ebenfalls von dieser Periode und den daraus entstandenen Genres inspirieren. Einige Gelehrte sagen auch, dass diese Periode und ihre Künstler wie van Eyck, Dürer, Bosch und Bruegel einflussreicher waren als die italienische Renaissance.

Nach der Wiedergeburt: Der Manierismus

Als die Renaissance als die wichtigste kulturelle und künstlerische Bewegung in Europa endete, begann sich um die 1520er Jahre die Kunstbewegung namens Manierismus zu entwickeln. Die Künstler waren der Meinung, dass die Hochrenaissance in Italien alles erreicht hatte, was sie erreichen konnte, und sie konzentrierten sich nicht darauf, darauf aufzubauen. Stattdessen schufen die Künstler einen neuen Stil, der ausdrucksstärker, asymmetrischer und unbeirrt von der Perfektion und den Proportionen war, die den Malern der Renaissance so akribisch zugeschrieben wurden.

Häufig gestellte Fragen

Was ist die Renaissance?

Die Renaissance war ein kultureller, gesellschaftlicher und politischer Umbruch in der europäischen Geschichte nach dem Mittelalter. Sie war eine „Wiedergeburt“ und galt als Zeitalter der Entdeckungen und Erkundungen in vielen Bereichen wie Kunst, Wissenschaft, Mathematik, Technik, Astronomie, Musik, Literatur, Philosophie, Architektur und mehr. Sie begann um das 14. Jahrhundert und endete um das 17. Jahrhundert. Jahrhundert. Die italienische Renaissance wird in die Proto-Renaissance, Früh- und Hochrenaissance unterteilt, zusammen mit ihrem Gegenstück in den nordeuropäischen Ländern.

Was hat die Kunst der Renaissance geprägt?

Die Kunst der Renaissance in Italien begann, mehr Realismus in ihren Themen darzustellen und bewegte sich hin zu mehr Naturalismus. Die Künstler ließen sich auch von der klassischen Ära der griechischen und römischen Kunst und ihren Werten von Harmonie und Proportion inspirieren. Obwohl sich die Künstler auf religiöse Themen konzentrierten, wurde auch der Mensch als ein wichtiger Teil der Welt betrachtet, was sich in der Philosophie des Humanismus widerspiegelte. Neue Techniken und Medien wurden auch genutzt, um mehr Dreidimensionalität zu schaffen, zum Beispiel Ölfarben, lineare Perspektive, Sfumato und Helldunkel, unter anderem.

Wer waren die wichtigsten Künstler der Renaissance?

Während der Proto-Renaissance waren die bahnbrechenden Künstler Cimabué und Giotto. Während der Frührenaissance entwickelten Künstler wie Brunelleschi, Masaccio und Donatello neue Techniken in der Malerei, Skulptur und Architektur. Während der Hochrenaissance galten Leonardo da Vinci, Michelangelo und Raffael als die drei Großen, die viele Techniken der vorherigen Perioden verfeinerten. Künstler wie Albrecht Dürer, Jan van Eyck, Pieter Bruegel der Ältere und Hieronymus Bosch waren während der nördlichen Renaissance bekannt.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.