Italienische Maler – Die 10 bekanntesten Maler aller Kunstepochen

Italiens Künstler lebten in einer Nation, die eine illustre Kunstkultur hat. Mit ihren originellen, eleganten und innovativen ästhetischen Idealen haben berühmte italienische Malerinnen und Maler in den letzten Jahrhunderten einen wichtigen Beitrag zur Entwicklung der Kunstwelt geleistet. Prominente Künstler der italienischen Renaissance haben nicht nur in ihrem eigenen Land Spuren hinterlassen, sondern auch die Kunst der gesamten westlichen Zivilisation stark inspiriert.

Unsere Liste berühmter italienischer Maler

Viele berühmte italienische Gemälde gehören zu den wertvollsten und am meisten bewunderten Kunstwerken der gesamten Kunstgeschichte. Berühmte italienische Kunstwerke von Meistern wie Leonardo da Vinci und Michelangelo sind auch Jahrhunderte nach ihrer Entstehung noch nicht von anderen Künstlern übertroffen worden. Werfen wir nun einen Blick auf die Liste der italienischen Künstler, die in der Welt der Kunst am meisten verehrt werden. Diese italienischen Renaissance-Künstler setzten hohe Maßstäbe, die die westliche Gesellschaft über Generationen hinweg beeinflussen sollten.

Giotto Di Bondone (1267 – 1337)

Giotto Di Bondone gilt als einer der einflussreichsten Maler in der Geschichte der westlichen Kunst. Viele der Fixierungen und Themen der italienischen Hochrenaissance wurden in seinen Werken um ein Jahrhundert vorweggenommen. Sie läuteten ein neues Zeitalter der Malerei ein, das das spirituelle Erbe und die aufkeimende Idee des Renaissance-Humanismus miteinander verband.

Außerdem war sein Einfluss auf die europäische Kunst so tiefgreifend, dass viele Gelehrte sich einig sind, dass er unerreicht blieb, bis Michelangelo zwei Jahrhunderte später seine Rolle übernahm.

Porträt von Giotto di Bondone aus Fünf berühmte Männer der italienischen Renaissance (1490er); Florentiner Schule, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Giotto ist vor allem dafür bekannt, dass er die Grenzen des Blickwinkels und des visuellen Raums auslotet und seinen theologischen Geschichten ein neues Gefühl von Realität verleiht. Sein humanistisches Anliegen führte ihn dazu, den Widerspruch zwischen biblischen Bildern und dem Alltag der Laien zu untersuchen und die Menschen dem Himmel näher zu bringen, indem er Dinge schuf, die für ihre Lebenserfahrungen bedeutungsvoller waren.

Seine Menschen waren von einer in der bildenden Kunst noch nie dagewesenen Ausdrucksintensität durchdrungen, während seine bauliche Umgebung nach optischen Regeln des Maßstabs und der Proportion dargestellt wurde.

Giotto, der als einer der ersten berühmten italienischen Maler gilt, brachte ein neues Gefühl von Humanismus und Ausdruck in die mittelalterliche Kunstpraxis ein. Nach seinem Engagement wurden die „flachen“ christlichen Kunstwerke von innovativen Künstlern als leblos und ohne menschliche Emotionen angesehen.

Isaak segnet Jakob (1295) von Giotto di Bondone; Giotto, Public domain, via Wikimedia Commons

Durch seine Akribie brachte Giottos „neuer Naturalismus“ die Menschlichkeit zur Geltung. Seine Figuren wurden im dreidimensionalen Raum mit Bewegungen und Mimik sowie detaillierten Kleidungs- und Einrichtungselementen geschaffen. Trotz ihrer Verehrung für Christus stehen seine Figuren im Mittelpunkt seiner Erzählungen.

Giotto war zu seinen Lebzeiten ein bekannter Künstler.

Das war vor allem dem berühmten italienischen Dichter Dante zu verdanken, der ihn zum bedeutendsten italienischen Künstler erklärte und damit sogar Cimabue übertraf, der früher als das größte Genie der italienischen Malerei des 14. Jahrhunderts galt.

Einige berühmte italienische Gemälde dieses Künstlers sind:

• Isaak segnet Jakob (1295)
• Kruzifix (1289)
• Feier der Weihnacht in Greccio (1300)

Giovanni Bellini (1430 – 1516)

Nur wenige Maler in den Annalen der Kunst haben einen so großen Einfluss gehabt wie der Venezianer Giovanni Bellini. Bellini ist dafür bekannt, dass er seinen theologischen und mythologischen Darstellungen einen humanistischen Aspekt verlieh. Er war auch ein Vorreiter bei der Weiterentwicklung der Ölmalerei, indem er die Ei- und Wassertempera-Malerei zugunsten von Ölfarben aufgab, um ein gesteigertes Gefühl von Panorama-Atmosphäre zu erzeugen.

Während die dargestellte Landschaft von der kreativen Aristokratie traditionell mit Verachtung betrachtet wurde, behandelte Bellini sie mit einer Aufmerksamkeit und einem Respekt für Details, die ihr, wenn auch erst viel später, eine neue allgemeine Legitimität verliehen.

Abgesehen von seinen eigenen bemerkenswerten Beiträgen zur Renaissance-Tradition, war er Mentor von Tizian, der überraschenderweise seinen majestätischen und eleganten venezianischen Mentor übertraf. Obwohl Bellini ein überzeugter Venezianer war, war er auch für andere Einflüsse aus Nordeuropa und Italien empfänglich.

Selbstporträt (ca. 1500) von Giovanni Bellini; Giovanni Bellini, Public domain, via Wikimedia Commons

Sein Werk spiegelt sowohl neue anatomische Theorien als auch die Entschlossenheit wider, das kreative Potenzial der Ölfarbe zu erkunden, die gerade erst über den Hafen von Venedig nach Italien eingeführt wurde. Trotz seines festen christlichen Glaubens war Bellini fest entschlossen, die Malerei zur Darstellung der Feinheiten des menschlichen Körpers zu nutzen. Seine menschlichen und heiligen Figuren wurden mit einer Sanftheit dargestellt, die seinen spirituellen und legendären Geschichten eine neue menschliche Zartheit verlieh.

Bellinis Experimente mit Ölfarben trugen einfach zur allgemeinen Anmut seiner Werke bei.

Die Agonie im Garten (1459) von Giovanni Bellini; Giovanni Bellini, Public domain, via Wikimedia Commons

Er verfeinerte eine Ölmethode, die die feinsten Farbabstufungen ermöglichte. Seine brillanten Gemälde setzten den Standard, an dem sich andere messen lassen mussten. Anders als viele seiner Kollegen schätzte Bellini die Landschaft sehr. Normalerweise sollte die natürliche Umgebung der gemalten Geschichte eine enorme Wirkung verleihen, aber Bellinis Szenen, die der weiten Landschaft, in der er aufwuchs, nachempfunden waren, waren karg.

Bellinis außergewöhnliche Beherrschung von Farbe und Licht ermöglichte es ihm, in Verbindung mit seiner nuancierten Darstellung von Kleidungsstücken und Hautfarben zur atmosphärischen Stimmung seiner Kompositionen beizutragen.

Einige berühmte italienische Kunstwerke dieses Künstlers sind:

• Die Agonie im Garten (1459)
• Pietà (1460)
• Die heilige Konversation (1487)

Sandro Botticelli (1445 – 1510)

Sandro Botticelli war wahrscheinlich der bedeutendste humanistische Künstler der Frührenaissance, obwohl uns ein Großteil seines Lebens und seiner Inspirationen heute unbekannt ist. Seine Werke zeigen den Höhepunkt der kulturellen Blütezeit der Medici in Florenz, einer wohlhabenden Zivilisation, die die Entwicklung von Kunst, Literatur und Philosophie förderte.

Im Laufe seiner langen Karriere wurde er mit einer Vielzahl von Themen beauftragt, aber im Kern seines Schaffens strebte er immer nach Eleganz und Reinheit, Eigenschaften, die von der Gottheit verkörpert werden, die im Mittelpunkt vieler seiner bekanntesten Meisterwerke steht.

Selbstporträt von Sandro Botticelli innerhalb seines Gemäldes Anbetung der Könige(um 1475); Sandro Botticelli, Public domain, via Wikimedia Commons

Botticelli gehörte zu den ersten Malern des Westens seit der Antike, die nicht-religiöse Inhalte darstellten, gefördert durch die Renaissance der griechisch-römischen Ideale in Florenz zu jener Zeit. Der Gedanke, dass Gemälde um ihrer selbst willen genossen werden können und nicht nur aus theologischen Gründen, war ein Wendepunkt in der westlichen Kunstwelt.

Botticelli überquerte die Kluft zwischen dem mittelalterlichen gotischen Kunststil und der aufkommenden humanistischen Authentizität.

Sein Werk beinhaltete ein sich entwickelndes Verständnis der menschlichen Physiologie und Perspektiven, doch es bewahrt einen kreativen Charakter, der in den Werken der nächsten hohen Renaissance-Maler oder für lange Zeit danach nicht vorhanden war. In seinen Werken strebte er nach Vollkommenheit und gab den Naturalismus auf, wenn eine phantasievollere Form besser zur allgemeinen künstlerischen Vorstellung passte.

Die Geburt der Venus (c. 1485) von Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Public domain, via Wikimedia Commons

In einer Zeit, in der christliche Kunstwerke meist figürlich waren, war seine Entdeckung der emotionalen Tiefe in konventionellen christlichen Themen außergewöhnlich. Er stellte seine Themen auf eine Art und Weise dar, die sie für den Durchschnittsbürger relevant machte und ihre menschlichen Bindungen betonte. Besonders deutlich wird dies in seinen frühen Madonna mit Kind Werken, in denen die für Botticelli charakteristische Liebe und Sympathie zwischen der Mutter und dem Kind zu sehen ist.

Einige berühmte italienische Kunstwerke dieses Künstlers sind:

• Anbetung der Heiligen Drei Könige (1476)
• Primavera(1482)
• Die Geburt der Venus (ca. 1485)

Leonardo da Vinci (1452 – 1519)

Leonardo da Vinci war ein Künstler, Designer, Innovator und Wissenschaftsenthusiast. Sein angeborenes Talent umfasste so viele Bereiche, dass er den Titel „Mann der Renaissance“ verkörpert. Heute ist er vor allem für seine Kunst bekannt, die laut Da Vinci untrennbar mit der Natur und der Wissenschaft verbunden war.

Er war größtenteils Autodidakt und führte Dutzende von versteckten Tagebüchern, die vollgepackt waren mit Ideen, Erkenntnissen und Hypothesen zu Themen von der Aerodynamik bis zur Physiologie.

Vermeintliches Selbstporträt von Leonardo da Vinci, ca. 1512; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Rest der Welt begann jedoch gerade erst, Informationen durch Bücher mit beweglichen Lettern zu übermitteln, und die in seinen Notizen beschriebenen Begriffe waren oft schwer zu verstehen. Während er damals als hervorragender Maler gelobt wurde, erkannten seine Kollegen nicht immer die Mischung aus Intelligenz und Kreativität, die ihn (zumindest theoretisch) in die Lage versetzte, rudimentäre Fahrrad- und Hubschrauberkonstruktionen sowie ein Flugzeug zu entwerfen, das auf der Anatomie einer Fledermaus basiert.

Obwohl nur wenige von da Vincis Gemälden und Statuen erhalten sind – was zum Teil an seiner begrenzten Produktion liegt – gehören zwei seiner Werke zu den berühmtesten italienischen Gemälden der Welt: das Letzte Abendmahl (1486) und die Mona Lisa (1517).

Zahlreiche Elemente könnten behauptet werden, um da Vincis unterschiedliche Interessen zu verbinden. Vor allem war er der Meinung, dass das Sehen der wichtigste Sinn des Menschen ist und dass „saper vedere“ unerlässlich ist, um alle Elemente der Existenz richtig zu erfahren.

Dame mit Hermelin (ca. 1490) von Leonardo Da Vinci; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Er betrachtete Kunst und Wissenschaft als komplementäre und nicht als diametral entgegengesetzte Bereiche und glaubte, dass die Ideen, die in einem Bereich entwickelt wurden, dem anderen helfen konnten. Da Vinci hat wahrscheinlich einen großen Teil seiner Kunstwerke und Unternehmungen nicht zu Ende gebracht, weil er sich mit so vielen verschiedenen Dingen beschäftigte.

Einige berühmte italienische Kunstwerke dieses Künstlers sind:

• Mona Lisa (1517)
• Das letzte Abendmahl (1486)
• Dame mit Hermelin(1490)

Michelangelo Buonarotti (1475 – 1564)

Michelangelo Buonarroti war ein Künstler der italienischen Renaissance, Architekt, Dichter und Bildhauer, der einige der berühmtesten italienischen Kunstwerke seiner Zeit schuf. Bevor er in der Bildhauerwerkstatt der Medici-Dynastie ausgebildet wurde, war er Assistent eines Künstlers.

Was folgte, war ein großartiges Leben als Künstler, der für seine kreative Brillanz bekannt war.

Michelangelo erlernte die traditionelle Bildhauerei in den königlichen Palastgärten des florentinischen Herrschers der Familie Medici, Lorenzo de Medici. Auf Anraten seines Meisters erhielt er nach nur einem Jahr im Atelier von Ghirlandaio diese außergewöhnliche Chance.

Porträt von Michelangelo von Daniele da Volterra, 1545; Daniele da Volterra zugeschrieben, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese Zeit war für Michelangelo sehr bereichernd. Durch seine Zeit bei der Familie kam er in Kontakt mit der Oberschicht von Florenz und konnte sich bei dem Bildhauer Bertoldo di Giovanni ausbilden lassen und kam in Kontakt mit wichtigen Dichtern, Akademikern und Humanisten. Außerdem erhielt er von der katholischen Kirche die Ausnahmegenehmigung, Leichen zu untersuchen, um die Anatomie zu verstehen, obwohl der Kontakt mit Leichen schädlich für seine Gesundheit war.

Diese Inspirationen bildeten zusammen den Rahmen für Michelangelos individuellen Stil: muskulöse Genauigkeit und Realität gepaart mit fast poetischer Eleganz.

Die Erschaffung Adams (c. 1512) von Michelangelo, Fresko an der Decke der Sixtinischen Kapelle; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Michelangelos brillanter Intellekt und seine erstaunlichen Fähigkeiten brachten ihm zwar den Respekt und die finanzielle Unterstützung der reichen und privilegierten Männer Italiens ein, aber er hatte auch seine Gegner. Er hatte ein sprunghaftes Temperament und eine kurze Zündschnur, was häufig zu erbitterten Auseinandersetzungen mit seinen Arbeitgebern führte. Das brachte Michelangelo nicht nur in Schwierigkeiten, sondern machte ihn auch sehr unglücklich, denn er strebte ständig nach Höchstleistungen und war nicht bereit, sich zufrieden zu geben.

Einige berühmte italienische Gemälde dieses Künstlers sind:

• Die Erschaffung von Adam (1512)
• Das Jüngste Gericht (1541)
• Tondo Doni (1506)

Raphael (1483 – 1520)

Geboren als Raffaello Sanzio da Urbino, kennst du diesen berühmten italienischen Künstler vielleicht unter dem Namen Raffael. Giovanni Santi, Raffaels Vater, war ein Künstler des Herzogs von Urbino. Am Hof des Herzogs unterrichtete Giovanni den jungen Raffael in rudimentären Kunstmethoden und führte ihn in die Ideale des humanistischen Denkens ein. Sein Vater verstarb 1494, als Raffael gerade 11 Jahre alt war.

Raphael übernahm daraufhin die Leitung des väterlichen Unternehmens, was eine anspruchsvolle Aufgabe war.

Vermutetes Selbstporträt von Raffael, im Alter von etwa 23 Jahren (zwischen 1504 und 1506); Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Raphaels Leistung in dieser Funktion stellte die seines Vaters schnell in den Schatten, und er galt bald als einer der besten Künstler der Stadt. Er wurde sogar schon als Jugendlicher für die Kirche San Nicola engagiert. Im Jahr 1500 wurde Raffael als Assistent eines berühmten Malers namens Pietro Vannunci in Perugia angeworben. Perugino war zu dieser Zeit mit Freskenmalerei im Collegio del Cambio beschäftigt.

Raffaels Ausbildung dauerte vier Jahre und ermöglichte es ihm, sowohl Fachwissen als auch praktisches Wissen zu sammeln. In dieser Zeit entwickelte Raffael seinen eigenen, unverwechselbaren Malstil. Raphael verließ Peruginos Vormundschaft im Jahr 1504 und reiste nach Florenz, wo er von den Meisterwerken berühmter italienischer Maler wie Leonardo da Vinci, Fra Bartolommeo und Michelangelo angezogen wurde.

Diese erfindungsreichen italienischen Renaissance-Maler hatten laut Raffael einen ganz neuen Grad an Tiefe in ihren Kompositionen erreicht.

Die Sixtinische Madonna (1512-1513) von Raffael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Raffael war in der Lage, eine noch detailliertere und gefühlvollere persönliche Art und Weise zu etablieren, als sie in seinen frühen Werken zu sehen war, indem er die Nuancen ihrer Werke akribisch untersuchte. Im Jahr 1508 kam Raffael nach Rom, um im Vatikanraum zu arbeiten. Raffael vermittelte die humanistischen Ideale, die er als Kind im Palast von Urbino erhalten hatte, im Freskenzyklus des Vatikans.

Ein paar berühmte italienische Kunstwerke dieses Künstlers sind:

• Die Schule von Athen (1509)
• Sixtinische Madonna (1512)
• Galatea (1514)

Titian (1488 – 1576)

Als Jugendlicher wurde Tizian Kunststudent in Venedig, wo er unter Giovanni Bellini, Sebastiano Zuccato und Giorgione arbeitete, bevor er sich auf eigene Faust aufmachte. Mit dem Abschluss von Himmelfahrt der Jungfrau im Jahr 1518 etablierte sich Tizian als einer der besten Maler Venedigs.

Eine Nahaufnahme von Tizians Selbstporträt (ca. 1562); Titian, Public domain, via Wikimedia Commons

Schon bald malte er Werke für den Adel, darunter für Karl V. und König Philipp II. von Spanien. Tizian wurde auch von Papst Paul III. beauftragt, Gemälde von ihm und seinen Enkeln anzufertigen. Viele der kreativen Persönlichkeiten der Gesellschaft besuchten Tizians Haus in Venedig. Besonders eng war er mit dem Schriftsteller Pietro Aretino befreundet. Aretino soll Tizian dabei geholfen haben, einige seiner Aufträge zu bekommen. Jacopo Sansovino, ein Architekt und Bildhauer, war ein weiterer Stammgast.

Titian fertigte im Laufe seiner Karriere Porträts von bedeutenden Persönlichkeiten seiner Zeit an.

Das Bacchanal der Andrianer (1523-1526) von Tizian; Titian, Public domain, via Wikimedia Commons

Er schuf zwei Werke, die Papst Paul III. darstellten, und lebte während der Arbeit daran sechs Monate lang im Vatikan. Im Jahr 1548 reiste er an den Hof von Karl V. und fertigte sein Porträt an. Tizians letzte Werke waren eher religiöser und mythischer Natur. Tizian malte bis zu seinem Tod in Venedig im Jahr 1576. Es heißt, er sei an den Folgen der Pestepidemie gestorben. Wenige Monate später starb sein Sohn Orazio an der gleichen Krankheit. Pomponio, sein anderer Sohn, verkaufte Tizians Haus und Güter im Jahr 1581.

Titian hat mehrere Generationen von Künstlern durch die Anzahl der Meisterwerke, die er hinterließ, beeinflusst.

Ein paar berühmte italienische Gemälde dieses Künstlers sind:

• Himmelfahrt der Jungfrau (1518)
• Das Bacchanal der Andrianer(1523-1526)
• Venus von Urbino (1538)

Sofonisba Anguissola (1535 – 1625)

Sofonisba Anguissola war die erste weibliche Malerin der Renaissance, die zu Lebzeiten weltweite Anerkennung erlangte. Sie war in der Lage, lebensnahe, nuancierte Porträts zu malen, die sowohl akademisch anregend als auch attraktiv waren. Sie nutzte Selbstporträts, um sich zu verkaufen und zu identifizieren, und wandte das gleiche Talent an, um offizielle Porträts der spanischen Königsfamilie anzufertigen, die deren Regierungsfähigkeit demonstrierten.

Sie wurde als Naturwunder und ihre Werke als künstlerisches Wunderwerk gefeiert. 

Diese Beobachtungen machten sie zu einer bizarren Abnormität und verhalfen ihr zu großer Popularität. Außerdem galt sie als fromm und attraktiv, war eine wunderbar gebildete Gesprächspartnerin, beherrschte die Musik und war eine bezaubernde Tänzerin – all das machte sie für den italienischen und spanischen Adel attraktiv, ohne die traditionellen Konventionen darüber in Frage zu stellen, was Frauen erreichen konnten und was nicht.

Selbstporträt an der Staffelei (1556) von Sofonisba Anguissola; Sofonisba Anguissola, Public domain, via Wikimedia Commons

Dennoch nutzte sie die gesellschaftlichen Grenzen zu ihrem Vorteil, übertraf alle anderen und wurde eine der anerkanntesten Malerinnen ihrer Zeit. Italienische Maler, Schriftsteller und Kaufleute waren im 16. Jahrhundert von der Kunsttheorie fasziniert. Jahrhundert von der Kunsttheorie fasziniert. Der Gedanke, dass es in der Kunst letztlich um die Kunst geht, kam auf. Anguissolas Werke sind mehr als nur Darstellungen der Personen, die sie abbildete.

Viele ihrer Werke sind Reflexionen über die Philosophie der Kreativität und laden den Betrachter ein, die Verbindung zwischen dem Kunstwerk, dem Publikum und dem Schöpfer zu betrachten.

Porträt einer jungen Dame (um 1580) von Sofonisba Anguissola; Sofonisba Anguissola, Public domain, via Wikimedia Commons

In der Renaissance war der Malunterricht für die Töchter und Söhne von Künstlern oft eingeschränkt. Die meisten Malerinnen arbeiteten in den Werkstätten ihrer Familien, und nur relativ wenige wurden für ihre Fähigkeiten anerkannt, wenn sie allein arbeiteten. Anguissola fiel unter keine dieser Klassifizierungen.

Ein paar berühmte italienische Gemälde dieser Künstlerin sind:

• Elisabeth von Valois (1565)
• Porträt einer jungen Dame (um 1580)
  
• Porträt von Catalina Micaela von Spanien (1579)

Caravaggio (1571 – 1610)

Während sich viele italienische Künstler gehorsam an die exquisiten ballettartigen Normen der Gemälde des späten Manierismus hielten, stellte Michelangelo Merisi da Caravaggio biblische Ereignisse als leidenschaftliche und oft blutige Tragödien dar. Er stellte Ereignisse aus der fernen heiligen Zeit so dar, als ob sie in der Gegenwart stattfänden, und malte häufig nach echten Modellen, die in verblüffend zeitgenössische Gewänder gekleidet waren.

Indem er ihre zerrissenen Kleider und unreinen Füße hervorhob, betonte er Christus und seine Jünger, die Propheten, Märtyrer und Priester, die Not und die gemeinsame Menschlichkeit.

Kreideporträt von Caravaggio von Ottavio Leoni, ca. 1621; Ottavio Leoni, Public domain, via Wikimedia Commons

Er war auch ein Pionier der Hell-Dunkel-Malerei, bei der starke Licht- und Schattenkontraste eingesetzt werden, um Nuancen in der Bewegung oder im Gesichtsausdruck zu betonen: ein ausgestreckter Arm, ein Blick voller Angst oder Sehnsucht. Sein Einfluss auf die Entwicklung der westlichen Kunst war enorm und beschränkte sich nicht nur auf den Bereich der Malerei.

Viele wichtige Künstler im Medium Film, darunter Martin Scorsese, wurden von seinem spektakulären Sinn für Inszenierung und der erfinderischen Manipulation von Licht und Schatten maßgeblich beeinflusst.

Die Berufung des Heiligen Matthäus (1599-1600) von Caravaggio; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Caravaggios Erbe wurde durch die unbeständigen und unweigerlich tödlichen Ereignisse in seinem Privatleben getrübt, sowohl während seines Lebens als auch nach seinem frühen Tod. Auf dem Höhepunkt seiner Popularität in Rom tötete er einen Menschen und beging eine schwere Körperverletzung. Infolgedessen verschwendete er den größten Teil seiner späteren Karriere – in der er auch viele seiner fesselndsten Werke schuf – als Flüchtling vor Strafe. Man könnte ihn als den idealen Alten Meister für eine Generation bezeichnen, die von Popularität besessen und der Anbetung einer verdammten selbstzerstörerischen Brillanz verfallen war.

In Wirklichkeit war er ein feinfühliger, mitfühlender und philosophisch herausfordernder Schöpfer, als die Mythologie, die sich um ihn gebildet hat, vermuten lässt.

Ein paar berühmte italienische Gemälde dieses Künstlers sind:

• Die Enthauptung des Heiligen Johannes des Täufers (1608)
• Die Berufung des Heiligen Matthäus(1600)
• Tod der Jungfrau (1606)

Artemisia Gentileschi (1593 – 1656)

Artemisia Gentileschi gehörte zu den ersten weiblichen Malern, die im 17. Jahrhundert Anerkennung erlangten, Generationen vor ihrer Zeit. Ihre Werke gehörten zu den dynamischsten und energischsten ihrer Zeit und folgten dem Beispiel Caravaggios. Sie war bekannt für ihren Naturalismus, den geschickten Einsatz von Hell-Dunkel und dafür, dass sie Frauen und ihre Geschichten in den Mittelpunkt ihrer Werke stellte.

Selbstporträt als Allegorie der Malerei (1638) von Artemisia Gentileschi; Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

Ihre Gemälde geben einen ganz persönlichen Blick auf die sozialen und kulturellen Normen des Jahrhunderts wieder, die sie häufig bewusst umkehrte, indem sie ihren Status als Malerin nutzte, um die männlich dominierte Gesellschaft zu kommentieren und die weibliche Autonomie zu betonen. Obwohl Artemisia Gentileschis Kunst ästhetisch der ihres Vaters Orazio und Caravaggios ähnelt, legen ihre Werke einen stärkeren Fokus auf die Realität als ihre Vorgänger.

Ihre Werke sind auch lebendiger, und sie perfektionierte im Laufe ihrer Karriere akribisch die Verwendung von Farbe und Textur und wurde für ihre satten Edelsteinfarben und lebensechten Hauttöne bekannt.

Danae (c. 1612) von Artemisia Gentileschi; Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

Gentileschi brach mit den üblichen Darstellungen von biblischen und legendären Frauenfiguren, indem sie sie als selbstmotivierte Protagonistinnen darstellte, die ihre eigenen Entscheidungen treffen, anstatt als passive Empfängerinnen der männlichen Perspektive. Auf diese Weise stellte sie sie in einem völlig neuen Licht dar und verlieh ihnen die Stärke, die ihnen frühere Maler verwehrt hatten. Der sexuelle Missbrauch in ihrer Jugend hat viele ihrer Werke beeinflusst, und Themen wie Machtmissbrauch, Übergriffe und Brutalität ziehen sich durch viele ihrer Werke. Diese Motive halfen ihr wahrscheinlich dabei, die Qualen des Übergriffs zu verarbeiten und in ihren Bildern Vergeltung und Wiedergutmachung zu suchen.

Einige berühmte italienische Kunstwerke dieser Künstlerin sind:

• Susanna und die Ältesten (1610)
• Danae (1612)
• Judith enthauptet Holofernes (1620)

Viele große italienische Gemälde gehören zu den wertvollsten und am meisten bewunderten Kunstwerken der ganzen Geschichte. Berühmte italienische Meisterwerke von Genies wie Leonardo da Vinci und Michelangelo sind auch Jahrhunderte nach ihrer Entstehung noch nicht von anderen Malern erreicht worden. Schauen wir uns nun die Liste der bekanntesten italienischen Maler in der Welt der Kunst an. Diese italienischen Maler der Renaissance setzten einen hohen Standard, der die westliche Zivilisation noch Jahrzehnte später beeinflussen sollte.

Häufig gestellte Fragen

Warum sind berühmte italienische Maler wichtig?

Die Malerinnen und Maler Italiens lebten in einem Land mit einer reichen Kunsttradition. Berühmte italienische Künstler haben in den vergangenen Jahrhunderten mit ihren originellen, eleganten und erfinderischen ästhetischen Prinzipien einen wichtigen Beitrag zur Entwicklung der Kunstwelt geleistet. Prominente italienische Maler der Renaissance haben nicht nur ihr eigenes Land geprägt, sondern auch die Kunst der gesamten westlichen Zivilisation maßgeblich beeinflusst.

Welche Periode war die wichtigste für die italienische Kunst?

Berühmte italienische Künstler der Renaissance sind hauptsächlich für die Meisterwerke verantwortlich, die heute weltweit verehrt werden. Die Renaissance, oder die Wiederbelebung von Wissenschaft und Kunst, markiert den Höhepunkt künstlerischer Exzellenz, die nach einem Jahrtausend in der Wildnis wiederbelebt und furchtlos ausgeführt wurde. Gelehrte aus allen sozioökonomischen Schichten schürten zunächst den Wunsch, die glorreichen Tage der Antike wieder aufleben zu lassen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.