Avantgarde Kunst – Kunstströmung des 20. Jahrhunderts

Was ist Avantgarde-Kunst? Der Stil der Avantgarde bezieht sich auf die Fähigkeit der modernen Kunst zur gesellschaftlichen, politischen und kulturellen Revolution. Die Künstler der Avantgarde wollten sich über die anerkannten künstlerischen Kriterien hinwegsetzen, um neue Paradigmen des Schaffens zu entwickeln. Sie war eine der Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts, die ein revolutionäres soziales und politisches Ziel verfolgte, nämlich den Wunsch, soziale Institutionen, die als untrennbar mit den konventionellen Normen der Ästhetik verbunden angesehen wurden, zu dekonstruieren und neu zu gestalten.

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Auch wenn der Begriff „Avantgarde“ impliziert, dass es darum geht, neue Wege zu beschreiten, ging es in fast allen Fällen darum, ein genaueres Bild der „Realität“ zu vermitteln. Die Künstler der Avantgarde haben Kunst geschaffen, die in der Regel auf zwei Arten interpretiert wurde. Einerseits wird sie als eng mit einer progressiven politischen oder sozialen Agenda verbunden angesehen, wobei transgressive Kunstwerke als Plattform für subversive politische Aktivitäten dienen.

 Avantgarde-Kunst wird dagegen als die Sphäre des reinen künstlerischen Experimentierens angesehen, die nicht durch gesellschaftliche Belange eingeschränkt wird.

Für diese beiden Bedeutungen gibt es jeweils eigene historische Darstellungen, Klassifizierungen und Analyserubriken, die häufig miteinander kollidieren. Avantgarde-Gemälde werden in der Regel mit einer bestimmten Bewegung in Verbindung gebracht, vom Impressionismus über den Realismus und den Expressionismus bis hin zur modernen Kunst und so weiter.

Zum Sinn und Zweck der Avantgarde-Künstler gehörte es schon immer, eine genaue und systematische Zielsetzung für ihre Arbeit festzulegen, die in der Regel mit einem engmaschigen Netzwerk von Kollegen oder Kameraden verbunden ist, die die Grundlage für ihr Schaffen bilden.

Ursprünge der Avantgarde-Kunst

Ursprünglich war „Avant-Garde“ ein französisches Militärwort für das, was wir im Englischen als Speerspitze der Infanterie bezeichnen würden. Die früheste Verwendung des Begriffs in der Kunst liegt jedoch mehrere Jahrzehnte vor der Entstehung von Avantgarde-Kunstgruppen. Der Begriff tauchte zuerst nur in der französischen Kunst auf. Henri de Saint-Simon, ein französischer sozialer Denker, soll den Begriff geprägt haben.

Saint-Simon, dessen politische und sozialistische Theorien großen Einfluss hatten, war ein wichtiger Denker seiner Zeit und glaubte, dass die soziale Macht der Künste zusammen mit Wissenschaftlern und Industriellen den Künstlern helfen würde, zu den neuen Herrschern der Gesellschaft aufzusteigen. Danach wurde „Avantgarde“ zu einem Begriff, der häufig verwendet wurde, wenn man über Künstlerinnen und Künstler sprach, wobei viele den realistischen Stil von Gustave Courbets Gemälden als einen wichtigen Ausgangspunkt ansahen.

Saint-Simon hat geschrieben: „Wir Künstler werden euch als Avantgarde dienen – die Fähigkeit der Kreativen ist die direkteste und unmittelbarste: Wenn wir Konzepte unter der Menschheit verbreiten wollen, prangen sie auf Stein oder Leinwand. Welch glorreiche Bestimmung wartet auf die Künste: einen konstruktiven Einfluss auf die Zivilisation auszuüben, eine echte geistige Aufgabe zu erfüllen und kühn an der Spitze aller geistigen Einrichtungen voranzuschreiten!“

Porträt von Henri de Saint-Simon von Godefroy Engelmann (ca. 1825); Godefroy Engelmann, Public domain, via Wikimedia Commons

Da es zu dieser Zeit kaum literarische Identifizierungsverfahren gab und Saint-Simon eng mit seinem Lehrling Olinde Rodrigues zusammenarbeitete, gehen die wissenschaftlichen Interpretationen über die tatsächlichen Ursprünge dieses Begriffs auseinander. Auf jeden Fall ist es offensichtlich, dass der Begriff der Avantgarde-Kunst später mit einer revolutionären Ästhetik und revolutionären Verfahren in Verbindung gebracht wurde, während Saint-Simon und seine Schüler sich nicht um solche Fragen kümmerten. Avantgardistische Kunst ist ihrer Meinung nach diejenige, die den Prinzipien und Grundsätzen des sozialen Fortschritts dient und „eine konstruktive Kraft auf die Gesellschaft ausübt.“

Dieses Konzept, das die Sorge um den sozialen Wandel betonte und sogar verlangte, blieb ein konstanter Einfluss auf die Künstler und Kommentatoren der Avantgarde, selbst als ihre Ansätze immer spezieller wurden.

Vorläufer des Avantgarde-Stils

Das Konzept der Avantgarde-Kunst entstand in einer Zeit des gesellschaftlichen Aufruhrs und war zunächst eine von mehreren konkurrierenden Ideen, um diesen zu beschreiben und zu thematisieren. In den frühen 1800er Jahren hatte jedoch der Saint-Simonismus, der die Rolle der Wirtschaftsklasse und der Wissenschaften bei der Erneuerung der Gesellschaft betonte, einen besonders starken Einfluss gewonnen.

Saint-Simons Theorie war insofern ungewöhnlich, als sie den Begriff der Mittelschicht auf Wissenschaftler, Unternehmer, Bankiers und Manager ausdehnte.

Fountain (1917) von Marcel Duchamp, Fotografie von Alfred Stieglitz; Marcel Duchamp, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese Erweiterung diente als Modell für die spätere Einbeziehung von Kreativen aus allen Bereichen als Katalysatoren für den Wandel. Saint-Simons Theorien gewannen bis zum Ende seines Lebens an Zugkraft, als eine Reihe von Schülern, darunter Barthélemy Prosper Enfantin, sie in die Mitte des neunzehnten Jahrhunderts mitnahmen. Friedrich Engels und Karl Marx, die Begründer des Kommunismus, begrüßten Saint-Simon später als „idealistischen Sozialisten“ und nahmen seine Ansichten als Einfluss für ihre eigenen.

Saint-Simon beeinflusste auch Pierre-Joseph Proudhon bei der Schaffung des Anarchismus.

Der Einfluss der Französischen Revolution

Der Begriff der Avantgarde nahm in Frankreich Anfang bis Mitte des 19. Jahrhunderts Gestalt an. Diese 18 Jahre waren geprägt von politischen Umwälzungen, sozialrevolutionären Bewegungen und Anti-Repressionskräften. 1848 brachen in ganz Europa Revolten und Rebellionen aus, von Italien über Skandinavien bis nach Deutschland und Ungarn.

Zu den Auswirkungen gehörten Hunger und Arbeitslosigkeit, die Ungerechtigkeit der Industrialisierung und der Druck einer repressiven Regierung. Die Revolutionen von 1848 wurden auch als „Frühling des Volkes“ bezeichnet, was den inklusiven und demokratischen Grundgedanken der Gruppe unterstreicht.

Trends und Konzepte der Avantgarde-Kunst

Der Avantgarde-Stil entstand in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren und führte zu völlig neuen Formen der zeitgenössischen Kunst, die alle per Definition Avantgarde waren. Vom Realismus über den Impressionismus und Expressionismus bis hin zum Kubismus strebten die Künstler der Avantgarde danach, klare Ziele für ihre Kunstwerke zu definieren, die sich stark von den traditionellen Werten, die zuvor hochgehalten wurden, entfernten.

So führte der Beginn der Avantgardekunst zum Beginn der zeitgenössischen Kunst in der Gesellschaft.

Als Schlüsselbegriff, um die Entwicklung der Kunst im 20. Jahrhundert zu verstehen, war die Avantgarde-Kunst identisch mit dem Begriff der „Bewegung“. Laut dem modernen Philosophen Alain Badiou „hat mehr oder weniger die gesamte Kunst des 20. Jahrhunderts den Anspruch auf eine Avantgarde-Rolle erhoben.“

Gelegentlich, wie bei Georges Braques Kubismus oder Delaunays Orphismus, bestand eine Avantgarde-Bewegung nur aus wenigen Individuen. 

Surrealismus und Dada hingegen entstanden als globale Bewegungen. Unabhängig von ihrem Ausmaß und ihrer Bedeutung stellten sich die Kunstbewegungen der Avantgarde häufig in Kontrast zu den bisherigen Orthodoxien, seien es ästhetische Kriterien oder kulturelle und soziale Konventionen.

Museen und Galerien

Die Ablehnung früherer sozialer und künstlerischer Orthodoxien war ein zentrales Merkmal der Avantgarde-Kunst. Daher war der frühe Erfolg der Avantgarde häufig von einer kleinen Anzahl von Kritikern und Galeristen abhängig, die bereit waren, etablierte Orthodoxien in Frage zu stellen. Wie die Kunstkritikerin Rosalind McEver feststellt, ist „Avantgarde sowohl ein Substantiv als auch ein Adjektiv.

Es bezieht sich auf Gruppen von Künstlern und Schriftstellern aus dem 19. und frühen 20. Jahrhundert, die Kunst anders machten und verbreiteten als ihre Kollegen; Künstler, die selbstbewusst ‚Ismen‘ erzeugten, von sich selbst oder von Rezensenten in kleinen Magazinen unterstützt wurden und ihre Werke in persönlichen Galerien oder von Künstlern organisierten Ausstellungen zeigten und verkauften.“

Die Gründung des Museum of Modern Art, der allerersten Institution, die sich der modernen Kunst widmete, zementierte 1929 die Dominanz der Avantgarde als weltweite kulturelle Bewegung. Die Gründung des Museums war der kulminierende Beweis für den sozialen und kommerziellen Triumph der Avantgardekunst.

Barr, der von Kahnweiler motiviert wurde, schuf auch ein Paradigma, das die Entwicklung der Avantgarde-Kunst im Laufe der Zeit aufzeichnete, von Cézanne über den Kubismus (dem eine große Priorität eingeräumt wurde) bis hin zur abstrakten Kunst. Barrs Überzeugung, der Welt die Kunst der Avantgarde nahezubringen, „zwang eine ganze Gruppe von Menschen zur modernen Kunst“. Gleichzeitig ist „die Fähigkeit einer Organisation, die Kunstgeschichte vorzuschreiben und zu regulieren, offensichtlich.“

Entfremdung und Avantgarde-Künstler

Die frühen romantischen Gruppen des 19. Jahrhunderts waren die ersten, die das Konzept des einsamen und autonomen Künstlers hervorhoben, der häufig als eine Art byronischer Held dargestellt wurde. Mitte des 19. Jahrhunderts war das Bild des Kreativen als Außenseiter der Zivilisation, der von einer dumpfen, kapitalistischen Gesellschaftsstruktur gemieden und abgelehnt wird, nicht neu.

Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts hatte sich dies zu einem stärkeren Gefühl gesellschaftlicher Entfremdung entwickelt.

Abbildung von Le rire (1887), erstmals 1883 auf einer „Incohérents“-Ausstellung von Arthur Sapeck (Eugène Bataille) gezeigt; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Ihr Status als Teil der Elite war für französische Schriftsteller und Maler wie Manet und Flaubert in der Mitte des 19. Jahrhunderts problematisch, denn er trennte sie nicht nur von den bestehenden künstlerischen und sozialen Organisationen, sondern führte auch zu einer stark empfundenen inneren Dichotomie.“ Dieses Gefühl der Isolation wurde zu einem herausragenden Merkmal der Künstler der Avantgarde.

Die Avantgarde zielte häufig darauf ab, das Publikum zu schockieren, um das Bewusstsein für die Entfremdung zu schärfen, die der modernen Realität zugrunde liegt.

Die Avantgarde erschütterte Vorstellungen von Normalität oder kultivierte absichtlich ein Gefühl des Unheimlichen (wie im Surrealismus). Autonom und allein, wurden die Exzentrizitäten derjenigen, die zu diesem Stil gehörten, zum Thema der Kunst und zur treibenden Kraft.

Anti-Kunst

Die Verachtung für die Vorstellungen der konventionellen Kultur von Ästhetik oder Qualität war eine natürliche Folge des Gefühls der Entfremdung der Avantgarde-Künstler von ihren Vorbildern und gesellschaftlichen Normen. Ein solcher Gedanke lag den Formulierungen der Avantgarde-Künstler schon immer zugrunde, von Courbets unverblümten Darstellungen des Arbeiterlebens bis hin zu den Impressionisten, die auf die mühsamen Ordnungs- und Verfeinerungstechniken der modernen akademischen Künstler verzichteten.

Die Vorstellung, dass Kunst nicht den konventionellen Vorstellungen von ästhetischem Wert entsprechen muss, erreichte vielleicht in den 1910er Jahren ihren Höhepunkt, dank der ikonoklastischen Aktivitäten der Dada-Kreativen.

Artist’s Shit (1961) von Piero Manzoni; Jens Cederskjold, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

In einer Zeit der Kriege und des Umbruchs in der Welt, in der alle gesellschaftlichen Normen in der Schwebe zu sein schienen, begannen Künstler wie Marcel Duchamp, Werke zu schaffen, die keinerlei erkennbare ästhetische Merkmale aufwiesen, in Duchamps Fall auch nicht die Vorstellung, dass sie von einem Künstler geschaffen worden waren. Seine Readymades, massenproduzierte Gebrauchsgegenstände, die als Skulpturen ausgestellt wurden, wie z. B. ein Fahrradrad und eine Toilette, beunruhigten damals vor allem die Betrachter, die mit den Fortschritten des Kubismus vertraut waren.

Nahezu alle folgenden Innovationen der Avantgarde-Kunst basieren auf der Prämisse, dass Kunst sich nicht an traditionelle Vorstellungen von Schönheit oder ästhetischem Wert halten muss oder sollte.

Die Konzeptkunst, eine der einflussreichsten „Neo-Avantgarde“-Bewegungen des zwanzigsten Jahrhunderts, ging von der Idee aus, dass ein Kunstwerk einfach nur die Aufzeichnung einer Vorstellung sein kann, die nicht an einen bestimmten Gegenstand oder ein bestimmtes Bild gebunden ist, geschweige denn an ein ästhetisch ansprechendes. Andere Neo-Avantgarde-Bewegungen, die nach der Geburt der Avantgarde entstanden, waren der Abstrakte Expressionismus, der Nouveau Réalisme, die Op Art, die Pop Art, die Kinetische Kunst und der Minimalismus.

Konzeptionelle Avantgardekunst vs. formale Versionen

Der Begriff der Avantgarde wurde zunächst durch ein Gefühl des politischen oder sozialen Aufbegehrens begründet. Courbet ging davon aus, dass der fortschrittliche Künstler im Widerspruch zu den herrschenden Kräften der Gesellschaft stehen würde, und manchmal stellte er sich dem System offen, bockig und mit deutlichem Vergnügen zum Kampf. Das Bild des Malers als Außenseiter der Kultur, der von einer aristokratischen Gesellschaft gemieden und falsch interpretiert wird, war Mitte des neunzehnten Jahrhunderts nicht einzigartig.

Dessen ungeachtet stand die Verbindung der Avantgarde-Kunst mit der gesellschaftlichen Transformation immer im Konflikt mit den sozialen und finanziellen Zielen bestimmter Avantgarde-Künstler, zum Beispiel des bürgerlichen, materialistischen und unpolitischen Claude Monet.

Russisches konstruktivistisches Filmplakat der Stenberg-Brüder; Stenberg Brothers, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

In ihren Werken nahm der Begriff „Avantgarde“ eine eher formale Bedeutung an und betonte die künstlerische Revolution unabhängig von politischen oder sozialen Zielen. Im Laufe des 20. Jahrhunderts wurde die Vorstellung, dass die Avantgarde zwangsläufig sozial subversiv sei, zunehmend in Frage gestellt. Während der russische Konstruktivismus und der Surrealismus wichtige soziale Ziele verfolgten, die darauf abzielten, gesellschaftliche Normen herauszufordern und zu verändern, betonten Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts wie der Kubismus den Formalismus. Der Bruch mit der jahrhundertealten Praxis der linearen Perspektive durch Georges Braque und Pablo Picasso hatte kein offenkundiges gesellschaftspolitisches Motiv.

Der Schriftsteller und Kunstkritiker Clement Greenberg machte sich 1939 einen Namen, als er seinen bekanntesten Essay „Avantgarde und Kitsch“ veröffentlichte.

In seinem Essay, der in der Partisan Review veröffentlicht wurde, behauptete Greenberg, dass echte Avantgarde-Kunst zu einfach sei, um als Propaganda benutzt oder für eine bestimmte Sache geformt zu werden, während die Idee des „Kitsches“ perfekt dafür geeignet sei, falsche Überzeugungen zu schüren. Als Clement Greenbergs Theorien später mit den Bewegungen des Abstrakten Expressionismus und des Kubismus in Verbindung gebracht wurden, verband er die Avantgarde mit einer „Kunst um der Kunst willen“-Technik. Für ihn brauchte die Kunst ihre Realität nicht aus sozialen Gründen zu verteidigen oder einen politischen Zweck zu erfüllen.

Wissenschaft und der Stil der Avantgarde

Wissenschaftliche Fortschritte beeinflussten häufig die Künstler der Avantgarde, die technische Motive und Begriffe in ihre kreativen Erfindungen einfließen ließen. Der Neoimpressionismus war eine der ersten künstlerischen Gruppen der Avantgarde, die sich offen zu den wissenschaftlichen Hypothesen bekannte, die von der akademischen Forschung über die Beleuchtung der Netzhaut geprägt waren. George Seurat wurde als „Techniker seiner Werke charakterisiert, der das Ganze in seine Grundvoraussetzungen zerlegt und die funktionierenden strukturellen Teile in der endgültigen Form präsentiert, ohne Dekoration.

Der Vormarsch von Wissenschaft und Technik hat auch die Sichtweise von Künstlern und Kunstwerken beeinflusst.

Suprematistische Komposition: Weiß auf Weiß (1918) von Kasimir Malewitsch, zu finden im Museum of Modern Art in New York City, Vereinigte Staaten; Kasimir Malewitsch, Public domain, via Wikimedia Commons

Die russischen Konstruktivisten betrachteten sich selbst als „Konstrukteure“, wie El Lissitzkys Selbstporträt Der Konstrukteur (1924) zeigt. Laut Kuspit „scheinen die meisten Kunstwerke der Avantgarde in Wirklichkeit Durchbrüche zu sein, und die meisten sind maschinell statt handgemacht.“

Diese Konzepte erreichten vielleicht ihren Höhepunkt mit der Bewegung der Konkreten Kunst in der Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts, und das Konzept des Kunstwerks als losgelöst von der emotionalen Beteiligung des Künstlers hatte auch Einfluss auf die Schaffung konzeptueller Kunstwerke später im Jahrhundert.

Avantgarde-Gemälde

Obwohl das Konzept der Avantgarde impliziert, dass es darum geht, unter praktisch allen Umständen etwas Neues auszuprobieren, wurde dies von dem Wunsch angetrieben, ein genaueres Bild der Wahrheit zu zeichnen. Das bedeutete für Gustave Courbet, das harte Arbeitsleben darzustellen, das von der akademischen Leinwand verbannt worden war, während es für die Impressionisten bedeutete, die Lichteffekte auf der Netzhaut im Augenblick der Wahrnehmung zu erfassen. Für die Konstruktivisten bedeutete es auch, die unerkennbaren realen wissenschaftlichen Kräfte darzustellen, die unter dem Äußeren der beobachtbaren Realität wirken.

Allerdings war der Wunsch, die Wirklichkeit frisch und exakt abzubilden, in allen Situationen das eigentliche Ziel.

Das Atelier des Malers(1855) von Gustave Courbet

Dieses Kunstwerk zeigt den Künstler mit Pinsel und Palette in der Hand, wie er sich zurücklehnt und über die Szene nachdenkt, die er gemalt hat. Courbet nannte das Werk „eine wahrhaftige Allegorie, die sieben Jahre meines künstlerischen und ethischen Lebens zusammenfasst“. Ein nacktes Modell, das die Muse symbolisiert, und ein kleines Kind, das die Unschuld verkörpert, rahmen den Künstler ein, während der Raum mit zahlreichen bekannten Personen gefüllt ist. Charles Baudelaire, der berühmte Dichter und Kritiker, sitzt an einem Schreibtisch und studiert in der hinteren Ecke, inmitten der kulturellen Elite, während auf der linken Seite verschiedene Personen aus allen Teilen der Gesellschaft Platz genommen haben.

Der Künstler erklärte, er wolle „die Gesellschaft von ihrer besten, schlechtesten und mittelmäßigsten Seite“ zeigen.

Weiter sagte er: „Es ist, als ob das ganze Universum zu mir kommt, um porträtiert zu werden. Auf der rechten Seite stehen alle Aktionäre, also Freunde, Kollegen und Kunstliebhaber. Auf der linken Seite ist der andere Bereich der alltäglichen Existenz, mit den Menschenmassen, der Verzweiflung, der Armut, dem Geld, den Missbrauchten und den Missbrauchenden, den Menschen, die ihren Lebensunterhalt mit dem Tod verdienen.“ Courbet, ein Pionier des Realismus, definierte das Konzept, indem er erklärte: „Realismus ist Demokratie in der Kunst.“ „Er betrachtete sein Schicksal als eine kontinuierliche Vorhutbewegung gegen die Mächte des Akademismus in der Kunst und der Starrheit in der Gesellschaft“, schreibt die Kunstkritikerin Linda Nochlin.

Das Atelier des Malers (1855) von Gustave Courbet, im Musée d’Orsay in Paris, Frankreich; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Nachdem die Richter auf der Pariser Weltausstellung 1855 abgelehnt hatten, dieses Werk zu zeigen, eröffnete Courbet den Pavillon des Realismus, seine persönliche Ausstellung, in der er auch Das Begräbnis von Ornans ausstellte, das ebenfalls abgelehnt worden war. Courbets Ausstellung, die von seinem Sponsor Alfred Bruyas unterstützt wurde, der auch in Das Atelier des Malers zu sehen ist, war ein Widerstand gegen die offiziellen Standorte.

„Die weitreichenden gesellschaftlichen Ideologien der Mitte des 19. Jahrhunderts werden erst etwa sieben Jahre nach der Revolution von 1848 in Courbets Das Atelier des Malers in einer angemessen ausgefeilten bildlichen und stilistischen Form interpretiert – Courbets Kunstwerk ist ‚Avantgarde‘, wenn wir die Interpretation im Sinne ihrer etymologischen Herleitung als Hinweis auf eine Vereinigung des kommunal und kreativ Fortschrittlichen verstehen“, sagt Nochlin.

„Das Atelier des Malers“ ist, zusammenfassend gesagt, eine lebendige Darstellung der liberalsten politischen Ideale in der anspruchsvollsten formalen und ikonografischen Sprache, die in der Mitte des 19. Jahrhunderts zugänglich war.

Le Déjeuner sur l’herbe (1863) von Édouard Manet

Manets atemberaubendes Landschaftsbild, das zwei vollständig bekleidete Männer beim Mittagessen mit einer nackten Dame auf der Wiese zeigt, sorgte für Aufsehen, als es 1863 im Salon des Refusés, einer Ausstellung für Gemälde, die vom offiziellen Pariser Salon abgelehnt wurden, gezeigt wurde.

Obwohl sich Manet nie ganz den Avantgarde-Ansprüchen der impressionistischen Künstler anschloss, sah ihn eine jüngere Generation von Kreativen als Vorbild, und mit Werken wie „Le Déjeuner sur l’herbe“ durchbrach er zweifellos viele der Tore, die spätere Avantgarde-Kreative auf ihrer Suche nach dem Einzigartigen durchschreiten würden.

Dieses Kunstwerk war in zweierlei Hinsicht Avantgarde und widersprach sowohl den ästhetischen Grundsätzen als auch den kapitalistischen moralischen und sozialen Idealen der Epoche. Zum einen kontrastiert die riesige Größe der Leinwand mit dem scheinbar banalen, zeitgenössischen Thema des Kunstwerks, das in einem Maßstab dargestellt wird, der normalerweise historischen und legendären Themen vorbehalten ist.

Le Déjeuner sur l’herbe (Luncheon on the Grass) (1863) von Édouard Manet, zu finden im Musée d’Orsay in Paris, Frankreich; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Auch die Farbgebung des Bildes ist ungewöhnlich: Das harte Licht und die Schatten kontrastieren mit der scheinbaren Freiluftszene (Manet hat die Begeisterung der Impressionisten für das Malen en Plein air nicht übernommen) und lenken die Aufmerksamkeit auf die weiße Haut des Hauptdarstellers.

Viele der Pinselstriche im Hintergrund wirkten willkürlich, fast halbfertig, als ob das Arrangement als solches auffallen würde: eine bloße Einbildung oder Erfindung, die vor der Fertigstellung aufgegeben wurde. Aber es war das Thema des Werks, das wirklich verblüffend war. Nackte Frauen waren in der akademischen Kunst erlaubt, solange sie im Kontext einer historischen Situation dargestellt wurden, wodurch die Nacktheit in einen intellektuellen und moralischen Abstand gerückt wurde.

Manets Szene zeigte eine nackte Person ohne den Schleier der historischen Geschichte, was sie für die Betrachterinnen und Betrachter anschaulicher und erschreckender machte. Mit dieser Haltung ebnete er den Weg für die Avantgarde-Initiativen der nächsten Jahrzehnte, die sich immer weniger vor Nacktheit und moralischem Ungehorsam scheuten.

Impression, Sonnenaufgang(1872) von Claude Monet

Die Impressionisten, angeführt von Claude Monet, waren die erste Avantgarde-Bewegung, die internationale Popularität und Ansehen erlangte. Monet porträtiert in diesem Werk, von dem sich der Name „Impressionismus“ indirekt ableitet, die Morgendämmerung in der Hafenstadt Le Havre, in die er mit seiner Familie zu einem Urlaub zurückgekehrt war. Die wesentliche blaue und orangefarbene Farbpalette, gepaart mit der schnellen, spontanen Pinselführung, soll den visuellen Eindruck wiedergeben, den die Landschaft zu einem bestimmten Zeitpunkt erzeugt, anstatt jedes Detail hervorzuheben.

Diese revolutionäre Methode ging bei Monet nicht mit radikalen sozialen Überzeugungen einher, aber sie versetzte ihn in eine charakteristische „Avantgarde“-Haltung der Opposition zur konventionellen Kultur und der Kunstwelt.

Im Jahr 1862 traf Monet in der Werkstatt des Malers Charles Gleyre auf eine Gruppe junger Künstler, darunter Frédéric Bazille, Pierre-Auguste Renoir und Alfred Sisley. Diese Maler bildeten zusammen mit Morisot und Pissarro die Grundlage des impressionistischen Stils, der viele Jahre lang – unter der inoffiziellen Leitung des älteren Künstlers Édouard Manet – seine Konzepte entwickelte, bevor er finanziellen Erfolg hatte.

Impression, Sonnenaufgang (1872) von Claude Monet, zu finden im Musée Marmottan Monet in Paris, Frankreich; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Monet und seine Kollegen gründeten ihren eigenen Club, um ihre Kunst zu fördern und zu zeigen, nachdem sie vom Pariser Salon wiederholt abgelehnt worden waren. Obwohl wir den Ansatz von Monet und seinen Zeitgenossen, die Natur einzufangen, kennen, war es damals bahnbrechend, die Nuancen eines Themas so schnell und instinktiv zu vermitteln, wie es Monet vor Ort getan hatte, um Impression, Sonnenaufgang zu schaffen.

Die formalen Fortschritte des Impressionismus sowie sein unvermeidlicher Widerspruch zu den vorherrschenden sozialen und kulturellen Konventionen legten die Parameter für die Entwicklung der Avantgarde-Kunst in den nächsten eineinhalb Jahrhunderten fest.

Schwarzes Quadrat (1915) von Kasimir Malewitsch

Dieses bekannte Werk besteht aus einem schwarzen Quadrat auf einem weißen Hintergrund. Bei genauer Betrachtung zeigt das Werk kleine Risse in der Oberfläche, die durch die Alterung des Pigments verursacht wurden, sowie Pinselstriche und einen Fingerabdruck. Dennoch war es die Reduktion der Bildebene auf eine einzige geometrische Form, die das Werk sowohl als kühnen Ausflug in die Abstraktion als auch als eindeutiges Ereignis der Avantgarde auszeichnete. Auf der letzten futuristischen Gemäldeausstellung in St. Petersburg 1915 wurde das Bild wie eine christliche Ikone gezeigt, hochgezogen und in der Ecke des Raumes ausgestellt, wie es in russischen Haushalten üblich war.

Malewitsch bezeichnete das Werk als „das Anfangsstadium der reinen Erfindung in der Kunst“, den „Embryo aller Möglichkeiten“. In seinen zukünftigen Werken wurde das schwarze Quadrat zu einem impliziten Konstruktionsblock.

Während die Kubisten das jahrhundertealte Gesetz der Bildebene in Frage stellten, betrachtete Malewitsch die Malerei der Avantgarde als Wegbereiter einer neuen Gesellschaft, indem sie sich von der Verantwortung befreite, die Realität vollständig abzubilden. In seinem Artikel „Vom Kubismus und Futurismus zum Suprematismus“ von 1915 forderte Malewitsch die „Freiheit der Dinge von den Pflichten der Kunst“: Der neue Realismus in der Malerei“, in dem er den Suprematismus – die von ihm gegründete Bewegung – als eine Weiterentwicklung des Kubismus darstellte, die nicht weit genug gegangen war. „Eine dekorierte Oberfläche ist eine lebendige, atmende Form;

Schwarzes Quadrat (Schwarzes Suprematisches Quadrat) (1915) von Kasimir Malewitsch, das sich in der Tretjakow-Galerie in Moskau, Russland befindet; Kasimir Malewitsch, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Formen des Suprematismus, des neuen künstlerischen Realismus, zeugen bereits von der Entdeckung von Strukturen aus dem Nichts durch die instinktive Vernunft. Das kubistische Bestreben, die wahre Form zu deformieren und die Gegenstände aufzubrechen, zielte darauf ab, fabrizierte Schöpfungen zu schaffen, die unabhängig vom Leben sind.“ Malewitschs Arbeit wurde von der russischen konstruktivistischen Bewegung und der Atmosphäre der revolutionären Erregung in den Jahren vor der bolschewistischen Revolution von 1917 beeinflusst.

Malewitschs schwarzes Quadrat war ein außergewöhnliches Beispiel für den Erfindungsreichtum der Avantgarde, indem er die Bildebene auf ein Minimum an formalen Komponenten reduzierte und seine Werke auf eine revolutionäre gesellschaftliche Zeit bezog.

Die Debatte mag intellektuell erscheinen, doch die Zeit ist für den Avantgardismus als Qualitätsurteil wichtig. Das militärische Wort bezieht sich auf Individuen, die vor den regulären Streitkräften eingesetzt werden, auf diejenigen, denen schließlich die Massen folgen werden. Die Bedeutung der Avantgarde-Kunst ergibt sich zum Teil aus der Tatsache, dass sie zuerst geschaffen wurde. Malewitschs Schwarzes Quadrat ist ein hervorragendes Beispiel dafür, nicht zuletzt, weil Malewitsch selbst das Werk, von dem man annimmt, dass es 1915 entstanden ist, datiert hat, was die Bedeutung des Erstlings unterstreicht.

Als Malewitsch das Werk in den 1920er Jahren reproduzierte, hatte sich die geometrische Abstraktion bereits durchgesetzt. Der ästhetische Wert der nachfolgenden Modelle mag ununterscheidbar sein, aber ihr kunsthistorischer und möglicherweise auch ihr Marktwert sind ganz unterschiedlich.

Schnitt mit einem Küchenmesser Dada (1919) von Hannah Höch

Hannah Höchs bahnbrechende Collage verwendet Zeitungs- und Zeitschriftenausschnitte, um die Albernheit und Verkommenheit der heutigen deutschen Gesellschaft zu illustrieren. Laut Anahid Nersessia ist „die Collage ein zutiefst evokativer Akt der Bricolage, eine Zusammenstellung von Objekten, die den zerbrochenen Aspekt der Zivilisation, aus der sie stammen, symbolisieren.“

Das Stück zeigt die kulturellen Gegensätze und Spaltungen im Berlin der Nachkriegszeit. Unter den Ausschnitten befinden sich Fotos der Künstlerinnen Käthe Kollwitz und Pola Negri sowie von politischen Intellektuellen und Führern wie Karl Marx und Wladimir Lenin.

Eine kleine Europakarte in der unteren rechten Ecke zeigt die Länder, in denen Frauen das Wahlrecht haben. Höch war bekannt für ihre scharfen politischen Collagen, in denen sie Bilder und Texte aus den Massenmedien plünderte und neu kombinierte, um die Populärkultur, das Versagen der Weimarer Republik und die gesellschaftlich geschaffenen Rollen der Frauen zu kritisieren. Höchs bahnbrechende Verwendung der Fotomontage, mit der sie soziale, kulturelle und ästhetische Konventionen grundlegend in Frage stellte, machte sie zu einer Schlüsselfigur des frühen Dadaismus und zu einer herausragenden Figur der Avantgarde im sozialsten Sinne des Wortes.

Sie stellte dieses und andere Werke 1920 auf der Ersten Internationalen Dada-Messe in Berlin aus, wo ihre Arbeit gelobt wurde, obwohl ihre männlichen Kollegen zunächst versucht hatten, sie von der Teilnahme abzuhalten. 

Die Praxis der Fotomontage wurde sehr populär und wurde im Laufe des 20. Jahrhunderts von verschiedenen Gruppen vom Surrealismus bis zu Fluxus übernommen. Heidi Hirschl Orley betont: „Höchs gewagte Kollisionen und Permutationen von weit verbreiteten Bildfragmenten verbanden ihre Arbeit mit der Öffentlichkeit und spiegelten die trotzige, skeptische Haltung der Zwischenkriegszeit wider, die sich für viele wie ein neues Zeitalter anfühlte. Durch ihre extremen Experimente schuf sie ein wesentliches ästhetisches Vokabular der Avantgarde, das bis heute nachwirkt.“

Die drei Musikanten (1921) von Pablo Picasso

Seit den frühen 1900er Jahren hat Pablo Picasso, einer der Schöpfer der kubistischen Bewegung, Kunstwerke der Avantgarde geschaffen. Dieses Kunstwerk aus dem Jahr 1921 hingegen zeigt den radikalen sozialen Kontext, mit dem die Avantgarde häufig verbunden war.

Die rechte Harlekin-Figur wird für Picasso gehalten, der sich häufig als schelmischer Charakter des italienischen Theaters darstellte, während die mittlere Person in Weiß für Guillaume Apollinaire gehalten wird, einen bedeutenden Kunstkritiker der Avantgarde und engen Freund Picassos.

Die als Pierrot verkleidete Person spielt ein Musikinstrument und strahlt dennoch eine düstere Entfremdung aus. Max Jacobs, der Dichter und enge Freund, ist auf der rechten Seite als Mönch verkleidet zu sehen, der in ein Benediktinerkloster in St.-Benoît-Sur-Loire eingetreten ist. Als er und Georges Braque den Kubismus mit seinen Ausprägungen des Analytischen und Synthetischen Kubismus schufen, stieg Picasso zu einem bedeutenden Avantgarde-Künstler auf. Folglich ist der Kubismus eine der wichtigsten Avantgarde-Gruppen.

Die Figuren wurden in geometrische Formen zerlegt, die Farben wurden heller und reduzierter und die Collage wurde verwendet, um ein erfinderisches Ergebnis zu erzielen, das die Kunst bis heute beeinflusst. Wenn du dir eine Chronologie der Kunstgeschichte ansiehst, kannst du sehen, dass die westliche visuelle Zivilisation in zwei verschiedene Perioden unterteilt werden kann: vor und nach dem Kubismus.

Dieses Bild enthält zwei Varianten, die beide als das Ende und den Höhepunkt von Picassos Ära des Synthetischen Kubismus angesehen werden.

Die Figuren sind zwar bemalt, sehen aber aus wie Scherenschnitte, die wie ein Puzzle aus verschiedenen breiten Farbflächen und strukturiertem Papier zusammengesetzt sind. Picasso porträtierte eine Sammlung von Werken, darunter auch diese beiden, während eines Urlaubs bei seinen Verwandten in Fontainebleau, der auch die Bilder der Commedia dell‘ Arte und den Einfluss des Theaterdesigns hervorhob, da er mit dem anerkannten Theaterproduzenten Sergei Diaghilev für die Ballets Russes gearbeitet hatte.

Nummer 1 (1949) von Jackson Pollock

Dieses riesige Bild mit seinen wirbelnden, rhythmisch gegossenen Farbschichten und -linien ist typisch für Jackson Pollocks „Drip Painting“-Methode, aus der in den 1940er Jahren in Nordamerika die Bewegung des Action Painting hervorging. Indem er die Leinwand auf den Boden legte und mit verschiedenen Werkzeugen Farbe darüber spritzte, versuchte Pollock, eine Art Einheit mit dem laufenden Werk zu erreichen, um die emotionale Energie zu erzeugen, die für die Fertigstellung erforderlich war: „Auf dem Boden fühle ich mich ruhiger. Ich fühle mich dem Gemälde näher, mehr ein Teil davon, weil ich um es herumgehen, von allen vier Seiten arbeiten und physisch in ihm sein kann.“

Unter der scheinbaren Homogenität seiner Oberfläche verbirgt sich eine großartige Vielfalt an Design und Zufall. Greenberg sah den Abstract Expressionism, insbesondere Pollocks Werk, als Höhepunkt der Avantgarde-Kunst, weil er zur unabhängigen Abstraktion durchgebrochen war, frei von jeglichen sozialen Bedenken. Nach dieser Interpretation verkörpert Pollocks Werk die Avantgarde-Kunst eher in ihrer formalen als in ihrer philosophischen Bedeutung.

Die formale Abstraktion, die von Picasso und den Kubisten eingeführt wurde, erreichte ihren Höhepunkt in den 1940er Jahren mit dem Aufkommen der amerikanischen Avantgarde-Kunst, dem Abstrakten Expressionismus. Pollocks Methode stand für seine Überzeugung, dass „neue Anforderungen neue Ansätze erfordern“. Viele nachfolgende Avantgarde-Maler – und vielleicht auch viele davor – folgten einer ähnlichen Leitlinie, aber Pollocks Drip-Painting-Stil erinnerte besonders an die aktuelle japanische Gutai-Bewegung.

Shozo Shimamoto und Jiro Yoshihara gründeten diese Gruppe, die experimentelle Werke schuf, die die Grenzen zwischen Performance, Malerei und Kunstinstallation verwischten. „Sie alle wollten den konventionellen Pinsel zerbrechen und sich mehr in Richtung Aktionsmalerei bewegen und auf eine andere Art und Weise schaffen“, sagt der Galerist David De Buck, „so warf Shimamoto buchstäblich Behälter, Glasflaschen, Tassen voll mit Farbe auf die Leinwand.“

Dies und einige andere Beispiele zeigen, wie wichtig Pollock für die Richtung der Avantgarde im späten 20. Jahrhundert war.

Imagen da Yagul (1973) von Ana Mendieta

Auf dieser Farbaufnahme ist die Künstlerin nackt und in Grünzeug und weiße Blumen gehüllt, während sie sich in einem präkolumbianischen Grab der Zapoteken ausruht. Die Vegetation, die ihren Oberkörper verdeckt, scheint lebendig zu sein, als würde sie schnell aus ihrer Figur herauswachsen. Sie verschwindet in der Dunkelheit, ein Symbol des Todes und der Fülle zugleich. Diese Arbeit war Teil von Mendietas Serie, die mehr als 200 Werke umfasste. Bei vielen davon lag sie auf dem Boden, drückte ihren Körper ab oder verschmolz mit der Umgebung, wie die Flora in dieser Aufnahme.

Die Serie gilt als Vorreiterin verschiedener Avantgarde-Bewegungen, darunter auch Body Art.

Laut der Kunsthistorikerin Laura Roulet verkörpert Mendietas Werk „die gesamte Bandbreite der Avantgarde-Bewegungen der 1970er Jahre – Performance, Konzeptkunst, feministische Kunst und Identitätskunst. Ein großer Teil von Mendietas Arbeiten erforderte die Überwindung von Grenzen, die zum Teil von einer Kunstindustrie auferlegt wurden, die ihre Arbeiten immer noch nach Geschlecht, Rasse, Medium, Erster oder Dritter Welt und als hohe oder niedrige Kunst klassifizierte.“

Mendieta definierte die Serie wie folgt: „Ich führe ein Gespräch zwischen der Umwelt und der weiblichen Figur (basierend auf meiner eigenen Gestalt) und bin überwältigt von dem Gefühl, aus dem Mutterleib (der Natur) ausgestoßen zu werden. Durch meine Erd-/Körperskulpturen verbinde ich mich mit dem Boden; ich werde zu einer Vergrößerung der Umwelt, und die Umwelt wird zu einem Auswuchs meines Körpers.“ „Meine Kunst ist die Art und Weise, wie ich die Verbindung zum Kosmos wiederherstelle“, sagte sie über die Originalität ihrer Arbeit, die sowohl mit ästhetischen als auch mit gesellschaftlichen Veränderungen verbunden ist.

Damit ist dieser Blick auf die Welt der Avantgarde-Künstler und ihre Kunstwerke beendet. Obwohl der Begriff Avantgarde ursprünglich für kreative Methoden der Kunstproduktion im neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhundert verwendet wurde, wird er heute für alle Kunstwerke verwendet, die die Grenzen des innovativen Denkens überschreiten, und er wird immer noch verwendet, um Kunst zu charakterisieren, die revolutionär ist oder die Einzigartigkeit der Wahrnehmung darstellt. Der Begriff Avantgarde verankert das Konzept, dass Kunstwerke vor allem nach der Qualität und Einzigartigkeit der Visionen und Konzepte des Künstlers beurteilt werden sollten.

Häufig gestellte Fragen

Was ist Avantgarde-Kunst?

Die Avantgarde stellt das in Frage, was als Norm gilt, vor allem in der kulturellen Welt. Manche sehen die Avantgarde als ein Merkmal der Moderne. Viele Künstlerinnen und Künstler haben sich mit der Avantgarde-Bewegung identifiziert und tun dies auch weiterhin, wobei sie ihre Wurzeln bis zum Dadaismus zurückverfolgen. Die Avantgarde setzt sich auch für drastische gesellschaftliche Veränderungen ein. Saint Simonian beschwor diesen Gedanken, indem er behauptete, dass die Macht der Künste das direkteste und schnellste Mittel für eine gesellschaftliche, politische und wirtschaftliche Revolution ist.

Was macht den Avantgarde-Kunststil aus?

Obwohl der Begriff Avantgarde erstmals im zwanzigsten Jahrhundert auf kreative Methoden der Kunstherstellung angewendet wurde, wird er heute für alle Kunstwerke verwendet, die die Grenzen des Einfallsreichtums überschreiten, und er wird immer noch verwendet, um Kunst zu beschreiben, die innovativ ist oder die Individualität der Perspektive symbolisiert. Die Avantgarde-Philosophie besagt, dass Kunst in erster Linie nach der Originalität und Unverwechselbarkeit der Visionen und Gedanken des Schöpfers beurteilt werden sollte. Avantgarde-Künstler versuchten, neue Paradigmen der Produktion zu schaffen, indem sie sich über konventionelle künstlerische Standards hinwegsetzten. Sie war eine der Kunstbewegungen des zwanzigsten Jahrhunderts mit einem radikalen soziopolitischen Ziel.

Wer waren wichtige Künstler der Avantgarde?

Die meisten einflussreichen Künstlerinnen und Künstler, die dem Kunststil der Avantgarde zugerechnet werden, waren für ihre Beiträge innerhalb markanter Momente bekannt. Zu diesen Künstlern gehören unter anderem Marcel Duchamp, der während der Dada-Ära den berüchtigten Brunnen (1917) schuf, Jackson Pollock, der während des Abstrakten Expressionismus die Tropftechnik perfektionierte, und Georges Braque, ein Begründer des Kubismus.

Was bedeutet der Begriff Avantgarde?

Ursprünglich ein französisches Militärwort, das im Englischen die Speerspitze der Infanterie bezeichnete, tauchte der Begriff Avant-Garde zuerst in der Kunstwelt auf und bezog sich nur auf französische Kunst. Der französische sozialistische Denker Henri de Saint-Simon soll den Namen erfunden haben.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.