Artemisia Gentileschi – Wegbereiterin und Barockmalerin

Atemisia Gentileschi wird oft als die weibliche Heldin der italienischen Barockkunst bezeichnet. Mit vielen ihrer Werke machte Gentileschi deutlich, dass die Unterdrückung der Frau ein legitimes Thema in der Kunst ist – ein Thema, das noch nie zuvor so explizit aus weiblicher Perspektive behandelt wurde. Gentileschi war auch eine der ersten Frauen, die die berufliche Anerkennung erlangte, die nötig war, um von ihrer Kunst leben zu können, und als solche wurde sie international gefeiert. In diesem Artikel werfen wir einen genaueren Blick auf die Biografie von Artemisia Gentileschi.

Wer war Artemisia Gentileschi?

Artemisia Gentileschi war eine der größten italienischen Malerinnen des 17. Jahrhunderts. Bereits mit 15 Jahren war sie eine professionelle Malerin. Zunächst malte sie im Caravaggio-Stil, entwickelte sich aber später zu einer Barockmalerin.  Im Folgenden gehen wir näher auf die Biografie von Artemisia Gentileschi ein.

Selbstporträt oder Allegorie der Malerei (ca. 1630er Jahre); Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

Kindheit und Bildung

Artemisia Gentileschi wurde 1593 in Rom als einzige Tochter und ältestes von fünf Kindern geboren. Ihre Mutter, Prudentia Montone, verstarb, als die junge Künstlerin erst 12 Jahre alt war. Gentileschis Vater Orazio war ein Künstler, der ihr schon als junges Mädchen das Malen beibrachte.

Ihr Vater machte sie auch mit anderen prominenten Künstlern der damaligen Zeit bekannt, darunter Michelangelo Merisi da Caravaggio, dessen Hell-Dunkel-Stil sie stark beeinflusste.

Obwohl ihr Vater sie zur Malerin ausbildete, erhielt Gentileschi keine weitere Schulbildung und lernte erst als Erwachsene lesen und schreiben. Gentileschi signierte und datierte ihr erstes Werk, Susanna und die Ältesten, im Jahr 1610 im jungen Alter von 17 Jahren.

Judith und ihre Dienerin mit dem Haupt des Holofernes. Es wird angenommen, dass Artemisia zusammen mit ihrem Vater Orazio an diesem Gemälde gearbeitet hat (um 1608); Orazio Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

Ihr Vater beauftragte seinen Bekannten und Mitarbeiter Agostino Tassi, sie in der perspektivischen Malerei auszubilden. Ein Jahr später wurde die 18-jährige Gentileschi von Tassi vergewaltigt. Gentileschis Vater ließ Tassi verhaften, als er davon erfuhr.

Der Prozess fand 1612 statt, dessen Einzelheiten akribisch aufgezeichnet wurden und über die Jahrhunderte in Archiven überlebten.

Artemisia Gentileschi wurde zur Folter verurteilt, um ihre Unschuld zu beweisen, und ihr Ruf wurde während des Prozesses ruiniert. Tassi wurde für schuldig befunden, aber obwohl sein Urteil die Verbannung aus Rom bedeutete, wurde es nie vollstreckt.

Reifezeit

Kurz nach dem Prozess arrangierte Gentileschis Vater ihre Heirat mit Pierantonio di Vincenzo Stiattesi, einem wenig bekannten Florentiner Maler. Nach der Hochzeit zog sie nach Florenz, wo sie ihre künstlerische Tätigkeit fortsetzte, während sie gleichzeitig Mutter von fünf Kindern wurde. 1616 wurde Gentileschi als erste Künstlerin in die Florentiner Akademie der Zeichenkunst aufgenommen. Diese Mitgliedschaft ermöglichte es ihr, Verträge zu unterzeichnen und Kunstzubehör zu kaufen, ohne die Zustimmung ihres Mannes einholen zu müssen.

Einer ihrer größten Unterstützer in dieser Zeit war Cosimo II de’Medici, der Großherzog der Toskana.

Cosimo II de‘ Medici, Großherzog der Toskana von Cristofano Allori (ca. 1608-1618); Cristofano Allori, Public domain, via Wikimedia Commons

Im Jahr 1618, nach der Geburt ihrer ersten Tochter, begann Gentileschi eine umstrittene Affäre mit Francesco Maria di Niccolò Maringhi, einem Adligen aus Florenz. Die Affäre war unter anderem deshalb so umstritten, weil Gentileschis Ehemann von der Affäre wusste und sogar über die Liebesbriefe seiner Frau mit Maringhi kommunizierte.

Die Briefe, die 2011 von Francesco Solinas, einem akademischen Historiker, entdeckt wurden, implizierten offenbar, dass Maringhi das Ehepaar vor dem finanziellen Ruin bewahrte.

Stiattesi hatte den Ruf, schlecht mit Geld umzugehen, und die finanziellen Probleme des Paares sowie die Gerüchte über die Affäre zwischen Gentileschi und Maringhi veranlassten das Paar 1621, sich zu trennen. Gentileschi kehrte ohne ihren Mann nach Rom zurück, wo sie noch zehn Jahre lang arbeiten sollte.

Artemisias Signatur aus Die Verkündigung (1630); Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Spätphase

Gentileschi war in Rom nicht so erfolgreich, wie sie gehofft hatte, und reiste Ende des Jahrhunderts auf der Suche nach neuen Aufträgen nach Venedig. 1930 beschloss sie, mit ihrer Tochter nach Neapel zu ziehen und ihr Nomadenleben ohne ihren Mann fortzusetzen. Hier baute sie ein erfolgreiches Künstleratelier auf, das sie bis zu ihrem Tod im Jahr 1654 betrieb. Während ihrer Zeit in Neapel arbeitete sie mit vielen berühmten Künstlern zusammen, darunter Massimo Stanzione.

Allegorie der Malerei (1620 – 1630); Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

Obwohl sie bis zum Ende ihres Lebens in Neapel blieb, zeigen Aufzeichnungen, dass sie einige Jahre lang nach London reiste. Das lag unter anderem daran, dass ihr Vater, der Hofmaler von Karl I. war, den Auftrag erhielt, ein Fresko für die Residenz von Königin Henrietta Maria, der Frau von Karl I., in Greenwich zu malen. Es wird angenommen, dass Gentileschi nach England ging, um ihrem Vater, der schon sehr alt war, bei dem Fresko zu helfen. Ihr Vater verstarb 1639 im Alter von 75 Jahren.

Aufzeichnungen zeigen, dass Gentileschi nach dem Tod ihres Vaters in England blieb und dass sie wahrscheinlich bis 1642 blieb, als der Bürgerkrieg ausbrach.

Während dieser Zeit in London malte Gentileschi einige ihrer berühmtesten Werke, darunter ihr Selbstporträt als Allegorie der Malerei (1638).

Inspirierende Artemisia Gentileschi Zitate

Der Geist von Artemisia Gentileschi zeigt sich in den Archiven dessen, was sie zu Lebzeiten geschrieben hat. Wenn wir uns einige ihrer Zitate ansehen, bekommen wir ein klareres Bild von ihrer Persönlichkeit und den Herausforderungen, denen sie sich als Künstlerin in einer von Männern dominierten Welt stellen musste. Im Folgenden findest du fünf unserer Lieblingszitate von Artemisia Gentileschi:

• „Solange ich lebe, werde ich die Kontrolle über mein Wesen haben.“
• „Ich habe ein feierliches Gelübde abgelegt, niemals meine Zeichnungen zu verschicken, weil die Leute mich betrogen haben. Erst heute habe ich erfahren, dass der Bischof von St. Gata eine Zeichnung der Seelen im Fegefeuer angefertigt hat und, um weniger Geld auszugeben, einen anderen Maler beauftragt hat, das Gemälde mit meiner Arbeit zu malen. Wenn ich ein Mann wäre, kann ich mir nicht vorstellen, dass es so ausgegangen wäre.“
• „Meine illustre Lordschaft, ich werde dir zeigen, was eine Frau tun kann.“
• „Sie [Kunden] kommen zu einer Frau mit dieser Art von Talent, nämlich die Themen in meiner Malerei zu variieren; nie hat jemand in meinen Bildern eine Wiederholung der Erfindung gefunden, nicht einmal von einer Hand.“
• „Du wirst den Geist Cäsars in der Seele einer Frau finden.“

Selbstporträt als Lautenspieler (zwischen 1615 und 1617); Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

Fünf interessante Fakten über Artemisia Gentileschi

Obwohl sie zu ihrer Zeit von vielen ihrer männlichen Zeitgenossen überschattet wurde, gilt Artemisia Gentileschi heute als eine der angesehensten Malerinnen des Barock.

Sie stellte volkstümliche Märchen und Tropen aus weiblicher Perspektive dar, was ihre männlichen Zeitgenossen nicht erreichen konnten.

Die folgenden fünf Fakten über Artemisia Gentileschi zeigen, wie ihr leidenschaftlicher feministischer Geist dazu führte, dass sie trotz aller Widrigkeiten eine der erfolgreichsten Künstlerinnen Italiens wurde.

• Einige der berühmtesten Artemisia Gentileschi Gemälde wurden geschaffen, bevor die Künstlerin 25 Jahre alt wurde. Dazu gehören Susanna und die Ältesten, das sie im Alter von 17 Jahren malte, und Madonna mit Kind, das sie mit 20 Jahren malte.
• Gentileschi schrieb Geschichte, als sie als erste Künstlerin in Florenz in die Akademie der Künste aufgenommen wurde. Das ist eine bemerkenswerte Leistung, da Malerinnen zu dieser Zeit nicht allgemein in der Kunstwelt akzeptiert wurden.
• Sie war mit Galileo Galilei befreundet. Gentileschi traf Galilei, den einflussreichen Astronomen, Ingenieur und Physiker, an der Akademie in Florenz und sie korrespondierten per Brief, um in Kontakt zu bleiben.
• George Eliot schrieb einen Roman, der von Gentileschis Leben inspiriert war. Eliots Bücher ähnelten in ihrem Stil den Gemälden Gentileschis, da sie leidenschaftlich Situationen aus dem wirklichen Leben beschreiben, und ihr Roman Romola, der in Florenz spielt, ahmt Ereignisse aus Gentileschis Leben nach.
• Judy Chicagos berühmte Installation, The Dinner Party (1974-1979), beinhaltet einen Platz am Tisch für Gentileschi. Chicagos zeitgenössisches feministisches Kunstwerk ist eine Installation, die 39 kunstvolle Gedecke auf einem dreieckigen Tisch umfasst, die 39 historische und mythische Frauen ehren, die den Weg für die Frauenbefreiung geebnet haben.

Wichtige Gemälde von Artemisia Gentileschi

Artemisia Gentileschi hatte während ihrer gesamten Karriere wichtige Gönner und ist bis heute das Symbol einer einflussreichen feministischen Ikone. Viele ihrer Werke zeigen die Geschichten von Frauen in Mythen und biblischen Erzählungen. Ihre feministische Einstellung zum Leben strahlt aus diesen Gemälden heraus. Im Folgenden stellen wir vier Werke vor, die am besten veranschaulichen, wie sie Frauen durch ihre Kunst stärkte.

Susanna und die Ältesten (1610)

In der Kunstgeschichte des 16. und 17. Jahrhunderts gab es mehrere Darstellungen der Geschichte von Susanna und den Ältesten aus dem Buch Daniel. Die Erzählung beschreibt, wie Sunna, eine tugendhafte und schöne junge Frau, in ihrem Garten badet, während zwei ältere Männer sie heimlich beobachten. Plötzlich treten die Männer an sie heran und verlangen, dass sie sich ihnen unterwirft. Wenn sie sich weigert, sorgen sie dafür, dass ihr Ruf ruiniert wird, indem sie verkünden, dass sie einen anderen Mann in den Gärten beobachtet haben.

Die Darstellungen, die Gentileschis Version vorausgingen, zeigten Susanna in der Regel als etwas verführerisch, und die einzigen Spuren von Gewalt sind im Titel versteckt oder werden durch ein sanftes Zupfen an ihrem Kleid angedeutet. Gentileschis Version ist ganz anders.

Susanna und die Ältesten (1610); Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

In ihrer Version dringen zwei Männer gewaltsam hinter eine Marmorbrüstung ein. Susanna wird nicht verführerisch dargestellt, sondern eine Hand bedeckt ihr Gesicht, während die andere zur Selbstverteidigung ausgestreckt ist. Artemisia Gentileschis Gemälde der Susanna gilt als das erste Bild, das sexuelle Gewalt aus der Sicht der Frau, des Opfers, darstellt. Gentileschi malte dieses Werk, als sie erst 17 Jahre alt war, und zeigt damit unglaubliches Talent für eine so junge Künstlerin.

In einer Version, die Artemisia neununddreißig Jahre später malte, stößt eine viel selbstbewusstere Susanna tatsächlich einen der alten Männer von sich weg.

Susanna und die Ältesten (1649); Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

Judith erschlägt Holofernes(1620)

Judith erschlägt Holofernes ist eine weitere biblische Szene, die von Gentileschi gemalt wurde. Tatsächlich kehrte Gentileschi im Laufe ihrer Karriere mehrmals zu dieser Szene zurück. Traditionell wird die Geschichte von Judith, die Holofernes erschlägt, von Künstlern in einer eher idealistischen Weise dargestellt, in der Judiths Schönheit und Mut im Mittelpunkt des Werks stehen. Caravaggio, den Gentileschi sehr bewunderte, malte 1598 dasselbe Ereignis mit großem Realismus und konzentrierte sich dabei mehr auf den Akt der Enthauptung.

In Gentileschis Version geht sie mit Caravaggios realistischem Ansatz noch einen Schritt weiter, indem sie auch versucht, den psychologischen Kopf von Judith zu erfassen und die intensiven körperlichen Anforderungen der Enthauptung darzustellen.

Die Gesten sowohl von Judith als auch von Holofernes zeigen die Wucht des Kampfes zwischen den Subjekten. Die leidenschaftliche Szene wird durch den dramatischen Einsatz von Farbe und intensivem Hell-Dunkel verstärkt.

Judith enthauptet Holofernes (1614 – 1620); Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

Dies ist eines von mehreren Gemälden, in denen Gentileschi sowohl die Macht der Frauen hervorhebt als auch Frauen zeigt, die sich an Männern rächen. Anhand ihrer eigenen Lebenserfahrungen können wir sehen, wie Gentileschi ihre Kunst nutzen konnte, um ihrer Frustration und Wut auf die Männer, die ihr Unrecht getan hatten, eine Stimme zu geben. Einige Kritiker glauben sogar, dass Judith in gewisser Weise ein Selbstporträt der Künstlerin ist. Gentileschi stellt Judith nicht nur als geistig und körperlich starke Frau dar, sondern sie gibt auch Judiths Dienerin Kraft.

In früheren Darstellungen der Geschichte wird Judiths Dienerin als passiv dargestellt, die im Hintergrund steht und darauf wartet, den abgeschlagenen Kopf von Holofernes in Empfang zu nehmen. In der Version von Gentileschi hingegen hilft die Dienerin Judith aktiv bei der Enthauptung.

Mit dieser kühnen Abkehr von den traditionellen Darstellungen scheint Gentileschi zu zeigen, dass Frauen stärker sind, wenn sie sich gemeinsam gegen ihre Unterdrücker wehren. Auf dem folgenden Bild werden Judith und ihre Magd als Mitverschwörer dargestellt, die die Beweise für ihr Verbrechen verbergen.

Judith und ihre Magd mit dem Haupt des Holofernes (c. 1623 – 1625); Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

Lucretia (1620 – 1621)

Dieses Gemälde stellt Lucretia dar, eine Heldin der römischen Mythologie, die die Frau des römischen Heerführers Lucius Tarquinius Collatinus war. Das Gemälde zeigt den Moment, in dem Lucretia Selbstmord begehen will, weil sie von einem der Soldaten ihres Mannes, Sextus Tarquinius, der auch der Sohn des römischen Königs war, sexuell missbraucht wurde. Der Legende nach vergewaltigte Sextus Tarquinius Lucretia mit einem Messer und erpresste sie damit, dass er sie und ihre Magd töten würde, wenn sie sich ihm nicht unterwerfen würde. Mit ihrem Selbstmord symbolisiert Lucretia den Widerstand einer Frau gegen die männliche Macht über den Körper der Frau.

Der Mythos behauptet, dass das römische Volk über Lucretias Vergewaltigung und Tod so empört war, dass es beschloss, die Monarchie zu stürzen und so die römische Republik gründete.

Lucretia (1620 – 1621); Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

In Gentileschis Gemälde malt sie Lucrecia in dramatischem Hell-Dunkel, wobei sich das Licht ausschließlich auf Lucrezias Ausdruck der Qual und ihre entschlossene Körpersprache konzentriert. Lucrecia ist nur mit zerzauster weißer Unterwäsche bekleidet, ohne Schmuck, Schmuckstücke oder Symbole ihres Reichtums, um zu verdeutlichen, dass die Vergewaltigung erst vor wenigen Augenblicken stattgefunden hat.

Gentileschi betont die Weiblichkeit von Lucretia, als sie ihre Brust in Vorbereitung auf den Dolch, der bald in ihren Körper eindringen würde, umschließt.

Die roten Details an den Vorhängen und dem Tuch auf ihrem Schoß sind ein Hinweis auf das Blut, das bald fließen wird. Was Gentileschis Gemälde von Lucretia so kraftvoll macht, ist, dass sie zeigt, wie die Frau ihr Leben in die Hand nimmt und selbst entscheidet, während frühere Gemälde von Lucretia (gemalt von männlichen Künstlern) sich entweder auf ihre Vergewaltigung oder ihren Tod konzentrieren. Als Gentileschi das Thema später noch einmal aufgreift, ist die Heldin noch mutiger und entschlossener in ihren Gesten und in ihrem Verhalten.&nbsp

Lucretia (1650); Orazio Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons (sic)

Selbstbildnis als Allegorie der Malerei(1638 – 1639)

Dieses faszinierende Gemälde ist das einzige bekannte Kunstwerk, das Gentileschi während ihres Aufenthalts in London anfertigte, als sie ihren Vater bei seinen Aufträgen unterstützte. Das Gemälde ist eine eher idealistische Darstellung ihrer selbst, da Gentileschi zu der Zeit viel älter gewesen sein muss als die Version von sich selbst, die sie auf diesem Gemälde darstellt. Es wird auch angenommen, dass Gentileschi, wie bei vielen ihrer anderen Gemälde, dieses Selbstporträt anfertigte, indem sie bei der Arbeit Spiegel um sich herum aufstellte und so einzigartige Perspektiven ermöglichte. In diesem selbstbewussten Selbstporträt malt Gentileschi sich selbst in Aktion, beim Malen. In dem Werk zeigt sie auch ihre Meisterschaft als Malerin, indem sie Techniken Foreshortening und der Perspektive, die Bewegung impliziert, einsetzt.

Dieses Gemälde ist nicht nur wegen Gentileschis Fähigkeiten als Meistermaler bedeutsam, sondern auch, weil es von der von Cesare Ripa beschriebenen Ikonographie inspiriert ist.

Selbstporträt als Allegorie der Malerei oder La Pittura (1638 – 1639); Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

In seinem Buch Iconologia beschreibt Ripa, wie Künstler und Illustratoren Tugenden und andere abstrakte Ideale in menschlichen Figuren am besten darstellen können. Nach Ripa sollte die Kunst der Malerei als „eine schöne Frau dargestellt werden, mit vollem schwarzem Haar, zerzaust und auf verschiedene Weise verdreht, mit gewölbten Augenbrauen, die phantasievolles Denken zeigen, den Mund mit einem hinter die Ohren gebundenen Tuch bedeckt, mit einer goldenen Kette am Hals, an der eine Maske hängt und vorne ‚Nachahmung‘ geschrieben steht…sie hält in der Hand einen Pinsel und in der anderen den Gaumen, mit Kleidung aus flüchtig gefärbten Tüchern…“.

Gentileschis Gemälde stimmt fast perfekt mit Ripas Beschreibung überein, abgesehen davon, dass ihr Mund mit einem Tuch bedeckt ist.

In diesem Gemälde stellt Gentileschi also sich selbst als das Konzept der Kunst selbst dar. Der Akt der Herstellung dieses Gemäldes und das Entfernen des Tuchs vom Mund sprechen Bände über Gentileschis Beharren darauf, dass ihre eigene Stimme und die aller Frauen gehört wird.

Trotz der Herausforderungen, die die Arbeit als Malerin in einer von Männern dominierten Welt mit sich brachte, erkannte Artemisia Gentileschi, dass es eine Stärke war, eine Frau zu sein, die sie in ihrer Arbeit nutzen konnte. Gentileschi erkannte, dass sie ihre Arbeit mit einer einzigartig weiblichen Perspektive versehen konnte, was für ihre männlichen Zeitgenossen unmöglich war. Diese Perspektive wurde nicht nur durch ihre Erfahrungen mit der Überwindung des Opferdaseins als Teenager geprägt, sondern auch durch die Erfahrungen, die sie mit ihrer Mutterschaft, ihrer erotischen Leidenschaft und ihren beruflichen Ambitionen als Frau machte. Gentileschi erkannte, dass sie über eine seltene Autorität verfügte, wenn es darum ging, die Perspektive von Frauen in bekannten Mythen und Erzählungen darzustellen, und mit ihren Pinselstrichen entschied sie sich dafür, die bisher stummen Subjekte zu stärken und ihnen eine Stimme zu geben.

Häufig gestellte Fragen

War Artemisia Gentileschi eine Feministin?

Es ist kontextuell unverantwortlich und daher akademisch unangemessen, historischen Persönlichkeiten die Zugehörigkeit zu oder den Glauben an moderne Ideologien zuzuschreiben. Wir können jedoch sagen, dass Frauen wie Artemisia Gentileschi, die in der Lage waren, einigen der Beschränkungen zu entkommen, die Frauen zu ihrer Zeit auferlegt wurden, als Inspiration für die feministische Bewegung dienten. Das Leben von Artemisia Gentileschi war für eine Frau des 17. Lange vor der Entstehung der feministischen Bewegung konnte Gentileschi ein Maß an persönlicher, beruflicher und intellektueller Freiheit genießen, das heute mit der feministischen Ideologie in Einklang gebracht werden kann. Wann immer sie in ihren Gemälden auf den weiblichen Körper oder die Sexualität Bezug nahm, stellte sie die Frauen als stark und trotzig dar und zeigte, dass sie über ihren eigenen Körper verfügen.

Was geschah mit dem Werk von Artemisia Gentileschi nach ihrem Tod?

Obwohl Artemisia Gentileschi zu Lebzeiten internationalen Ruhm erlangte, verblasste ihr Ruf nach ihrem Tod. Das liegt zum Teil daran, dass der barocke Malstil schnell aus der Mode kam und durch den Klassizismus ersetzt wurde. Erst in der Mitte des 20. Jahrhunderts erwachte das Interesse an Gentileschis Werk wieder. Eine wichtige Ausstellung im Metropolitan Museum of Art in New York im Jahr 2001 untersuchte Gentileschis Werk neben den historischen Gemälden ihres Vaters. Vor dieser Ausstellung wurde Artemisia Gentileschis Name in wissenschaftlichen Büchern oft als Fußnote zum Namen ihres Vaters verwendet. Nach dieser Ausstellung ist ihr Name nicht mehr nur eine Fußnote, sondern der Name einer der wichtigsten italienischen Barockkünstlerinnen der Geschichte.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.