Kunst der goldenen 1920er Jahre – Detaillierte Zusammenfassung

Die Roaring 1920s waren eine Ära der großen Experimente, der Kreativität und des tiefgreifenden persönlichen Ausdrucks. Als der Erste Weltkrieg endete und der Aufschwung begann, begann die Wirtschaft zu boomen. Der wirtschaftliche Wohlstand, der auf den Krieg folgte, ermöglichte es den Künstlern der 1920er Jahre, mit innovativen und kreativen Methoden zu experimentieren und förderte eine künstlerische Revolution. In unserem Artikel unten erfährst du mehr über die Kunst in den 1920er Jahren!

Die experimentelle Welt der Kunst der 1920er Jahre

Die Künstlerinnen und Künstler der 1920er Jahre nutzten eine breite Palette von Stilen und Techniken, um gegen die konventionellen Traditionen zu rebellieren, die vor dem Krieg vorherrschten, und legten damit den Grundstein für die zeitgenössische und moderne Kunst, wie wir sie heute kennen. In dieser Zeit veränderten die Kunstbewegungen den Zweck der Kunst, definierten sie neu und veränderten die Bedeutung des Künstlerdaseins.

In dieser Zeit entstanden einige der bedeutendsten Bewegungen, darunter Dada, Surrealismus, Expressionismus und das spektakuläre Art Deco der 1920er Jahre.

Patrioten warten auf die Eröffnung des Krazy Kat Klub, einer Kneipe, im Jahr 1921; National Photo Company Collection, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese innovativen Bewegungen veränderten das Selbstverständnis der Gesellschaft in einer nie dagewesenen Zeit des Erfindungsreichtums. Diese Ära wurde von dem bekannten Autor F. Scott Fitzgerald als Jazz Age bezeichnet. In den 1920er Jahren waren Technologie, Sexualität und soziale Entwicklung wichtige Themen in Kunst und Kultur.

Musiker, Künstler und Autoren strebten danach, etwas Neues und Aufregendes zu schaffen.

Wichtige Kunstbewegungen der 1920er Jahre

Die Art-Déco-Bewegung der 1920er Jahre blühte in diesem Jahrzehnt auf und löste die extravaganten Designs der viktorianischen Ära ab. Gleichzeitig blieben prominente Maler des Realismus wie George Luks populär, ebenso wie eine neue Philosophie der Malerei der 1920er Jahre, die auf natürlichen Elementen und Abstraktion basiert.

Georgia O’Keeffe, eine Künstlerin, die vor allem für ihre Naturdarstellungen bekannt ist, begann in den 1920er Jahren Anerkennung zu finden.

Ihre Experimente mit abstrakten Formen in der Malerei der 1920er Jahre fielen mit der Ausweitung ihrer bildhauerischen Arbeit zusammen. Ein Großteil der revolutionären Ideologie über die dreidimensionale Produktion kann auf die Dada-Bewegung und insbesondere auf die Ideen von Marcel Duchamp zurückgeführt werden. Wie Dada hatte auch der Surrealismus Auswirkungen auf die Bildende Kunst, das Theater, die Literatur, das Kino und die Musik.

Die Art-Déco-Bewegung der 1920er Jahre

Der aus Europa stammende Art Deco-Stil war in diesem Jahrzehnt in der Architektur und im Design weit verbreitet. Infolgedessen verbreitete er sich schnell in Nordamerika und Westeuropa. In den Vereinigten Staaten war das Chrysler Building in New York City ein Beispiel für den Art Deco-Stil, weitere Beispiele gab es in Los Angeles, Chicago und San Francisco.

In Bezug auf die zweidimensionale Herstellung fühlten sich die Art-Déco-Künstler der 1920er Jahre zur Kombination von traditionellem Handwerk mit Bildern und Materialien aus der Maschinenzeit hingezogen.

Plakat für Century of Progress World’s Fair mit Ausstellungsgebäuden und Booten auf dem Wasser im Vordergrund; Weimer Pursell, Serigraphie von Neely Printing Co, Chicago, Public domain, via Wikimedia Commons

Tamara de Lempicka war mit ihren Porträts der Elite und den Errungenschaften der damaligen Zeit zweifellos eine der bekanntesten Künstlerinnen der Art Deco Periode. Dieser Stil war bekannt für seine Plakatkunst und Musterentwürfe, die sich durch opulente Ornamente, satte Farben und geometrische Formen auszeichneten. Die Dominanz geradliniger Entwürfe ist hier eindeutig, obwohl sich die Art Deco Maler oft von der Natur inspirieren ließen und auch geschwungene Linien verwendeten.

Expressionismus

Der Expressionismus entstand als modernistische Strömung in Deutschland in der Kunstära der 1920er Jahre. Er begann als Poesie- und Kunststil, der die Darstellung der Welt, sowohl des Äußeren als auch des Inneren, durch eine rein subjektive Perspektive betonte. Dieses emotionsgeladene Zeitalter kam dem kreativen Filmemachen zugute, wie in Robert Wienes Filmklassiker Das Kabinett des Dr. Caligari zu sehen ist. Es war notwendiger, die Bilder für den emotionalen Effekt zu verzerren, und Stimmungen wurden als wichtiger angesehen als die Darstellung der physischen Realität.

Der Expressionismus wurde in erster Linie von der Symbolismus-Bewegung des späten 19. Jahrhunderts sowie von modernen Trends und Fortschritten der Zeit motiviert, zum Teil als Reaktion auf die wachsende soziale Besorgnis und das Konzept des Verlusts der Spiritualität und zum Teil als Reaktion auf die impressionistische Malerei.

Plakat für den Film Das Kabinett des Dr. Caligari; Atelier Ledl Bernhard, Public domain, via Wikimedia Commons

Wassily Kandinsky, Edvard Munch, Franz Marc und Erich Heckel gehören zu den bekanntesten Künstlern. Diese Maler setzten neue künstlerische Maßstäbe, die den Abstrakten Expressionismus und den Neo-Expressionismus inspirierten.

Dada

Der Dadaismus wird für seinen Einfluss und seine Bedeutung als eine der bedeutendsten Avantgarde-Bewegungen des vergangenen Jahrhunderts gelobt. Er begann während des Ersten Weltkriegs in Zürich und wurde schnell zu einem internationalen Phänomen, das sich auf Städte in ganz Amerika und Europa ausbreitete. Dada-Künstlerinnen und -Künstler organisierten und führten Aktionen wie öffentliche Versammlungen, Kundgebungen und die Produktion von Kunst- und Literaturzeitschriften durch, um sich der kulturellen und intellektuellen Uniformität in der Kunst zu widersetzen, und demonstrierten regelmäßig ihre politische Zugehörigkeit zur extremen Linken.

In der bildenden Kunst wurde ein innovativer Begriff geboren, der die Idee über den Gegenstand stellt. Marcel Duchamp gilt als Leitfigur dieser Bewegung, und seine experimentelle Art, Kunst zu betrachten, führte zu neuen Konzepten wie den Readymade-Kunstwerken.

Fountain, Foto von Alfred Stieglitz in der 291 (Art Gallery) im Anschluss an die Ausstellung der Society of Independent Artists 1917, mit Eintrittsschild sichtbar. Der Hintergrund ist The Warriors von Marsden Hartley; Alfred Stieglitz, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Konzept der Readymade-Kunstwerke hat neben dem ursprünglichen Konzept der bildhauerischen Produktion auch die Assemblage, Fundstücke und in geringerem Maße auch die Recycling-Kunst maßgeblich beeinflusst. Dada-Collagen und andere kreative Kunstwerke aus der Kunstperiode der 1920er Jahre brachten die Wertschätzung für Maschinen, Technologie und kubistische Konzepte zum Ausdruck.

Surrealismus

Während des Krieges entstand aus den dadaistischen Aktivitäten die Kunst des Surrealismus. Er entwickelte sich bald zu einer kulturellen und nicht nur zu einer künstlerischen Bewegung und hatte seinen Sitz in Paris. Andre Breton, der wohl wichtigste ihrer Gründer, betonte die Notwendigkeit der Surrealistischen Kunst als eine potenziell revolutionäre Bewegung.

Juxtapositionen, das Element der Überraschung, die Zentralität von Traumwelten und das Konzept des Unbewussten kennzeichneten die Werke, die sie schufen, und sie fühlten, dass sie die Philosophie vermittelten, die der Epoche zugrunde lag, in der die Psychoanalyse gegründet wurde.

Robert Delaunays Illustration auf dem Cover von Yvan Golls Surréalisme, Manifeste du surréalisme, Band 1, Nummer 1, 1. Oktober 1924; Robert Delaunay, Public domain, via Wikimedia Commons

Breton veröffentlichte 1924 sein Surrealistisches Manifest, in dem er die Ideen der Zeit als reinen geistigen Automatismus definierte. Neben Breton gilt Salvador Dali, das selbsternannte Genie aus Spanien, das für viele der nachdenklichsten und manchmal sexuellen Bilder bekannt ist, heute als einer der bedeutendsten surrealistischen Maler der Gruppe. Surrealistische Fotografie gilt heute als eine der wichtigsten Entwicklungen des Mediums.

Die Harlem Renaissance

Im Zuge der Great Migration wurde der Stadtteil Harlem in Manhattan in den frühen 1900er Jahren zu einer Enklave der Mittelschicht, in der vor allem Schwarze lebten und die in kurzer Zeit eine unglaubliche Anzahl schwarzer Intellektueller und Künstler anzog. Als die Harlem-Gemeinde florierte und gedieh, entstand eine Black-Pride-Bewegung und die Harlem Renaissance begann.

Die kulturelle Bewegung der Harlem Renaissance fiel in eine Zeit, in der schwarze Künstler, von Fotografen über Musiker bis hin zu Bildhauern, für ihre Fähigkeiten anerkannt wurden.

Drei afroamerikanische Frauen in Harlem während der Harlem Renaissance, ca. 1925; Public Domain, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Eines der Ziele der Harlem Renaissance war es, ein realistisches Bild davon zu zeichnen, wie es war, in den Vereinigten Staaten schwarz zu sein. Die Harlem Renaissance blühte bis zum Börsenkrach von 1929, aber sie wird immer als der Beginn der Anerkennung und Wertschätzung der Arbeit schwarzer Künstler und Intellektueller angesehen werden.

Fotografie

Außerdem waren die 1920er Jahre ein Wendepunkt in der Geschichte der Fotografie. In diesem Jahrzehnt wurde Metall zu einem wesentlichen Bestandteil des Kamerabaus. Die Fototechnik wurde so weit verbessert, dass die Fotografen das endgültige Bild schon vor der Aufnahme in der Vorschau sehen konnten. In den 1920er Jahren standen bekannte Künstler wie Man Ray und Anselm Adams, zwei der ikonischsten Fotografen der Geschichte, noch ganz am Anfang.

Dies war eine entscheidende Zeit für fotografische Experimente, in der die Künstler mit Montagen, Collagen, Nahaufnahmen und extremen Blickwinkeln experimentierten.

Fotoporträt des Naturfotografen Ansel Adams (um 1950); J. Malcolm Greany, Public domain, via Wikimedia Commons

Mode

Die Roaring 1920er Jahre waren eine Zeit, in der das Bild der Frau durch kürzere Frisuren mit Bubikopf, Zigarettenrauchen, Alkoholkonsum und den Einsatz für das Frauenwahlrecht geprägt war. Diese Bilder zeigten unmissverständlich einen neuen Typus von Frau. Ein weiterer Grund war die Tendenz, Fotos von Frauen am Steuer von Fahrzeugen in Frauenzeitschriften zu veröffentlichen, obwohl die große Mehrheit der Autobesitzer und -fahrer männlich war. Tamara de Lempickas Autoporträt von sich selbst in einem grünen Bugatti ist ein hervorragendes Beispiel dafür. Bodenlange Kleider wichen knielangen Kleidern, da es den Damen endlich erlaubt war, etwas Fleisch zu zeigen.

Coco Chanel war das bekannteste Modesymbol dieser Zeit, bewundert für ihre avantgardistischen Kreationen für die moderne Frau, die in dieser aufregenden Ära entstanden.

Hochhackige Schuhe, Hüte und auffälliger Schmuck wurden zusammen mit den ersten Hosen, dem Bubikopf und den Flapper-Kleidern eingeführt. Verschiedene Schuhe waren beliebt, darunter Schuhe mit niedrigen Absätzen, Galoschen und hohe Überschuhe. Ein einfacher Schnitt und ein goldenes Seidenmuster, oft kombiniert mit gewelltem Haar und langen Handschuhen, schufen einen eleganten Stil der 1920er Jahre. Auch Dora Kallmus, die unter dem Pseudonym Madame d’Ora bekannt war, hielt die Mode der 1920er Jahre in ihrer Fotografie fest. Sie war eine Porträt- und Modefotografin aus Österreich. Kallmus gründete ein Studio in Wien, wo sie nicht nur Tamara de Lempicka, sondern auch andere berühmte Damen wie Coco Chanel und Josephine Baker fotografierte.

Bedeutende Künstler der 1920er Jahre

Oben haben wir einige der einflussreichsten Kunstbewegungen der 1920er Jahre vorgestellt. Aber wer waren die Menschen hinter diesen Bewegungen, die ihre Entwicklung vorantrieben? Im nächsten Kapitel werden wir einige der bedeutendsten Künstler der 1920er Jahre vorstellen, die die Kunstwelt, wie wir sie heute kennen, geprägt haben.

Edvard Munch (1863 – 1944)

Der norwegische Künstler Edvard Munch hat die Kunst des 20. Jahrhunderts mit seinen innovativen Techniken, seiner Auseinandersetzung mit psychologischen Themen und seiner Fähigkeit, tiefe emotionale Erfahrungen durch seine Kunst zu vermitteln, maßgeblich beeinflusst. Munch gilt als einer der wichtigsten Vertreter des Expressionismus.

Expressionistische Maler wie Munch benutzten verzerrte Formen, leuchtende Farben und kräftige Pinselstriche, um subjektive Gefühle und ihre inneren Erfahrungen zu vermitteln.

Undatiertes Foto von Edvard Munch; Nasjonalbiblioteket, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

In den 1920er Jahren gab es zahlreiche Künstlerinnen und Künstler, die sich für die Erforschung der menschlichen Psyche interessierten und von der Art und Weise, wie tiefe menschliche Emotionen eingefangen werden, direkt betroffen waren. Munchs Kunstwerke beeinflussten den Deutschen Expressionismus, vor allem Maler, die mit der Gruppe Die Brücke verbunden waren. Seine emotionsgeladenen Werke und seine Auseinandersetzung mit dem menschlichen Dasein trafen den Nerv der deutschen Expressionisten, die sich bemühten, Werke zu schaffen, die die Sorgen und Unsicherheiten der Nachkriegszeit widerspiegelten.

Wassily Kandinsky (1866 – 1944)

Wassily Kandinsky, ein russischer Kunsttheoretiker und Künstler, war eine wichtige Figur bei der Entstehung der abstrakten Malerei in den 1920er Jahren. Seine künstlerischen Bemühungen und Ansichten hatten einen enormen Einfluss auf die damalige Kunstwelt. Kandinsky gilt weithin als einer der Urväter der abstrakten Malerei. Er begründete zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine Philosophie der ungegenständlichen Kunst und betonte die Verwendung von Form, Farbe und Linie, um einzigartige spirituelle Erfahrungen und Emotionen zu schaffen. Seine Theorien stellten den vorherrschenden Glauben in Frage, dass Kunst eine direkte Kopie der sichtbaren Welt sein müsse, und sein Studium der Abstraktion eröffnete den Malern in den 1920er Jahren neue Wege.

Kandinsky schuf nicht nur Gemälde, sondern schrieb auch ausgiebig über Kunstphilosophie und lehrte an einer Reihe von Kunstinstitutionen.

Fotografie von Wassily Kandinsky; 未知上傳者, Public domain, via Wikimedia Commons

In den 1920er Jahren wurde sein Buch Das Geistige in der Kunst (1911) für viele Künstler zu einem unverzichtbaren Hilfsmittel. In dieser Zeit beeinflussten seine Lehren und Schriften über den Wert der Spiritualität, die Abstraktion und die psychologische Wirkung von Farbe und Form eine ganze Generation von Malern. Kandinskys Kunstwerke beeinflussten Menschen auf der ganzen Welt. Am Bauhaus, einer renommierten Kunstschule in Deutschland, bildete er Künstlerinnen und Künstler aller Nationalitäten und Hintergründe aus, die dann seine Überzeugungen und Ansätze für ihre eigenen Werke popularisierten.

Marcel Duchamp (1887 – 1968)

Mit seinem provokanten konzeptionellen Ansatz hatte der französisch-amerikanische Künstler Marcel Duchamp in den 1920er Jahren einen revolutionären Einfluss auf die Kunst. Duchamp wird gewöhnlich als Urvater der Konzeptkunst angesehen. Er war dafür bekannt, dass er die konventionellen Ansichten über Kunst in Frage stellte, indem er die Idee des Readymades entwickelte, bei der normale Alltagsgegenstände als Kunstwerke identifiziert wurden.

Duchamp war eine Schlüsselfigur der Dada-Bewegung, die während des Ersten Weltkriegs in Opposition zu den bestehenden Traditionen der damaligen Zeit entstand. Sein Einfluss auf den Dadaismus reichte bis weit in die 1920er Jahre hinein und ermutigte Künstler dazu, traditionelle Kunstpraktiken in Frage zu stellen und alternative und gegen das Establishment gerichtete Techniken anzuwenden.

Französischer Künstler Marcel Duchamp; Siehe Seite für Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Die surrealistische Bewegung wurde durch Duchamps Gedanken und Kunstwerke tiefgreifend geprägt. Obwohl Duchamp kein offizielles Mitglied der surrealistischen Bewegung war, beeinflussten seine Forschungen über das menschliche Unbewusste und die Anwendung des Zufalls surrealistische Künstler wie Max Ernst und Salvador Dali.

Tamara de Lempicka (1898 – 1980)

Tamara de Lempickas besonderer Stil und ihre Darstellung des modernen Lebens hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf die Kunst der 1920er Jahre. Tamara de Lempickas Kunst wird mit dem Art-Déco-Stil der 1920er Jahre in Verbindung gebracht. Ihre Gemälde aus den 1920er Jahren zeigen elegante, geometrische Linien, üppige Umgebungen und anmutige Personen, die den Geist der modernen Ära heraufbeschwören. Ihre Bilder zeigten meist unabhängige Frauen, die den Rollenwandel der „Neuen Frau“ der 1920er Jahre symbolisierten. Ihre Motive strahlten Sinnlichkeit, Selbstvertrauen und Raffinesse aus und widersetzten sich den Geschlechterstereotypen und -erwartungen, die damals vorherrschten.

Lempickas Darstellungen von starken Frauen fingen das Wesen der Roaring 1920s ein und dienten als Einfluss für andere Künstler, die versuchten, die sich verändernde gesellschaftliche Dynamik dieses Jahrzehnts widerzuspiegeln.

Sie vermischte neoklassische und kubistische Elemente in ihren Werken und schuf so eine eigene Bildsprache, die Vergangenheit und Gegenwart miteinander verband. Diese Vermischung von Einflüssen stand für den Übergangscharakter der 1920er Jahre, als die Gesellschaft mit einem Kampf zwischen Tradition und Modernisierung rang. Der Einfluss von Tamara de Lempicka reichte weit über die 1920er Jahre hinaus. Ihr ungewöhnlicher Stil und ihre Darstellung des modernen Lebens sind bei den Betrachtern im gesamten letzten Jahrhundert und darüber hinaus beliebt geblieben.

Wie wir heute festgestellt haben, waren die 1920er Jahre ein sehr bedeutendes Jahrzehnt, was die Kunst und Kultur im Allgemeinen angeht. Die 1920er Jahre waren eine Zeit, in der Künstler mit ihrer Nachkriegsunabhängigkeit experimentierten, indem sie den Status quo ablehnten und die Kunst neu erfanden. Künstlerinnen und Künstler begannen, über die Oberfläche der Kunst hinauszugehen und den menschlichen Geist, die Emotionen und die Vorstellungen von sich selbst und der Außenwelt zu erforschen. Die Kunsttrends der 1920er Jahre waren geprägt von Erfindungen und Avantgarde. Die Bedeutung dieses Moments in der Kunstgeschichte beeinflusste die modernen und contemporary art Bewegungen, die sich in den folgenden Jahrzehnten bildeten, und sie veränderte die Art und Weise, wie Kunst heute wahrgenommen wird.

Häufig gestellte Fragen

Was definierte die Kunst in den 1920er Jahren?

Diese Periode in der Kunstgeschichte kann als eine Zeit des Experimentierens und der deutlichen Ablehnung des Status Quo definiert werden. Einflussreiche Bewegungen wie Art Deco, Expressionismus, Dadaismus und Surrealismus entstanden, um die traditionelle Kunstwelt herauszufordern und der Welt etwas Einzigartiges und Innovatives zu bieten. Die Künstlerinnen und Künstler der 1920er Jahre veränderten nicht nur die Art und Weise, wie Kunst in ihrem eigenen Jahrzehnt geschaffen wurde, sondern prägten auch die Welt der Kunst für die folgenden Jahrzehnte.

Welche Malstile waren in den 1920er Jahren beliebt?

Im Gegensatz zu den traditionellen Stilen, die den 1920er Jahren vorausgingen, wandten sich die Künstler von realistischen Darstellungen ab. Es entstanden neue Bewegungen, die sich deutlich gegen die Art und Weise wandten, wie wir Kunst schaffen und betrachten, wie zum Beispiel Marcel Duchamp und die Dada-Bewegung. Die Art Deco-Bewegung der 1920er Jahre war eine weitere sehr beliebte Bewegung in diesem Jahrzehnt. Eine der bekanntesten Künstlerinnen war Tamara de Lempicka, die dazu beitrug, das aufkommende Ideal einer starken und unabhängigen Frau zu etablieren.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.