Berühmte Skulpturen – Die 18 wichtigsten Statuen

Von den frühesten historischen Skulpturen, die aus archäologischen Stätten ausgegraben wurden, bis hin zu den berühmtesten Skulpturen, die von Künstlern der Renaissance geschaffen wurden, kann man die Entwicklung solch feiner bildhauerischer Techniken und visueller Stile noch immer nachvollziehen. Die berühmtesten Kunststatuen wurden mit der Absicht geschaffen, in der Runde betrachtet zu werden und den Betrachter zur Auseinandersetzung mit ihnen anzuregen. Im Laufe der Jahrhunderte haben viele berühmte Bildhauerinnen und Bildhauer die dynamischen Beziehungen zwischen dem Betrachter, dem Ort und der Skulptur erforscht und dabei eine Vielzahl von Techniken eingesetzt, um unsere Erfahrung mit uralten Erzählungen und Figuren zu verbessern. In diesem Artikel stellen wir 18 der berühmtesten Skulpturen der Kunstgeschichte vor, die seit ihrer Erschaffung Kultstatus haben. Lies weiter, um mehr über die berühmtesten Skulpturen der Welt zu erfahren! 

Eine Einführung in die Bildhauerei

Bildhauerkunst wie Michelangelos berühmte Werke mögen in der Öffentlichkeit am bekanntesten sein, aber historische Skulpturen in der Kunst reichen weit in die Menschheitsgeschichte zurück. Seit Tausenden von Jahren steht die Bildhauerei an der Spitze der Kunst und ist ein unglaublich beliebtes Medium. Das Fachwissen, das zur Herstellung einer Skulptur erforderlich ist, ist bemerkenswert, wenn man bedenkt, dass die Bildhauermeister der Vergangenheit Jahre brauchten, um eine einzige Skulptur fertigzustellen. Historische Skulpturen haben eine wesentlich höhere Überlebenswahrscheinlichkeit als Gemälde oder Zeichnungen, da sie meist aus Stein oder Bronze gefertigt wurden. So gibt es in der Kunstgeschichte immer noch Überreste von antiken Skulpturen, die bis vor fast 40.000 Jahren zurückreichen!

Die berühmtesten Skulpturen der Welt sind ein wesentlicher Bestandteil unseres Wissens über antike Gesellschaften und wichtige historische Persönlichkeiten geworden.

Die berühmtesten Skulpturen der Kunstgeschichte

Berühmte Bildhauerinnen und Bildhauer haben im Laufe der Geschichte Stein, Metall, Holz und andere Materialien in außergewöhnliche Skulpturen verwandelt, indem sie Gegenstände und ihre Formen manipulierten. Seit den Anfängen der Zivilisation sind Kunst und Skulptur ein wichtiges Mittel, um Aspekte der Gesellschaft und Kultur zu verstehen und zu vermitteln. Ob in Form von berühmten Kunststatuen oder metaphorischen Darstellungen von Moralvorstellungen, man kann sicher sein, dass man eine neue Erfahrung macht. Auch wenn es entmutigend und langwierig ist, alle historisch bedeutsamen Skulpturen der Welt durchzusehen, haben wir eine Auswahl der berühmtesten Skulpturen und Statuen zusammengestellt, die dir helfen, mehr über die Ursprünge dieser ikonischen Bauwerke zu erfahren.

Venus von Willendorf (ca. 25.000 v. Chr.) von Unbekannt

Diese kleine Figur wurde im frühen 20. Jahrhundert ausgegraben und mit dem Titel Venus von Willendorf versehen, der auf ihrer Funktion als Fruchtbarkeitsskulptur beruhte. Obwohl diese Theorie seit vielen Jahren unterstützt wird, sind sich Archäologen, Historiker und andere Fachleute in diesem Bereich immer noch nicht sicher über ihre wahre Funktion oder Herkunft. Diese Venusfiguren wurden als eine Gruppe von Statuen aus dem Jungpaläolithikum in Willendorf, Österreich, gefunden und wurden um 25.000 v. Chr. geschaffen, was sie zu einem der frühesten bekannten Kunstwerke macht.

Die Figuren wurden aus Kalkstein gemeißelt und kunstvoll mit rotem Ocker verziert, um eine nackte Frau oder die Göttin der Fruchtbarkeit, Venus, darzustellen.

Venus von Willendorf Figur, von allen vier Seiten gesehen; Bjørn Christian Tørrissen, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Obwohl das Gesicht der Statue nicht zu erkennen ist, wurde in die Kopfbedeckung ein wiederkehrendes Muster eingearbeitet, das an eine geflochtene Frisur oder einen Kopfschmuck erinnert. Noch faszinierender als die Entscheidung der Bildhauer, die Figur anonym zu halten, war die Art und Weise, wie sie den Körper der Venus darstellten. Der Bildhauer verzerrte absichtlich die Dimensionen der Figur, indem er übertriebene Merkmale wie vergrößerte Hüften und Brüste verwendete, die auf die Fortpflanzung anspielten.&nbsp

Viele Wissenschaftler haben festgestellt, dass die Skulptur aufgrund des großen Busens, des gewölbten Bauches und der kurvenreichen Oberschenkel eine Fruchtbarkeitsskulptur oder „Venusfigur“ darstellen sollte.

Obwohl die Anfänge der Skulpturen unbekannt sind, gehen die meisten Wissenschaftler davon aus, dass sie eine rituelle Funktion hatten und vermutlich Vorstellungen verherrlichten, die mit Fruchtbarkeit, Weiblichkeit, Gottheiten und Sinnlichkeit verbunden waren. Bisher wurden in ganz Asien und Europa rund 144 Fortpflanzungsskulpturen entdeckt. Zwar haben nicht alle dieser Figuren die sinnlichen Eigenschaften der Venus von Willendorf, aber die meisten schon. Das lag an den prähistorischen Vorstellungen von der Zeugungsfähigkeit der Frau, die mit ihrem Aussehen verbunden war. Zu den berühmtesten Statuen aus der Altsteinzeit gehören Artefakte wie die Venus von Hohle Fels und die Löwenmensch Figur(ca. 35-40 kya), die beide zu den ältesten und berühmtesten Statuen gehören. 

Büste der Nofretete (1345 v. Chr.) von Thutmose

Die Büste der Nofretete wurde höchstwahrscheinlich um 1340 v. Chr. geschnitzt, also etwa zur gleichen Zeit wie die Herrschaft von König Echnaton. Sie wiegt 44 Pfund und ist lebensgroß, da sie aus einer einzigen Kalksteinplatte geschnitten wurde. In der altägyptischen Zivilisation waren königliche Porträts nichts Ungewöhnliches. Sie sind in den ägyptischen Palästen zahlreich zu finden.

Die Darstellung des Monarchen ist das, was dieses Bild auszeichnet. Während wir es gewohnt sind, klotzige, substanzielle Kolossalabbildungen eines ägyptischen Pharaos zu sehen, ist Nefertiti’s Büste ziemlich eindeutig.

Der Kopf wurde nicht nur mit geschwungenen Wangen, einem kräftigen Kinn und einer spitzen Nase gemeißelt, sondern sein Steinkern wurde auch mit Gips überzogen, bevor er bemalt wurde. Das Ergebnis war ein realistisches Porträt der Königin Nofretete. Die Büste der Nofretete war mit einem goldbraunen Teint, karmesinroten Lippen, bunten Juwelen und einem königlichen Kopfschmuck geschmückt.

Die Büste der Nofretete, 1352-1332 v. Chr.; Philip Pikart, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Die Augen waren ebenfalls mit Kristallen besetzt, wobei ein Auge aus schwarzem Wachs gefertigt war. Gelehrte fanden heraus, dass die andere Iris nie fertiggestellt wurde, was die Büste zu einem unvollendeten Projekt macht. Wer hat also dieses Kunstwerk geschaffen? Der größte Hinweis kommt vom Fundort der Figur. Wie bereits vermutet, wurde die Skulptur in einem Atelier und nicht in einem Mausoleum oder einem Haus entdeckt. 

Die „Büste der Nofretete“ wurde im Atelier des autorisierten königlichen Bildhauers Thutmose entdeckt, der auch Echnatons Lieblingshandwerker war.

Die Tatsache, dass die Büste in Thutmoses Werkstatt in Amarna entdeckt wurde, deutet darauf hin, dass sie höchstwahrscheinlich ein Modell für eine größere Skulptur war. Es wird vermutet, dass Thutmose die Büste als Orientierungshilfe anfertigte, damit er das Gesicht der Königin bei der Anfertigung weiterer königlicher und möglicherweise kolossaler Porträts im Blick hatte.

Laocoön und seine Söhne(ca. 2. Jahrhundert v. Chr.) von Agesander, Polydorus und Athenodorus

Laocoön und seine Söhne ist eine berühmte Skulptur, die drei Bildhauern aus dem 2. Jahrhundert zugeschrieben wird: Agesander, Polydorus und Athenodorus, die das Werk als Verschönerung für das Haus des römischen Kaisers Titus schufen. Die Skulptur zeigt den ultimativen Ausdruck menschlicher Qualen und unterscheidet sich deutlich von den Darstellungen der Qualen, die in vielen religiösen Kunstwerken zu sehen sind. Die fast lebensgroße Skulptur zeigt den trojanischen Priester Laokoön mit seinen Söhnen Antiphantes und Thymbraeus, die sich einem Angriff einer Horde von Seeschlangen stellen müssen. Die Skulptur wurde auch von dem berühmten antiken Philosophen Gaius Plinius Secundus, auch bekannt als Plinius der Ältere, in seiner Publikation Naturgeschichte (um 77 n. Chr.) hoch gelobt;

Naturgeschichte beschreibt das Kunstwerk als „aus einer einzigen Platte gemeißelt, sowohl das Hauptbild, als auch die Jungen und die Schlangen mit ihren erstaunlichen Windungen“ und nennt es „eine Schöpfung, die jeder anderen Skulptur aus Bronze überlegen ist“.

Was aus Plinius‘ Aussagen nicht klar hervorgeht und bis heute umstritten ist, ist die Frage, ob es sich bei der Statue, die er gesehen hat, um ein authentisches Stück handelt oder um eine Nachbildung, wie manche behaupten, eines „lange verschollenen Klassikers“.

Laocoön und seine Söhne (ca. 2. Jahrhundert v. Chr.) von Hagesandros, Athenedoros und Polydoros; Vatikanische Museen, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Was wir wissen, ist, dass Plinius‘ glühendes Lob für das Kunstwerk auch nach seiner Wiederentdeckung im Februar 1506 noch Bestand hatte. Als Papst Julius II. erfuhr, dass eine Fundgrube historischer Skulpturen entdeckt worden war, beauftragte er ein Team von Spezialisten mit der Überwachung ihrer Bergung.

Ein junger Bildhauer namens Michelangelo, der gerade ein kühnes und viel beachtetes Denkmal des David (1501-1504) in Florenz geschaffen hatte, sowie Lorenzo de Medicis Lieblingsarchitekt Giuliano da Sangallo waren bei der mühsamen Ausgrabung dabei. Francesco, Giulianos junger Sohn, war ebenfalls bei den Ausgrabungen dabei und sollte später selbst ein bekannter Künstler werden.

„Laokoön und seine Söhne“ hatte einen bleibenden Einfluss auf Michelangelos Kreativität und beeinflusste die bildhauerischen Ansätze in vielen seiner berühmten Werke.

Nike von Samothrake(ca. 190 v. Chr.) von Unbekannt

Die Nike von Samothrake ist bei weitem eines der bekanntesten Meisterwerke der hellenistischen Kunst. Die Verkörperung eines geflügelten Triumphs wird durch die blasse Skulptur aus parischem Marmor dargestellt. Das Gesicht und die Gliedmaßen der Statue scheinen ebenfalls zu fehlen, doch trotz der fehlenden Teile ist die Skulptur überragende 5,57 Meter hoch. Die meisterhafte Darstellung des fließenden Faltenwurfs ihrer Tunika vermittelt den Eindruck, als würde Nike inmitten eines Sturms vom Himmel stürzen. Der Stoff ihrer Tunika wird gegen ihren Oberkörper gedrückt und scheint von der Feuchtigkeit des Meeres durchnässt zu sein;

Die Gottheit trägt ein Korsett über den Hüften und unter dem Busen, über das sich spektakulär Falten ziehen. Im 4. Jahrhundert v. Chr. war diese Methode, das Kleidungsstück einer Frau zu verdoppeln, üblich.

Geschwungene Nike von Samothrake (ca. 190 v. Chr.); Louvre Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Gefiederte Siegesgöttin von Samothrake trägt einen Umhang über ihrer Tunika, der ihr rechtes Bein verdeckt und von der fiktiven Kraft der Meeresbrise gegen ihren Oberkörper gedrückt wird. Die gefiederten Flügel der Gottheit sind ebenfalls ausgebreitet, als ob sie in der Bewegung schweben würde. Der Geflügelte Sieg von Samothrake wurde so gestaltet, dass er in einer Dreiviertelperspektive von der linken Seite aus zu sehen ist. Das fällt besonders auf der rechten Seite des Torsos auf, die wie die Rückseite des Kunstwerks deutlich weniger detailliert modelliert wurde.

Im Vergleich zu der lebhaften Anordnung und den exquisiten Details auf der linken Seite der Skulptur war die Gestaltung auf der rechten Seite deutlich geringer. Das graue Marmorfundament zeigt außerdem, dass die Skulptur nicht nur als Hommage an Nike, sondern auch als Erinnerung an den Sieg in einer Seeschlacht entworfen wurde. 

Das Kunstwerk ist zusammen mit dem Fundament und der Plattform, auf der es steht, über fünf Meter hoch.

Venus de Milo (ca. 130 v. Chr.) von Alexandros von Antiochia

Die berühmte Venus de Milo wurde auf der griechischen Insel Milos entdeckt und ist seitdem zu einer der ikonischsten griechischen Skulpturen aller Zeiten geworden. Die Statue stellt die griechische Liebesgöttin Aphrodite dar und fällt durch ihre fehlenden Arme auf, was bei vielen Entdeckungen von Skulpturen aus der Antike üblich war. Die Skulptur wurde von einem jungen Mann auf einem Feld entdeckt, der die Venus versteckt in einer Mauer inmitten der Überreste der antiken Stadt fand. Die Marmorskulptur war in zwei Teile geteilt: den Oberkörper und die drapierten Gliedmaßen. Mehrere weitere Skulpturenteile, darunter ein zweiter linker Arm, der einen Apfel ergreift, und ein eingravierter Sockel wurden in der Nähe ausgegraben.

„Venus de Milo“ ist eine bekannte Statue der griechischen Liebesgöttin Aphrodite, die in der römischen Kultur als „Venus“ bekannt ist.

Die auch als Aphrodite von Milos bekannte Statue wurde aus zwei Platten aus parischem Marmor gemeißelt und bestand einst aus verschiedenen Einzelelementen, die geschnitzt wurden, lange bevor sie mit vertikalen Stiften befestigt wurden. Leider sind der ursprüngliche Sockel und die fehlenden Arme der Statue seit ihrer Ankunft in Paris im Jahr 1820 für die Öffentlichkeit unzugänglich geblieben.

Vordere rechte Seite der Venus de Milo; avocadogirlfriend aus San Diego, Vereinigte Staaten, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Das lag zum Teil an Zuordnungsproblemen, denn als die Skulptur zum ersten Mal wieder aufgebaut wurde, dachte man, dass die angrenzenden Teile der linken Hand und des Arms aufgrund ihres insgesamt „raueren“ Aussehens nicht zu ihr gehören. Experten kamen zu dem Schluss, dass diese zusätzlichen Abschnitte Teil der ursprünglichen Skulptur waren, weil es damals ein übliches Verfahren war, weniger sichtbare Teile einer Statue zu bearbeiten.

„Venus von Milo“ wurde aus feinem parischen Marmor gemeißelt und ist wegen ihrer fehlenden Arme, Ohrläppchen und ihres linken Beins zu einer Ikone der griechischen Kunstgeschichte geworden.

Spezialisten für Statuenrestaurierung schätzen, dass Venus de Milos individuell modellierter rechter Arm quer über ihrem Körper ruhte, während ihre rechte Hand auf einem erhöhten linken Knie lag. Gleichzeitig wird vermutet, dass ihr linker Arm einst einen Apfel auf Augenhöhe trug. Es ist umstritten, ob die Gottheit auf die Frucht starrte, die sie trug, oder in die Ferne.

David (um 1440) von Donatello

Der Palazzo Medici war ein Zentrum des Handels und der sozialen Interaktion mit einem zentralen Innenhof, der von der Straße aus durch das Haupttor zugänglich war. Eine der originellsten Statuen der Frührenaissance war Donatellos bronzener David, der auf einem Sockel installiert wurde und zu sehen war, wenn der Haupteingang der Stadt für Besucher geöffnet wurde. Der David stellte neue Techniken in der Bildhauerei der Frührenaissance dar, denn er ist die älteste bekannte stehende Aktstatue seit der Antike. Außerdem wurde sie aus Bronze gefertigt, einem teuren Material, das im Mittelalter für große, freistehende Skulpturen nicht üblich war.

Das Thema dieser Statue war David, der Thronfolger und Protagonist der Heiligen Schriften, der als junger Mann den Riesen Goliath tötete und sein Volk (die Hebräer) von der Unterdrückung durch die Philister befreite. 

Bronzestatue des David von Donatello, um. 1440; Donatello, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Davids Jugend ist in Donatellos Statue offensichtlich und wurde durch die Nacktheit und den zarten Körperbau der Figur dargestellt. Seinem Charakter wurden die dichte Gesichtsbehaarung und die Weisheit Goliaths gegenübergestellt, dessen kopfloser Körper zu Davids Füßen liegt. Der Stein, den er in seiner linken Hand umklammert, unterstreicht Davids Schwäche und zeigt, dass er den gigantischen Gegner mit einer einzigen Steinschleuder besiegen konnte, obwohl er ein Schwert führte.

Die Moral ist in der Figur und der Darstellung Davids klar erkennbar: Er siegte nicht durch physische Kraft, sondern durch Gottes Gunst.

In der biblischen Geschichte wird zwar erwähnt, dass David sich dafür entschied, nicht in der Rüstung, die ihm sein Vater gegeben hatte, gegen Goliath zu kämpfen, aber es wird nie erwähnt, dass er nackt ausgezogen wurde. David ist in allen früheren Darstellungen seiner Figur bekleidet, so auch in einer älteren Marmorfigur, die von Donatello geschaffen wurde. Die Entscheidung, David völlig nackt darzustellen, abgesehen von einer mit Triumphkränzen geschmückten Hirtenmütze und verzierten Schuhen, war ungewöhnlich und deutete vielleicht auf Donatellos Homosexualität hin. Heute befindet sich Donatellos David im Bargello-Museum in Florenz, ebenso wie ein berühmtes Flachrelief von Donatello mit dem Namen St. Georg und der Drache (ca. 1416-1417) in der Halle von Donatello.&nbsp

David (1504) von Michelangelo

David wurde ursprünglich für die Kathedrale von Florenz als Teil einer Reihe von riesigen Skulpturen bestellt, die in den Nischen der Tribünen der Kathedrale, fast 80 Meter über dem Boden, aufgestellt werden sollten. Die Vertreter des Domvorstands beauftragten Michelangelo, eine von Agostino di Duccio 1464 begonnene Aufgabe zu vollenden. Beide Künstler lehnten schließlich ein massives Stück Marmor ab, weil es zu viele Fehler enthielt, die die Struktur eines so gewaltigen Monuments hätten gefährden können.

Das Ergebnis war, dass dieses großartige Stück Marmor 25 Jahre lang unbemerkt auf dem Gelände der Sakristei ruhte.

Im Jahr 1501, als Michelangelo gerade 26 Jahre alt war, galt er bereits als einer der anerkanntesten und bestbezahlten Künstler seiner Zeit. Er nahm die Aufgabe an, eine monumentale David-Statue zu schaffen und arbeitete fast zwei Jahre lang unermüdlich daran, eines seiner großartigsten Werke aus strahlend weißem Marmor zu schaffen. Der Kirchenvorstand hatte ein theologisches Thema für das Denkmal gewählt, aber niemand hatte eine so radikale Darstellung der legendären Figur erwartet.

David (1501-1504) von Michelangelo; Michelangelo, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Historisch gesehen wurde David als eine siegreiche Figur dargestellt, die über Goliaths Körper steht. Die florentinischen Maler schufen ihre eigene Darstellung von David, der über dem zerstückelten Schädel von Goliath steht. Anstatt der Tradition zu folgen, stellte Michelangelo David dar, bevor der Konflikt begann, und hielt ihn auf dem Höhepunkt eines spannungsgeladenen Moments fest.&nbsp

In der Statue scheint David eine bequeme, aber aufmerksame Haltung einzunehmen, die als contrapposto bekannt ist. Das Modell steht mit einem Bein voll aufgestützt und dem anderen ausgestreckt, so dass die Hüften in entgegengesetzten Winkeln ruhen und die Statue eine kleine s-förmige Kurve erhält. Die Schleuder, die er über den Schultern trägt, ist zunächst nicht zu erkennen, was darauf hindeutet, dass Davids Triumph eher durch seine schlaue Intelligenz als durch rohe Gewalt erreicht wurde. Heute kann der David in der Accademia Galerie in Florenz besichtigt werden, dem zweiten Zuhause der Statue seit ihrer Aufstellung im Jahr 1873;

„David“ strahlt eine enorme Selbstsicherheit und Zielstrebigkeit aus, zwei Eigenschaften, die mit dem „denkenden Menschen“ in Verbindung gebracht werden, der in der Renaissance oft als der Gipfel der Exzellenz galt.

Die Vergewaltigung der Proserpina (1621 – 1622) von Gian Lorenzo Bernini

Diese berühmte Marmorskulptur von Gian Lorenzo Bernini wurde im frühen 17. Jahrhundert geschaffen und verdeutlicht die Stärken des Bildhauers in seinem Wissen über Physiologie, Bewegung und Emotion. Während die handwerklichen Fähigkeiten des Bildhauers auch heute noch gelobt werden, hat das geschmacklose Ausgangsmaterial des Kunstwerks einen problematischen Schatten auf das Werk geworfen, obwohl es ein klassisches Highlight der Barockzeit ist.

Im Jahr 1622 vollendete Bernini im Alter von 23 Jahren „Die Vergewaltigung der Proserpina“, was ihm in den Augen seiner Zeitgenossen, die viel älter waren, große Anerkennung einbrachte.

Bernini machte sich in den frühen 1620er Jahren mit vier Meisterwerken einen Namen als angesehener Bildhauer. Die Skulpturen wurden aus dem feinen Carrara-Marmor gefertigt, der aus der Toskana stammt und traditionell von antiken römischen Architekten, aber auch von Künstlern des Manierismus und der Renaissance verwendet wurde.

Der Raub der Proserpina (1622) von Gian Lorenzo Bernini; Burkhard Mücke, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Die Zartheit dieses hochwertigen Marmors bot sich für Berninis Kunst an, denn er hatte große Freude daran, Marmor die Illusion von Haut zu geben. Diese Faszination, Stein in Haut zu verwandeln, zeigte sich am deutlichsten in Die Vergewaltigung der Proserpina, einem Werk, das eine spektakuläre Entführung darstellen soll (der Ausdruck „Vergewaltigung“ spielt auf den Akt der Entführung an). Wie viele von Berninis frühesten Werken wurde es von Kardinal Scipione Borghese in Auftrag gegeben, einem begeisterten Kunstkenner und treuen Unterstützer Berninis.

Nach der Hochrenaissance kam es zu einem Wiederaufleben des Enthusiasmus für die Wiederbelebung des klassischen Malstils, einschließlich der von der antiken römischen und griechischen Mythologie beeinflussten Themen.

Ekstase der Heiligen Teresa (1647 – 1652) von Gian Lorenzo Bernini

Die Ekstase der Heiligen Teresa ist eine der berühmtesten Skulpturen von Gian Lorenzo Bernini, der das Meisterwerk zwischen 1647 und 1652 schuf. Bernini ließ sich von der epischen Geschichte der spanischen Nonne Teresa von Ávila aus dem 16. Jahrhundert inspirieren, die ihre Liebe zu Gott und ihre Erfahrung der „religiösen Ekstase“ in ihren Visionen beschrieb. Teresa von Ávila beschrieb eine Vision, in der sie einem Engel begegnete, der ihr mehrmals das Herz durchbohrte, so dass sie sowohl Schmerz als auch Freude erlebte.

Teresas Erfahrung beschrieb einen spirituellen Schmerz und die Freude ihrer Seele über die Intensität der Erfahrung und ihre Liebe zu Gott.

Dies inspirierte Bernini dazu, den Moment des intensiven spirituellen Bewusstseins in barocker Manier zu skulptieren. Die Skulptur wurde von der Familie Cornaro in Auftrag gegeben, die ein Werk für die Cornaro-Kapelle in der Kirche Santa Maria della Vittoria in Rom benötigte. Die Platzierung der Skulptur war ebenfalls von entscheidender Bedeutung, denn die Tafeln an den Seiten der Skulptur zeigen Szenen mit Figuren, die das Thema Teresa und den Engel in einer Theaterloge zu diskutieren scheinen. Zu den Figuren, die an den Wänden um die Skulptur herum abgebildet sind, gehören Berninis Mäzen Federico Cornaro und viele posthume Porträts von anderen Mitgliedern der Familie Cornaro;

Perseus mit dem Haupt der Medusa (1804 – 1806) von Antonio Canova

Perseus mit dem Haupt der Medusa ist eine berühmte Skulptur des italienischen Bildhauers Antonio Canova, der als einer der Meister des frühen 19. Jahrhunderts gilt. Perseus mit dem Haupt der Medusa ist eine dynamische Skulptur, die Canovas Interesse an Themen der Antike widerspiegelt und auf dem Apollo Belvedere basiert. Perseus mit dem Haupt der Medusa zeigt die Figur des Perseus, der in Apollo-Pose steht und seinen Blick konzentriert auf das enthauptete Haupt der griechischen Gorgone Medusa richtet, das von der Medusa-Maske von Rondanini in München inspiriert wurde. Perseus mit dem Haupt der Medusa wurde von Papst Pius VII. erworben, der die Skulptur am ehemaligen Standort der Skulptur Apollo Belvedere (ca. 15. Jahrhundert) aufstellte.&nbsp

Wissenschaftler haben über die Besitzverhältnisse der Originalskulptur gestritten und spekulieren über Aufzeichnungen, die besagen, dass die erste Skulptur fehlerhaft war und an die Gräfin Tarnowska verschenkt wurde und danach eine zweite Kopie für den Papst hergestellt wurde.

Canova riet seinen Zuschauern und Fans oft, seine Werke bei Kerzenlicht zu betrachten, um das Kunstwerk wirklich zu erleben. Eine weitere berühmte Skulptur von Canova ist die Psyche, die von Amors Kuss wiederbelebt wird (1793), die einige Jahre zuvor von Colonel John Campbell in Auftrag gegeben wurde. 

Die Freiheitsstatue (1886) von Auguste Bartholdi

Die Freiheitsstatue war ein gemeinsames Skulpturenprojekt der Regierungen Frankreichs und der Vereinigten Staaten, um die langjährige Beziehung der beiden Länder zu feiern. Das Denkmal wurde von dem französischen Künstler Frederic-Auguste Bartholdi aus gehämmerten Kupferstreifen gebaut. Die Freiheitsstatue wurde dann in Teilen in die Vereinigten Staaten transportiert und auf einer kleinen Insel in der Upper New York Bay errichtet und 1886 von Präsident Grover Cleveland eingeweiht. 

Die Freiheitsstatue hielt stand, als im Laufe der Jahrzehnte Wellen von Ausländern über die benachbarte Ellis Island in New York landeten. Im Jahr 1986 wurde die Statue anlässlich des hundertjährigen Jubiläums ihrer Einweihung umfassend renoviert. Als der Amerikanische Bürgerkrieg 1865 zu Ende ging, schlug der französische Historiker Edouard de Laboulaye vor, dass Frankreich den Vereinigten Staaten ein Denkmal schenken sollte, um die Leistung des Landes bei der Schaffung einer nachhaltigen Regierung zu ehren.

Das Projekt wurde an den Künstler Frederic Auguste Bartholdi vergeben, der für seine monumentalen Werke bekannt war. Ziel des Projekts war es, das Denkmal rechtzeitig zum hundertsten Jahrestag der Unabhängigkeitserklärung im Jahr 1876 fertigzustellen.

Freiheitsstatue; Alex Liivet aus Chester, Vereinigtes Königreich, CC0, via Wikimedia Commons

Die Zusammenarbeit sah vor, dass der französische Künstler für das Denkmal und dessen Bau verantwortlich war, während die Architekten der Vereinigten Staaten das Podium als Zeichen des guten Willens ihrer Bürger errichten sollten. Mit dem Skizzieren der Statue wurde erst 1875 begonnen, da die Finanzierung des Denkmals noch nicht gesichert war.

Bartholdi benutzte riesige Kupferplatten, um die „Haut“ des Denkmals zu bauen, die Berichten zufolge dem Gesicht seiner Mutter nachempfunden war, und zwar mit einer Methode, die als „Repousse“ bekannt ist.

Bartholdi holte sich die Hilfe von Alexandre-Gustave Eiffel, dem Erbauer des Pariser Eiffelturms, um das Gerüst zu entwickeln, auf dem die Schale errichtet werden sollte. Eiffel arbeitete mit Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc zusammen, um ein Gerüst aus Eisensäulen und Stahl zu entwerfen, das es der Kupferverkleidung ermöglichte, sich frei zu bewegen, da die Statue starken Windböen ausgesetzt sein würde. 

Der Denker (1880) von Auguste Rodin

Der Denker war Teil eines großen Auftrags, der 1880 für Das Höllentor, eine Eingangsumgebung, ausgeführt wurde. Der Denker befindet sich in der Mitte der Anlage, über dem Eingang, und ist etwas größer als die meisten anderen Skulpturen. Einige Gelehrte glauben, dass sie ursprünglich Dante Alighieri darstellen sollte, der an den Toren der Hölle über sein berühmtes Gedicht nachdenkt.

Andere waren mit der Interpretation der Skulptur nicht einverstanden und führten an, dass der Körper nackt sei, obwohl Dante während der gesamten Passage vollständig bekleidet war, und dass der Körper der Skulptur nicht mit Dantes verweichlichter Gestalt übereinstimme. Rodin wollte eine edle, von Michelangelos Stil inspirierte Form, die sowohl Intelligenz als auch Schönheit vermitteln sollte, daher wurde das Kunstwerk als Akt geschaffen. Die Figur ist auf den Ellenbogen gestützt, der auf dem linken Bein liegt, und das Kinn ruht auf der Faust.

Die Haltung des Denkmals ist eine der intensiven Kontemplation und Konzentration, die häufig als Pose verwendet wurde, um philosophisches Denken und Charakter darzustellen.

Der Denker (1880) von Auguste Rodin; Karora, Public domain, via Wikimedia Commons

Rodin schuf die Statue als Teil seines Projekts Das Höllentor, das 1880 in Auftrag gegeben wurde. Die erste der berühmten massiven Bronzeformen wurde jedoch erst 1904 fertiggestellt und ist heute im Musée Rodin in Paris zu sehen.

Die Skulptur wurde in mehreren Varianten gegossen und ist auf der ganzen Welt zu sehen, aber die Chronologie des Übergangs vom Modell zur Gussform bleibt unklar.

Es gibt etwa 28 monumental große Bronzeabgüsse in Galerien und an öffentlichen Orten auf der ganzen Welt. Es gibt weitere Kopien in verschiedenen Studiengrößen sowie Gipsrepliken (meist aus bemalter Bronze) in massiven und Studienproportionen. Einige spätere Abgüsse wurden nach seinem Tod geschaffen und werden nicht als Teil des ursprünglichen Projekts betrachtet.

Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum (1913) von Umberto Boccioni

Unique Forms of Continuity in Space bezieht Geschwindigkeit und Machtdynamik in die Darstellung einer schreitenden Person ein. Es stellt nicht ein bestimmtes Individuum zu einem bestimmten Zeitpunkt dar, sondern verbindet den Akt der Bewegung zu einer einzigen Einheit. Für Boccioni, eine bedeutende Figur der italienischen Futuristen, war dies ein präziser Zustand. Er wurde als Körper in ständiger Bewegung dargestellt, der in die Zeit eingetaucht und mit den auf ihn wirkenden Kräften verbunden ist.

Boccioni behauptete, er habe wenig Interesse an traditionellen oder Renaissance-Skulpturen. „Jeder, der heute glaubt, Italien sei die Nation der Kunst, ist ein sexueller Perverser, der einen Friedhof für eine bezaubernde kleine Grotte hält“, sagte er in Futuristische Malerei Skulptur (1914), einem Buch im Stil eines Manifests.

Boccioni vertrat die Ansicht, dass die Kunst „eine enge historische Beziehung zu der Zeit haben sollte, in der sie entsteht“; die Skulpturen des frühen 20. Jahrhunderts sollten seiner Meinung nach das Tempo und die Intensität der rasanten Urbanisierung Italiens darstellen.

Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum (1913) von Umberto Boccioni; Umberto Boccioni, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Boccioni und die anderen Futuristen sahen den bevorstehenden globalen Krieg als eine logische Entwicklung, die die Überreste der Geschichte auslöschen und Menschen und Technik näher zusammenbringen würde. „Lasst uns die Form weit aufreißen und alles, was sie umgeben könnte, in sich selbst aufnehmen“, sagte Boccioni. Er widersetzte sich den bildhauerischen Konventionen, indem er die Form dieser sich bewegenden Kreatur öffnete, die vorwärts drängt, als würde sie von Eile getrieben. Während die triumphale Haltung und der armlose Körper an Skulpturen aus früheren Epochen der Kunstgeschichte erinnern, verweist das glänzende Metall auf die zeitgenössische Technologie.

Boccioni war eine Schlüsselfigur der futuristischen Bewegung, deren Anhänger die Vergangenheit vehement ablehnten und stattdessen Formen entwarfen, die die Vitalität und den Erfindungsreichtum des Maschinenzeitalters widerspiegelten.

Brunnen (1917) von Marcel Duchamp

Fountain ist eine gefundene Skulptur von Marcel Duchamp aus dem Jahr 1917, die aus einem mit „R. Mutt“ signierten Keramikurinal besteht. Das Pissoir wurde 1917 für eine Ausstellung der Society of Independent Artists im Grand Central Palace in New York eingereicht.

Duchamp beschrieb seine vorgefertigten Skulpturen als „gewöhnliche Dinge, die durch den Akt der Auswahl durch den Schöpfer zur Größe eines Kunstwerks erhoben werden“.

Die Position des Pissoirs wurde gegenüber seiner regulären Platzierung in Duchamps Ausstellung verändert. Fountain wurde von der Jury nicht abgelehnt, weil das Reglement der Organisation besagte, dass alle Kunstwerke zugelassen werden, die von Schöpfern eingereicht werden, die das Geld einreichen, aber die Skulptur wurde nie ausgestellt. Fountain wurde nach seiner Abreise in Alfred Stieglitz‘ Werkstatt fotografiert und das Bild wurde in der Dada-Publikation The Blind Man abgedruckt. Seitdem ist das Original verloren gegangen, aber das Werk wird von vielen Gelehrten und Avantgarde-Denkern als wichtiger Meilenstein der Kunst des 20.

Fountain (1917) von Marcel Duchamp; Marcel Duchamp, Public domain, via Wikimedia Commons

In den 1950er und 1960er Jahren wurden 16 Reproduktionen bei Duchamp angefordert, die er nach festgelegten Vereinbarungen anfertigte. Einige spekulieren, dass das Originalstück von einer ungenannten Frau geschaffen wurde, die es Duchamp als Bekannte schickte, aber Kunstkritiker vermuten, dass Duchamp für die Darstellung von Fountain vollständig verantwortlich war.

Duchamps „Fountain“ ist vielleicht die bekannteste Skulptur aus den Readymades in dieser Sammlung, denn die figurative Bedeutung der Toilette treibt die intellektuelle Frage, die der Begriff „Readymades“ vorschlägt, auf die höchste emotionale Stufe.

Auch der Philosoph Stephen Hicks meinte, dass Duchamp, der sich in der europäischen Kunstgeschichte gut auskannte, mit Fountain eindeutig eine kontroverse Aussage machte. „Duchamp, der Künstler, ist ein mittelmäßiger Schöpfer…er hat in einer Klempnerabteilung eingekauft. Die Skulptur ist kein Einzelstück; sie wurde in einer Fabrik in Massenproduktion hergestellt. Kunst ist keine erheiternde oder erhebende Erfahrung; bestenfalls ist sie verwirrend und hinterlässt meist einen schlechten Geschmack“;

Statue von Abraham Lincoln (1920) von Daniel Chester French

Diese weltberühmte Statue von Abraham Lincoln ist vielleicht die bekannteste Skulptur der Kunstgeschichte, die für das Lincoln Memorial auf der National Mall geschaffen wurde. Die monumentale Statue des 16. Präsidenten der Vereinigten Staaten wurde zwischen 1914 und 1920 von Daniel Chester French geschaffen und 1922 der Öffentlichkeit vorgestellt. Die Skulptur wurde aus Georgia-Marmor gefertigt und wiegt etwa 170 Tonnen.

Was die „Statue von Abraham Lincoln“ so tiefgründig macht, ist ihre patriotische Atmosphäre, die sich im feierlichen Gesichtsausdruck von Abraham Lincoln zeigt.

Daniel Chester French wurde vom Komitee des Lincoln Memorials ausgewählt, um eine Skulptur für den Entwurf von Henry Bacon zu entwerfen, mit dem French bereits seit rund 25 Jahren in zahlreichen Kooperationen zusammengearbeitet hatte. Heute ist die Statue von Abraham Lincoln ein ikonischer Teil von Washington D. C. und des amerikanischen Renaissancestils der Vereinigten Staaten. 

Bird Girl (1936) von Sylvia Shaw Judson

Als Sylvia Shaw Judsons Skulptur des Vogelmädchens auf dem Buchumschlag von Midnight in the Garden of Good and Evil (1994) abgebildet wurde, kamen unzählige Reproduktionen der jungen Dame, die die Schalen umklammert, auf den Kunstmarkt. Judsons Tochter, die alle Urheberrechte an den Skulpturen ihrer Familie besitzt, war wütend und leitete rechtliche Schritte ein, um die abscheulichen Kopien auf dem Markt zu verhindern. Brian Caldwell, der Schöpfer von Potina, trat im Frühjahr 1998 an Judsons Tochter heran und schlug ihr vor, eine vom Nachlass genehmigte Nachbildung des Bird Girl-Denkmals herauszugeben. Caldwell erinnert sich, wie er ihr sagte: „Jemand wird sie weiter produzieren. Ich will sie anständig behandeln“. 

Nach reiflicher Überlegung willigte Judsons Nachlass ein, Potina eine Exklusivlizenz für die Herstellung und den Verkauf von Reproduktionen des Denkmals zu geben.

Bis zum Ende des Jahres war sie auf der Vorderseite von drei führenden Katalogen abgebildet und wurde in Gartenzentren und Souvenirläden im ganzen Land vertrieben. Sylvia Shaw Judson, die Designerin des Bird Girl, wurde in Lake Forest, Illinois, geboren und studierte an der School of the Art Institute of Chicago und in Paris. Ihr Stil wurde von Kritikern als bescheiden, klar, friedlich, kindlich, ruhig und lieblich gelobt. Judson war vor allem für ihre liebenswerten Tier- und Kinderdarstellungen bekannt, aber sie schuf auch einige bekannte Auftragsarbeiten mit theologischen Themen, die ihre Quäker-Abstammung widerspiegeln.

Heute kann man Judsons Statuen und Brunnen in Gärten und Stadtparks in den ganzen Vereinigten Staaten sehen.

Maman (1999) von Louise Bourgeois

Louise Bourgeois schuf Maman aus Marmor, Bronze und Edelstahl in Form einer Spinne und ist eine der bisher größten Skulpturen der Welt. Die große Spinnenskulptur ist mehr als 30 Fuß hoch und 33 Fuß breit, mit einem Sack, der 32 Marmoreier enthält, und Beinen aus geripptem Metall. Der Titel ist eine Anspielung auf den französischen Begriff „Mutter“ und wurde 1999 als Teil von Bourgeois‘ Debütprojekt The Unilever Series (2000) für die Ausstellung in der Turbinenhalle der Tate Modern in London geschaffen. Auf diese Stahlskulptur folgte eine Serie von sechs kleineren Bronzeabgüssen. 

Die Skulptur verarbeitet das furchterregende Bild der Spinne, das Bourgeois zunächst 1947 in einem kleinen Tusche- und Kohlegemälde erforschte und später in ihrem Werk „Spider“ von 1996 fortsetzte.

Maman (1999) von Louise Bourgeois; Jeangagnon, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Maman verweist auf Bourgeois‘ Mutter und ihre Stärke durch die Spinne und ihre Fähigkeit, zu spinnen, zu weben, zu nähren und ihre Jungen zu beschützen. Ihre Mutter, Josephine, arbeitete in der Textilwerkstatt ihres Vaters in Paris und reparierte Wandteppiche. Bourgeois‘ Mutter starb an einer unbekannten Krankheit, als sie erst 21 Jahre alt war. Louise stürzte sich ein paar Tage nach dem Tod ihrer Mutter vor den Augen ihres Vaters, der die Trauer seiner Tochter nicht ernst zu nehmen schien, in den Fluss Bièvre;

„Die Spinne ist ein Liebesbrief an meine Mutter. Sie war meine engste Vertraute. Meine Mutter war eine Spinnerin, ähnlich wie eine Spinne. Mein Haushalt war in der Wandteppich-Reparaturbranche tätig, und meine Mutter hatte die Kontrolle über die Fabrik. Meine Mutter war, wie Spinnen, extrem intelligent. Spinnen sind angenehme Insekten, die sich von Mücken ernähren. Mücken sind dafür bekannt, dass sie Krankheiten übertragen und deshalb unerwünscht sind. Spinnen, wie meine Mutter, sind nützlich und wachsam“, schrieb sie.

Cloud Gate (2004) von Anish Kapoor

Die flüssige Form des Quecksilbers beeinflusste Anish Kapoors Kreation Cloud Gate, die das Bild von Chicagos Stadtlandschaft reflektiert und verzerrt. Die Besucher können um das Kunstwerk herum und unter dem 3,7 Meter hohen Bogen des Cloud Gate hindurchgehen, um das Kunstwerk in seiner ganzen Bandbreite zu erleben. Der Nabel ist eine konkave Vertiefung am Boden, die die Reflexion verzerrt und verstärkt. Viele von Kapoors kreativen Ideen sind in die Skulptur eingeflossen, die aufgrund ihrer ausgeprägten Reflexion bei den Besuchern als Fotomotiv beliebt ist. Cloud Gate war Teil eines Wettbewerbs, den Kapoor gewonnen hat, doch es tauchten viele Fragen und Bedenken bezüglich der Wartung und Herstellung der Skulptur auf. 

Mehrere Spezialisten wurden hinzugezogen, von denen einige behaupteten, das Konzept sei nicht realisierbar. Obwohl ein praktikabler Bauprozess gefunden wurde, geriet die Entwicklung der Skulptur hinter den vorgesehenen Zeitplan zurück. Bei der offiziellen Eröffnungsfeier des Millennium Parks im Jahr 2004 wurde sie in einer Teilversion gezeigt, bevor sie bis zur Fertigstellung am 15. Mai 2006 wieder versteckt wurde. Später einigte man sich darauf, dass die Elemente selbst zum Erhalt der Skulptur beitragen, einschließlich des Schnees, der von den vielen Menschen, die sie berühren, weggebürstet werden kann, so dass sie kreative Selfies unter ihrem „Nabel“ machen können. Seit seiner Aufstellung hat das Cloud Gate im In- und Ausland an Bekanntheit gewonnen.

Die Bildhauerei ist eine der am längsten existierenden Kunstformen, was an der Geschichte der verwendeten Materialien liegt. Berühmte Kunststatuen leben als Überbleibsel vergangener Zivilisationen weiter und erinnern uns an den Wert, den Bildhauerei und Kunst für zukünftige Generationen haben können. 

Häufig gestellte Fragen

Was ist die berühmteste Skulptur?

David von Michelangelo gilt als die berühmteste Skulptur aller Zeiten und wurde zwischen 1501 und 1504 geschaffen. Die massive Statue gilt als die erste Statue dieser Größe seit der klassischen Antike;

Was ist die berühmteste öffentliche Skulptur?

Die Freiheitsstatue  gilt als die berühmteste öffentliche Skulptur der Welt und wurde 1876 von Frédéric Auguste Bartholdi geschaffen. Die Statue befindet sich auf Liberty Island in New York City und wurde als Geschenk der französischen Regierung zum Gedenken an die Beziehungen zwischen Frankreich und den Vereinigten Staaten entworfen.

Was ist die älteste Skulptur der Welt?

Der Venus von Hohle Fels und die Löwenmensch Figur gelten als die ältesten bekannten Skulpturen der Welt und stammen aus der Zeit vor 40.000 Jahren. Diese Figuren wurden in Deutschland entdeckt und gelten als die ältesten bisher bestätigten Statuetten. 

Wer gilt als der beste Bildhauer der Geschichte?

Als bester Bildhauer und Künstler gilt Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, der einfach als Michelangelo bekannt ist. Michelangelo war ein berühmter „Mann der Renaissance“, der in einer Vielzahl von Berufen wie Kunst, Architektur, Literatur und Technik erfolgreich war. Für seinen Beitrag zur Bildhauerei wurde Michelangelo auch als „der Göttliche“ bezeichnet. 

Wer waren die drei berühmtesten Bildhauer der Kunstgeschichte?

Zu den vielen talentierten Bildhauermeistern der Kunstgeschichte gehörten Michelangelo, Donatello und Auguste Rodin. Diese drei Bildhauer gelten als die einflussreichsten Bildhauer ihrer jeweiligen Zeit und prägten die traditionellen Techniken und Stile der Bildhauerei von der Renaissance bis zum 19;