Abstrakte Kuenstler – Die 10 bekanntesten abstrakten Maler

Anfang des 20^ten Jahrhunderts gelang es der Bewegung der Abstrakten Kunst, verschiedene Arten der Abstraktion in den Hauptmalstil einzuführen, der die Kunstwelt zu dieser Zeit beherrschte. Als Avantgarde-Stil wurde die Abstrakte Kunst sehr einflussreich für die Entstehung und Entwicklung einer gegenstandslosen Kunst, die im Wesentlichen als „reine Kunst“ gilt. Obwohl sie das Publikum anfangs schockierte, wurde die Abstrakte Kunst immer akzeptabler, da sie nur noch Farben und Formen als zentrale Motive in ihren Werken verwendete.

Eine kurze Geschichte der Zeit der abstrakten Kunst

Abstract Art war eine unglaublich bemerkenswerte Bewegung, weil sie sich völlig von der Realität entfernte. Die dargestellten Bilder waren völlig ungegenständlich und nicht figurativ, denn die Kunstwerke hatten keinen konkreten Bezug zu etwas, das auch nur im Entferntesten real oder gegenständlich war. In der Kunstgeschichte begannen einige frühere Bewegungen, sich in Richtung Abstraktion zu bewegen, darunter Romantik, Impressionismus und Expressionismus. Die Kunstwerke dieser Epoche konzentrierten sich mehr auf das visuelle Empfinden als auf die Darstellung von Objekten.

Die Abstraktion als Kunststil trug zur Verwirklichung des Konzepts der „Kunst um der Kunst willen“ bei, d. h. der Überzeugung, dass sich Gemälde und Skulpturen von allen äußeren Bedeutungen befreien sollten. Abstrakte Künstlerinnen und Künstler schufen also Kunst mit der Vorstellung, dass ihre Werke einfach nur existieren sollten, um als das genossen zu werden, was sie sind. Die Konzentration lag auf der Substanz der Kunst selbst, da die Kunstwerke in dieser Ära die Elemente Material, Textur, Linie, Ton, Farbe und Komposition über die genaue Darstellung stellten.

Efflorescence (1937) von Paul Klee, Öl und Bleistift auf Karton; Daderot, CC0, via Wikimedia Commons

Die Abstrakte Kunst war ein entscheidender Moment in der Moderne und wurde von vielen bahnbrechenden Künstlern vorangetrieben, die glaubten, dass die Emotionen in einem Kunstwerk der wichtigste Aspekt sind. Als Katalysator für die Entstehung der zeitgenössischen Kunst lehnten die abstrakten Malerinnen und Maler die Regeln der traditionellen Kunst ab, indem sie in ihren Kunstwerken die Konzepte der Abstraktion und des Surrealismus miteinander verbanden. Dies ebnete den Künstlern den Weg, sich von realistischen Darstellungen zugunsten von figurativen Werken zu lösen.

Zu Beginn des 20^ten Jahrhunderts kam es zu einer Revolution in der Kunstwelt, da sich die Künstler durch die Verwendung von Abstraktion in ihren Werken von der visuellen Welt unabhängig machten. Obwohl seit den Anfängen der abstrakten Kunst mehr als ein Jahrhundert vergangen ist, ist die Bewegung ein wichtiger Aspekt in der sich ständig weiterentwickelnden Welt der zeitgenössischen Kunst geblieben.

Die Auswirkungen der Abstraktion waren monumental, da sie einen grundlegenden Wandel in der Kunstgeschichte bewirkte, der bis heute anhält.

Unsere Top Ten der berühmtesten abstrakten Künstler

Als einflussreiche Persönlichkeiten innerhalb der Abstrakten Kunst und verschiedener anderer Kunstrichtungen wird auch heute noch über viele abstrakte Maler/innen gesprochen. Ihre zahlreichen Gemälde sind bis heute ikonische Kunstwerke, was dazu geführt hat, dass einige abstrakte Künstlerinnen und Künstler besonders hervorstechen. Auch wenn es viele Künstler gibt, die in diese Liste aufgenommen werden können, werden wir jetzt unsere Top Ten der abstrakten Künstlerinnen und Künstler vorstellen, deren Werke und Ruf die Zeit überdauert haben.

Wassily Kandinsky (1866 – 1944)

Der russische Maler Wassily Kandinsky gilt als der berühmteste abstrakte Künstler aller Zeiten und als führender Wegbereiter des gesamten abstrakten Genres. Kandinsky studierte zunächst Jura und Wirtschaftswissenschaften, bevor er im Alter von 30 Jahren die akademischen Fächer aufgab und mit dem Studium der Malerei begann, zu dem auch das Zeichnen von Lebensbildern, Skizzen und Anatomiedarstellungen gehörten. Kandinsky wurde in den 1910er Jahren berühmt und gilt als eine der führenden Persönlichkeiten in der Entwicklung der Modernen Kunst. Seine Werke gelten als die frühesten Abstract paintings, die entstanden sind.

Obwohl er schon vor 1913 die Figurative Kunst verfolgte, war Kandinsky der erste abstrakte moderne Künstler, der in seinen Werken die reine Abstraktion vollständig und frei einsetzte. Kandinsky, der als Schöpfer des allerersten modernen abstrakten Gemäldes gilt, hat im Laufe seiner Karriere viele bemerkenswerte Werke geschaffen, wobei einige Gemälde besonders bemerkenswert sind. Zu diesen Gemälden gehören Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell) (1910), Komposition VII (1913), Farbstudie Quadrate (1913) und Auf Weiß II (1923).

Untitled (First abstract watercolor) (1913) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Kandinsky behauptete, dass er beim Malen von einer „inneren Notwendigkeit“ getrieben wurde, die von ihm verlangte, gleichgültig gegenüber erkannten und unerkannten Formen zu bleiben und nur das zu malen, was er in dem Moment wirklich fühlte. In den meisten von Kandinskys abstrakten Gemälden nahmen seine ungegenständlichen Figuren die Form zufälliger geometrischer Formen an, denen er Formen, schwebende Linien und lebhafte Farben gegenüberstellte.

In dem Glauben, dass Farbe unabhängig von allen äußeren Bezügen sein kann, experimentierte Kandinsky so mit Farbe, dass sie in seinen Kunstwerken zum bloßen Thema wurde. Die Malerei war für Kandinsky sehr spirituell, da er versuchte, durch seine abstrakten Formen und leuchtenden Farben ein tiefes Gefühl für menschliche Emotionen zu vermitteln. Er glaubte, dass diese Elemente in der Lage waren, verschiedene kulturelle und physische Grenzen zu überwinden und seine Werke für jeden zugänglich zu machen.

Untitled (Composition Lyrique) (1922) von Wassily Kandinsky, Aquarell und Tusche auf Papier; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Auch die Musik war ein wesentlicher Bestandteil von Kandinskys Werk, da er sie für die unvergleichlichste Form der nicht-gegenständlichen Kunst hielt. Er glaubte, dass Musik universelle Emotionen und Ideen auf eine Art und Weise ausdrücken kann, wie es andere visuelle Sprachen nicht können, und Kandinsky sah es als seine Aufgabe an, diese Ideen mit dem Rest der Welt zu teilen. Dies führte dazu, dass er einige seiner impulsiveren und komplizierteren Kunstwerke als „Kompositionen“ bezeichnete.

Kandinsky war nicht nur ein abstrakter Künstler, sondern auch ein prominentes Mitglied der Gruppe Der Blaue Reiter während der Bewegung des deutschen Expressionismus, die als untrennbar mit der abstrakten Malerei verbunden galt. Kandinsky war auch Professor am Bauhaus, bis es von den Nazis kurz vor Beginn des Zweiten Weltkriegs geschlossen wurde.

Im Laufe seiner Karriere beeinflusste Kandinskys Umgang mit leuchtenden Farben und Formen die Entwicklung der abstrakten Kunst, und seine Beiträge führten dazu, dass er als „Vater der abstrakten Kunst“ angesehen wird.

Piet Mondrian (1872 – 1944)

Der niederländische Künstler Piet Mondrian gehörte zu den berühmtesten abstrakten Künstlern während der Blütezeit der Bewegung, denn er gilt als ein bedeutender Erneuerer der abstrakten Kunst. Während er in seinen früheren Werken zunächst mit figurativen Stilen experimentierte, ging Mondrian schnell zu einem extrem abstrakten Stil über, als er begann, in seinen Kunstwerken feste geometrische Formen zu verwenden.

Als Sohn eines Malers wuchs Mondrian damit auf, von seinem Vater das Zeichnen zu lernen. Aber erst als Erwachsener begann er, sich richtig mit der Malerei zu beschäftigen und wandte sich nach dem Ende des Ersten Weltkriegs der abstrakten Kunst zu. Da er nie religiöse Figuren darstellte, wurde Mondrians Kunst vor allem durch seinen einzigartigen Rasterstil bekannt.

Broadway Boogie Woogie (1942-1943) von Piet Mondrian; Piet Mondrian, Public domain, via Wikimedia Commons

Mondrians Verwendung von Quadraten, Linien und kräftigen Farben machte ihn zum einflussreichsten Vertreter der De Stijl-Bewegung, denn seine Kunstwerke förderten die reine Abstraktion durch die Reduktion wesentlicher Aspekte in Bezug auf Form und Farbe. So bestehen die meisten Werke Mondrians aus sehr strukturellen und ungegenständlichen Formen, die in den Grundfarben hervorgehoben wurden.

Zu seinen bekanntesten Werken gehören Broadway Boogie Woogie (1942 – 1943), Komposition mit Rot, Gelb und Blau (1937 – 1942) und Komposition II in Rot, Blau und Gelb (1930). Wenn man sich die Namen seiner Bilder ansieht, erkennt man Mondrians Vorliebe für die Grundfarben Rot, Gelb und Blau sowie die Einbeziehung von Schwarz, Grau und Weiß in seine Werke.

Komposition mit Gelb, Blau und Rot (1942) von Piet Mondrian; Piet Mondrian, Public domain, via Wikimedia Commons

Durch die Verwendung dieses Stils der geometrischen Abstraktion prägte Mondrian den Begriff „Neoplastizismus“, um seine abstrakten Kunstwerke zu beschreiben, die nur aus geraden Linien, drei Primärfarben und drei neutralen Tönen bestehen. Als die De Stijl-Bewegung an Popularität gewann, wurde Mondrian für seinen Fokus auf die Vereinfachung von Form und Ton in seinen Kunstwerken bekannt.

Dadurch wurde Mondrian zu einem wichtigen Wegbereiter der abstrakten Kunst, denn sein ikonischer Stil beeinflusste später die Entwicklung der Bauhaus-Bewegung und der Minimalisten. Diese beiden Kunstgattungen basierten auf Mondrians Werken, wobei das Bauhaus auf übermäßig vereinfachte Linien und die Farbtheorie setzte, während der Minimalismus sich auf geometrische Formen und eine begrenzte Farbpalette konzentrierte.

Mondrians methodische Verwendung von vertikalen und horizontalen Elementen ermöglichte eine logische Entwicklung seiner Kunstwerke, wobei seine Entwicklung des Neoplastizismus zu einem Hauptvertreter der abstrakten Kunst wurde. Mondrian brauchte einige Jahre des Experimentierens, bis er in den frühen 1920er Jahren seinen ikonischen Stil fand, der als neue Methode zur Darstellung der modernen Realität angesehen wurde.

Kasimir Malewitsch (1878 – 1935)

Wenn es um einflussreiche russische abstrakte Künstler geht, die die Bewegung mitbestimmt haben, ist Kasimir Malewitsch ein wichtiger Bestandteil der Liste. Malewitsch ist vor allem dafür bekannt, dass er den Weg für den Suprematismus geebnet hat, der sich auf geometrische Grundformen wie Kreise, Quadrate, Rechtecke und Linien konzentriert, die mit einer begrenzten Auswahl an Farben gemalt werden. Während er mit dieser Bewegung experimentierte, entwickelte Malewitsch seine radikale Abstraktion, die dazu führte, dass seine Kunstwerke zu wichtigen Werken der Abstrakten Kunst wurden.

Schwarzes Quadrat (1924) von Kasimir Malewitsch; Kazimir Malevich, Public domain, via Wikimedia Commons

1915, nach Kandinskys Aufstieg, trat Malewitsch in dessen Fußstapfen und wandte sich von der gegenständlichen Malerei insgesamt ab. Dies führte dazu, dass Malewitsch einen Stil entwickelte, der die Bedeutung des reinen Gefühls und die Reduktion der Bildszenen in den Mittelpunkt stellte und als Suprematismus bekannt wurde. Die Entstehung dieses Stils wurde als die neue malerische Version des Realismus angesehen und ermöglichte es Malewitsch, in seinen Kunstwerken eine reduktive Methode anzuwenden.

Obwohl er mit einer Vielzahl von Kunststilen arbeitete, verbrachte Malewitsch den größten Teil seiner Karriere damit, das avantgardistische Genre des Suprematismus zu erforschen. Er bezog sein eigenes Denken und Verständnis des Konzepts der Malerei in seine Kunstwerke ein, da er glaubte, dass wahre Formen und Farben die Fähigkeit haben, über die Bilder und Geschichten zu herrschen, die er kreiert. Malewitschs bekannteste Werke sind alle im Suprematistischen Stil gehalten, darunter Schwarzes Quadrat (1915), Suprematistische Komposition (1916) und Weiß auf Weiß (1918).

Suprematistische Komposition (1915) von Kasimir Malewitsch; Kazimir Malevich, Public domain, via Wikimedia Commons

Als Pionier der geometrisch abstrakten Kunst experimentierte Malewitsch in seinen zahlreichen Kunstwerken hauptsächlich mit Quadraten, Dreiecken und Kreisen. Obwohl er behauptete, dass seine Gemälde lediglich Kompositionen aus flachen, abstrahierten Farbflächen seien, konnten sie starke und vielschichtige Symbole und Gefühle in Bezug auf die Konzepte von Zeit und Raum vermitteln. Malewitsch galt als radikaler als die Kubisten und Futuristen in seiner Herangehensweise an den Suprematismus, da seine Kunstwerke einen äußerst methodischen und kalkulierten Ansatz verfolgten.

Malewitsch war nicht nur ein Künstler, sondern auch ein produktiver Schriftsteller. Seine Essays über die Ideologie der Kunst befassten sich mit einer Vielzahl von theoretischen Problemen im Zusammenhang mit der abstrakten Kunst und ihrer Fähigkeit, unsere Gefühle und unsere Spiritualität durch die Art der Kunstwerke zu leiten.

Trotz seiner Bekanntheit war Malewitsch gezwungen, den Suprematismus aufzugeben und 1924 zur figurativen Kunst zurückzukehren, als Joseph Stalin an die Macht kam. Das lag daran, dass die abstrakte Kunst als eine Form der Dekadenz bezeichnet wurde, die unterdrückt werden sollte, was dazu führte, dass Malewitsch seinen künstlerischen Stil ändern musste.

Georgia O’Keeffe (1887 – 1986)

Eine der produktivsten abstrakten Künstlerinnen war Georgia O’Keeffe, die eine bedeutende Rolle bei der Entwicklung der amerikanischen Moderne und ihrer Beziehung zu den künstlerischen Avantgarde-Bewegungen in Europa spielte. Während ihrer sieben Jahrzehnte währenden Karriere schuf O’Keeffe eine Vielzahl von Werken, in denen sie versuchte, die Emotionen und die Kraft von Objekten durch Abstraktionen der natürlichen Welt einzufangen.

Als eine der ersten Künstlerinnen der amerikanischen Moderne konzentrierte sich O’Keeffe in ihren abstrakten Gemälden auf die Darstellung von Blumen, leeren Landschaften und Stillleben in Nahaufnahme. Diese Elemente wurden später zu den wichtigsten Bildern in den meisten amerikanischen künstlerischen Landschaftsbildern. Zu O’Keeffes ikonischsten Kunstwerken gehören daher diese Blumendarstellungen, die in Blue and Green Music (1921), Red Canna (1924) und Black Iris III (1926) zu sehen sind.

Blue and Green Music (1921) von Georgia O’Keeffe; Georgia O’Keeffe, Public domain, via Wikimedia Commons

O’Keeffe zeichnete sich als abstrakte und figurative Künstlerin aus, da sie in ihren Gemälden immer wieder die Grenzen des künstlerischen Stils auslotete. In ihren Werken kombinierte sie Aspekte der Abstraktion und der Darstellung und wich damit bewusst von traditionellen Kunststilen ab und wandte sich innovativen Ausdrucksformen zu.

Obwohl sie eine der einflussreichsten abstrakten Malerinnen der Bewegung war, ist O’Keeffe vielleicht eher für ihre einzigartige Darstellung von Blumen in einer sinnlichen Weise bekannt. Ihre dramatisch großen Nahaufnahmen von Blumen gaben ihren Kunstwerken ein unglaublich erotisches Gefühl, da sie als Repräsentanten der weiblichen Anatomie galten. O’Keeffe erklärte jedoch, dass es die sinnliche Natur ihrer Werke war, die sie im Wesentlichen zu abstrakten Werken machte, da ihre Bilder die Fähigkeit hatten, alles zu imitieren, was die Betrachterinnen und Betrachter in sie hineininterpretierten.

Red Canna (1919) von Georgia O’Keeffe; Georgia O’Keeffe, Public domain, via Wikimedia Commons

O’Keeffe folgte in ihrer Kunst keiner bestimmten Kunstrichtung, aber ihr Experimentieren mit abstrahierten Motiven in der Natur war ihr größtes Werk. Sie experimentierte sowohl mit sehr detaillierten Kunstwerken als auch mit solchen, die alle unwichtigen Details entfernten, um sich auf Formen und Farben zu konzentrieren. Während ihrer zahlreichen künstlerischen Erkundungen blieben O’Keeffes Gemälde auf der Grundlage der Repräsentation, die das gemeinsame Element all ihrer Kunstwerke war.

Wenn du Bastelprojekte durchführst, für die du Farbe brauchst, die sich für viele verschiedene Oberflächen eignet, dann ist Bastelfarbe genau das Richtige für dich! Die Konsistenz ist glatt, cremig und leicht zu verarbeiten.

Mark Rothko (1903 – 1966)

Der russisch-amerikanische Künstler Mark Rothko konkurriert mit seinen Künstlerkollegen Jackson Pollock und Willem de Kooning um den Titel des berühmtesten abstrakten Expressionisten aller Zeiten. Rothko, der als wichtiges Mitglied der Gruppe der Farbfeldmaler gilt, bearbeitete bei seinen Kunstwerken die gesamte Leinwand mit Farbe, anstatt nur bestimmte Bereiche mit Gesten zu bearbeiten.

Rothko wurde in Lettland geboren und wanderte als kleines Kind in die Vereinigten Staaten aus. Zunächst besuchte er mehrere Jahre lang Yale, bevor er das Studium abbrach, da er die Institution für überheblich und rassistisch hielt. Erst als er einen Freund in New York besuchte, begann er zu malen, was dazu führte, dass er in die Stadt zog. Rothko durchlief während seiner künstlerischen Laufbahn eine Reihe verschiedener Stile, darunter auch den Surrealismus, bevor er begann, seinen eigenen persönlichen Stil zu entwickeln. Dies führte zum Aufkommen der Farbfeldmalerei, bei der Rothko der Pionier war.

Ein Foto von Mark Rothko, Yorktown Heights, ca. 1949; Consuelo Kanaga, No restrictions, via Wikimedia Commons

In seinen Gemälden konzentrierte sich Rothko darauf, eine großartige Art der geometrischen Abstraktion zu schaffen, indem er Blöcke aus reinen Farben nebeneinander malte. In einem typischen Rothko-Gemälde stellt er große Pigmentflecken nebeneinander dar, um einen Vergleich zwischen den Farben zu schaffen. Dieser Stil ist in den meisten seiner abstrakten Werke aus dieser Zeit zu sehen, wie z.B. Nr. 10 (1950), Nr. 21 (Rot, Braun, Schwarz und Orange) (1951), Orange, Rot, Gelb (1960) und Untitled (Black on Gray) (1970).

Durch diesen Kontrast gelang es Rothko, mit seiner Farbwahl visuelle Schwingungen zu erzeugen, die den Eindruck erweckten, dass seine Blöcke beim Betrachten des Kunstwerks über der Leinwand schwebten. Auf diese Weise wurde jedem Werk eine starke emotionale Reaktion zugeschrieben, denn Rothko übertrug verschiedene Stimmungen in seine Gemälde, die bei den Betrachtern unterschiedliche Reaktionen auslösten.

Rothko hatte als Künstler großen Erfolg. Seine Werke wurden im Museum of Modern Art ausgestellt und auch in der Zeitschrift Fortune gewürdigt. Dies führte zu viel Eifersucht in seinen persönlichen Beziehungen, was Rothko zu einem einsamen Menschen machte.

Trotz seines großen internationalen Erfolgs beging Rothko 1970 leider Selbstmord. Seine Werke, die seinem Tod vorausgingen, wirkten wie ein Vorbote, denn seine Farbpalette wurde immer dunkler und drückte schwerere Gefühle aus.

Clyfford Still (1904 – 1980)

Ein weiterer amerikanischer Künstler auf unserer Liste der abstrakten Künstler ist Clyfford Still, der dazu beitrug, den abstrakten Expressionismus zu der bedeutenden Kunstbewegung zu machen, als die er bekannt wurde. Obwohl er nicht so bekannt ist wie seine Kollegen von der New York School, war Still der erste Künstler, der mit seinen Werken, die völlig frei von offensichtlichen Motiven sind, einen modernen und drastisch abstrakten Stil durchsetzte.

Still schuf ursprünglich gegenständliche Werke, bevor er Mitte der 1940er Jahre mit reiner Abstraktion und Ungegenständlichkeit experimentierte, was seine Zeitgenossen des Abstrakten Expressionismus ebenfalls beeinflusste. In seinen Werken nutzte Still weite Felder mit leuchtenden Farben, um die dramatischen Konflikte zwischen Mensch und Natur darzustellen, die seiner Meinung nach bestehen. Dieser Stil zeigt sich in seinen Gemälden mit den Titeln PH-973 (1959), PH-971 (1957) und PH-960 (1960).

Das vorherrschende Thema in Stills Kunstwerken war der existenzielle Kampf des menschlichen Geistes gegen unkontrollierbare Naturgewalten. Still drückte dieses Konzept durch die vertikalen und zerklüfteten Formationen aus, die dem Betrachter in den meisten seiner großformatigen Gemälde trotzig entgegenzutreten schienen, sowie durch die großartigen Farbkombinationen, die er schuf.

Obwohl sich die Rezeption seiner Werke um die Ergebnisse seiner Farbkombinationen drehte, wollte Still nie, dass die Farbe in seinen Werken als reine Farbe akzeptiert wird. Dieses Konzept wurde auch auf die Textur und die Formen in seinen Gemälden angewandt, denn er wollte, dass jedes Element in seinen Kunstwerken miteinander verschmilzt und eine lebendige Energie erzeugt, die man beim Betrachten der Werke spüren kann.

Trotz seines Ruhmes war Still ein schwieriger Mensch, der die New Yorker Kunstszene häufig ablehnte. Er widersetzte sich den meisten Kritiken an seinen Werken, was dazu führte, dass er alles daran setzte, zu kontrollieren, wie seine Bilder ausgestellt, gesammelt und sogar verkauft wurden.

Willem de Kooning (1904 – 1997)

Einer der bekanntesten abstrakten Künstler aller Zeiten war der niederländisch-amerikanische Künstler Willem de Kooning, der mit seinen Kunstwerken einen eindeutig amerikanischen Malstil etablierte. Im Alter von 22 Jahren kam de Kooning als blinder Passagier auf einem Schiff in New York City an. Er trat 1934 der Künstlervereinigung bei und begann, Wandbilder zu malen, musste dieses Projekt aber aufgeben, da er kein rechtmäßiger Staatsbürger war. Erst nachdem er die Staatsbürgerschaft erhalten hatte, konnte De Kooning sein eigenes Kunstatelier eröffnen, in dem er bis zu seinem Tod arbeitete.

De Kooning experimentierte mit dem Stil der Abstraktion, indem er die Figuren so verzerrte, dass die Formen abstrakt erschienen. Da er von diesem Stil begeistert war, hat er die Darstellung der menschlichen Figur in seinen abstrakten Werken nie ganz aufgegeben. Diese Darstellung von Figuren ist in einigen seiner bemerkenswertesten Werke zu sehen, wie Frau I (1952), Frau III (1953) und Austausch (1955).

Willem de Kooning in seinem Atelier, 1961; Unbekannter Autor Unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Seine abstrakten Gemälde unterschieden sich von denen der meisten seiner Kollegen, da er in seinen Abstraktionen weiterhin auf die menschliche Gestalt Bezug nahm. De Kooning bevorzugte die Darstellung der weiblichen Figur, wobei diese Bilder seine einzigartige Kombination aus gestischer Abstraktion und Figuration betonen. De Kooning wurde auch stark von Pablo Picassos kubistischen Werken beeinflusst, was dazu führte, dass er in seinen eigenen Gemälden mit der zweideutigen Vermischung von Figuren und Grund experimentierte und seine Figuren dabei zerlegte, neu zusammensetzte und verzerrte.

Die meisten von de Koonings früheren Gemälden zeigen weibliche Figuren, die mit geometrischen und abstrakten Elementen dargestellt werden. Erst später in seiner Karriere ging er dazu über, abstraktere Bilder zu malen. Obwohl de Kooning dem populären Bild des männlichen, versoffenen Künstlers entsprach, ging er mit sanften und sorgfältigen Überlegungen an die Kunst heran und wurde als einer der intelligentesten Künstler der New York School angesehen.

Der Bekanntheitsgrad von de Kooning hat dazu geführt, dass seine Bilder häufig zu historischen Preisen verkauft werden. „Woman III“ (1953) wurde 2006 für 137,5 Millionen Dollar verkauft, während „Interchange“ (1955) 2015 für 300 Millionen Dollar veräußert wurde, was zu dieser Zeit der höchste Preis war, der je für ein Gemälde gezahlt wurde.

Franz Kline (1910 – 1962)

Der amerikanische Künstler Franz Kline wurde vor allem durch seine Beteiligung an der Bewegung des Abstrakten Expressionismus bekannt und galt als einer der größten Aktionsmaler seiner Zeit. Obwohl er in seinen Werken dieselben Konzepte verfolgte wie andere abstrakte Künstler, ist Klines Werk seit den 1950er Jahren unglaublich eigenständig und hoch angesehen.

Kline war vor allem für seine großformatigen Schwarz-Weiß-Gemälde bekannt, in denen er selbstbewusst abstrakte Motive sowie flüssige und dicke Pinselstriche verwendete, die sich oft überschnitten, überlagerten und miteinander interagierten. Dieser Stil zeigt sich in seinen ikonischen Kunstwerken wie Mahoning (1956), Untitled (1957) und Blueberry Eyes (1959 – 1960). In diesen Werken verwendete Kline seine unverwechselbaren gestischen Pinselstriche, die viele Emotionen in seine Gemälde brachten.

Sabra (1966) von Franz Kline; Pedro Ribeiro Simões aus Lisboa, Portugal, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Kline begann seine künstlerische Laufbahn als Realist und entwickelte einen fließenden Stil, den er durch seine akademische Ausbildung und seine Bewunderung für die alten Meister der traditionellen Kunst perfektionierte. Nachdem er jedoch nach New York City gezogen war und Willem de Kooning kennengelernt hatte, entwickelte sich sein Stil zu seinem charakteristischen abstrakten Ansatz, für den er bekannt ist.

Seine Werke reichen von Schwarz-Weiß-Bildern, die mit dem negativen Raum experimentieren, bis hin zu lebendigen Kompositionen, die unglaublich dynamisch und energiegeladen sind, und zeigen, wie sich seine Ästhetik im Laufe seiner Karriere entwickelt hat. Seine Abstraktionen, insbesondere seine neutralen Werke, wurden mit den Stadtansichten von New York, der Landschaft um sein Elternhaus und der japanischen Kalligrafie verglichen.

Dass Kline seinen Werken keine versteckten und subtilen Bedeutungen zuschreiben wollte, war eine interessante Haltung, denn so konnten seine Werke späteren Generationen von abstrakten Künstlern ohne vorgegebene und möglicherweise überholte Bedeutungen empfohlen werden.

Am Ende seines Lebens hatte Kline für seinen ungewöhnlichen Ansatz der gestischen Abstraktion große internationale Anerkennung erlangt, und sein Stil beeinflusste später unzählige Künstler des Minimalismus.

Jackson Pollock (1912 – 1956)

Einer der bekanntesten abstrakten Maler aller Zeiten, dessen Name ein Synonym für die gesamte Bewegung des Abstrakten Expressionismus ist, ist der amerikanische Künstler Jackson Pollock. Inspiriert von der Idee des spontanen Schaffens und der energiegeladenen Kompositionen, entwickelte Pollock eine der bemerkenswertesten Kunsttechniken, die aus der Bewegung hervorging: das Drip Painting. Um seine charakteristischen Drip Paintings zu schaffen, tropfte, schüttete und spritzte Pollock Farbe auf große Leinwände, die er auf dem Boden aufstellte, so dass er vollen Zugriff auf die gesamte Leinwand hatte.

Im Alter von 18 Jahren zog Pollock nach New York City, wo er die Technik der Flüssigfarbe kennenlernte und damit zu experimentieren begann. Dies führte schließlich zu seiner berüchtigten „Drip Paint“-Technik, bei der er Leinwände, die flach auf dem Boden lagen, mit seinem ganzen Körper in verschiedenen Winkeln bemalte. Das Drip Painting machte den Begriff „Action Painting“ während des Abstrakten Expressionismus populär, der sich darauf bezieht, dass der körperliche Akt des Malens selbst als ein wichtiger Aspekt des vollendeten Werks angesehen wird.

Portrait von Jackson Pollock, 1928; Smithsonian American Art Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Eine Reihe von Einflüssen in Pollocks Leben führte dazu, dass er das Drip Painting entwickelte. Bevor er seine ikonischen Kunstwerke schuf, malte Pollock in den 1930er Jahren realistische Wandbilder, die ihm die Kraft der Malerei in großem Maßstab demonstrierten. Außerdem förderte der Surrealismus seine Erforschung des Unbewussten, was sich in seinen späteren Werken widerspiegelt, und der Kubismus leitete sein Verständnis des Bildraums und seiner Nutzung.

Pollock, der als erster bedeutender Künstler der Nachkriegszeit und später als größter Künstler Amerikas gilt, verwendete diese gestische Farbauftragstechnik in allen seinen bemerkenswerten Kunstwerken. Sein einzigartiger Stil ist in allen seinen Werken zu sehen, darunter Number 5 (1948), One: Number 31 (1950) und Number 11 (Blue Poles) (1952).

Die Bilder, die er mit seiner Drip-Painting-Technik schuf, machten Pollock zu einem unglaublich berühmten Künstler. Auf dem Höhepunkt seines Ruhmes gab er diese Technik jedoch auf und versuchte, in neuen Serien von Kunstwerken eine Mischung aus Abstraktion und Figuren zu schaffen. Diese Gemälde erwiesen sich im Vergleich zu seinen Drip Paintings als äußerst unbeliebt, denn keines von ihnen wurde je verkauft.

Ein Poller in Winchester, England, gemalt im Stil von Summertime von Jackson Pollock. Dieses Bild ist eines aus einer Serie und steht an der Ecke von Great Minster Street und The Square; Andy Mabbett, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Pollock entwickelte einen der radikalsten abstrakten Stile, die es je in der Geschichte der modernen Kunst gab. Seine Loslösung von Linie und Farbe und seine Neudefinition der Begriffe Malerei und Zeichnung gaben dem Bildraum eine neue Bedeutung, die seither immer weiter ausgebaut wurde.

Die Drip Paintings, die er in den späten 1940er Jahren schuf, gehören zu den innovativsten Werken des gesamten Jahrhunderts. Pollock erlangte damit einen Bekanntheitsgrad, der bis zum Auftreten seines Künstlerkollegen Andy Warhol in den 1960er Jahren unerreicht blieb.

Damit gilt Pollock nicht nur als der berühmteste abstrakte Expressionist, sondern auch als eine der führenden Persönlichkeiten der Kunst des 20. Jahrhunderts.

Helen Frankenthaler (1928 – 2011)

Eine weitere prominente Frau auf der Liste der abstrakten Künstler ist die amerikanische Malerin Helen Frankenthaler, die während der Bewegung des Abstrakten Expressionismus zu Ruhm gelangte. Frankenthaler, die als eine der einflussreichsten Malerinnen des 20^ten Jahrhunderts gilt, erfand eine Technik, die als Soak Stain Technik bekannt ist und ihren Status als herausragende Künstlerin festigte. Bei dieser Technik goss Frankenthaler verdünnte Farbe direkt auf unvorbereitete Leinwände und ließ die Farbe durchsickern, um leuchtende Farbkleckse zu erzeugen.

Zu Beginn ihrer Karriere lernte Frankenthaler bereits in jungen Jahren bedeutende Künstler wie Robert Motherwell, Jackson Pollock und Franz Kline kennen, deren Praktiken ihre Auffassung vom Abstrakten Expressionismus beeinflussten. Durch die Betrachtung von Kunstwerken, die als Ikonen des Abstrakten Expressionismus gelten, begann Frankenthaler, ihre eigene Herangehensweise an diesen Stil zu entwickeln, was zur Entstehung ihrer Soak Stain Technik führte. Ihr Durchbruch in der Kunstwelt führte zur Entstehung der Farbfeldmalerei, zu der sie als Pionierin gehörte.

Frankenthalers Kompositionen waren von luftiger Natur, da sie die Freude an der Verwendung reiner Farben in einem abstrakten, aber sanften Sinne zelebrierten. Dieser Stil ist in den meisten ihrer bemerkenswerten Werke zu sehen, darunter Berg und Meer (1952), Canyon (1965), Savage Breeze (1974) und Madame Butterfly (2000).

Nachdem sie mit phosphoreszierenden und nebligen Kompositionen experimentiert hatte, die von großen organischen Farbflächen dominiert wurden, wandte Frankenthaler ihre Aufmerksamkeit anderen künstlerischen Medien zu. Sie begann, die Vielseitigkeit von Holzschnitten zu erforschen, auf denen sie die Eigenschaften der Malerei durch die Nachahmung der Effekte ihrer berüchtigten Soak Stain Technik erreichen konnte.

Frankenthaler galt als einzigartige Künstlerin der abstrakten Moderne, weil sie sich auf natürliche Landschaften konzentrierte, die sie in ihren Werken oft nachahmte.

Anstatt Kunstwerke zu schaffen, die sich mit existenziellen Konfrontationen auseinandersetzen, schuf Frankenthaler sanfte und traumhafte Abstraktionen der Natur und des Erhabenen. In ihrer langen Karriere, die sich über mehrere Generationen abstrakter Maler erstreckte, stellte Frankenthaler ihre Werke über sechs Jahrzehnte lang aus, während sie weiterhin entscheidende und sich ständig verändernde Kunstwerke schuf.

Viele berühmte abstrakte Künstler sind aus dieser Schaffensperiode im 20. Jahrhundert hervorgegangen, die zu vielen ikonischen Kunstwerken geführt hat, über die noch heute gesprochen wird. Wenn dir unsere Liste der abstrakten Künstler gefallen hat, möchten wir dich ermutigen, dich mit anderen abstrakten Malern zu beschäftigen, die vielleicht nicht so bekannt sind, aber dennoch ihre eigene Bedeutung haben.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.