Minimalismus Kunst – Einblick in die Welt der Minimal Art

Minimalistische Kunst oder Minimalismus-Kunst ist eine visuelle Kunst- und Designbewegung, die sich auf die primären Elemente eines Kunstwerks konzentriert. Sie konzentriert sich auf die Belegung des Raums um das Kunstwerk herum und darauf, wie es mit dem Betrachter interagiert und umgekehrt, wobei alle unnötigen Elemente weggelassen werden. Der Minimalismus entstand vor allem in New York in den frühen 1960er Jahren, einer Bewegung nach dem Zweiten Weltkrieg, als Reaktion auf den subjektiven Charakter des Abstrakten Expressionismus.

Eine Einführung in die Minimalistische Kunst

Der Minimalismus Kunstbewegung umfasst eine Vielzahl verschiedener Kunstformen wie minimalistische Skulpturen, Innenarchitektur und natürlich Malerei. Sie entstand in den 1960er und 1970er Jahren in New York, als einige Künstler die Subjektivität des Abstrakten Expressionismus als zu komplex empfanden, um Kunst darzustellen.

Der abstrakte Expressionismus galt als zu persönlich und als Ausdruck der Gefühlslage und der inneren Welt des Künstlers, und die wörtliche Anwendung des Pinselstrichs stellte seinen inneren Zustand dar. Beispiele für diesen Kunststil finden sich bei Künstlern wie Jackson Pollock, Franz Kline und Willem de Kooning, die in den 1940er und 1950er Jahren die Vorreiter des Abstrakten Expressionismus waren.

Eine jüngere Gruppe von Künstlern führte die Bewegung der Minimal Art an. Sie wendeten sich von der etwas hektischen, selbstdarstellerischen Art des Abstrakten Expressionismus ab, indem sie bewusst weniger in ihre Kunst einbrachten und so ein minimalistischeres abstraktes Kunstwerk schufen. Das berühmte Sprichwort „weniger ist mehr“ beschreibt die Kunst des Minimalismus – ob nun mehr oder weniger, auf jeden Fall gibt es viel mehr in dieser Kunstbewegung.

Wörter, die minimalistische Ideen am besten beschreiben, sind Reduktionismus, Einfachheit, Sauberkeit, Glätte und fast alles, was die grundlegenden Aspekte eines Kunstwerks vermittelt.

Target (1961) von Jasper Johns, das als ein „Kunstwerk, in dem die Farbe das wichtigste formale Element ist“ beschrieben wird; Jasper Johns, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Frank Stella ist ein bekannter Künstler, Grafiker und Bildhauer und gilt als einer der Vorreiter der Minimalismus-Kunstbewegung. Nach seinem Abschluss an der Princeton University zog Stella 1958 nach New York City. Er beschäftigte sich mit dem Abstrakten Expressionismus, war aber mit den subjektiven und metaphorischen Aspekten dieser Bewegung nicht einverstanden. In seinen 20er Jahren arbeitete Stella als Anstreicher und begann, Farbe und Pinsel zu benutzen, um seine minimalistische Kunst zu schaffen.

Für ihn war die minimalistische Malerei „eine flache Oberfläche mit Farbe darauf – mehr nicht“, die die buchstäbliche Farbe und Form auf der Oberfläche darstellte, ohne irgendeine andere „versteckte“ Bedeutung oder Symbolik, wie sie in Kunstwerken vorangegangener Kunstbewegungen zu finden ist. Seine Serie Black Paintings (1959) veranschaulicht diese Idee: Sie besteht aus einer Leinwand mit Linien oder Bändern aus schwarzer Farbe in verschiedenen Mustern, wobei der weiße Hintergrund der Leinwand ebenfalls als Linien oder Bänder zwischen dem Schwarz dargestellt wird.

Frank Stella ließ sich von den Werken anderer minimalistischer Künstler wie Jasper Johns und Barnett Newman inspirieren, deren Kunstwerke in ihren Räumen flacher erschienen. Donald Judd, ein weiterer Künstler der Minimalismus-Bewegung, veröffentlichte 1965 einen Artikel mit dem Titel Specific Objects. Neben Judd veröffentlichten auch andere Künstler verschiedene Artikel, zum Beispiel Robert Morris, der 1966 Notes on Sculptures schrieb und Sol LeWitt, der 1967 Paragraphs on Conceptual Art schrieb.

Die oben genannten Publikationen versuchten alle, den Stil und das Wesen des Minimalismus zu beschreiben und wie man minimalistische Kunst macht, von der Ästhetik und der Form, wie ein bestimmtes Kunstwerk je nach den Bedingungen und dem Kontext interpretiert wird und wie der Prozess der Ideenfindung und Konzeptualisierung genauso wichtig ist wie der ästhetische Reiz.

Die Grundlagen der Minimalismus-Kunst

Obwohl der Minimalismus in den 1960er Jahren in Amerika zu einer dominierenden Kunstbewegung wurde, lassen sich seine Prinzipien und Merkmale in Kunstbewegungen und Kunstwerken aus den 1900er Jahren finden. Andere Quellen bringen ihn mit der Incoherents Kunstausstellung in Paris im Jahr 1882 in Verbindung. Die Ausstellung zeigte ein Gemälde des französischen Dichters und Dramatikers Paul Billhaud mit dem Titel Combat de Nègres dans un Tunnel („Neger kämpfen in einem Tunnel“, 1884), das in Farbe und Komposition komplett schwarz erscheint.

Auch Kasimir Malewitschs Gemälde mit dem Titel Schwarzes Quadrat aus dem Jahr 1915 deutet auf frühe minimalistische Malerei hin, denn es ist buchstäblich ein schwarzes Quadrat auf weißem Hintergrund. Schwarzes Quadrat war der erste Teil einer Serie von vier verschiedenen Adaptionen von Malewitsch. Über sein spezielles Kunstwerk, das Schwarze Quadrat, sagte Malewitsch, dass „die wahre Bewegung des Seins von Null an, in Null, beginnt“, womit er sich voll und ganz auf die grundlegende Natur der Schaffung eines Kunstwerks konzentrierte.

 Black Square (1915) von Kasimir Malewitsch; Kazimir Malevich, Public domain, via Wikimedia Commons

Andere Kunstbewegungen wie das Bauhaus und De Stijl beeinflussten die minimalistischen Künstler, vor allem, als Werke dieser Kunstbewegungen in New York ausgestellt wurden. Die Bauhaus-Bewegung entstand 1919 in Deutschland. Als Kunstschule erforschte sie verschiedene Ideen der minimalistischen Malerei, des Kunsthandwerks, des Designs und später der Architektur, wobei sie sich auf Ideen der Funktionalität gegenüber der Ästhetik konzentrierte.

Die niederländische De Stijl-Bewegung, die 1917 in den Niederlanden entstand, konzentrierte sich auf die Grundlagen des Kunstschaffens, indem sie sich auf die Grundfarben beschränkte und nur Schwarz und Weiß verwendete. Außerdem verwendeten die Künstlerinnen und Künstler hauptsächlich die grundlegendsten Formen auf horizontalen und vertikalen Ebenen.

Wichtige Konzepte in der Minimalistischen Kunst

Eines der wichtigsten Merkmale der minimalistischen Kunst ist, dass sie eine Revolte gegen die expressive und abstrakte Natur der expressionistischen Kunst ist. Manche bezeichnen sie sogar als rebellisch, da sie darauf abzielt, die einfachsten und grundlegendsten Bedeutungen von Farben und Formen vollständig zu vermitteln, mit anderen Worten, sie beabsichtigt nicht, eine andere Bedeutung als nur die, die man mit dem Auge sieht, zu erzeugen – es gibt keine Metapher oder höhere Bedeutung der Kunst oder des Designs.

Objektiv versus Subjektiv

Die objektive Natur der Kunst wird gegenüber der subjektiven Natur zum Leben erweckt; die persönliche Interpretation des Künstlers tritt sozusagen in den Hintergrund, und die angeborene Qualität des Bildes, der Form oder der Gestalt ist der Hauptgrund für die Existenz der minimalistischen Kunst. Wörter wie „Ablehnung“ oder „Revolte“ sind eindeutige Kennzeichen der minimalistischen Kunst und weisen auf ihren radikalen Ansatz als eine der Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts hin.

Monochromatische Farben

Ein weiteres Erkennungsmerkmal minimalistischer Kunst ist die Verwendung von Farben, die in monochromen und primären Farbpaletten gehalten sind. Dadurch wird das Kunstwerk neutraler und die Farbe wird nicht mehr als das, was sie ist. Mit anderen Worten: Die Farben werden nicht verwendet, um einen persönlichen Ausdruck zu vermitteln, sondern um die Wirkung und das Werk so zu zeigen, wie es ist.

The Gathering Anguish Strikes Beneath… (1982-1983) von John Francis Murphy; John Francis Murphy, Public domain, via Wikimedia Commons

Geometrische Formen und Gestalten

Die Kunst des Minimalismus zeichnet sich durch geometrische Formen aus, egal ob sie auf eine Leinwand gemalt sind oder eine Skulptur darstellen. Die Formen sind oft abstrahiert und nicht immer ästhetisch ansprechend oder sinnvoll, aber all das trägt zum Minimalismus bei und wie er sich von der eher traditionellen Art, Kunst und Skulpturen zu machen, entfernt, die oft eine Geschichte erzählt, oder wie manche es nennen würden, eine Erzählung.

Hier zielt die Form oder Gestalt jedoch nicht darauf ab, eine Geschichte zu erzählen, und es ist Sache des Betrachters, die Geschichte zu bestimmen.

Kommerzielle Materialien versus künstlerische Materialien

Minimalistische Kunst wird oft mit handelsüblichen Farben, Pinseln und verschiedenen anderen industriellen Materialien geschaffen. Das unterstreicht den Grundsatz des Minimalismus, dass er nicht persönlich oder ausdrucksstark ist, sondern „was du siehst, ist, was du siehst“, wie Frank Stella so treffend über seine Kunst und letztlich über die Minimalismus-Bewegung selbst sagte.

Minimalistische Kunst in verschiedenen Stilen und Medien

Minimalistische Kunst ist in verschiedenen Stilen vertreten, von der bildenden Kunst über Skulpturen, Innenarchitektur und Installationen bis hin zur Architektur. Im Folgenden gehen wir darauf ein, wie sich diese Kunstrichtung in diesen Bereichen präsentiert, und nennen prominente Künstler, die daran beteiligt waren.

Bildende Kunst

Die bildende Kunst, also die Malerei, hat Hunderte von Jahren der Darstellung durchlaufen, aber wenn es um die Gemälde des Minimalismus geht, wirst du eine Welt der flachen Zweidimensionalität und der geometrischen Formen bemerken, als ob ein dreidimensionales Objekt auf die Leinwand gepresst wurde. Oft sind diese Gemälde in ihren Farbschemata einfach, aber sie erzeugen die Illusion von Tiefe und Raum, was wiederum eine ganz neue Darstellung von Kunst schafft. Du würdest gerne annehmen, dass die Komposition eine Bedeutung hat, aber das entspringt ausschließlich deinen eigenen vorgefassten Vorstellungen von Kunst.

Obwohl die minimalistische Kunst eine rebellische Antwort auf den Abstrakten Expressionismus war, haben sich viele Künstler von den Gemälden verschiedener Künstler des Abstrakten Expressionismus inspirieren lassen. Ein Beispiel für einen solchen minimalistischen Künstler ist Barnett Newman, der Kompositionen mit flach aufgetragener Farbe schuf. Auch seine Pinselführung folgte nicht den Mustern, die in vielen abstrakten Gemälden der Zeit zu sehen sind.

Newman war auch einer der Vorreiter der Farbfeldmalerei in den 1940er und 1950er Jahren in New York. Bei diesem Ansatz wurde die Farbe auf eine andere Art und Weise verwendet, indem sie in größeren, ununterbrochenen Mustern oder Formen aufgetragen wurde, anstatt dass gefühlvolle Pinselstriche das Werk bestimmten. Minimalistische Künstler wie Frank Stella griffen auch auf die Vertreter der Farbfeld-Bewegung zurück, da sich die Bewegungen in dieser Zeit eng überschnitten.

Wasko, Man in the Night (to Barnett Newman) (1988) von Ryszard Wasko; Ryszard Wasko, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Skulptur

Die minimalistische Skulptur ist ein großer Teil dieser Bewegung, und die Dreidimensionalität der Objekte ist ein gutes Beispiel dafür, worum es bei dieser Bewegung geht. Sie zeichnet sich vor allem dadurch aus, dass die Objekte einfach und in ihren Formen völlig grundlegend sind. Ein Würfel zum Beispiel ist ein Würfel, und die minimalistischen Künstler versuchten, das Objekt so darzustellen, wie es ist, und ihm keine andere Bedeutung zu geben. Außerdem spielten die Künstler mit der Vorstellung, wie der Betrachter das Objekt in seinen Einzelteilen sieht und wie diese das Ganze ausmachen.

Wenn du dir das Beispiel des Würfels ansiehst, kommt dir das Zitat des Minimalisten Sol LeWitt aus einer seiner Schriften in den Sinn, in dem er sagte: „Die interessanteste Eigenschaft des Würfels ist, dass er relativ uninteressant ist“. Außerdem ist eine minimalistische Skulptur ein Objekt, das unabhängig von den Künstlern ist, die es schaffen; mit anderen Worten, es kann für sich allein stehen und braucht den Künstler nicht, um ihm Bedeutung zu verleihen.

Minimalistische Objekte gibt es in verschiedenen Formen und Größen, und es wird eine Vielzahl von Materialien verwendet, um sie herzustellen. Künstlerinnen und Künstler verwenden unter anderem Kunststoffe, Metalle wie Aluminium, Hölzer wie Sperrholz, Fiberglas und sogar Beton. Bildhauerei wird nicht sentimental und die Verwendung von Materialien, die weithin verfügbar sind, trägt zu dieser Tatsache bei.

Es gibt jedoch eine Beziehung, die in der minimalistischen Skulptur hervorsticht, und das ist ihre Beziehung zu dem Raum, den sie einnimmt. In einigen Quellen heißt es, dass minimalistische Skulpturen oft auf dem Boden stehen oder im Weg sind. So unpersönlich die minimalistische Kunst auch ist, so gibt es doch einen Hinweis darauf, dass einige Künstler sie absichtlich platzieren, vielleicht nur, um ein Statement abzugeben und nicht mehr? Es gibt auch Interaktivität, denn einige Stücke sind so gestaltet, dass sie in verschiedene Anordnungen gebracht werden können.

Beton-Skulptur ohne Titel (1984) von Donald Judd in der Chinati Foundation; Foto:Emanue3Skulptur: Donald Judd, Public domain, via Wikimedia Commons

Wir finden dies in Beispielen von Carl Andres Lever (1966), einer Reihe von 137 Feuersteinen, die alle quadratisch nebeneinander stehen und scheinbar an einer Seite der Wand befestigt sind. Robert Morris‘ Mirrored Cubes (1965) ist ein weiteres Beispiel für eine minimalistische Skulptur, die einen Raum einnimmt und dem Betrachter die Möglichkeit gibt, mit ihr zu interagieren. Morris‘ vier Würfel sind in gleichem Abstand voneinander platziert, so dass der Betrachter durch sie hindurchgehen und um sie herumgehen kann, und zweifellos tragen die von den Spiegeln erzeugten Reflexionen zu diesem Effekt bei.

Das zeigt wieder einmal, dass minimalistische Kunst einfach eine Ansammlung von Formen, Materialien, Farben und Texturen ist, die keine andere Bedeutung haben als die, die sie in dem Raum haben, den sie einnehmen. Wenn der Betrachter mit ihr interagiert, ist es fraglich, ob sie eine Bedeutung hat oder nicht.

Interior Design

Minimalistische Kunst und Skulpturen werden zu einem Teil des Raumes, in dem sie sich befinden. So können sie einen Raum im Bereich der Innenarchitektur aufwerten. Je nach Form und Größe des Kunstwerks, oder wie es auch genannt wird, des Objekts, passt es fast überall in einen Raum, ein Wohnzimmer oder ein Büro – egal ob es auf dem Boden, an der Wand, in einer Ecke oder sogar auf dem Kühlschrank steht.

Da minimalistische Kunst vielseitig ist und der Einfachheit von Form und Farbe folgt, kann sie das Ambiente eines Raumes bereichern und ihn entweder ruhig oder kantig machen, je nachdem, welche Farben und Formen verwendet werden. Meistens haben minimalistische Skulpturen klare, saubere und glatte Linien, Kanten und Strukturen, die auch andere Kunstwerke in einem Raum ergänzen können.

Installationen

Installationen in der minimalistischen Kunst sind vor allem in Form von Lichtinstallationen zu sehen, bei denen die Künstler damit spielen, wie das Licht den Raum beeinflusst, in dem es sich befindet. Bei der Verwendung von Leuchtstoffröhren legten die Künstler den Schwerpunkt mehr auf das Licht als auf die Röhre selbst, um eine Wirkung zu erzielen. Der Künstler Dan Flavin verwendete diese Technik 1961 in seiner Serie Icons, die aus flachen Kästen mit Leuchtstoffröhren an den Seiten und Kanten bestand.

Dies ist auch in vielen seiner anderen Installationen zu sehen, bei denen er den Raum nutzt, um zu bestimmen, wo und wie seine Installation passt. In einem Dokumentarfilm mit dem Titel American Art in the 1960s spricht Flavin über seine Lichtinstallationen. Er sagt: „Obwohl die Installation sehr stabil aussehen muss, ist sie mit einem leichten Verwirrungsparadoxon zu verstehen, da die Lampen aus den Ecken heraus und mit den Ecken arbeiten“.

Untitled (to Don Judd, colorist) 1-5 (1987) von Dan Flavin; Grand Parc – Bordeaux, Frankreich aus Frankreich, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Architektur

Der Minimalismus gilt auch für die Architektur und wurde, wie bereits erwähnt, von Bewegungen wie De Stijl beeinflusst, die sich auf die Verwendung gerader vertikaler und horizontaler Linien konzentrierten, die in Form und Gestalt so einfach wie möglich waren, egal ob es sich um Malerei oder Architektur handelte. So folgt die minimalistische Kunst den Ideen, die wir unter anderem bei De Stijl sehen. Minimalistische Architektur versucht, alle Elemente an einem Gebäude, die „extra“ erscheinen, auszuschließen und sich nur auf die wesentlichen Elemente zu beschränken, die das Bauwerk ausmachen und ihm seine Qualität verleihen.

Minimalistische Architektur hat oft geometrische Formen ohne Verzierungen. Außerdem gibt es viele Wiederholungen von Formen, was oft als „Serialität“ bezeichnet wird. Das bedeutet einfach, dass die Elemente eines Kunstwerks oder Objekts in einer Reihe angeordnet werden, wobei das Hauptziel darin besteht, Einfachheit zu vermitteln.

Dies führt zu einem wichtigen Einfluss der minimalistischen Architektur: die japanische Kultur. Die Architektur des Minimalismus greift auf viele Begriffe zurück, die in der japanischen Ideologie zu finden sind, z. B. Harmonie, Schönheit und Stille. All diese Begriffe werden in den Strukturen und der Ästhetik angewandt, die auf ein Minimum reduziert sind, aber das mit Absicht. Der deutsche Architekt Ludwig Mies van der Rohe prägte den Begriff „Weniger ist mehr“ und beschrieb damit die Art und Weise, wie er seine Architektur gestaltet. Er beschränkte sich auf die wesentlichen Aspekte eines Gebäudes, was wiederum einen funktionalen und visuellen Zweck erfüllte.

Feuerschutztreppe in Kopenhagen, Dänemark (1954-1955) von architext Arne Jacobsen; seier+seier, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Berühmte Künstler des Minimalismus

Es gibt eine Fülle von minimalistischen Künstlern, von denen jeder einzigartig in der Art und Weise ist, wie sie ihre Bilder, Skulpturen und „Objekte“ in der Welt darstellen und platzieren. Im Folgenden gehen wir nur auf einige prominente Künstler ein, die den Weg für den Minimalismus als Kunstbewegung geebnet haben. Diese Künstler sind nicht nur für ihre minimalistische abstrakte Kunst bekannt, sondern auch dafür, dass sie radikal neue Ideen und Theorien zur Kunst des 21. Jahrhunderts beigetragen haben.

Donald Judd (1928-1994)

Donald Judd war ein amerikanischer Künstler, Kunstkritiker und Theoretiker. Nachdem er in der Armee gedient hatte, studierte er ab 1948 an verschiedenen Universitäten, machte einen Bachelor-Abschluss in Philosophie und setzte seine theoretischen Studien mit einem Master in Kunstgeschichte fort. Judd war der festen Überzeugung, dass Kunst unabhängig vom Künstler sein muss, und die Interaktion des Kunstwerks mit seinem physischen Raum oder seiner Umgebung war ein zentrales Merkmal seiner Arbeit und Philosophie.

Judd verwendete für seine Kunst industrielle Materialien wie Stahl, Plexiglas, Plastik und Eisen. Die Kombination dieser Materialien verlieh den Kunstwerken eine unpersönliche Ausstrahlung. Das war auch ein großer Unterschied zu dem persönlichen Gefühl, das man im Abstrakten Expressionismus findet. Ironischerweise betrachtete sich Judd nicht als Minimalist, sondern verfolgte die Bedeutung von Objekten in ihrer Umgebung und wie die Umgebung selbst das Objekt beeinflusste.

Zu Judds Kunstwerken gehört sein frühes Werk mit dem Titel Untitled (1968), ein Rechteck aus Aluminium, das mit brauner Emaille überzogen ist und ihm seine Farbe verleiht. Obwohl Judd Gemälde schuf, fühlte er sich mehr zur Bildhauerei hingezogen, weil er glaubte, dass der Raum wichtiger war als der Raum, der auf einer Leinwand mit Farbe geschaffen wurde. Judds anderes Werk Unbetitelt (1972) ist eine weitere kastenartige Form aus Kupfer, deren Innenseite komplett rot gefärbt ist. Auf einem Holzboden platziert, wird die Kälte des Metalls durch die Reflexion des Holzes in etwas Einladendes und Warmes verwandelt.

In Judds Untitled (1973) schuf er eine Serie von sechs Kästen aus Plexiglas und Messing, die horizontal und in gleichem Abstand nebeneinander angeordnet sind. Die serielle Anordnung von Formen nebeneinander ist ein wiederkehrendes Thema in Judds Werken und unterstreicht seine Absicht, aus dem Zusammenspiel der Formen, Materialien und Farben eine gewisse Bewegung zu erzeugen.

Untitled (DJ 85-51) (1985), bemalte Aluminiumskulptur von Donald Judd; Wmpearl, CC0, via Wikimedia Commons

Judd bezeichnete seine Werke als „spezifische Objekte“ – in seinem gleichnamigen Essay versuchte er zu beschreiben, wie man minimalistische Kunst macht und wie Objekte zwischen den Modalitäten der Malerei und der Bildhauerei existieren und sich in ihrer Verwendung scheinbar überschneiden. Der Begriff „spezifische Objekte“ weist auf ein Objekt hin, das nicht als Skulptur oder Gemälde bezeichnet wird, sondern lediglich ein „Objekt“ mit einer bestimmten Form, Ausrichtung und Platzierung ist.

Dieser Wandel in der Nomenklatur ist bahnbrechend und eine klare Abkehr von traditionellen Konzepten zur Benennung von Kunstwerken.

Sol LeWitt (1928-2007)

Sol LeWitt wurde in Amerika geboren und studierte 1949 einen Bachelor of Fine Arts an der Syracuse University. Auf seinen Reisen nach Europa lernte er außerdem die reiche Geschichte der Kunst und der Künstler aus vergangenen Jahrhunderten kennen. Nachdem er im Krieg gedient hatte, eröffnete er 1953 sein eigenes Kunststudio in New York, während er an der School of Visual Arts studierte. Seine Ausbildung und seine Karriere verliefen überwiegend im Kunstbereich: Er arbeitete als Angestellter im Museum of Modern Art (MOMA) und als Grafikdesigner für I.M. Pei, einen bekannten Architekten.

LeWitt war nicht nur ein bedeutender Künstler in der minimalistischen Kunstbewegung, sondern auch in der Konzeptkunst. Obwohl er für seine Gemälde bekannt ist, haben seine Skulpturen und Installationen den Kunstraum im wörtlichen und übertragenen Sinne dominiert. Seine Strukturen variieren in Größe und Form, obwohl sein Einfluss von der Form eines Würfels ausgeht, was beim Betrachten seiner Werke leicht zu erkennen ist.

LeWitts Wall Structure Blue (1962) zeigt ein kleines Quadrat innerhalb eines größeren Quadrats, das auch die Form der Leinwand ist. Indem er Ölmalerei für dieses Werk verwendet, schwelgt LeWitt nicht in Farben und hält die Form so einfach wie möglich. Dieses Werk gilt als Anspielung auf traditionelle Kunstwerke und die Idee der Konvention, was durch die rote Zielscheibe in der Mitte des Quadrats noch unterstrichen wird.

Standing Open Structure Black (1964) ist ein strukturelles Beispiel aus LeWitts früheren Installationen. Es deutet auf das absolute Minimum eines Kunstwerks hin und zeigt nur das Gerüst, oder wie es im Volksmund genannt wird, das „Skelett“. Wir erkennen das wiederkehrende Thema der Würfelform innerhalb dieser Skelettstruktur sowie die Tatsache, dass sein Werk mit einer Höhe von 96 Zoll an eine menschengroße Form erinnert.

LeWitt verwendete oft Stahl oder Aluminium, aber auch Schlacke und Beton, um andere Installationen zu schaffen. Ein Beispiel dafür ist sein Werk mit dem Titel Cube aus dem Jahr 1985, das aus Zement im Park von Basel in der Schweiz entstand. LeWitt glaubte an den Prozess der Idee eines Kunstwerks und erforschte die Verbindung zwischen der Idee eines Kunstwerks und der Beziehung zum Künstler. Mehr noch, er glaubte, dass die Idee einer der wichtigsten Bestandteile eines Kunstwerks ist.

Sol LeWitts Vierseitige Pyramide (1965) in der National Gallery of Art Skulpturengarten; David aus Washington, DC, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Robert Morris (1931-2018)

Robert Morris wurde in Kansas geboren, lebte aber die meiste Zeit seines Lebens in New York. Er war ein vielseitiger minimalistischer Künstler und gilt als einer der wichtigsten Theoretiker des Minimalismus. Er spezialisierte sich auf Bildhauerei, Konzeptkunst, Installationen und verschiedene andere Kunstformen wie Land Art und Prozesskunst. Morris hat an verschiedenen Universitäten in Kansas und Oregon Ingenieurwesen, Kunst und Philosophie studiert.

Morris‘ Skulpturen erforschten einfache geometrische Formen in großem Maßstab, wie Würfel und verschiedene rechteckige Formen. Der Betrachter wurde Teil des Prozesses, indem er mit dem Kunstwerk interagierte, besonders wenn er um ein großes Werk herumging. Robert Morris schrieb 1966 einen Aufsatz mit dem Titel Notes on Sculpture, in dem er den oben erwähnten Prozess des Betrachtens und der Interaktion mit einer Struktur untersucht und wie sie vom Betrachter „intuitiv“ interpretiert wird.

Labyrinth (1999) von Robert Morris; Adrián Estévez (Estevoaei), CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Die Box with the Sound of Its Own Making (1961) ist ein hölzerner Würfel oder eine Kiste mit einer Aufnahme der Geräusche, mit denen sie hergestellt wurde: Die Aufnahme dauert dreieinhalb Stunden. Dieses besondere Werk veranschaulicht und demonstriert die Einfachheit und den grundlegenden Charakter eines Kunstwerks, verbunden mit dem Prozess seiner Herstellung.

Ein weiteres Werk von Morris ist sein Werk Untitled (L-Beams) von 1965, das aus drei L-förmigen Strukturen besteht, die ähnlich groß und in verschiedenen Positionen angeordnet sind. Die drei Strukturen sind schlicht und einfach in Material und Form und haben keine besondere Bedeutung, außer dass es sich um drei nebeneinander angeordnete Holzteile handelt, und sind somit beispielhaft für das Wesen der minimalistischen Kunst und die Beziehung zwischen Künstler und Kunstwerk.

Dan Flavin (1933-1996)

Dan Flavin wurde in Jamaica, New York, geboren und besuchte katholische Schulen. Von 1954 bis 1955 diente er zusammen mit seinem Bruder in der United States Air Force. Während dieser Zeit studierte er Kunst an der Maryland University in Korea und setzte 1956 sein Studium an der Hans Hofmann School of Fine Arts in New York fort. Außerdem studierte er Kunstgeschichte an der New School for Social Research und Fine Art (Malerei und Zeichnung) an der Columbia University.

Flavin wurde auch von den Ideen des Abstrakten Expressionismus beeinflusst. Er erforschte die Verwendung verschiedener Medien und benutzte oft Dosen von der Straße, um sie in seine Collagen einzubauen. Flavin ist bekannt für seine Installationen, bei denen er vor allem Leuchtstoffröhren und Glühbirnen verwendet. Seine Serie Icons zeigt acht quadratische Formen, die er aus verschiedenen Holzarten mit Glühbirnen an den Seiten anfertigte.

Ein weiteres Schlüsselwerk ist die Diagonale der persönlichen Ekstase (Die Diagonale des 25. Mai 1963), die eine gelbe Leuchtstoffröhre zeigt, die fast vom Boden aus in einem diagonalen Winkel an die Wand ragt und wie eine Ranke zu wachsen scheint, in diesem Fall aber eine Leuchte ist. Dieses Werk wurde zu Ehren von Constantin Brâncuşi, einem rumänischen Maler und Bildhauer und Vorreiter der modernen Skulptur, geschaffen.

Flavins Lichtinstallationen erforschen das Zusammenspiel von Raum, Farbe und Licht, und er nutzte dieses Zusammenspiel der Medien an verschiedenen Orten in einem Galerieraum, unter anderem durch das Zusammensetzen verschiedener Formen. Ein weiteres Beispiel dafür ist sein Werk Greens Crossing Greens (1966), das eine Ansammlung oder, wie Flavin es nannte, eine „Barriere“ aus Leuchtstoffröhren zeigt, die wie große grüne Zäune aussehen, die sich überkreuzen.

Kunstinstallation von Dan Flavin, Untitled (1980); Kmtextor, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Carl Andre (1935 bis heute)

Carl Andre ist ein amerikanischer Bildhauer und Künstler. Er studierte an der Phillips Academy in Andover und zog nach seinem Dienst in der Armee 1956 nach New York. Er ist bekannt für seine Skulpturen, die gitterartig und linear aufgebaut sind. Seine geometrischen Muster werden in der Regel so gestaltet, dass sie auf dem Boden stehen und zur Plattform oder zum Sockel des Kunstwerks werden. Sie verleiten den Betrachter dazu, sich auf eine andere Art und Weise mit dem Werk auseinanderzusetzen als auf die traditionelle Art und Weise, ein Gemälde zu betrachten oder um ein Bauwerk herumzugehen.

Andre bezeichnet sich selbst als „Materialist“, weil er viel mit verschiedenen Materialien arbeitet und das Wesen jeder Art von Material erforscht, das er verwendet: Ziegel, Platten, Barren und verschiedene industrielle Materialien. Die Methode, mit der Andre seine Strukturen erschafft, ähnelt eher einem Bauprozess, und er schafft diese Strukturen entsprechend der Umgebung, in der sie sich befinden, was wiederum ihre Größe und Form beeinflusst.

Carl Andres Skulptur, 43 Roaring forty (1968) im KMM in Otterlo/Niederlande; Gerardus, Public domain, via Wikimedia Commons

Frank Stella (1936 bis heute)

Frank Stella ist ein amerikanischer Künstler, der sich auf Malerei, Druckgrafik und Bildhauerei spezialisiert hat. Er schloss sein Studium an der Princeton University mit dem Hauptfach Geschichte ab. Er ist bekannt für seine Beteiligung am Minimalismus, war aber auch Teil der Post-Painterly Abstraction von Clement Greenberg, die offenere und klarere Oberflächen im Gegensatz zu den scheinbar überfüllten Oberflächen betonte, die für die Bewegung des Abstrakten Expressionismus charakteristisch waren.

Obwohl er von abstrakten Expressionisten wie Jasper Johns und Barnett Newman beeinflusst wurde, hatten Stellas abstrakte Kunstwerke, als er 1958 nach New York zog, nicht die gleichen metaphorischen und metaphysischen Untertöne, die viele abstrakte Expressionisten in ihre Werke einfließen ließen. Einige seiner wichtigsten Werke waren seine Black Paintings (1959), zum Beispiel Die Fahne Hoch! (1959), was so viel bedeutet wie „Das erhobene Banner“.

In den 1960er Jahren nahm Stella weitere Farben in seine Palette auf und spielte mit verschiedenen Kurven und Formen der Leinwände. Er begann mit Kupfer- und Aluminiumfarbe zu arbeiten und verwendete Leinwände in anderen Formen wie U- oder L-Formen. Ein Beispiel dafür ist seine Serie Irregular Polygon und Protractor, die von den kreisförmigen Städten im Nahen Osten inspiriert wurde, die er besuchte.

Frank Stellas blumenförmige Stahlskulptur, Amabil (1995), die vor dem POSCO Centre in Seoul, Südkorea steht; Ian Muttoo aus Mississauga, Kanada, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Minimalistische Kunst jenseits des 20. Jahrhunderts

Der Postminimalismus entstand in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren. Der Begriff wurde von dem Kunstkritiker und Historiker Robert Pincus-Witten eingeführt. Er war zwar eine Reaktion auf einige Grundsätze des Minimalismus, nahm aber auch Elemente und Einflüsse dieser Bewegung auf. Die Künstlerinnen und Künstler schufen unterschiedliche Kunstwerke, von denen einige bewusst die traditionelle, ausdrucksstarke Natur der Kunst betonten, während andere völlig unpersönlich in ihrer materiellen Darstellung waren.

Wie alles zu einem Ende kommt, so auch die minimalistische Kunstbewegung in der Spätphase der 1960er Jahre. Viele Künstlerinnen und Künstler entwickelten sich auf ihrem eigenen Weg weiter und legten sich nicht auf eine bestimmte Kunstrichtung fest. Das tat der Bedeutung des Minimalismus in der Kunst jedoch keinen Abbruch. Letztendlich schuf er neue Grundlagen und ein Sprungbrett für Kunst und Künstler bis ins 21.

Häufig gestellte Fragen

Was ist Minimalistische Kunst?

Minimalistische Kunst, auch Minimalismus genannt, entstand als Kunstbewegung in den frühen 1960er bis in die frühen 1970er Jahre. Sie bestand aus einer Gruppe jüngerer und älterer Künstler, die hauptsächlich in New York City ansässig waren. Er entstand als Reaktion auf den expressiven, metaphysischen Charakter seines Vorläufers, des Abstrakten Expressionismus. Daher wird sie auch als minimalistische abstrakte Kunst bezeichnet, da viele Künstler auch vom Abstrakten Expressionismus beeinflusst wurden.

Was ist die Bedeutung des Minimalismus in der Kunst?

Minimalismus in der Kunst bedeutet die Abkehr von der traditionellen Vorstellung, dass Kunst mehr bedeuten muss als das, was sie ist. Die Betrachter werden ermutigt, das Kunstwerk als das zu sehen, was es ist und wie es den Raum einnimmt. Oft werden minimalistische Kunstwerke mit einfachen, minimalen Formen und Linien geschaffen, die das Werk auf seine wesentlichen Eigenschaften reduzieren.

Welche Qualitäten zeichnen minimalistische Kunst aus?

Die Merkmale minimalistischer Kunst konzentrieren sich auf die Verwendung monochromer Farben. Das sind in der Regel nur eine oder zwei Farben, darunter eine dominante Verwendung von Schwarz und Weiß. Dazu gehören verschiedene geometrische Formen wie Quadrate und Rechtecke, die in sich wiederholenden Sequenzen nebeneinander platziert werden, was als Serialität bezeichnet wird. Weitere Merkmale sind die Platzierung von „Objekten“ auf vertikalen und horizontalen Ebenen, oft unter Einbeziehung des Bodens anstelle von Sockeln, und die Verwendung von industriellen Materialien wie Holz, Metallen, Kunststoffen, Beton und Leuchten.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.