Impressionismus Kunst – Bekannte Impressionismus Künstler und Bilder

Die Epoche des Impressionismus ist eine der bedeutendsten des 19. Jahrhunderts. Der Impressionismus revolutionierte den Stil, die Technik und die Intention der Malerei. Indem sie die traditionelle Malerei über Bord warfen, versuchten impressionistische Maler wie Claude Monet, Mary Cassatt und Edgar Degas, die Ursprünglichkeit der Welt um sie herum einzufangen. Der Stil der Impressionisten zeichnet sich durch eine lockere Pinselführung, das Fehlen von Übergangsfarben und ein Gefühl der Unbeständigkeit aus. In diesem Artikel beschäftigen wir uns eingehend mit dem Stil, den Künstlern und den Konzepten der impressionistischen Bewegung.

Die wichtigsten Ideen der Impressionisten

Bevor wir uns mit der historischen Entwicklung des impressionistischen Stils und einigen bemerkenswerten Künstlern befassen, sollten wir uns einige charakteristische Merkmale der Gemälde der impressionistischen Ära ansehen. Was ist der Impressionismus und wie unterscheidet sich der Stil von seinen Vorgängern?

Der impressionistische Malstil stand im direkten Gegensatz zu den traditionellen Pinselstrichen und Kompositionstechniken der Romantik und des Realismus. Um den Impressionismus zu definieren, müssen wir mehrere Schlüsseltechniken berücksichtigen, darunter Pinselführung und Farbe, Perspektive und Komposition sowie den Einfluss wissenschaftlicher und technischer Entwicklungen.

Auflockerung des Pinselstrichs

Eines der auffälligsten Merkmale des impressionistischen Malstils ist die Pinselführung. Im Gegensatz zu den glatten und kaum sichtbaren Pinselstrichen in den Gemälden der Romantik und des Realismus verwendeten die Impressionisten lockerere und kräftigere Pinselstriche. Impressionistische Malerinnen und Maler verwendeten kürzere Pinselstriche und setzten Pinselstriche mit sehr unterschiedlichen Farben nebeneinander.

Die Farben wurden auf der Leinwand so wenig wie möglich gemischt, um das Konzept des Simultankontrasts auszunutzen und die Farben lebendiger erscheinen zu lassen. Das Malen auf einer weißen Leinwand war eine weitere Möglichkeit für die impressionistischen Künstler, die Lebendigkeit der Farben zu betonen.

Die Maler des Impressionismus verwendeten auch viel hellere Farben als in früheren Epochen und nutzten Weiß und helle Schattierungen, um die Bewegung des natürlichen Lichts einzufangen. Die Grautöne und dunkleren Schattierungen in vielen impressionistischen Gemälden waren Mischungen aus Komplementärfarben, und schwarze Farbe wurde von Künstlern, die echten Impressionismus praktizierten, vermieden. Durch diese Technik wurden die Pinselstriche noch stärker betont. Viele Kritiker der impressionistischen Ära sind der Meinung, dass diese Pinselstriche und die Verwendung von Farben die impressionistischen Gemälde unfertig und amateurhaft erscheinen lassen.

Water Lilies (1685) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Komposition und Perspektive

Im Impressionismus war die Definition nicht das wichtigste Element eines Gemäldes. Die lockere und offensichtliche Pinselführung ließ die Klarheit der Formen verschwinden, die dazu beitrug, die wichtigsten Teile von den weniger wichtigen Elementen der realistischen und romantischen Gemälde zu unterscheiden. Die impressionistischen Maler verzichteten auch auf die dreidimensionale Perspektive und die Darstellung von Perfektion und Symmetrie der vorherigen Epochen.

Für die Maler des Impressionismus bestand die Aufgabe des Künstlers darin, die Welt, wie sie erscheint, direkt auf die Leinwand zu übertragen. Diese Perspektive fand die Schönheit in den Unvollkommenheiten und momentanen Veränderungen der Welt um uns herum.

Unter den Malern des Impressionismus, die sich danach sehnten, die Welt intimer zu erfassen, wurde auch eine neue Malübung zur gängigen Praxis. Das Malen en plein air, also draußen am Ort des Geschehens, wurde in der Ära des Impressionismus immer beliebter. Künstler wie Monet fanden heraus, dass sie durch das Malen innerhalb der kompositorischen Umgebung einen einzelnen, unvollkommenen Moment besser einfangen konnten.

Der Einfluss der wissenschaftlichen Entwicklung

Die Entwicklung der Kamera hatte einen großen Einfluss auf die impressionistische Perspektive. Die Kamera kann einen Sekundenbruchteil im Bild festhalten. Viele impressionistische Künstler wollten diesen Effekt nachahmen und versuchten, die optischen Effekte des Lichts einzufangen. Die impressionistischen Maler wollten auch winzige Veränderungen in anderen Bereichen der Welt einfangen, z. B. Wetterveränderungen. Diese Absicht, kombiniert mit der Verwendung heller Farben und kräftiger Pinselstriche, ermöglichte es den Impressionisten, die flüchtige Natur des Lebens einzufangen.

Die impressionistischen Maler machten sich auch andere technische Entwicklungen zunutze, wie zum Beispiel vorgemischte Farbtuben, die das Malen en plein air erleichterten. Auch synthetische Pigmente wurden in der Zeit des Impressionismus immer beliebter und weithin verfügbar. Bei den impressionistischen Maltechniken wurden diese neuen Pigmente wie Viridian, Ultramarinblau, Ceruleanblau, Kobaltblau und Kadmiumgelb intensiv genutzt.

Das zunehmende Tempo der technischen Entwicklung beeinflusste auch die Themen vieler impressionistischer Gemälde. Während die Landschaften zu den bekanntesten Motiven der Impressionisten gehören, hielten die Maler auch gerne intime Szenen in Kabaretts und Cafés, Opernhäusern und Pferderennen fest.

Die Gemälde der impressionistischen Bewegung dokumentieren die wachsende Industrialisierung von Paris in der Mitte des 19. Jahrhunderts, und die urbanen impressionistischen Kompositionen fangen das Gefühl der Entfremdung innerhalb einer wachsenden Metropole ein.

Was ist Impressionismus?

Die impressionistische Bewegung begann zu Beginn der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts und dauerte in verschiedenen Facetten bis etwa 1910. In dieser Zeit wandelte sich der Impressionismus mehrmals, und die verschiedenen Perioden werden mit sehr unterschiedlichen Techniken, Themen und Stilen in Verbindung gebracht. In diesem Abschnitt des Artikels untersuchen wir die impressionistische Bewegung, wie sie sich gegen Ende des 19.

Eine revolutionäre Bewegung: Impressionismus und offizielle Kunst

Im Kern war der Impressionismus eine revolutionäre Kunstbewegung. Die impressionistischen Künstler lehnten viele der Traditionen und Techniken anderer Malstile ab, insbesondere die der Romantik. Die Impressionisten waren nicht die Einzigen, die die Konventionen über künstlerische Schönheit und die Beziehung zwischen Künstler und Staat in Frage stellten. Realismus und Naturalismus lehnten viele romantische Traditionen ab, und der Impressionismus hat mehrere Wurzeln in diesen Stilen.

Como und der Comer See (1834) von Jean-Baptiste Camille Coro; Jean-Baptiste Camille Corot, Public domain, via Wikimedia Commons

Wurzeln im Realismus

Die erste Kunstbewegung, die dem Pariser Establishment Mitte des 19. Jahrhunderts die Stirn bot, war der Realismus. Gustave Courbet war der Pionier des Realismus und er glaubte, dass die Kunst der offiziellen Institutionen blind für die Realität war. Zu dieser Zeit hatte ein repressives Regime die Franzosen fest im Griff und zwang einen Großteil der Bevölkerung in große Armut. Trotz der grassierenden Armut konzentrierte sich die Kunst der damaligen Zeit auf mythologische und klassische Erzählungen, extravagante Darstellungen der Natur und idealisierte Aktfiguren.

1855 finanzierte und veranstaltete Courbet eine Ausstellung seiner Werke. Sein Werk stand nicht nur im Gegensatz zu den offiziellen Traditionen, sondern Courbet veranstaltete die Ausstellung auch direkt gegenüber der Pariser Weltausstellung. Der Impressionismus ließ sich von der Ablehnung des Realismus inspirieren, der sich von der gelebten Realität entfernte und perfekt angepasste Motive bevorzugte. Die Themen des Impressionismus sind weit entfernt von den verherrlichten und aufgewerteten historischen Helden der offiziellen Malerei.

Natürliche Inspiration

Die Bewegung des Naturalismus entstand etwa zur gleichen Zeit und war eng mit dem Realismus verbunden. Obwohl die beiden Bewegungen viele Gemeinsamkeiten haben und oft verwechselt werden, gibt es deutliche Unterschiede. Der Realismus versuchte, die Welt so darzustellen, wie sie ist, ohne Schnörkel und Schnickschnack, während der Naturalismus die natürliche Welt als Thema hatte. Der Naturalismus lehnte den mythologischen Heroismus und die historische Kontextualisierung der konventionellen Kunst ab.

Obwohl die Pleinair-Malerei oft in erster Linie mit dem Impressionismus in Verbindung gebracht wird, war sie ein zentrales Merkmal der Naturalismus-Bewegung. Bereits in den 1820er Jahren fertigten naturalistische Künstler wie Jean-Francois Millet und Jean-Baptiste Camille Corot in den Wäldern von Barbizon Skizzen von Landschaften, Bäumen und Menschen an. Zu dieser Zeit entstand die Schule von Barbizon, die eine wachsende internationale Faszination für das Malen der natürlichen Welt in all ihrer unverfälschten Pracht auslöste.

Der Wunsch, die natürliche Welt in ihrer genauen Form einzufangen, ist ein wesentlicher Bestandteil der impressionistischen Bewegung. Im Gegensatz zum Naturalismus versuchen die impressionistischen Maler jedoch nicht, die Welt in hyperrealistischen Details zu erfassen. Stattdessen wollen die Impressionisten einen „Eindruck“ der natürlichen Welt einfangen. Dieser Eindruck schließt die Subjektivität des Künstlers ein.

Frühe Impressionistenausstellungen in Paris

Der revolutionäre Charakter der impressionistischen Kunstbewegung begann 1863 an Fahrt aufzunehmen. Der offizielle jährliche Kunstsalon war der Höhepunkt der französischen Kunstwelt. Mehrere impressionistische Künstler wie Paul Cezanne, Édouard Manet und Camille Pissarro durften ihre Werke in diesem Salon nicht ausstellen. Als Folge ihres Ausschlusses gründeten diese Künstler den „Salon der Verweigerer“, in dem sie ihre Werke ausstellen konnten. Kaiser Napoleon III. genehmigte den Salon, um die Künstler zu beschwichtigen, aber die Ausstellung löste eine große öffentliche Kontroverse aus.

Eines der umstrittensten Gemälde in dieser Ausstellung war Le Dejeuner sur l’Herbe, das Manet im selben Jahr malte. Dieses Gemälde zeigte bekleidete Männer und nackte Frauen, die ein Picknick genießen. Wären es herkömmliche idealisierte nackte Frauenfiguren gewesen, hätte dieses Gemälde vielleicht nicht so viel Aufsehen erregt. Es handelte sich jedoch um moderne Frauen, deren Nacktheit auf Aktivitäten hindeutete, die sexuell viel expliziter waren, als es die Konvention erlaubte.

Französische Cafés: Impressionismus und Vielfalt

Die impressionistische Kunstbewegung war im Vergleich zu den offiziellen Konventionen unglaublich vielfältig, was die Themen und Künstler angeht. Die französischen Cafés spielten eine wichtige Rolle bei der Entwicklung dieser impressionistischen Vielfalt, denn sie waren beliebte Treffpunkte der impressionistischen Maler. Künstler wie Claude Monet, Alfred Sisley, Pierre-Aguste Renoir, Camille Pissarro und Paul Cezanne besuchten das Café Guerbois in Montmartre. Diese Künstler trafen sich mit anderen gleichgesinnten Kreativen, darunter Fotografen, Kritiker und Schriftsteller.

Eine Umdrucklithografie mit dem Titel Au Café Guerbois (‚At the Café Guerbois‘, 1869) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Innerhalb dieser Gruppe gab es eine Vielfalt an Persönlichkeiten, politischen Meinungen und finanziellen Situationen. Während Berthe Morisot, Degas und Gustave Caillebotte aus Familien der Oberschicht stammten, kamen Renoir, Monet und Pissarro aus Kaufmannsfamilien. Alfred Sisley war Anglo-Franzose, während Mary Cassatt sowohl eine Frau als auch eine Amerikanerin war.

Viele glauben, dass die schiere Vielfalt dieser Gruppe von Kreativen der Grund für die immense Kreativität war, die aus ihren gemeinsamen Unternehmungen hervorging. Sogar innerhalb der impressionistischen Bewegung können wir die Vielfalt der Stile und technischen Praktiken erkennen.

Die Anonyme Gesellschaft der Künstler, Maler, Bildhauer, Graveure und mehr

Vor 1874 wurde der Begriff „Impressionismus“ nicht für diese kreative Sammlung verwendet. Das Künstlerkollektiv hatte keinen einheitlichen Stil, aber sie teilten alle eine Abneigung gegen die allzu akademischen und strengen Konventionen der Kunsttraditionen. In den 1860er Jahren beschloss dieses Kollektiv, eine kommerzielle Genossenschaft zu gründen, um sich kreative Unabhängigkeit und finanzielle Sicherheit zu verschaffen. Viele dieser Künstlerinnen und Künstler hatten nur begrenzten finanziellen Erfolg, und die Pariser Salonausstellungen akzeptierten ihre Werke nicht.

Das Kollektiv veranstaltete seine erste Ausstellungsreihe im Atelier des Fotografen Feliz Nadar, aber erst bei ihrer dritten Ausstellung 1877 nannten sie sich Impressionisten. Die meisten dieser Ausstellungen kosteten die Künstlerinnen und Künstler Geld, und in den ersten Jahren fanden sie in der Öffentlichkeit kaum Beachtung. Die späteren Ausstellungen zogen zwar ein größeres Publikum an, aber viele der Künstlerinnen und Künstler konnten immer noch nicht viele Werke verkaufen, und einige blieben sehr arm.

Die Impressionistische Bewegung

In einer feindseligen Kritik über die Ausstellung des kreativen Kollektivs 1874 beschuldigte Louis Leroy die Gruppe, nur „Impressionen“ von Dingen zu malen. Leroy hatte den Begriff Impressionismus von Monets Gemälde Impression, Sonnenaufgang aus dem Jahr 1873 übernommen. Trotz der Anfeindungen, die ihnen entgegenschlugen, begannen die Impressionisten, sich den Begriff zu eigen zu machen. In späteren Jahrzehnten nannten sich die Impressionisten auch „Unabhängige“, ein Name, der auf die rebellischen Ansichten der Societe des Artistes Independants zurückgeht.

Mehrere impressionistische Maler gründeten diese Gesellschaft im Jahr 1884, um sich von den Konventionen der akademischen Kunst zu distanzieren. Die Künstler, die unter dem Namen Impressionisten arbeiteten, hatten sehr unterschiedliche Stile und Techniken. Sie hatten jedoch ein gemeinsames Interesse an der Darstellung der visuellen Wahrnehmung, wobei sie sich auf flüchtige Momente der modernen Welt konzentrierten, die auf flüchtigen optischen Eindrücken beruhen.

Fotografie und die Impressionisten

Die Entwicklung der Fotografie war eine wesentliche Triebfeder für einen Großteil der impressionistischen Philosophie. Durch das Objektiv können Fotografen einen einzigen, flüchtigen Moment in der Zeit festhalten und so einen direkten Abdruck der Realität auf einer zweidimensionalen Oberfläche schaffen. Die Fotografie beeinflusste den Impressionismus auf zwei verschiedene Arten.

Erstens veränderte die Möglichkeit, jeden Moment einzufangen, das Verständnis davon, was es bedeutet, einer visuellen Darstellung würdig zu sein. Die traditionelle französische Malerei konzentrierte sich auf historisch bewertete, mythologische Themen und glorifizierte Porträts von Anführern und Helden. Die Fotografie ermöglichte es, alle Arten von neuen und zuvor übersehenen Szenen, Landschaften und Menschen bildlich festzuhalten.

Viele impressionistische Maler ließen sich von dieser neu entdeckten Fähigkeit inspirieren, übersehene Teile der Realität darzustellen. Die Künstler malten belebte Seitenstraßen, Plätze und Café-Szenen, die die Lebendigkeit der sich entwickelnden städtischen Welt widerspiegeln, aber auch das neue Gefühl, dass selbst die banalsten Aspekte dieser Welt es wert sind, festgehalten zu werden.

Der zweite Grund, warum der Impressionismus der Fotografie zu verdanken ist, liegt im Konzept der spontanen Komposition. Außerdem kann die Fotografie einen Moment in der Zeit und einen Ort im Raum im selben Moment einfangen. Die Maler des Impressionismus versuchten, dieses Gefühl in ihren Gemälden einzufangen.

Ein fantastisches Beispiel ist Place de la Concorde, ein Gemälde von Degas, das einen öffentlichen Platz in Paris festhält. Das Gemälde zeigt nicht nur diesen Platz, sondern auch alle Menschen und Tiere, die sich in dem Moment auf ihm bewegten, als Degas ihn beobachtete. Die Körper sind in einer zufälligen Bewegung angeordnet, und diese präzise Fähigkeit, einen Moment im Raum einzufangen, konnte nur durch das Verständnis und die Wertschätzung der Fotografie entstehen.

Place de la Concorde (1875) von Edgar Degas; Edgar Degas, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Trends, Konzepte und Stile des Impressionismus

Von der Malerei im Freien bis hin zur Faszination für Körper und Bewegung – die Stile, Konzepte und Trends des Impressionismus sind vielfältig und abwechslungsreich. Zu den grundlegenden Trends in der Thematik gehören das intime Leben von Frauen, belebte Stadtlandschaften und die Untersuchung von Körpern im Raum.

en Plein Air im IMpressionismus

In Anlehnung an die Naturalisten, die innerhalb einer Szene malten, verbrachten die impressionistischen Maler viele Stunden bei verschiedenen Wetterbedingungen im Freien, um schöne Eindrücke einzufangen. Das Malen en Plein air war für die Entwicklung der beiden Hauptmotive des Impressionismus von zentraler Bedeutung.

Durch das Malen im Freien konnten die Künstler die Welt in verschiedenen Zuständen beobachten und einfangen und so den Lauf der Zeit festhalten. Das Malen im Freien ermöglichte es den impressionistischen Künstlern außerdem, ihre Fähigkeit zu verfeinern, die Wirkung des natürlichen Lichts einzufangen. Monets Heuhaufen-Serie, die er zwischen 1890 und 1891 gemalt hat, zeigt zum Beispiel denselben Heuhaufen bei unterschiedlichen Licht- und Wetterverhältnissen.

Viele Maler des Impressionismus malten im Freien, darunter Alfred Sisley, Camille Pissarro, Berthe Morisot und John Singer Sargent. Monet beherrschte die Darstellung des natürlichen Lichts so gut, dass er zu einem der berühmtesten Impressionisten wurde.

Monet malte zu jeder Tageszeit draußen und dokumentierte sorgfältig die Veränderungen der Atmosphäre. In seinem Garten in Giverny verbrachte Monet Stunden damit, spontane Eindrücke von der Landschaft zu schaffen. Mit ungemischten Farben und sehr weichen Pinselstrichen schaffte es Monet, ein Gefühl von subtiler Vibration zu erzeugen, als ob die Natur auf der zweidimensionalen Leinwand leben und atmen würde. Monet verwendete auch eine „Nass-in-Nass“-Maltechnik, die zu verschwommenen Grenzen und weicheren Rändern führte, die eine dreidimensionale Welt andeuten.

Der Roseweg in Giverny (‚The Rose-Way in Giverny‘, before 1992) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Ein Eindruck von einer Stadt

Der Impressionismus war eng mit der Pariser Gesellschaft verbunden und viele Künstler dokumentierten die wachsende Großstadtnatur der Stadt. Die Renovierung von Paris in den 1860er Jahren durch Baron Georges-Eugene Haussmann führte zu einer erheblichen Modernisierung der Stadt. Eine der auffälligsten Neuerungen war die Verbreiterung der Bürgersteige, die bald zu Zentren des gesellschaftlichen Lebens wurden.

Mit dem Wiederaufbau der Stadt entstand auch das Konzept des Flaneurs, des Müßiggängers, der durch die öffentlichen Räume der Stadt streift. In den Gemälden der Impressionisten, die dieses veränderte Stadtbild dokumentieren, steht der Flaneur als Metapher für das moderne Individuum in einer wachsenden Metropole im Mittelpunkt.

Gustave Caillebotte stellt diese Themen der urbanen Moderne in seinen Stadtpanoramen dar. Caillebotte konzentrierte sich auch auf die Psychologie der Menschen in der Stadtlandschaft. Caillebotte hat einen realistischeren Stil als viele der früheren impressionistischen Maler, aber atmosphärische Veränderungen und Emotionalität durchdringen seine Werke dennoch. Sein Gemälde Paris, Regentag, das 1877 fertiggestellt wurde, zeigt einen Flaneur, der mit dem charakteristischen Zylinder und dem schwarzen Mantel über einen Boulevard schlendert.

Auch Impressionisten wie Monet und Pissarro übersetzten die urbanisierte Stadtlandschaft in ihren ganz eigenen Stil und konzentrierten sich auf die Qualität des Lichts und der Bewegung. Diese Werke betonen die geometrische Anordnung des öffentlichen Raums in der Stadt, indem sie die Straßen, Bäume und Gebäude sorgfältig abgrenzen.

Pissarro vollendete beispielsweise 1897 das Gemälde Der Boulevard Montmartre, Nachmittag, das die charakteristischen Farbstriche des Impressionismus in die Stadtlandschaft bringt. Impressionisten wie Monet und Pissarro vermittelten das steigende Tempo des modernen Stadtlebens mit groben Pinselstrichen und charakteristischen Farbstrichen.

Rue de Paris, Temps de Pluie (‚Paris Street in Rainy Weather‘, 1877) von Gustave Caillebotte; Gustave Caillebotte, Public domain, via Wikimedia Commons

Der menschliche Körper und die Künstler des Impressionismus

Während viele impressionistische Künstler es liebten, Landschaftsszenen im Freien zu malen, waren andere, wie Degas, Cassatt und Renoir, nicht der Meinung, dass Malen eine spontane Leistung sein sollte. Degas war ein hochqualifizierter Porträtmaler und Zeichner, und seine bevorzugten Motive waren Innenraumszenen, die das moderne Leben darstellen. Auf Degas‘ berühmtesten Gemälden sehen wir Menschen aus allen Lebensbereichen, von Balletttänzern, die sich auf ihren Auftritt vorbereiten, bis zu Musikern im Orchestergraben.

Wenn wir Degas‘ Malstil betrachten, können wir sehen, wie viele stilistische Unterschiede es unter dem Dach des Impressionismus gab. Degas neigte dazu, dickere und bewusstere Pinselstriche zu verwenden, und er zeichnete seine Formen mit viel mehr Klarheit als Künstler wie Pissarro und Monet.

Die Faszination, menschliche Formen zu malen, hatte für Impressionisten wie Cassatt, Renoir und Morisot auch eine psychologische Seite. Renoir stellte die täglichen Aktivitäten verschiedener Mitglieder seiner Nachbarschaft in seinen charakteristischen satten und leuchtenden Farben dar. Renoir liebte es, die sozialen Aktivitäten der Pariser Gesellschaft zu dokumentieren.

Obwohl Renoir dafür bekannt war, en plein air zu malen, war er nicht daran interessiert, atmosphärische Veränderungen in der Szene festzuhalten. Stattdessen verwendete Renoir lockere und leichte Pinselstriche, um die menschliche Gestalt hervorzuheben und die emotionalen Qualitäten seiner Motive zu vermitteln.

Before the Performance (1896) von Edgar Degas; Edgar Degas, Public domain, via Wikimedia Commons

Impressionismus und Frauen

Bisher haben wir uns hauptsächlich mit den männlichen Künstlern des Impressionismus und ihren Erfolgen beschäftigt. Im 19. Jahrhundert stießen Künstlerinnen auf viele Hindernisse, wenn sie in die Kunstwelt einsteigen und ihre Werke schaffen wollten. Wenn sie menschliche Figuren malten, tendierten männliche Impressionisten dazu, sie in öffentlichen Räumen wie Cafés zu malen. Im Gegensatz dazu konzentrierten sich Impressionistinnen wie Berthe Morisot auf das Privatleben der Frauen des späten 19.

Als erste Frau, die ihre Werke mit den Impressionisten ausstellte, betonte Morisot in ihren reichhaltigen Kompositionen die höchst persönliche und häusliche Sphäre der weiblichen Gesellschaft. Die mütterliche Bindung zwischen Kind und Mutter war ein Lieblingsthema von Morisot, und ihr Gemälde „Die Wiege“ von 1872 ist ein wunderbares Beispiel dafür.

Berthe Morisot, Eva Gonzales, Mary Cassatt und Marie Bracquemond sind die vier bekanntesten Frauen des Impressionismus. Im Jahr 1879 begann Cassatt, ihre Darstellungen des privaten und öffentlichen Frauenlebens mit den Impressionisten auszustellen.

Cassatt stellte die weibliche Figur im urbanen Stadtbild dar, wie in ihrem Gemälde „An der Oper“ von 1879. In diesem und in vielen anderen Gemälden verwendet Cassatt mehrere innovative Techniken, die ihre späteren Entwicklungen in der modernen Kunst ankündigen sollten. Zu diesen Neuerungen gehörten die Verwendung von fast grell leuchtenden Farben und die Verflachung des dreidimensionalen Raums.

Le Berceau (‚The Cradle‘, 1872) von Berthe Morisot; Berthe Morisot, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Leben nach dem Impressionismus: Die postimpressionistischen Strömungen

Wie wir gesehen haben, gab es eine große Vielfalt innerhalb der impressionistischen Bewegung, doch trotz der unterschiedlichen Umstände und Stile traf sich die Gruppe häufig und arbeitete zusammen. Zwischen 1874 und 1886 veranstaltete die Gruppe insgesamt acht Ausstellungen ihrer Werke, aber in dieser Zeit trennten sich ihre Wege. Zu dieser Zeit waren viele impressionistische Maler der Meinung, dass sie den frühen impressionistischen Stil gemeistert hatten und sich anderen Stilen und Techniken zuwenden mussten. Andere Mitglieder der Impressionistengruppe waren entmutigt, weil sie weiterhin keinen finanziellen Erfolg hatten.

Der Höhepunkt des Impressionismus

Die meiste Zeit seiner Existenz als Bewegung war der Impressionismus nicht weithin akzeptiert oder gefeiert. Sein Ruf als revolutionäre Kunstform und die fortgesetzte Bevorzugung traditioneller Konventionen ließen viele impressionistische Künstler in finanzielle Schwierigkeiten geraten. Die endgültige Akzeptanz des Impressionismus war das Ergebnis von Paul Durand-Ruel.

Durand-Ruel war ein Londoner Kunsthändler, der Monet 1871 kennenlernte und viele Werke der Impressionisten kaufte und jahrelang in London ausstellte. Obwohl die Verkäufe zunächst schleppend verliefen, begann Duran-Ruel gegen Ende der 1880er Jahre, impressionistische Gemälde in Amerika auszustellen, wo ihr Erfolg immens wuchs.

Dank Duran-Ruel kauften amerikanische Käufer mehr impressionistische Gemälde als jeder andere Künstler jemals in Frankreich verkauft hatte. Der Wert der impressionistischen Werke schoss durch die Decke, und Monet wurde schließlich zum Millionär. Mit zunehmender Popularität wurde der Impressionismus zu einem akademischen Dogma, und viele amerikanische Maler kamen nach Giverny, um von Monet, dem berühmtesten impressionistischen Maler, zu lernen. Trotz dieses Erfolgs erforschten die impressionistischen Maler weiterhin andere künstlerische Wege, was zum Postimpressionismus führte.

Internationaler Impressionismus

Als der Impressionismus endlich finanziellen Erfolg und weltweite Anerkennung erlangte und die französischen Impressionisten begannen, andere Stile zu erforschen, begannen viele internationale Künstler, die Techniken des Impressionismus zu erkunden.

Vor allem in Amerika nahm die impressionistische Bewegung an Fahrt auf. Die amerikanische impressionistische Bewegung, zu der Künstler wie Maurice Prendergast, Childe Hassam und William Merritt Chase gehörten, begann, an Fahrt zu gewinnen. Childe Hassam ist vor allem für seine lebendigen Eindrücke von Stadtlandschaften und Küstenszenen bekannt, und William Merritt Chase berührte das bürgerliche Großstadtmilieu der amerikanischen Gesellschaft des späten 19.

Maurice Prendergast schuf einen unverwechselbaren Stil des nordamerikanischen Post-Impressionismus. Mitglieder der australischen Impressionismus-Schule, wie Arthur Streeton und Tom Roberts, nutzten staubige Farbpaletten und impressionistische Techniken, um australische Landschaften darzustellen.

Rocks, Waves and Figures (c. 1902-1904) von Maurice Brazil Prendergast; Maurice Prendergast, Public domain, via Wikimedia Commons

Die britische impressionistische Bewegung ist eine der bedeutendsten internationalen impressionistischen Bewegungen des späten 19. Jahrhunderts. Ein flüssiger und lockerer Malstil wurde von James Abbott McNeil Whistler, einem amerikanischen Auswanderer, der in London lebte, entwickelt. Abbott McNeil Whistlers Nocturne-Serie beschwört den Glanz und die Düsternis der einbrechenden Nacht über der Themse herauf.

Ein anderer britischer Impressionist, Philip Wilson Steer, war ein Pionier der impressionistischen Seestücke und malte in Südwestengland und Cornwall. Scott William McTaggart nutzte die wilden Küstenlandschaften seines Landes, um stürmische impressionistische Seestücke zu schaffen. Weitere einflussreiche impressionistische Bewegungen entstanden in ganz Europa, vor allem in Deutschland, Belgien, Holland und Dänemark.

Post-Impressionismus

Als der französische Impressionismus zu verblassen begann, spalteten sich die jüngeren Mitglieder der Gruppe in verschiedene Richtungen ab. Viele kurzlebige Gruppen und Schulen wurden gegründet und wieder verworfen. Damit sich die postimpressionistische Bewegung entwickeln konnte, musste es eine notwendige Spaltung im impressionistischen Denken geben. Während einige Künstler und Schulen die impressionistischen Techniken nutzten, um das innere Gefühlsleben des Künstlers zu vermitteln, versuchten andere, die dem impressionistischen Stil zugrundeliegenden okulären Techniken zu verfeinern.

Postimpressionistische Subjektivität

Gruppen wie die Nabis, Synthetisten und Cloisonisten und einzelne Künstler wie Vincent van Gogh und Paul Gauguin gehörten zur ersten Gruppe. In den späten 1880er Jahren traten die Cloisonisten auf, die große Flächen mit leuchtenden Farben verwendeten, die durch dunkle und dicke Linien abgegrenzt wurden. Diese Gruppe erhielt ihren Namen von den „Cloisonnes“, den einzelnen Tafeln der mittelalterlichen Kirchenfenster, die ihr Stil nachahmte.

Zu den einflussreichen Malern der Cloisonisten gehören Louis Anquetin und Emile Bernard. Beide Künstler verbrachten Zeit mit van Gogh und Mitgliedern der Pont-Aven-Schule in der Bretagne, darunter Paul Gauguin und Paul Serusier. Alle vier Künstler waren auch mit dem Synthetismus-Stil verbunden. Die Ursprünge und Techniken des Synthetismus waren fast identisch mit denen des Cloisonnismus. Dem Synthetismus fehlten jedoch die kühnen Konturen des Cloisonnismus-Stils.

Gauguins Vision nach der Predigt, die er 1888 malte, ist eines der bekanntesten Werke des Synthetismus-Cloisonnist-Stils. Der Talisman, der im selben Jahr von Serusier fertiggestellt wurde, ist ein weiteres großartiges Beispiel für diesen Stil und wurde zum Leitbild der Nabi-Gruppe.

Die Nabi-Gruppe kombinierte die gefühlsbetonten und leuchtenden Farbblöcke des Cloisonisten-Stils mit psychologischer und religiöser Symbolik. Die postimpressionistischen Bewegungen begannen, sich mit anderen Kunstbewegungen des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts zu überschneiden, darunter der Expressionismus und der Symbolismus.

Postimpressionistische Technizität

Im Gegensatz zu den eher gefühlsbetonten Werken der Cloisonnist-Synthetist-Maler gibt es die eher wissenschaftlich geprägte Reaktion auf den Impressionismus. Der Pointillismus ist die bekannteste wissenschaftliche Bewegung des Postimpressionismus, zu der Künstler wie Paul Signac und Georges Seurat gehörten. Diese Künstler nutzten Ende des 19. Jahrhunderts wissenschaftliche Entwicklungen in der Optik als Grundlage für ihre stilistische Entwicklung.

Die Entdeckung, dass das Auge Farben in Form von verschiedenen Wellenlängen des Lichts wahrnimmt und dass dieses Licht dann im Auge kombiniert wird, um ein Bild zu erzeugen, war für diese Gruppe von Post-Impressionisten besonders wichtig. Die Pointillisten glaubten, dass das Auge aus der Ferne den gewünschten Farbton sehen würde, wenn ein Künstler winzige Punkte aus Primärfarben auf die richtige Weise nebeneinander setzt. Die Künstler glaubten auch, dass durch die Verwendung von Farben viel hellere Töne als mit herkömmlichen Methoden erzeugt werden können.

Ein Sonntag auf La Grande Jatte, gemalt von Seurat zwischen 1884 und 1886, ist vielleicht das bekannteste Beispiel für den Pointillismus. Viele Kunsthistoriker sind der Meinung, dass das Werk van Goghs mit seinen sich hypnotisch wiederholenden Pinselstrichen die ausgeprägten und stilisierten Qualitäten des Pointillismus und die stark emotionale Anziehungskraft des Synthetismus-Cloisonnismus vereint.

A Sunday on La Grande Jatte (1884) von Georges Seurat; Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons

Berühmte Maler des Impressionismus und ihre Werke

Wir haben viele der bekanntesten Künstler des französischen Impressionismus kurz gestreift. Von Manet bis Mary Cassatt gibt es eine große Vielfalt an impressionistischen Stilen und Themen. Ein genauerer Blick auf einige der einflussreichsten Maler des Impressionismus gibt uns einen echten Einblick in die Vielfalt der Bewegung.

Édouard Manet (1832-1883)

Viele Kunsthistoriker halten Manet für einen der ersten und bedeutendsten Maler des Impressionismus in der Pariser Kunstszene. Manet wurde in beträchtlichen Reichtum und politisches Ansehen hineingeboren, aber er lehnte die Zukunft ab, die seine Familie für ihn vorgesehen hatte, und widmete sich ganz der Malerei.

Als Heranwachsender bewunderte Manet viele der alten Meister, aber in den frühen 1860er Jahren begann er, einen lockereren, innovativeren Malstil mit einer helleren Palette zu verwenden. Seine frühen Werke aus dieser Zeit, wie z. B. Le Dejeuner sur l’Herbe, waren entscheidend für die Entwicklung des französischen Impressionismus. Heute gelten diese Gemälde für viele als Wendepunkt in der modernen Kunst.

Manet konzentrierte sich in seinen Gemälden auf die Darstellung des Alltagslebens und hielt Szenen auf der Straße, in Boudoirs und Pariser Cafés fest. Dieses archetypische moderne Sujet und sein stolz anti-akademischer Stil zogen die Aufmerksamkeit anderer Künstler auf sich. Es waren Manets Mut und seine Beharrlichkeit, Kunst zu schaffen, die von den Konventionen abweicht, die der Gruppe der Impressionisten den Anstoß gaben.

Le Dejeuner sur l’Herbe (1863)

Wir können kein anderes Gemälde von Manet als sein einflussreichstes und tiefgründigstes Werk betrachten. Es war dieses Gemälde, das das Feuer des Impressionismus entfachte und den Lauf der Kunstgeschichte veränderte. Das Gemälde zeigt zwei vollständig bekleidete Männer beim Picknick mit zwei völlig nackten Frauen, während eine andere, kaum bekleidete Frau hinter ihnen badet. Manet löste die nackte weibliche Figur aus Kontexten, die sie legitimierten, wie Orientalismus und Mythologie. Die nackten Frauen starren auch selbstbewusst von der Leinwand und fordern die Vorurteile des Betrachters direkt heraus.

Die aufreizend nackten und unvollkommenen weiblichen Figuren in diesem Gemälde machten es zu einem der umstrittensten Werke des 19. Jahrhunderts und ermöglichten es anderen Künstlern, die konventionellen Grenzen hinsichtlich akzeptabler Themen zu durchbrechen. Manets Stil, wie er in diesem Gemälde zu sehen ist, unterscheidet sich von dem vieler anderer Impressionisten wie Monet. Obwohl er regelmäßig zusammen mit anderen Impressionisten ausstellte, zog es Manet vor, übertriebene Farbkontraste und schärfere Konturen zu verwenden. Dies ist zweifelsohne eines der berühmtesten Gemälde des Impressionismus.

Le Déjeuner sur l’Herbe (‚Luncheon on the Grass‘, 1863) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Claude Monet (1840-1926)

Monet, der heute einer der, wenn nicht der bekannteste, Impressionisten ist, hat sich der Dokumentation der sich ständig verändernden französischen Landschaft verschrieben. Während Manet als Auslöser der impressionistischen Bewegung gilt, wird Monet als der Gründervater angesehen. Monet war der prominenteste Impressionist, der die Philosophie verfolgte, seine visuellen Wahrnehmungen der Welt direkt so auszudrücken, wie er sie vorfand.

Monet kehrte häufig mit seiner Leinwand und seiner Staffelei zu bestimmten Landschaften zurück, um die Szene bei unterschiedlichen Lichtverhältnissen oder atmosphärischen Bedingungen zu malen. Mit seinen charakteristischen kurzen und fast rasenden Pinselstrichen konnte Monet optische Eindrücke so auf die Leinwand übertragen, dass sie fast vor Leben vibrierten.

Monet verbrachte einen Großteil seines späteren Lebens in seinem Haus in Giverny, wo er seine Tage damit verbrachte, seinen herrlichen Garten bei unterschiedlichen Lichtverhältnissen zu malen. Eine seiner berühmtesten Werkserien ist vielleicht die Seerosenserie, in der er immer wieder die Seerosen auf seinem Teich malte. Als der Impressionismus weltweit bekannt und gefeiert wurde, wurde Monet zu einem der berühmtesten impressionistischen Maler, und viele amerikanische Impressionisten strömten nach Giverney, um von dem Meister zu lernen.

Impression, Sunrise (1872)

Wie das erste einflussreiche Werk von Manet wird auch dieses Gemälde oft als Geburtsstunde der impressionistischen Bewegung bezeichnet. Obwohl es zu einer Zeit gemalt wurde, als Monet bereits mit anderen impressionistischen Künstlern in diesem Stil arbeitete, hinterließ es einen großen Eindruck und war der Inbegriff des impressionistischen Stils. Die Kontinuität der Farbpalette ist das auffälligste Merkmal dieses Gemäldes. Monet schafft es, das Land, den Himmel und das Meer gleichzeitig zu unterscheiden und zu verschmelzen, wobei alles in sanfte Orange-, Blau- und Grüntöne getaucht ist.

Die Stadt auf dem Gemälde ist nicht das Thema, ebenso wenig wie die anonymen Männer in Booten, die zum Fischen aufbrechen. Stattdessen ist das Thema dieses schönen und wärmenden Gemäldes Monets Sinneseindruck des Augenblicks. Dieses Gemälde von zeitbedingten Lichteffekten war bezeichnend für einen neuen Stil der Malerei.

Dieses Gemälde ist eines von mehreren zu diesem Thema, die Monet 1872 schuf. Dieser Ansatz ist typisch für Monets künstlerischen Prozess. Indem er ein und dieselbe Szene bei unterschiedlichen Lichtverhältnissen und atmosphärischen Bedingungen festhielt, konnte Monet den Lauf der Zeit und die dadurch bedingte Veränderung der Lichtqualität einfangen.

Impressione, Levar del Sole (‚Impression, Sunrise‘, 1872) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Mary Cassatt (1844-1926)

Ursprünglich in Pennsylvania geboren, verbrachte Mary Cassatt einen Großteil ihres Lebens in Frankreich, wo sie andere impressionistische Künstler, darunter Degas, kennenlernte und sich mit ihnen anfreundete. Mary Cassatt stammte aus einer kulturell konventionellen Familie, aber sie sehnte sich danach, aus dem für sie vorgezeichneten Weg auszubrechen. Zum Unmut ihrer Familie studierte Cassatt an der Pennsylvania Academy of Fine Arts. Als Frau war Cassatt während ihrer gesamten Ausbildung zahlenmäßig weit unterlegen, was ihren Wunsch nach Erfolg jedoch nur noch mehr anspornte.

Heute gilt Cassatt als eine der drei bedeutendsten Impressionistinnen. Als lebenslange Feministin konzentriert sie sich in ihren Werken auf das private und öffentliche Leben von Frauen. Vor allem die Beziehung zwischen Mutter und Kind hat Cassatt oft auf sehr intime Weise dargestellt. Wie viele Impressionistinnen und Impressionisten reichte Cassatt ihre Bilder zunächst in vielen der offiziellen Salons ein. Doch schon bald war sie von dem Snobismus und Sexismus des konventionellen französischen Kunstbetriebs enttäuscht.

In the Loge (1877-1878)

Dies ist eines der berühmtesten Gemälde der Impressionisten und der Inbegriff des Werks von Mary Cassatt. Die weibliche Person auf dem Gemälde sitzt im Palais Garnier, dem gesellschaftlichen Zentrum der Pariser Oper für die Elite der Stadt. Die Oper als gesellschaftlicher Mittelpunkt war nicht nur ein Ort der kulturellen Unterhaltung. Die Oper diente auch als Ort, an dem man andere sehen und gesehen werden konnte. Die weibliche Person lehnt sich nach vorne und blickt durch ihr Fernglas auf die Bühne unter ihr. Auf der gegenüberliegenden Seite des Opernhauses spiegelt ein Mann diese Pose.

Die Komposition dieses Gemäldes ist ein witziger Kommentar auf den Akt des Schauens. Der Akt des Schauens ist nicht nur ein zentraler Bestandteil der Philosophie des Impressionismus, sondern das Gemälde könnte auch ein Kommentar zum Schicksal einer Künstlerin sein, die sich den Blicken der Männer nicht entziehen kann, während sie versucht, die Beobachterin zu sein.

In the Loge (1878) von Mary Stevenson Cassatt; Mary Cassatt, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl der französische Impressionismus relativ kurzlebig war, hat er einen bleibenden Eindruck in der Welt des künstlerischen Ausdrucks hinterlassen. Die Entwicklungen in Technik und Stil öffneten die Türen zu einer Kunst, die Konventionen bricht und Grenzen überschreitet. Impressionistische Gemälde haben etwas so Rohes und Wahres an sich, dass wir immer wieder zu ihnen zurückkehren.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.