Post Impressionismus - Der Kunststil aus dem 19. Jahrhundert

Frankreich ist bekannt dafür, ein kultureller und künstlerischer Bienenstock zu sein. Neben vielen anderen berühmten Kunstbewegungen, die dort ihren Ursprung haben, hat auch der Post impressionismus dort sein Debüt gegeben. Er entstand als Reaktion auf das, was die Anhänger dieser Bewegung als die Grenzen des Impressionismus ansahen. Diese Kunstrichtung übernahm zwar viele der Merkmale, die den Impressionismus zu dem machten, was er ist, wich aber auch in wichtigen Punkten von ihm ab. Heute zieren die Kunstwerke der Postimpressionisten Museen auf der ganzen Welt, und einige der bekanntesten Gemälde der Welt stammen aus dieser Periode der Kunstgeschichte.

Inhaltsverzeichnis

Was ist Post-Impressionismus?

Es gibt vielleicht kein Gesicht, das das Bestreben dieser Kunstrichtung, der Kunst immer mehr Menschlichkeit zu verleihen, besser verkörpert als das von Vincent van Gogh, der einen Teil seines besonderen kreativen Prozesses auf den Punkt brachte: „Ich träume vom Malen und dann male ich meinen Traum“. In diesem Artikel soll geklärt werden, inwieweit sich die Nachimpressionisten die Freiheit nahmen, ihre einzigartige Vorstellungskraft in ihre Gemälde einzubringen, was im Kontext der konventionellen Kunst, die ein genaues Abbild der Welt, wie sie visuell wahrgenommen wird, liefern wollte, ein revolutionärer Akt war.

In der Zwischenzeit, wenn du die Kurzversion der Definition des Postimpressionismus hören willst, war es eine Kunstbewegung, die im späten 19. Jahrhundert stattfand und in Frankreich bis in die Anfänge des 20.
Wie der Name schon sagt, entstand er im Gefolge (und als Ergebnis) der Impressionisten, einer Gruppe von Malern, die in den 1860er Jahren in Paris auftauchte. Der Begriff „Postimpressionismus“ wurde von dem Kunstkritiker Roger Fry geprägt, der ihn abwertend benutzte, als er zum ersten Mal Zeuge einiger Kunstwerke wurde, die auf einer Ausstellung gezeigt wurden.

Selbstportrait (1928) von Roger Fry, dem Mann, der den Begriff „Post-Impressionismus“ geprägt hat. Befindet sich in einer privaten Sammlung; Roger Fry, Public domain, via Wikimedia Commons

Trotz seiner besten Absicht, seine Abneigung gegen den neuen Stil auszudrücken, wurde der Begriff für immer mit den Werken von Künstlern in Verbindung gebracht, denen wir heute große Anerkennung zuschreiben, wie Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Georges Seurat und Paul Gauguin (neben vielen anderen). Eines der wichtigsten Merkmale der postimpressionistischen Kunst war die Abkehr von der Vorstellung, dass die Kunst die Welt so abbildet, wie sie ist. Stattdessen erlaubten die Künstler des Postimpressionismus ihren Kunstwerken, die Welt so zu reflektieren, wie sie von ihnen selbst gesehen wurde.

Dies beinhaltete eine zusätzliche emotionale oder spirituelle Dimension, in der das Kunstwerk als Portal zu einer tieferen Erfahrung des Menschseins diente. Dies steht im Gegensatz zur Kunst als realistische oder objektive Darstellung der Realität, wie sie von den Sinnen wahrgenommen wird, unabhängig von jeder Art von subjektivem Filter oder Linse. Durch die Integration dieser zusätzlichen Dimensionen in die Kunst wurde diese sehr einflussreiche Bewegung zu einem Vehikel, durch das die subjektive Interpretation des Lebens durch die Augen des Künstlers zum Ausdruck gebracht werden konnte.

Die Künstler erreichten dies, indem sie den dargestellten Szenen lebendige Farben und Fantasie einhauchten und sich von einem vielfältigen Spektrum künstlerischer Stile aus aller Welt inspirieren ließen.

Impressionismus vs. post-impressionistische Gemälde

Du fragst dich vielleicht immer noch, was eine geeignete Definition des Postimpressionismus ist. Wie der Name schon sagt, fand der Postimpressionismus im Gefolge des Impressionismus statt. Impressionismus ist die Bezeichnung für die verträumten, farbenfrohen Szenen von Claude Monet, Edgar Degas, Berthe Morisot und Auguste Renoir, die mit jedem Pinselstrich das wechselnde Licht in den Szenen einfingen, die sie beobachteten.

Diese Technik war sowohl ihr Segen als auch ihr Fluch für die Künstler, die nach ihnen kamen, und sie wurden später von aufstrebenden Künstlern dafür kritisiert, dass sie sich mehr mit der „Art“, wie sie malten, beschäftigten als mit dem, „was“ sie malten.

Das bedeutete, dass es eine Bewegung hin zu einem größeren Maß an Selbstdarstellung in Bezug auf die Themen gab, die in den postimpressionistischen Gemälden dargestellt wurden. Künstlerinnen und Künstler, die dieser Bewegung angehörten, kombinierten Bilder, an die sie sich aus ihrer persönlichen Erfahrung erinnerten, Bilder, die sie in der Kunst gesehen oder sich in der Literatur vorgestellt hatten, sowie Elemente ihrer Kreativität und Innovation. Dies war eine deutliche Abweichung von dem Wunsch der Impressionisten, Szenen so einzufangen, wie sie sind, und nicht so, wie sie vom Künstler auf einer geistigen oder emotionalen Ebene wahrgenommen oder interpretiert werden.

Bal du moulin de la Galette (1876) von Pierre-Auguste Renoir, im Musée d’Orsay in Paris, Frankreich;Pierre-Auguste Renoir, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl sie gemeinsam ausstellten, arbeiteten die Nachimpressionisten meist allein, was eine der Arten war, wie diese Künstler von den Normen der Impressionisten abwichen. Das hat zur Folge, dass der Stil der postimpressionistischen Kunst nicht besonders einheitlich war, so dass es nicht einfach ist, einen bestimmten Stil als verbindendes Prinzip für alle postimpressionistischen Künstler zu identifizieren.

Selbst der persönliche Stil eines einzelnen Künstlers ändert sich im Laufe seines Lebens, bleibt aber der nachimpressionistischen Bewegung treu, die sich von der impressionistischen Überbetonung der „Optizität“ entfernt.

Im nächsten Abschnitt werden wir einige der wichtigsten Quellen und Inspirationen erforschen, die den besonderen Stil der einzelnen Künstler beeinflusst haben. Anschließend werden wir die Techniken erörtern, die alle Künstler dieser Bewegung in Abgrenzung zum Impressionismus anwandten.

Trotz der stilistischen Unterschiede zwischen den verschiedenen postimpressionistischen Künstlern lässt sich die Kunst dieser revolutionären Bewegung grob in zwei Gruppen einteilen. Erstens gibt es einige, die aus auffälligen geometrischen Formen bestehen (die den Grundstein für die Entstehung des Kubismus legten), und zweitens solche, die weniger geometrisch sind, was den Boden für die Entwicklung des Abstrakten Expressionismus bereitete. Der abstrakte Expressionismus war eine Kunstbewegung, die Mitte des 20. Jahrhunderts zum Beispiel durch die Kunst von Jackson Pollock entstand.

Obwohl diese Bewegung eine Abkehr vom naturalistischen Malstil einleitete, für den der Impressionismus berühmt war, hatte der Impressionismus seine Vorzüge, die auch in der Zeit nach dem Impressionismus weiter genutzt wurden. Insbesondere ebnete er den Weg für die fortgesetzte Verwendung von kräftigen Farben und dicker Malerei.

Merkmale und Stile des Post-Impressionismus

Wenn wir an die Kunstwerke denken, auf die der Begriff „Postimpressionismus“ anspielt, kommen uns oft die wirbelnden, abstrakten Gemälde van Goghs in den Sinn. Und das aus gutem Grund: Er wurde erst posthum zu einem der bekanntesten Postimpressionisten, vor allem wegen seines einzigartigen Stils, der sich in Gemälden wie Die Sternklare Nacht (1889) widerspiegelt, die manchmal seine innere Zerrissenheit widerspiegeln. Im Folgenden untersuchen wir die wichtigsten Merkmale des Postimpressionismus, die sich in den meisten Kunstwerken dieser Epoche finden.

Stile

Der Postimpressionismus mag wie eine isolierte Bewegung erscheinen, aber es steckt mehr dahinter, als man auf den ersten Blick sieht. Obwohl sich die Postimpressionisten in ihrem Enthusiasmus für die Veränderung des Themas ihrer Kunst einig waren, hatten die Künstler innerhalb dieser Gruppe deutlich unterschiedliche Stile.

Du wirst auch sehen, dass die jeweiligen Stile der verschiedenen Künstler sich von verschiedenen Kunstbewegungen inspirieren ließen, von denen einige ihren Ursprung in Ländern weit jenseits der französischen Grenzen hatten.

Punktillismus

Pointillismus ist die gebräuchlichste Bezeichnung für das Auftragen von winzigen Farbstrichen oder Punkten, die aus der Ferne betrachtet den Effekt einer durchgehenden Farbe erzeugen. Laut der Encyclopedia Britannica wird er manchmal auch als Divisionismus oder Chromo-Luminarismus bezeichnet, obwohl sich Divisionismus hauptsächlich auf kleine Pinselstriche bezieht (im Gegensatz zum Auftragen einzelner Punkte, der Technik, die im Pointillismus verwendet wird).

Der Pointillismus war eine der ersten Bewegungen, die sich vom Impressionismus entfernten. Er wurde von Georges Seurat eingeführt, und Paul Signac verwendete ähnliche Techniken.

Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte (1884 – 1886) von Georges Seurat, zu finden im Art Institute of Chicago in Chicago, Vereinigte Staaten; Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons

Im Gegensatz zu den ausgeprägten Pinselstrichen der Impressionisten verfolgte Seurat einen methodischeren und wissenschaftlicheren Ansatz, indem er einzelne Farbpunkte verwendete, die aus der Ferne betrachtet die Illusion von Kontinuität erzeugen.

Beispiele für Kunstwerke, die diesem Stil entsprechen, sind Seurats „A Sunday on La Grande Jatte“ (1884), „The Lighthouse at Honfleur“ (1886), ebenfalls von Seurat, und „Beach at Heist“ (1891) von Georges Lemmen.

Japonisme

Japonisme ist die Bezeichnung für Kunstwerke, die von japanischen Ukiyo-e-Grafiken inspiriert wurden und diese nachahmen; das französische Wort für diesen Stil ist Japonisme. Zu den wichtigsten Merkmalen dieses Stils, die in die europäische Kunst übernommen wurden, gehörten Veränderungen in der Art und Weise, wie die Gemälde komponiert wurden, und die Art der verwendeten Farben.

Porträt des Père Tanguy (Vater Tanguy) (1887) von Vincent van Gogh, zu finden im Muséee Rodin in Paris, Frankreich; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Auch die Perspektive in den Gemälden wurde auf eine Weise beeinflusst, die einen kühnen Schritt weg von der Notwendigkeit, die Realität oder die Natur objektiv darzustellen, widerspiegelt: weniger Symmetrie und mehr Überlagerung von nahen und fernen Objekten. Vincent van Gogh experimentierte gerne mit verschiedenen Stilen und interessierte sich zu einem bestimmten Zeitpunkt seiner Karriere besonders für die japanische Kunst.

Der Japanismus entstand gegen Ende des 19. Jahrhunderts, vor allem durch die zunehmende Präsenz japanischer Kunst und anderer Kulturgüter in Europa, die einen starken Einfluss auf den Impressionismus und den Postimpressionismus hatten.

Synthetismus

Der Synthetismus spiegelt vor allem die Bewegung weg von der Darstellung des realen Lebens hin zu einem eher symbolischen Ansatz der Darstellung der Welt wider. Anstatt nach einer „objektiven“ oder hyperrealistischen Darstellung des Gegenstands zu streben, ließen die Künstler des Synthetismus einen gewissen Spielraum für ihre gefühlsmäßige Interpretation dessen, was sie sahen.

Gleichzeitig konnten sie das Bild in Bezug auf künstlerische Merkmale wie Ton, Linie und Form verändern, von denen sie glaubten, dass sie das Bild aufwerten würden, während sie immer noch versuchten, die Integrität der ursprünglichen Szene, die sie darstellten, zu bewahren.

Die Badenden (1897) von Paul Gauguin, zu sehen in der National Gallery of Art in Washington D.C., Vereinigte Staaten; Paul Gauguin, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Hinzufügen dieser subjektiven Qualitäten gab den Künstlern die Freiheit, aus dem Gedächtnis oder der Fantasie heraus zu malen, ohne dass der Perfektionismus, der von der konventionellen Kunst verlangt wurde, zwingend erforderlich war. Gauguins Werke aus dieser Zeit zeichnen sich durch eine starke eindimensionale Verwendung von Farben und klaren Linien aus, um eine emotionale Reaktion hervorzurufen, unabhängig davon, ob die Inspirationsquelle ein Mythos, eine Religion oder eine Lebenserfahrung war. Eines von Gauguins Gemälden, das in dieser Zeit entstand, ist Berge in Tahiti (1897).

Van Gogh und Gauguin waren zwei Künstler, die diesen Ansatz in der Zeit, in der sie zusammen in Frankreich lebten, gemeinsam erforschten.

Bildliche Form

Die malerische Form war ein weiterer ausgeprägter Stil, der als Revolte gegen die impressionistische Kunst, die dem Postimpressionismus vorausging, auftrat. Im Gegensatz zur Zweidimensionalität, die für den Synthetismus typisch war, betonte dieser Stil im Gegensatz dazu die Form. Zu den Hauptthemen gehörten Landschaften, Stillleben und Porträts.

Paul Cézanne war wohl der bekannteste Künstler, der diesen Stil verwendete.

Les Grandes Baigneuses (1906) von Paul Cézanne, zu finden im Philadelphia Museum of Art in Pennsylvania, Vereinigte Staaten; Paul Cézanne, Public domain, via Wikimedia Commons

Cézanne war in der Kunstwelt für seine starke Betonung der zugrunde liegenden Struktur von Objekten und Landschaften bekannt und galt in Kunstkreisen seiner Zeit als Meister und Vorbild für andere Künstler, die in seine Fußstapfen traten.

Aus diesem Grund wurde er zum Gesicht des Kubismus, indem er geometrische Grundformen als Fundament verwendete, auf dem die Komplexität des Bildes aufgebaut wurde.

Primitivismus

Auf der unermüdlichen Suche der Postimpressionisten nach symbolischer Bedeutung war der Primitivismus ein Stil, der einigen anspruchsvollen Künstlern gefiel. Der Name spielt vor allem auf das Werk von Henri Rousseau an, aber auch auf die primitive Kunst, die die Werke von Pablo Picasso und anderen Künstlern inspirierte.

Wie die anderen hier besprochenen Stile waren die Werke von Rousseau symbolisch und vieles von dem, was er malte, wurde von seiner Fantasie beeinflusst.

Der Traum (1910) von Henri Rousseau, zu finden im Museum of Modern Art in New York City, Vereinigte Staaten; Henri Rousseau, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl Rousseau kein ausgebildeter Künstler war, hatte sein Werk einen starken Einfluss auf den Kubismus und den Surrealismus. Die meisten von Rousseaus Werken haben einen einheitlichen Stil, aber zu seinen bekannteren Werken gehören Der schlafende Zigeuner (1897) und Der Traum (1910). Paul Gauguin war ein weiterer bedeutender Vertreter dieses Stils.

Les Nabis

Die Bewegung wurde von einem Künstler namens Paul Sérusier gegründet. Im Mittelpunkt der Nabis-Bewegung stand die Idee, dass Kunstwerke ein harmonisches Gleichgewicht zwischen der natürlichen Welt und dem Selbstausdruck des Künstlers herstellen sollten. Wie bei den zuvor besprochenen Stilen gab es auch hier ein starkes Element des Subjektivismus.

Der Name bezieht sich auf die spirituelle Komponente, die nach Ansicht der Anhänger dieser speziellen Bewegung eine wesentliche Rolle in einem Gemälde spielen sollte (und dies auch tut).

Der Talisman (auch bekannt als Landschaft am Bois d’Amour) (1888) von Paul Sérusier, im Musée d’Orsay in Paris, Frankreich; Paul Sérusier, Public domain, via Wikimedia Commons

Vergleicht man die Kunstwerke dieser Bewegung mit den Arbeiten von Gauguin, so wird man kaum wesentliche Unterschiede in der Art und Weise finden, wie die Farbe verwendet wurde. Les Nabis war stark vom Synthetismus beeinflusst.

Künstler, die zu dieser Gruppe gehörten, wie Maurice Denis, Pierre Bonnard und Paul Sérusier, stellten in den 1890er Jahren gemeinsam aus. Die Werke dieser Künstler beschränkten sich nicht nur auf Gemälde, sondern umfassten auch Glasmalerei und Bildhauerei.

Charakteristika

Identifythisart.com beschreibt die wichtigsten Merkmale, die sich mit der Umwandlung des Impressionismus in den Postimpressionismus änderten, darunter eine starke Betonung der Konturen und damit der Form. Abgesehen von dieser Abweichung vom vagen Erscheinungsbild der Kunstwerke impressionistischer Künstler werden im Folgenden weitere Merkmale beschrieben, die alle Kunstwerke dieser Bewegung gemeinsam hatten.

Symbolik

Die Symbolik, die oft eher Szenen und Gegenstände aus der Innenwelt der Künstler/innen als aus der Außenwelt umfasst, ist für Künstler/innen ein wichtiges Mittel, um Gefühle zu vermitteln. Wie wir bereits gesehen haben, war eines der bestimmenden Merkmale dieser Kunstrichtung der Fokus auf Subjektivität und Selbstdarstellung und was dies in Bezug auf das Thema der Gemälde bedeutet.

Opus 217. Vor der Emaille eines Hintergrunds, rhythmisch mit Schlägen und Winkeln, Tönen und Schattierungen, Porträt von M. Félix Fénéon im Jahr 1890 (1890) von Paul Signac, im Museum of Modern Art in New York City, Vereinigte Staaten; Paul Signac, Public domain, via Wikimedia Commons

Farbe

Wie die Impressionisten waren auch die Postimpressionisten nicht zögerlich, wenn es um die Verwendung von leuchtenden Farben ging. Allerdings konnten sie die Farben großzügiger einsetzen und unnatürliche Farben nach Belieben verwenden. Meistens wurden Farben absichtlich eingesetzt, um beim Betrachter Emotionen hervorzurufen, unabhängig davon, welche Beziehung der Betrachter zu der erwarteten oder für richtig gehaltenen Farbe hat.

Die Gemälde der Postimpressionisten schufen eine Welt, in der der Schatten eine Reihe von Farben hatte, und kühne, zweidimensionale Farbblöcke unterschieden sie von den Kunstwerken der Impressionisten.

Frau hält eine Frucht (1893) von Paul Gauguin, das sich im Eremitage Museum in St. Petersburg, Russland; Paul Gauguin, Public domain, via Wikimedia Commons

Pinselstriche

Die meisten Werke des Postimpressionismus sind an der deutlichen Verwendung von Pinselstrichen zu erkennen, die eine größere Tiefe erzeugen und dem Betrachter das Gefühl geben, dass das Kunstwerk nicht als objektives Abbild der Natur oder der dargestellten Szene gedacht war.

Die extremste Version davon war der Pointillismus, zum Beispiel in den Werken von Georges Seurat, der einzelne Farbpunkte statt voller Pinselstriche verwendete, um den beabsichtigten Effekt zu erzielen.

Les cyprès à Cagnes (1908) von Henri-Edmond Cross, zu finden im Musée d’Orsay in Paris, Frankreich; Henri-Edmond Cross, Public domain, via Wikimedia Commons

Berühmte Kunstwerke postimpressionistischer Künstler

Wie wir gesehen haben, hatte der Postimpressionismus als umfassende Antwort auf die Einschränkungen der vorangegangenen Kunstbewegung viele Anhänger/innen. Im Folgenden beschreiben wir einige der bekanntesten Werke, die auf den Leinwänden von prominenten Künstlern wie Van Gogh und Seurat entstanden sind.

Die Sternennacht (1889) von Vincent van Gogh

Dieses 29 mal 36 Zentimeter große Gemälde, das sich im Museum of Modern Art in den USA befindet, zeigt einen Blick auf den Nachthimmel, wie er von Van Goghs Asyl in Saint-Remy-de-Provence im Jahr 1888 aus gesehen wurde, obwohl er bei Tageslicht malte. Van Gogh malte den weiten Blick mehrmals, aber Die Sternennacht ist das einzige Gemälde, das die Aussicht bei Nacht festhält.&nbsp

Das Gemälde zeigt ein von Lichtern erleuchtetes Dorf. Auf der linken Seite des Dorfes ragen hohe Zypressen in den Himmel und auf der rechten Seite Olivenbäume. Über der friedlichen irdischen Szene liegt ein wirbelnder Nachthimmel, der von Sternen erhellt wird.

Die Sternennacht (1889) von Vincent van Gogh, zu finden im Museum of Modern Art in New York City, Vereinigte Staaten; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Dies ist zweifellos eines von van Goghs einflussreichsten Gemälden. Er wollte mit ländlichen und natürlichen Szenen in Verbindung gebracht werden und versuchte, ein magisches und geheimnisvolles Element in seine Bilder einzubauen, das in diesem Gemälde präsent ist.&nbsp

Dies ist ein klassisches postimpressionistisches Gemälde in dem Sinne, dass es eine klare subjektive Perspektive zeigt, die ein starkes Element des Selbstausdrucks aufweist.

Die Pinselstriche erzeugen einen träumerischen Effekt, der in keiner Weise versucht, die Szene so wiederzugeben, wie sie dem ungefilterten Auge erscheinen würde. Andere Werke, die Vincent van Gogh gehören, sind Ein Weizenfeld mit Zypressen (1889) und Sonnenblume (1888).

Der gelbe Christus (1889) von Paul Gauguin

Dieses Gemälde versucht, das Gefühl und die spirituelle Erfahrung mehrerer bretonischer Frauen in einer Grotte einzufangen. Gauguin ließ sich von einem Holzkreuz inspirieren, auf das er gestoßen war und das das zentrale Element des Gemäldes ist. Um das Kreuz herum knien drei Bäuerinnen.

Das Gemälde wird von Gelbtönen dominiert und zeichnet sich durch dicke Konturen und eine Vereinfachung der Formen aus.

Der gelbe Christus (1889) von Paul Gauguin; zu sehen in der Albright-Knox Art Gallery in New York, Vereinigte Staaten;Paul Gauguin, Public domain, via Wikimedia Commons

All diese Merkmale sollen die Energie der spirituellen Erfahrung der Frauen nutzbar machen – ein klassisches Beispiel für den Wunsch der Postimpressionisten, in ihren Gemälden Emotionalität und Spiritualität zu vermitteln, die über die Wiedergabe der sichtbaren, physischen Welt hinausgehen.

Die Vision nach der Predigt (1888) von Paul Gauguin

Die Vision nach der Predigt ist eines von Gauguins berühmtesten Ölgemälden. Es befindet sich in Edinburgh, in der National Gallery of Scotland. Das Gemälde zeigt eine Gruppe von Frauen, die eine Kirche verlassen, nachdem sie eine Predigt über den Kampf Jakobs mit dem Engel gehört haben, wie er in der Genesis beschrieben wird (und in Hosea wieder aufgegriffen wird). Die Bäuerinnen auf dem Gemälde sehen den Kampf der Engel vor ihren Augen.

Diese Überlagerung der mythologischen Welt mit der Darstellung der gewöhnlichen Szene einer Versammlung von Frauen ist ein Beispiel dafür, wie postimpressionistische Künstler imaginäre Elemente mit Alltagsszenen verbinden – ein charakteristisches Merkmal des postimpressionistischen Unternehmens.

Die Vision nach der Predigt (Jakob ringt mit dem Engel) (1888) von Paul Gauguin, in der Scottish National Gallery in Edinburgh, Schottland; Paul Gauguin, Public domain, via Wikimedia Commons

Dieses Werk ist auch ein klassisches Beispiel für die Abkehr von der Neigung der Impressionisten zur Formlosigkeit in ihren Gemälden. In diesem Gemälde können wir also eine Bewegung hin zu festen, zweidimensionalen Farbflächen und klar definierten Formen beobachten. Diese Qualitäten bilden das Rückgrat dessen, was Gauguin die Synthesisten-Bewegung nannte, die weiter oben in diesem Artikel ausführlich beschrieben wird;

Die Kartenspieler (1894 – 1895) von Paul Cézanne

Die Kartenspieler besteht aus einer Reihe von fünf Ölgemälden in verschiedenen Größen, die zwischen 1894 und 1895 entstanden sind. Zur Vorbereitung auf diese Gemäldeserie fertigte Cézanne mehrere Zeichnungen an, bevor er die Gemälde selbst fertigstellte.

Diese Gemäldeserie entstand in Cézannes letzten Jahren als Maler.

Die Kartenspieler (1894 – 1895) von Paul Cézanne, zu finden im Musée d’Orsay in Paris, Frankreich; Paul Cézanne, Public domain, via Wikimedia Commons

Auf jedem der Gemälde sind bäuerliche Männer abgebildet, die tief in ein Kartenspiel vertieft sind. Laut Wikipedia ist diese etwas düstere Stimmung eine Abweichung von der holländischen und französischen Tradition, solche Kartenspiele in einer ausgelassenen Atmosphäre darzustellen.

Andere wichtige Künstler des Postimpressionismus

Wie bereits angedeutet, gibt es für den Begriff, der den Künstlern dieser Bewegung zugeschrieben wird, keine enge Definition, und so ist die Zahl der Künstler, die zu dieser Gruppe gehören, riesig. Im Folgenden findest du eine Übersicht über die wichtigsten Vertreter dieser Bewegung:

Paul Cézanne (1839 – 1906)
Odilon Redon (1840 – 1916)
Henri Rousseau (1844 – 1910)
Paul Gauguin (1848 – 1903)
Vincent van Gogh (1853 – 1890)
Henri-Edmond Cross (1856 – 1910)
Georges Seurat (1859 – 1891)
Marius Borgeaud (1861 – 1924)
Paul Signac (1863 – 1935)
Georges Lemmen (1865 – 1916)
Pierre Bonnard (1867 – 1947)

Plage à Heist (1891) von Georges Lemmen, im Musée d’Orsay in Paris, Frankreich; Georges Lemmen, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Bedeutung des Post-Impressionismus

Diese Bewegung hat der Kunst einen großen Stempel aufgedrückt. Die Kälte der impressionistischen Kunst mit ihrem Streben nach der Darstellung der objektiven Realität wurde durch die hartnäckige Entschlossenheit der Postimpressionisten, etwas von ihrer Seele in ihre Bilder einzubringen, aufgetaut. Auf diese Weise wurden die Grenzen der Kunst gesprengt und ein spirituelles Element eingeführt, das größere Tiefen heraufbeschwor und der obsessiven impressionistischen Sichtweise ein wenig Herz hinzufügte.&nbsp

Eine der einflussreichsten Persönlichkeiten, die einen entscheidenden Beitrag zur Entwicklung der Malerei leistete, war Paul Cézanne, der den Kubismus, den Expressionismus, den abstrakten Expressionismus und den Fauvismus beeinflusste.

Die große Platane (Straßenkehrer bei Saint-Rémy) (1889) von Vincent van Gogh, zu finden im Cleveland Museum of Art in Ohio, Vereinigte Staaten; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Generell hatte die Kunst der in diesem Artikel erwähnten Künstler (sowie der vielen anderen, die zu dieser vielfältigen Gruppe von Malern gehörten) einen starken Einfluss auf die zu Beginn des 20. Jahrhunderts aufkommende Moderne.&nbsp

Der Modernismus trat erstmals gegen Ende des 19. Jahrhunderts in Erscheinung und erhielt nach dem Ersten Weltkrieg neuen Schwung.

Dies war vor allem auf einen Aufschwung in Philosophie, Psychologie und Politik zurückzuführen, der die müden viktorianischen Ideale in Frage stellte, die in den veränderten Zeiten des 20. Jahrhunderts keinen Platz mehr hatten. Die postimpressionistische Malerei war das letzte Erbe der Impressionisten, bevor der Fauvismus die Kunstszene eroberte. Letztendlich kann man sicher sagen, dass diese Kunstform einen bedeutenden Einfluss auf das Aufblühen der modernen und abstrakten Kunst hatte, die später die Kunstwelt im Sturm eroberte.

Es ist nicht einfach, die Frage „Was ist der Postimpressionismus“ zu beantworten, indem man ihn auf einen bestimmten Stil oder eine bestimmte Technik eingrenzt. Einige der verräterischen Zeichen dieser Kunstform sind jedoch die Verwendung von sichtbaren Pinselstrichen und der unverblümte Einsatz von Farbe. Der Schwerpunkt liegt auf der Symbolik und der Subjektivität der Gemälde und nicht auf realistischen Details, wie es im Impressionismus der Fall war. Trotz des fließenden Stils der postimpressionistischen Künstler hat diese Bewegung dazu beigetragen, der Kunst mehr Tiefe zu verleihen, und den Weg für spätere Entwicklungen in der Kunstwelt geebnet.

Häufig gestellte Fragen

Wie unterscheidet sich der Post-Impressionismus vom Impressionismus?

Der Hauptunterschied zwischen diesen beiden Kunstrichtungen liegt in der Thematik, die sich wiederum auf den Stil und die verwendete Technik auswirkt. Impressionistische Künstler versuchen, Naturszenen in Bezug auf die Verwendung von Farben genau abzubilden und legen dabei besonderen Wert darauf, das Licht so objektiv wie möglich darzustellen. Im Gegensatz dazu verfolgte der Postimpressionismus (der auf den Impressionismus folgte) einen Ansatz, der es der subjektiven Interpretation und dem Gefühl des Künstlers erlaubte, die Art und Weise, wie eine Szene dargestellt wurde, zu beeinflussen. Auf diese Weise eröffneten die Nachimpressionisten die Möglichkeit, mit ihrer Kunst eine tiefere Verbindung zum Publikum herzustellen;

Was ist der Post-Impressionismus als Stil?

Zur Kunstbewegung des Postimpressionismus gehörten verschiedene Stile, die unterschiedliche Qualitäten hatten. Die Hauptübereinstimmung zwischen den verschiedenen Stilen war die Einbeziehung von Symbolismus, Subjektivität und Selbstdarstellung in einer Weise, die der Betonung des Impressionismus auf der objektiven Darstellung des Lichts widersprach. Zu den spezifischen Stilen, die sich innerhalb dieser Bewegung herausbildeten, gehörten der Pointillismus, der mit Georges Seurat in Verbindung gebracht wird, der Primitivismus, wie er in den Werken von Jean-Jacques Rosseau zu sehen ist, und der Synthetismus, wie er von Paul Gaugin verwendet wird.

Warum war der Post-Impressionismus wichtig?

Obwohl man sagen kann, dass der Vorgänger dieser wichtigen künstlerischen Bewegung, der Impressionismus, mit seiner leuchtenden Darstellung der natürlichen Welt eine emotionale Reaktion beim Betrachter hervorruft, führte der Postimpressionismus ein Element der Subjektivität ein und erlaubte dem Künstler ein gewisses Maß an Selbstdarstellung in den Gemälden. Diese persönliche Note schuf eine größere Tiefe und ermöglichte eine tiefere Verbindung zwischen dem Künstler und dem Betrachter. Er war auch deshalb so wichtig, weil er spätere Entwicklungen in der Kunst, wie den Kubismus und den Fauvismus, beeinflusst hat.

Was sind die Merkmale des Impressionismus?

Eines der Merkmale, für das der Impressionismus am besten bekannt ist, ist die Betonung auf dem Einfangen und der möglichst genauen Darstellung des Lichts in der natürlichen Umgebung, ohne jegliche Interpretation durch den Maler. Mit anderen Worten: Die Impressionisten versuchten, das Licht so objektiv wie möglich darzustellen. Sie zeichnet sich daher auch durch leuchtende Farben und die Abkehr von den Themen aus, die in den vorangegangenen Jahren im Mittelpunkt der Kunst standen.

Wer sind die berühmtesten Post-Impressionisten?

Postimpressionismus ist ein sehr weit gefasster Begriff, unter dem Kunstwerke zusammengefasst werden, die als Reaktion auf die impressionistische Kunst entstanden sind. Es gibt also viele berühmte Künstler, deren Stil sich mit dieser Bewegung verband. Cézanne wird oft als einer der bekanntesten Impressionisten bezeichnet, da er eine Schlüsselrolle im Kubismus spielte und einen großen Einfluss auf die moderne Kunst hatte. Obwohl van Gogh es zu Lebzeiten schwer hatte, sich einen Namen zu machen, wurde er aufgrund seines einzigartigen Stils, der leuchtenden Farben und der traumähnlichen Qualität von Gemälden wie Die Sterne Nacht (1889).

War Pablo Picasso ein Post-Impressionist?

Postimpressionismus ist ein weit gefasster Begriff, der eine Vielzahl von Stilen beschreibt, die als Herausforderung an die Techniken und Stile des Impressionismus entstanden sind. Die Blütezeit dieser Kunstrichtung lag im späten 19. Jahrhundert. Obwohl Picasso von 1881 bis 1973 lebte und sein Werk dem Postimpressionismus zuzurechnen ist, ist sein Stil besonders kubistisch und er wird daher eher als Kubist denn als Postimpressionist bezeichnet.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.