Edouard Manet – Seine Biographie und bekanntesten Werke

Edouard Manet war ein französischer Impressionist, der dafür bekannt war, Szenen aus dem zeitgenössischen Leben zu malen.  Manet stammte aus der Oberschicht, lebte aber wie ein Bohème. Manets Gemälde verblüfften das französische Salonpublikum mit ihrer Verachtung für gelehrte Traditionen und verblüffend zeitgenössischen Darstellungen des Stadtlebens. Olympia (1863) und Le déjeuner sur l’herbe (1863), zwei seiner frühen Meisterwerke, lösten hitzige Debatten aus und dienten den neuen Künstlern, die den französischen Impressionismus entwickeln sollten, als Anknüpfungspunkt.

Das Leben und die Kunst von Édouard Manet

Die Gemälde von Édouard Manet werden seit langem mit den französischen Impressionisten in Verbindung gebracht; er hatte zweifellos großen Einfluss auf sie und lernte im Gegenzug viel von ihnen. Doch in jüngster Zeit haben Experten erkannt, dass er auch vom Naturalismus und Realismus seiner französischen Kollegen sowie von der spanischen Kunst des 17. Jahrhunderts gelernt hat. Diese doppelte Faszination für die Alten Meister und den modernen Realismus legte den Grundstein für seinen einzigartigen Stil. Aber wann wurde Édouard Manet geboren und wie kam er zu seinem Ruhm? Am besten beginnen wir mit seinem frühen Leben.

Die frühen Jahre von Édouard Manet

Édouard Manet wurde am 23. Januar 1832 in Paris in der alten Familienresidenz in der Rue Bonaparte in einem wohlhabenden und gut vernetzten Haushalt geboren. Seine Mutter war die Tochter eines Diplomaten, und sein Vater war ein Richter, der wollte, dass Édouard Anwalt wird. Sein Onkel drängte ihn zum Malen und begleitete ihn schon als Teenager in den Louvre. 1841 trat er in das Collège Rollin ein, eine weiterführende Schule. Auf Empfehlung seines Onkels nahm Manet 1845 an einem speziellen Zeichenkurs teil, wo er Antonin Proust kennenlernte, der sein langjähriger Freund und zukünftiger Minister für Schöne Künste in Frankreich werden sollte.

Nahaufnahme des Künstlers Édouard Manet, 1870; Nadar, Public domain, via Wikimedia Commons

1848 reiste er auf Empfehlung seines Vaters an Bord eines Ausbildungsschiffes nach Rio de Janeiro. Nachdem er bei der Aufnahmeprüfung für die Marine wiederholt durchfiel, gab sein Vater seinem Wunsch nach, eine Kunstausbildung zu machen. Manet wurde von 1850 bis 1856 bei dem akademischen Künstler Thomas Couture ausgebildet. Seine Freizeit verbrachte Manet mit dem Kopieren der Alten Meister im Louvre.

Manet reiste von 1853 bis 1856 nach Italien, Deutschland und in die Niederlande, wo er sich von dem niederländischen Künstler Frans Hals und den spanischen Malern Francisco José de Goya und Diego Velázquez inspirieren ließ.

Die Karriere von Édouard Manet, dem Künstler

1856 gründete Manet ein Atelier. In dieser Zeit war seine Herangehensweise von flüssigen Pinselstrichen, der Reduktion der Gesichtszüge und der Ablehnung von vergänglichen Tönen geprägt. In Anlehnung an Gustave Courbets zeitgenössischen Realismus schuf er Der Absinthtrinker (1859) und andere zeitgenössische Themen wie Obdachlose, Künstler, Roma, Menschen in Cafés und Stierkämpfe. Religiöse, mythische oder historische Themen hat er in seiner Jugend nur selten dargestellt, zum Beispiel in Christ Mocked (1865).

Der Absinthtrinker (1859) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Im Jahr 1861 wurden zwei Werke des Künstlers auf dem Salon anerkannt. Ein Gemälde, das seine Eltern zeigt, die zu dieser Zeit aufgrund eines Schlaganfalls gelähmt und sprachlos waren, wurde von den Kritikern beanstandet. Ein anderes, Die spanische Sängerin (1860), wurde von Théophile Gautier geschätzt und wegen seines Anklangs bei den Salonbesuchern an prominenter Stelle platziert. Mehrere junge Malerinnen und Maler fühlten sich von Manets Werk angezogen, weil es im Vergleich zu der präzisen Art so vieler anderer Salonwerke „etwas planlos“ wirkte.

„Die spanische Sängerin“, die auf eine „seltsame neue Weise“ dargestellt wurde, öffnete vielen Künstlern die Augen.

Der spanische Sänger (1860) von Édouard Manet; Édouard Manet, CC0, via Wikimedia Commons

Ein Jahr nach dem Tod seines Vaters, 1862, heiratete Manet Suzanne Lehnhoff. Sie war eine holländische Klavierlehrerin, die zwei Jahre älter war als Manet und seit etwa 10 Jahren mit ihm eng verbunden war. Lehnhoff wurde zunächst von Manets Vater angestellt, um Manet und seine Geschwister im Klavierspielen zu unterrichten. Unter anderem porträtierte Manet seine Frau in Die Lesung (1873). Leon Leenhoff, der Sohn von Suzanne, trat häufig für Manet auf. Er ist als Grundlage für das Gemälde Der Junge, der ein Schwert trägt von 1861 bekannt. Er erscheint auch in Der Balkon (1869) als das Kind, das ein Tablett in den Hintergrund bringt.

Junge mit Schwert (1861) von Édouard Manet; Édouard Manet, CC0, via Wikimedia Commons

Durch eine andere Künstlerin, Berthe Morisot, die ein Mitglied der Gruppe war und ihn in ihre Praktiken hineinzog, lernte Manet die Impressionisten, Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne und Camille Pissarro kennen. Diese Künstler wurden später als die Batignolles-Gruppe bekannt. Morisot, die mutmaßliche Großnichte des Künstlers Jean-Honoré Fragonard, bekam ihr erstes Bild 1864 im Pariser Salon anerkannt und stellte dort in den folgenden 10 Jahren aus.

Eine Werkstatt in Batignolles (1870) von Édouard Manet, mit den Mitgliedern der Batignolles-Gruppe, Édouard Manet, Zacharie Astruc, Otto Scholderer, Pierre-Auguste Renoir, Émile Zola, Edmond Maître, Frédéric Bazille, Claude Monet, und Minerva; Henri Fantin-Latour, Public domain, via Wikimedia Commons

1868 wurde Manet Morisots Lebensgefährtin und Mitarbeiterin. Ihr wird zugeschrieben, dass sie Manet dazu überredete, die Plein air Malerei auszuprobieren, die sie bereits von einem anderen ihrer Freunde, Camille Corot, kennengelernt hatte. Sie hatten eine für beide Seiten vorteilhafte Verbindung und Manet verwendete einige ihrer Methoden in seinen Werken. Als sie 1874 seinen Bruder Eugène heiratete, wurde sie seine Schwägerin. Im Gegensatz zu den anderen Impressionisten war Manet der Meinung, dass die zeitgenössischen Maler danach streben sollten, ihre Werke auf dem Pariser Salon auszustellen.

Als Manet jedoch die Zulassung zur Internationalen Ausstellung 1867 verweigert wurde, organisierte er seine eigene Ausstellung.

Seine Mutter war besorgt, dass er sein gesamtes Vermögen für dieses enorm kostspielige Unterfangen ausgeben würde. Die Ausstellung erhielt zwar gemischte Kritiken von den wichtigsten Kritikern, aber sie verschaffte ihm die ersten Begegnungen mit einer Reihe von zukünftigen impressionistischen Künstlern, vor allem mit Edgar Degas. Obwohl sein Werk den impressionistischen Stil inspirierte und vorwegnahm, vermied es Manet, an impressionistischen Ausstellungen teilzunehmen, vor allem, weil er nicht als Sprecher einer kollektiven Identität angesehen werden wollte, und teilweise, weil er im Salon ausstellen wollte. Eva Gonzalès, die Tochter des Schriftstellers Emmanuel Gonzalès, war seine einzige offizielle Schülerin.

Porträt von Eva Gonzalés im Atelier von Manet (1870) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Impressionisten, insbesondere Morisot und Monet, beeinflussten ihn. Ihr Einfluss zeigt sich in Manets Verwendung von helleren Farbtönen: Ab den frühen 1870er Jahren verwendete er weniger dunkle Hintergründe, behielt aber seine einzigartige Verwendung von Schwarz bei, die für die impressionistische Malerei ungewöhnlich war. Er malte mehrere Bilder im Freien (en plein air), kehrte aber immer wieder zu dem zurück, was er als bedeutende Atelierarbeit betrachtete.

Manet hatte eine enge Bekanntschaft mit dem Musiker Emmanuel Chabrier, für den er zwei Porträts malte; der Musiker kaufte 14 von Manets Werken und widmete sein Impromptu Manets Frau.

Zu Beginn der 1880er Jahre war Méry Laurent, der in sieben Pastellbildern zu sehen ist, eines von Manets regelmäßigen Themen. In Laurents Salons trafen sich viele französische Schriftsteller und Künstler der damaligen Zeit, und bei solchen Gelegenheiten gewann Manet Kontakte und Einfluss. Trotz des Widerstands von Kunstkritikern hatte Manet sein ganzes Leben lang Verteidiger in Form von Émile Zola, der ihn in den Medien offen unterstützte, und Charles Baudelaire, der ihn dazu drängte, das Leben so darzustellen, wie es war. Manet skizzierte oder malte sie auch beide.

Spätes Werk und Tod

Mit Mitte 40 verschlechterte sich Manets Gesundheitszustand und er bekam schreckliche Beschwerden und eine teilweise Unbeweglichkeit in seinen Beinen. 1879 ließ er sich in einer Klinik in der Nähe von Meudon behandeln, um das zu heilen, was er für ein Kreislaufproblem hielt, aber in Wirklichkeit litt er an einer anerkannten Nebenwirkung der Syphilis. Dort schuf er 1880 ein Bild von der Operndiva Émilie Ambre als Carmen. Ambre und ihr Freund Gaston de Beauplan besaßen ein Anwesen in Meudon und im Dezember 1879 inszenierten sie die erste Aufführung von Manets Die Hinrichtung von Kaiser Maximilian (1868) in New York.

Die Hinrichtung Kaiser Maximilians von Mexiko, 19. Juni 1867 (1868) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

In seinen letzten Jahren schuf Manet mehrere kleinformatige Stillleben mit Gemüse und Obst, darunter Die Zitrone (1880) und Ein Bund Spargel (1880). Un Bar aux Folies-Bergère, sein letztes bedeutendes Werk, entstand 1882 und wurde im selben Jahr im Salon gezeigt. Danach beschränkte er sich auf kleine Formen. Seine letzten Werke waren Darstellungen von Blumen in Glastöpfen. Im April 1883 wurde ihm der linke Fuß wegen eines durch Rheuma verursachten Wundbrandes abgenommen. Am 30. April starb er in Paris. Sein Leichnam wurde auf dem Friedhof von Passy beigesetzt.

A Bar in den Folies-Bergère (1882) von Édouard Manet; Édouard Manet, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Édouard Manets Kunstwerke und Techniken

Manets Modernismus rührt vor allem von seinem Bestreben her, frühere Formen der Malerei zu modernisieren, indem er neue Inhalte einführte oder traditionelle Komponenten veränderte. Er tat dies mit einem ausgeprägten Bewusstsein für historische Traditionen und die moderne Realität. Dies war sicherlich der Grund für viele der skandalösen Gerüchte, die er entfachte. Ihm wird die Förderung der alla prima Malmethode zugeschrieben. Anstatt Farben zu schichten, legte Manet sofort den Farbton auf, der am besten zu der gewünschten Wirkung passte.

Die Impressionisten machten die Technik populär, da sie sie für die Anforderungen der Licht- und Stimmungseffekte beim Malen im Freien hervorragend geeignet fanden.

Diese Verflachung, im Gegensatz zu ihrem Naturalismus, könnte die populäre Werbung oder die Kunstfertigkeit zur Zeit des Schöpfers dargestellt haben. Dieses Merkmal wird heute von Kritikern als das erste Beispiel für „Flachheit“ in der zeitgenössischen Kunst angesehen. Manets malerischer Ansatz ist schon in Musik in den Tuilerien (1862) zu sehen.

Musik in den Tuilerien (1862) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Es ist ein Vorgeschmack auf seine anhaltende Faszination für das Thema Vergnügen, inspiriert von Velázquez und Hals.  Während einige das Gemälde für unvollständig hielten, vermittelte die projizierte Stimmung ein Gefühl dafür, wie es damals auf dem Gelände der Tuilerien aussah; man kann sich die Lieder und Diskussionen vorstellen. Manet zeigt seine Kollegen, Maler, Schriftsteller und Künstler, die sich dort aufhalten, sowie ein Selbstporträt inmitten der Gruppe.

Einflussreiche Werke, die Manets beste künstlerische Eigenschaften zeigen

Le Déjeuner sur l’herbe (1863) ist ein bedeutendes Frühwerk. 1863 wurde es vom Pariser Salon abgelehnt, aber Manet willigte ein, es im Salon des Refusés, einer Parallelausstellung zum genehmigten Salon, im Palais des Champs-Elysées als inoffizielle Ausstellung zu zeigen. Kaiser Napoleon III. richtete den Salon des Refusés ein, um ein Problem zu lösen, das auftrat, nachdem die Jury des Salons in diesem Jahr 2.783 von insgesamt 5.000 Kunstwerken abgelehnt hatte. Jeder disqualifizierte Künstler kann selbst entscheiden, ob er im Salon des Refusés ausstellen will oder nicht; weniger als 500 der abgelehnten Künstler haben sich dafür entschieden.

Le Déjeuner sur l’herbe („Mittagessen im Gras“) (1863) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Manet ließ seine Frau Suzanne, Ferdinand Leenhoff und ein Modell namens Victorine Meurent häufig für seine Bilder posieren. Meurent saß später für viele weitere bedeutende Werke Manets Modell, darunter Olympia, und hatte sich Mitte der 1870er Jahre als eigenständige Malerin etabliert. Der Kontrast zwischen vollständig bekleideten Männern und einer nackten Dame auf dem Bild war umstritten, ebenso wie der kurze, skizzenhafte Ansatz, der Manet von Courbet unterschied.

Gleichzeitig spiegelt Manets Anordnung sein Studium der großen Meister wider.

Wissenschaftler sehen das Pastorale Konzert (1510) und Der Sturm (1508) als wichtige Vorläufer von Le déjeuner sur l’herbe, die beide den Malern der italienischen Renaissance Tizian bzw. Giorgione zugeschrieben werden. Der Sturm ist ein geheimnisvolles Bild, das einen vollständig bekleideten Mann und eine nackte Dame in einer ländlichen Gegend zeigt. Der Herr steht links und schaut zur Seite, offensichtlich zu der Dame, die sitzt und ein Baby stillt; die Verbindung der beiden Figuren ist unbekannt. In Pastoralkonzert, sitzen zwei bekleidete Männer und eine nackte Frau auf dem Rasen und machen Musik, während eine andere nackte Frau neben ihnen steht.

LINKS: Pastorales Konzert (1510) von Tizian; Louvre Museum, Public domain, via Wikimedia Commons | RECHTS: Der Sturm (um 1508) von Giorgione; Giorgione, Public domain, via Wikimedia Commons

In dem Werk Olympia (1863) imitierte Manet, wie schon in Le déjeuner sur l’herbe, das Werk eines berühmten Renaissancekünstlers, indem er eine nackte Frau in einem Stil darstellte, der an frühere Atelierbilder erinnert, deren Position jedoch Tizians Venus von Urbino (1538) nachempfunden wurde. Manet begann mit der Arbeit an dem Gemälde, nachdem er ermutigt wurde, dem Salon ein Nacktbild zu präsentieren.

Sein freizügiges Bild einer selbstbewussten Hure wurde 1865 vom Pariser Salon genehmigt und erregte Aufsehen.

Nur die Sicherheitsvorkehrungen der Verwaltung verhinderten, dass das Kunstwerk von aufgebrachten Schaulustigen „durchbohrt und zerrissen“ wurde. Das Kunstwerk war unter anderem deshalb umstritten, weil die nackte Frau kleinere Kleidungsstücke trug, wie eine Blume in ihren Locken, ein Armband und ein Band um den Hals, die alle ihre Nacktheit, Sinnlichkeit und ihren luxuriösen Lebensstil betonten.

Olympia (1863) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Zu dieser Zeit waren die Orchidee und die schwarze Katze anerkannte Symbole der Sexualität. Der Körper dieser zeitgenössischen Venus ist entgegen der landläufigen Meinung schlank; der Mangel an Reinheit des Kunstwerks irritierte die Betrachter. Die Flächigkeit des Bildes, die vom japanischen Holzschnitt beeinflusst ist, trägt dazu bei, die nackte Figur menschlicher und weniger sinnlich erscheinen zu lassen. Ein vollständig bekleidetes schwarzes Dienstmädchen taucht auf und macht sich die damalige Vorstellung zunutze, dass Afrikanerinnen und Afrikaner übermäßig sexuell veranlagt seien.

Die Tatsache, dass sie als Magd einer Hure gekleidet ist, steigert die sexuelle Intensität des Bildes.

Olympias Körperbau und ihre Augen sind unverschämt konfrontierend. Sie starrt frech aus dem Fenster, als einer der Diener ihres männlichen Freiers ihr Blumen überreicht. Obwohl ihre Hand auf ihrem Bein ruht und ihren Schambereich verdeckt, ist der Verweis auf die konventionelle weibliche Tugend satirisch; ein Sinn für Bescheidenheit fehlt in diesem Gemälde auffällig. Olympias Körperbau und ihre Augen sind unverfroren und konfrontativ. Sie starrt kühn aus dem Fenster, als einer der Diener ihres männlichen Freiers ihr Blumen überreicht.

Obwohl ihre Hand auf ihrem Bein ruht und ihren Schambereich verdeckt, ist der Verweis auf die konventionelle weibliche Tugend satirisch; ein Sinn für Bescheidenheit fehlt in diesem Gemälde auffallend. Ein zeitgenössischer Rezensent kritisierte Olympias „schamlos zusammengezogene“ linke Hand, die er als Verhöhnung von Tizians Venus gelockerter, schützender Hand sah. Auch die aufmerksame schwarze Katze am Fuß des Bettes vermittelt einen leidenschaftlich trotzigen Ton im Gegensatz zu Tizians Darstellung der Gottheit in seinem Venus von Urbino (1538).

Venus von Urbino (1538) von Tizian; Titian, Public domain, via Wikimedia Commons

Manet’s Café-Szenen

Die Gemälde des französischen Impressionisten Édouard Manet mit Café-Szenen sind ein Spiegelbild der Pariser Gesellschaft des 19. Jahrhunderts. Die Menschen schlürfen Bier, genießen Musik, unterhalten sich, lesen und ruhen sich aus. Viele dieser Werke wurden von Zeichnungen inspiriert, die vor Ort angefertigt wurden. Manet besuchte häufig die Brasserie Reichshoffen, wo er sein Gemälde Im Café (1879) malte.

Am Café (c. 1879) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Eine Gruppe von Personen hat sich an der Bar versammelt und eine Dame nähert sich dem Betrachter, während andere darauf warten, einen Sitzplatz zu bekommen. Solche Darstellungen erinnern an das gemalte Notizbuch eines Flaneurs. Sie sind in einem Freistil gemalt, der an Künstler wie Velázquez und Hals erinnert, und vermitteln doch den Geist und die Stimmung der Pariser Abende.

Sie haben Gemälde der Bohème, der Arbeiterklasse und einiger Aristokraten studiert.

Ein Gentleman raucht in der Ecke eines Café-Concert, während ein Kellner hinter ihm Getränke bringt. In The Beer Drinkers (1878) trinkt eine Dame ihr Getränk mit einem Begleiter. In Corner of a Café-Concert (1879), das rechts abgebildet ist, sitzt ein kultivierter Herr an der Bar, während eine Bedienung stur im Hintergrund steht und ihr Getränk konsumiert.

Ecke eines Café-Concert (1879) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

In Die Kellnerin (1879) verweilt eine Serviererin eine Minute lang hinter einem sitzenden Kunden und raucht Tabak, während im Hintergrund eine Ballerina auf der Bühne steht, die sich mit ausgestreckten Armen auf eine Drehung vorbereitet. Manet speiste auch im Pere Lathuille, das einen Innenhof in Verbindung mit einem Speisesaal bot. Chez le père Lathuille (1879), eines der Werke, die er hier schuf, zeigt die romantischen Gefühle eines Mannes für eine in der Nähe sitzende Frau.

Manets Kunstwerke zu sozialen Aktivitäten

Manet stellte die Oberschicht dar, die an traditionellen gesellschaftlichen Veranstaltungen teilnahm. In Maskenball in der Oper (1873) stellt Manet eine lebhafte Masse von Menschen dar, die eine Party feiern. Männer tragen Zylinder und lange schwarze Mäntel, während sie sich mit Damen in aufwändigen Kostümen und Masken unterhalten. In dieses Gemälde fügte er Bilder von seinen Bekannten ein.

Maskenball in der Oper (1873) von Édouard Manet; National Gallery of Art, CC0, via Wikimedia Commons

Sein Werk The Luncheon (1868) wurde im Speisesaal des Manor-Hauses aufgestellt. Auch andere gemeinsame Hobbys wurden in Manets Kunst dargestellt. Ein einzigartiger Blickwinkel wird in Die Rennen in Longchamp (1866) verwendet, um die intensive Energie der Rennpferde zu betonen, wenn sie auf den Zuschauer zustürmen. In Schlittschuhlaufen (1877) stellt Manet eine gut gekleidete Dame im Vordergrund dar, während andere um sie herum laufen.

Es gibt immer ein Gefühl von geschäftigem städtischem Treiben, das hinter dem Bild verläuft und über den Rahmen des Gemäldes hinausgeht.

Skating (1877) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Manets Gemälde über den Krieg

Zu Manets Antwort auf die zeitgenössische Zivilisation gehören Werke über Konflikte, die als aktualisierte Versionen der Kategorie „Gemälde“ betrachtet werden können. Das erste Bild war Die Schlacht der Kearsarge und der Alabama (1864), ein maritimer Konflikt aus dem amerikanischen Bürgerkrieg, den der Maler vielleicht beobachtet hat.

Die Schlacht der U.S.S. „Kearsarge“ und der C.S.S. „Alabama“ (1864) von Édouard Manet; Philadelphia Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

Die französische Intervention in Mexiko weckte Manets Interesse. Von etwa 1867 bis 1869 schuf er drei Darstellungen des Todes von Kaiser Maximilian, ein Ereignis, das Anlass zur Sorge um die französische Innen- und Außenpolitik gab. Die verschiedenen Variationen der Hinrichtung gehören zu Manets größten Werken, was darauf hindeutet, dass das Thema für den Künstler von Bedeutung war. Das Thema ist die Ermordung der von Napoleon III. errichteten Habsburger Monarchie durch ein mexikanisches Todeskommando.

In Frankreich durften jedoch weder Kunstwerke noch ein Druck des Themas ausgestellt werden.

„Ich habe mir nie vorstellen können, dass Frankreich von so senilen alten Possenreißern bestimmt werden könnte, nicht mit Ausnahme dieses kleinen Schwachkopfs Thiers“, schrieb er seinem Gefährten Félix Bracquemond in Paris über seine Reise nach Bordeaux, wo Émile Zola ihm die Örtlichkeiten vorstellte. Falls dies als Sympathie für die Kommune aufgefasst wurde, stellte ein späterer Brief an Bracquemond seine Position klar:

„Nur Berufspolitiker und Gierige, die Henrys dieser Erde, die in die Fußstapfen der Milliéres treten, die abscheulichen Nachahmer der Kommune von 1793…“ Er erkannte Lucien Henry als früheres Künstlermodell und Millière als Versicherungsvertreter „Was für eine Wohltat für die Künstler sind all diese wilden Machenschaften! Aber es gibt einen Silberstreif an unserem Elend: Wir sind keine Politiker und haben keine Ambitionen, als Abgeordnete gewählt zu werden“.

Manets Pariser Gemälde

In seinen Gemälden malte Manet verschiedene Sehenswürdigkeiten aus den Straßen von Paris. Das Gemälde Die mit Fahnen geschmückte Rue Mosnier (1878) zeigt weiße, rote und blaue Fahnen, die die Häuser auf beiden Seiten der Allee schmücken; ein anderes Bild mit dem gleichen Titel zeigt eine einbeinige Person, die auf Krücken ankommt. Rue Mosnier with Pavers (1878) zeigt dieselbe Straße, aber in einer anderen Situation: Arbeiter reparieren die Straße, während Fußgänger und Pferde vorbeikommen.

The Rue Mosnier with Flags (1878) von Édouard Manet; Getty Center, Public domain, via Wikimedia Commons

Im Jahr 1873 wurde Die Eisenbahn produziert. Die Szene spielt in der Pariser Metropole des späten 19. Jahrhunderts. In seinem neuesten Porträt von ihr sitzt Victorine Meurent, die früher für Olympia modellierte, vor einem Eisenzaun und hält einen Hund und ein aufgeschlagenes Buch im Schoß fest. Ein kleines Mädchen steht mit dem Rücken zur Künstlerin neben ihr und beobachtet, wie ein Zug unter ihnen durchfährt.

Manet wählt ein Eisengitter, das „selbstbewusst über das Bild hinwegfegt“, als Hintergrund für eine Szene im Freien und nicht die herkömmliche natürliche Aussicht.

Die einzige Spur des Zuges ist eine weiße Rauchwolke. In der Ferne sind moderne Wohngebäude zu sehen. Der Vordergrund ist in dieser Komposition auf einen engen Fokus komprimiert. Der konventionelle Deep Space-Standard wird außer Acht gelassen.

Die Eisenbahn (1873) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Historikerin Isabelle Dervaux beschreibt die Reaktion auf dieses Bild, als es 1874 erstmals auf dem offiziellen Pariser Salon gezeigt wurde: „Gäste und Kritiker fanden das Thema verwirrend, die Anordnung verworren und die Ausführung wackelig. Karikaturisten machten sich über Manets Gemälde lustig, das nur von wenigen als das Symbol der Moderne anerkannt wurde, das es heute ist. „1874 malte Manet zahlreiche Szenen mit Wasserfahrzeugen. Boating (1874) verkörpert in seiner Prägnanz die Prinzipien, die Manet von der japanischen Kunst übernommen hat, und das plötzliche Abschneiden von Schiff und Segel durch den Rahmen trägt zur Dringlichkeit des Bildes bei.

Boating (1874) von Édouard Manet; Édouard Manet, CC0, via Wikimedia Commons

Das Vermächtnis von Édouard Manet

Manets Berufstätigkeit erstreckte sich von 1861, dem Jahr seines ersten Salonauftritts, bis zu seinem Tod im Jahr 1883.  Historiker dokumentierten 1975 seine bekannten vorhandenen Werke, darunter 90 Pastelle, 429 Ölgemälde und fast 400 Kunstwerke auf Papier. Trotz der harschen Kritik von Kritikern, die den Mangel an traditioneller Ausführung bemängelten, hatte Manets Arbeit von Anfang an Unterstützer. Émile Zola zum Beispiel sagte 1867:

„Wir sind es nicht gewohnt, eine so schlichte und einfache Darstellung der Wahrheit zu sehen. Und dann ist da noch diese anmutige Unbeholfenheit… es ist eine wirklich angenehme Erfahrung, über dieses schillernde und ernste Kunstwerk nachzudenken, das die Natur mit sanfter Grausamkeit darstellt.“

Manets Gemälde galten als einzigartig zeitgenössisch, mit einer rauen Maltechnik und einer fotografischen Beleuchtung, die einen Affront gegen die Meisterwerke der Renaissance darstellten, die er nachahmte oder als Quellenmaterial nutzte. Er gab die in der Schule von Thomas Couture erlernte Vorgehensweise auf, bei der ein Bild durch aufeinanderfolgende Farbschichten auf einem dunklen Grund aufgebaut wurde, und wählte stattdessen einen geradlinigen alla prima-Stil, bei dem deckende Farbe auf hellem Grund verwendet wurde. Dieses damals neuartige Verfahren ermöglichte es, das Werk in einer einzigen Sitzung fertigzustellen. Es wurde von den Impressionisten populär gemacht und wurde für die nächsten Jahrhunderte zur Standardmethode der Ölmalerei.

Eine Partie Krocket (1873) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Für die Kunsthistorikerin Beatrice Farwell gilt Manet „seit langem als der Pate der Moderne. Manet war einer der ersten, der mit der Zustimmung des Publikums beträchtliche Risiken einging, der erste, der die alla prima Kunstarbeit zur normalen Methode für das Malen mit Öl machte, und einer der ersten, der mit der Sichtweise der Renaissance experimentierte und „saubere Kunstwerke“ als eine Form des ästhetischen Genusses anbot.

Er war zusammen mit Courbet ein Vorreiter bei der Ablehnung humanistischer und historischer Themen, und er und Degas waren maßgeblich daran beteiligt, das moderne städtische Leben als geeignetes Material für „große Kunst“ zu etablieren.“

Liste berühmter Kunstwerke

Manet schuf in seinem Leben über 430 Gemälde. Einige dieser Kunstwerke wurden jedoch im Laufe der Zeit sehr populär. Hier ist unsere Liste mit einigen der berühmtesten Werke des Künstlers.

• Le Dejeuner sur l’Herbe (1863)
• Olympia(1863)
• Die Hinrichtung Kaiser Maximilians(1868)
• Eisenbahn (1873)
• Schifffahrt (1874)
• Rue Mosnier mit Pflastersteinen (1878)
• Eine Bar in den Folies-Bergere(1882)

Rue Mosnier mit Pflastersteinen (1878) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Und damit ist unser Blick auf das Leben und die Kunst von Édouard Manet beendet. Der Künstler Édouard Manet war ein französischer Impressionist, der für seine Bilder des täglichen Lebens bekannt war. Manet wuchs in der Oberschicht auf, lebte aber wie ein Bohème. Manets Gemälde schockierten das französische Salonpublikum mit seiner Missachtung schulischer Normen und seinen auffallend modernen Darstellungen des Stadtlebens. Zwei seiner frühen Meisterwerke, „Olympia“ (1863) und „Le déjeuner sur l’herbe“ (1863), lösten Erschütterungen in der Kunstwelt aus und dienten den aufstrebenden Künstlern, die die französische impressionistische Bewegung aufbauen sollten, als Schlüsselpunkte.

Häufig gestellte Fragen

Wann wurde Édouard Manet geboren?

Édouard Manet war ein impressionistischer Künstler aus Frankreich. Der Künstler Manet wurde am 23. Januar 1832 geboren. Er wurde in der Stadt Paris geboren.

Wofür war Manet bekannt?

Er wird für die Verbreitung der alla prima Malmethode verantwortlich gemacht. Anstatt Farben zu schichten, legte Manet sofort den Farbton auf, der am besten zu der gewünschten Wirkung passte. Die Impressionisten machten diese Technik populär, da sie sich hervorragend dazu eignete, die Licht- und Stimmungseffekte beim Malen im Freien einzufangen. Manets Modernismus rührt vor allem von seinem Bestreben her, frühere Formen der Malerei zu modernisieren, indem er neue Inhalte einführte oder traditionelle Komponenten veränderte.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.