Abstrakte Skulpturen – Die bekanntesten abstrakten Kunstwerke

Seit den Anfängen der Moderne wurden bestimmte Fragen über das Wesen und die Unterscheidung zwischen zweidimensionaler Kunst und abstrakten Skulpturen gestellt. Constantin Brancusi hob in den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts die grundlegende Frage hervor, was berühmte abstrakte Skulpturen vermitteln sollten: die Darstellung eines Themas oder sein wesentliches Wesen? Pablo Picasso zeigte in den folgenden Jahren, dass eine abstrakte Statue oder Skulptur nicht gemeißelt, geformt oder gegossen werden muss: Sie kann auch gebaut oder zusammengesetzt werden. Im Folgenden werfen wir einen Blick auf einige bekannte Künstler der abstrakten Bildhauerei und ihre Werke.

Die Geschichte der abstrakten Bildhauerkunst

Die abstrakte Bildhauerei entstand unter dem Einfluss der Industrialisierung und einer wachsenden Zahl von Bildhauern, die sich von einem konventionellen Bildhauerkonzept distanzierten. Auguste Rodin war in Wirklichkeit der Begründer der modernen Bildhauerei, ohne den Wunsch, der Tradition zu trotzen. Rodin entfernte die harten Konturen der traditionellen 3D-Kreation, um Platz für seine massiven Skulpturen in der herannahenden Moderne des 19.

Indem er einige der bedeutendsten und wichtigsten Entwicklungen der Avantgarde und ihre Erfindungen in 2D-Werken genau verfolgte, konnte er eine neue Vorstellung von der Nützlichkeit von Objekten entwickeln. Diese Untersuchung trug dazu bei, eine neuartige Verbindung zwischen dem Gegenstand und der Umgebung herzustellen, ganz zu schweigen von der Entwicklung eines einzigartigen ästhetischen Lexikons.

Die Einbindung und Verwendung gängiger Ressourcen wich von herkömmlichen Modellierungskonzepten und Materialien wie Keramik, Gips, Stein oder Metall ab. Die 3D-Objekte begannen zu tanzen, sich zu bewegen und zu funkeln und stellten damit sowohl ihr grundlegendes Wesen als auch die Natur des künstlerischen Schaffens in Frage.

Die Anfänge der abstrakten Bildhauerkunst

Es dauerte einige Zeit, bis sich die abstrakten Skulpturen durchsetzen konnten. Sie musste die Fesseln von Generationen von Traditionen sprengen, die die ideale menschliche Form in Porträts, Büsten und Skulpturen priesen. Dreidimensionale Darstellungen begannen mit der Entwicklung des Kubismus eine eigene Form und einen eigenen Zweck anzunehmen.

Picassos kubistische Skulpturen, die als ein weiteres Erkundungsgebiet angesehen wurden, da sie sich von der konventionellen Idee des Modellierens lösten, zeigten, dass diese neuen Gegenstände auch das Spiel mit geometrischen Formen, die Abflachung ihrer Oberflächen und die Brechung zuließen.

Die Skulptur musste nicht mehr irgendetwas darstellen; stattdessen konnte sie einfach nur existieren und als Repräsentation einer einzigartigen Kunstart

dienen.
Kopf einer Frau (Fernande) Gipsskulptur (1909) von Pablo Picasso, in der Tate Modern in London; Wmpearl, CC0, via Wikimedia Commons

Auf der einen Seite wollte sie an die spirituellen, intellektuellen und zeremoniellen Symbole entfernter afrikanischer und asiatischer Zivilisationen anknüpfen. Auf der anderen Seite stellte er die Auseinandersetzungen der Nachkriegszeit und die Härte des Alltags dar. Picasso suchte nach allem, was ihm während des Krieges in seinem Pariser Atelier zur Verfügung stand, und begann, seine ungegenständlichen und manchmal sehr provokanten Gegenstände zu sammeln.

Dies war eine neuartige Art, die Skulptur zu betrachten und zu skizzieren, und sie wurde sofort populär. Ähnlich wie bei Picassos und Georges Braques Collage-Werken war es dem anfänglichen Konzept, wie eine Skulptur aussehen und sein kann, erlaubt, jedes Material zu verwenden, das ihm wichtig erschien.

Die bedeutenden Einflüsse, die die abstrakte Skulptur prägten

Das Konzept, dass abstrakte Statuen als Assemblage-Objekte hergestellt werden konnten und dass berühmte Bildhauer nicht auf die konventionelle Verwendung von Marmor oder Holz angewiesen waren, wurde vom italienischen Futurismus, Dada, dem abstrakten Expressionismus, dem Surrealismus und dem Minimalismus übernommen.

Jede der genannten Bewegungen fügte dem immer globaler werdenden Begriff Abstrakte Skulptur ein weiteres wichtiges Merkmal hinzu.

Der Kubismus bot eine neue Perspektive auf Materialien, während der italienische Futurismus der Kunst einen neuen Zweck gab, nämlich ein Medium für Bewegung, Dynamik und Technologie zu sein. Die kinetische Bildhauerei entstand aus diesem Blickwinkel und brachte eine einzigartige Perspektive auf das Konzept der Masse und ihre Auflösung durch die zarten Einflüsse von Licht und Bewegung mit sich.

Replik von Fountain (1917) von Marcel Duchamp; Marcel Duchamp, Public domain, via Wikimedia Commons

Marcel Duchamp, Pionier einer der radikalsten Kunstbewegungen, des Dadaismus, war von diesem Konzept begeistert und setzte schon bald die Nutzung mechanischer Bewegungen in seinen Werken um. Zuvor führte er seinen Begriff der „Readymades“ ein, mit dem er der Interpretation der Skulptur eine eigene Note verlieh.

Alltagsgegenstände hielten Einzug und brachten Trends wie Recycled and Junk Art sowie Begriffe wie „combines“ mit sich, die die Kombination von Malerei und Skulptur in Robert Rauschenbergs Werk charakterisierten.

„Was wahr ist, ist nicht die äußere Form der Dinge, sondern ihr Kern. Ausgehend von diesem Prinzip kann niemand etwas grundsätzlich Wahres ausdrücken, indem er seine äußere Oberfläche nachahmt“, sagte Brancusi. Doch wie bei jeder kreativen Form schleicht sich auch hier der Drang nach der Seele ein und bittet um einen Blick auf das Leben im Inneren der kalten Materialien.

Puppy (1992) von Jeff Koons, ein Beispiel für moderne Skulptur; Zarateman, CC0, via Wikimedia Commons

Die Arbeit mit Elementen war das eine Ende des Spektrums, das andere war die weichere Seite, bei der es darum ging, zu verstehen, wie die Skulptur als Ausdrucksmittel für die verschiedenen Lebensrealitäten genutzt werden kann, anstatt die Welt zu reproduzieren.

Die berühmte Constantin Brancusi Bemerkung charakterisiert treffend die abstrakte Bildhauerkunst, die die Interaktion zwischen Raum und Objekt revolutionierte und sich von den bisherigen Kanons entfernte. Auch der gefeierte Bildhauer Henry Moore hat mit seiner Produktion eine tiefere Auseinandersetzung mit Formen, Prozessen und Proportionen gefördert.

Beide betonten das Konzept des geradlinigen Schnitzens, surreale biomorphe Formen und die Wertschätzung roher Ressourcen, was der Bildhauerei half, sich zu verzweigen und die beiden parallelen Fäden ihrer Entwicklung zu bilden.

Berühmte Bildhauerkünstler der abstrakten Kunst

Berühmte Bildhauerkünstler des 20. Jahrhunderts waren Pioniere bei der Erforschung der gesamten Bandbreite der 3D-Abstraktion. Die Künstler der abstrakten Bildhauerei auf dieser Liste haben alle einen frischen Wind in den Geist der Bildhauerei des 20. Jahrhunderts geblasen, der den Weg der modernen Kunst völlig verändert hat.

Das liegt an ihren bahnbrechenden Innovationen in Bezug auf Form, inhaltliche Methoden und Materialien, die analytische Verarbeitung der Umwelt und die unterschiedlichen Ansichten und Perspektiven, was Kunst ist.

Von der Schaffung abstrakter Holzskulpturen bis hin zur Arbeit mit weniger traditionellen Materialien – diese Künstler haben alle etwas Einzigartiges zur abstrakten Bildhauerkunst beigetragen. Hier ist unsere Liste der einflussreichen Bildhauer und ihrer berühmten abstrakten Skulpturen.

Constantin Brâncusi (1876 – 1957)

Constantin Brâncusi, ein bedeutender Bildhauer des 20. Jahrhunderts, verband in seinen Werken Modernismus und Transzendenz, die ideale und archetypische Darstellungen ihrer Themen zeigen. Seine visionären Skulpturen mit ihren einfachen und vereinfachten Formen und ihrem stromlinienförmigen Aussehen versuchen, verborgene Wahrheiten zu enthüllen.

Er sagte, dass der Künstler in der Lage sein sollte, „das Wesen, das in der Materie steckt, auszugraben“. Er widmete seinen Medien besondere Aufmerksamkeit und leistete Pionierarbeit bei der Methode des direkten Schnitzens.

Fotografisches Porträt von Constantin Brâncusi, aufgenommen von Edward Steichen im Jahr 1922; Edward Steichen, Public domain, via Wikimedia Commons

Er arbeitete hauptsächlich mit Stein, Marmor, Bronze, Holz und Metall und feilte tagelang an seinen endgültigen Skulpturen, um die Illusion zu erzeugen, dass sie „aus der Masse in eine makellose und vollständige Realität übergehen“. Brancusis Kunst war stark von Märchen, Folklore und „primitiven“ Gesellschaften beeinflusst, obwohl er auf der Gegenständlichkeit seines Themas bestand.

Der Kuss(1908)

Brancusi schuf mehrere Varianten von Der Kuss, wobei er bei jeder Variante die geometrischen Umrisse und spärlichen Elemente reduzierte und das Werk weiter in Richtung Abstraktion bewegte. Seine abstrakte Technik betont grundlegende geometrische Linien, die die natürlichen Formen seiner Ressourcen mit den symbolischen Bezügen der gegenständlichen Malerei in Einklang bringen. Die Form des ursprünglichen Materialblocks ist hier erhalten geblieben. Eine andere Wiedergabe von Der Kuss ziert einen Grabstein auf dem Friedhof Montparnasse.

Es handelt sich um eine symbolistische, abstrakte Statue zweier Liebender, die sich umarmen, ein Motiv, das in mehreren erotisch aufgeladenen Kunstwerken dargestellt ist.

Jean Arp (1886 – 1966)

Jean Arps Stil wurde mit dem Dadaismus und der Surrealistischen Bewegung identifiziert und gilt als Vorläufer der abstrakten Kunst. Bekannt wurde er vor allem durch seine biomorphen Objekte aus Gips, Bronze und Stein. Er malte, zeichnete und collagierte aber auch und schrieb Gedichte. Seine abstrakten Statuen bezeichnete er als organische Abstraktion, da sie von wellenförmigen Linien geprägt sind.

Seine Kunst war stark an die Natur angelehnt, aber dennoch ungegenständlich.

Seine abstraktesten Kreationen, die Pflanzen oder Menschen beinhalten, spielen auf biologische Aspekte an. Er schränkte die Beteiligung des bewussten Verstandes ein, indem er Zufall und Serendipität als wichtige Bestandteile seines kreativen Ansatzes einbezog.

Er gilt weithin als einer der erfinderischsten Bildhauer des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Seine von der Natur beeinflussten biomorphen Entwürfe hatten einen großen Einfluss auf die folgenden Generationen abstrakter Künstler.

Skulptur zum Verlorengehen im Wald(1932) 

Arp schuf in den 1920er und 1930er Jahren einen Stil biomorpher Skulpturen, der eine Verbindung zwischen kreativer Erfindung und natürlicher Schöpfung andeutete. Die Formen in seinen Werken erinnern an verwitterte Steine, Blüten und andere natürlich vorkommende Substanzen, wie in „Sculpture to be Lost in the Forest“ zu sehen ist.

Er fertigte diese Skulpturen mit einer halbautomatischen Methode an, bei der er die Gipsfigur abschleifte, bis er mit der Form zufrieden war.

„Ich arbeite so lange, bis eine ausreichende Menge meines Lebens in den Körper eingeflossen ist“, erklärt er. Um seine Kunst mit der Natur zu verbinden, stellt er die Skulpturen in den Wäldern in der Nähe seines Hauses in Meudon auf, wo sie von unachtsamen Passanten entdeckt werden können.

Naum Gabo (1890 – 1977)

Naum Gabo, ein russischer Bildhauer, war ein Wegbereiter der Kinetischen Kunst. Gabo und sein Bruder Antoine Pevsner behaupteten im Realistischen Manifest des Konstruktivismus, dass die Kunst einen Wert und eine Rolle außerhalb des Staates habe und dass das geometrische Konzept die Grundlage für die Bildhauerei sein sollte.

Er zerbrach Körper in miteinander verbundene Linien, Flächen und geometrische Formen, indem er durchscheinende Materialien verwendete, um Volumina des leeren Raums darzustellen.

Foto von Naum Gabo auf seinem Kunstwerk Blume und Biene sitzend, aufgenommen 1957; Herbert Behrens (ANEFO), CC0, via Wikimedia Commons

Er schrieb, dass‘ Raum und Zeit die einzigen Strukturen sind, auf denen das Leben beruht, und daher muss Kunst produziert werden, da dies seine wesentlichen Bestandteile sind. Seine abstrakten Kreationen waren meist aus Glas, Metall und Plastik.

Seine revolutionäre Herangehensweise an die Bildhauerei und die visuelle Sprache war eine Parallele zu Gesellschaft und Menschheit.

Konstruieren im Weltraum (1939) 

Während seines Aufenthalts in London, der im März 1936 begann und mit dem Ausbruch des Zweiten Weltkriegs im September 1939 endete, schuf Naum Gabo mehrere bedeutende plastische Werke, darunter Construction in Space. Während Gabos frühere Skulpturen eine Reihe von Komponenten und Farbtönen verwendeten, wurden diese Projekte aus klarem Kunststoff gefertigt.

Dadurch konnte er eine neue Ebene der konzeptionellen Reinheit erreichen. Construction in Space war das erste Werk, das vollständig aus durchscheinenden Flächen bestand, und eine exquisite formale Antwort auf das Problem, das Gabo sich 20 Jahre zuvor gestellt hatte, nämlich das dynamische Innere der Objekte zu zeigen.

Henry Moore (1898 – 1986)

Henry Moore, der weithin als Begründer der zeitgenössischen britischen Bildhauerei gilt, wurde vor allem durch seine halbabstrakten, gigantischen Bronzeskulpturen bekannt, die überall auf der Welt als öffentliche Kunstwerke zu finden sind. Sein Stil wurde von präkolumbianischer, klassischer und afrikanischer Kunst sowie vom Surrealismus beeinflusst.

Moore wurde auch von berühmten Modernisten wie Arp, Picasso, Brancusi und Giacometti stark beeinflusst.

Foto von Henry Moore in seinem Studio in England, aufgenommen 1973; Allan warren, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Die Mutter und das Kind sowie die liegende Figur waren häufige Motive in seinem Werk. Er war von der Landschaft und der Natur fasziniert und benutzte daher abstrakte Formen, um Ähnlichkeiten zwischen dem menschlichen Körper und der Welt darzustellen.

Mit der Technik des direkten Schnitzens konzentrierte er sich hauptsächlich auf Materialien wie Holz und Stein.

Drei Stehende Figuren (1947) 

Die abstrakte Statue besteht aus drei stehenden Damen in fließenden Kleidern, von denen zwei näher beieinander stehen und von der dritten angeschaut werden. Jede hat grundlegende Gesichtszüge wie Augenöffnungen. Moores Figuren entstanden aus einer Reihe von Skizzen, die von seinen Erfahrungen mit Menschen in unterirdischen Luftschutzbunkern während des Zweiten Weltkriegs beeinflusst waren.

Es könnte von Moores Zeichnung der Drei Schicksale aus dem Jahr 1948 inspiriert sein, die den Drei Grazien ähnlich ist. 1968 bemerkte Moore, seine Skulptur sei so, „als ob die drei Damen dort warten und darauf warten, dass etwas vom Himmel fällt.“

Three Standing Figures (1947) von Henry Moore, steht im Battersea Park in London; Yair Haklai, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Louise Nevelson (1899 – 1988)

Louise Nevelsons Werk war mit verschiedenen Stilen wie dem Kubismus, dem abstrakten Expressionismus und dem Surrealismus verbunden, und sie ist vor allem für ihre raumgroßen abstrakten Holzskulpturen bekannt. Ihre riesigen Assemblagen basieren auf dem Konzept der Readymades, bei denen sie ausrangierte Holzgegenstände von städtischen Mülldeponien verwendete.

Diese hölzernen Artefakte wurden sorgfältig platziert, um neue Erzählungen zu schaffen, nachdem sie bewusst nach ihrer evokativen Fähigkeit ausgewählt wurden, die Formen der Stadt, der Natur und der Himmelskörper in Erinnerung zu rufen.

Foto von Louise Nevelson, aufgenommen von Lynn Gilbert im Jahr 1976; Lynn Gilbert, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Diese meist monochromen, schwarzen Skulpturen, die gelegentlich auch in Gold und Weiß gehalten sind, sind Ausdruck ihrer persönlichen Geschichte von Vertreibung und Selbsterfindung. In ihren späteren Jahren experimentierte sie mit kommerziellen Materialien wie Aluminium, Plexiglas und Stahl.

Royal Tide 1 (1960) 

Das schimmernde Gold, das vom Boden bis zur Decke reicht, lässt Royal Tide I wie ein luxuriöses, vergoldetes Altarbild erscheinen, so als ob die Abstraktionen der Skulptur bei ihrer Verwandlung vom alltäglichen Abfall zum Kunstobjekt alchemistisch verzaubert wurden.

Es ist bemerkenswert, dass sie Royal Tide I und vergleichbare Werke als ihre „Barockzeit“ bezeichnete und damit ihre moderne abstrakte Skulptur mit den üppigen und opulenten Werken des Barocks aus dem 16.

Im Gegensatz zu ihren anderen frei geformten Werken platzierte Nevelson die verschiedenen Komponenten in Royal Tide I in einer Matrix aus gleich großen Holzkisten und erzwang so eine kohärente Ordnung im Werk.

Barbara Hepworth (1903 – 1975)

Barbara Hepworth war eine Vorreiterin der abstrakten Bildhauerei, die sich in einer Zeit, in der weibliche Bildhauer selten waren, als weltberühmte Bildhauerin etablierte. Sie ist bekannt für ihre in Stein gemeißelten biomorphen Werke, die von ihrer frühen Liebe zu organischen Strukturen und Materialien inspiriert wurden.

Sie integrierte eine große Vielfalt an physischen Elementen mit einem außergewöhnlichen Bewusstsein für deren Eigenschaften und benutzte eine ausgefeilte und facettenreiche bildhauerische Sprache und Konzepte.

Sie reflektierte die Verbindung zwischen Dimension und Raum, indem sie sowohl die Abwesenheit als auch die Anwesenheit in der Skulptur untersuchte. Ihre abstrakten Werke weisen häufig leere innere Hohlräume auf, die die glatten Oberflächenstrukturen stören.

Two Forms (1969) 

Dieses abstrakte skulpturale Kunstwerk gilt als eines der bekanntesten Werke im Vereinigten Königreich. Die Skulptur entstand knapp sechs Jahre vor Hepworths Tod bei einem Brand in ihrer Werkstatt in St Ives im Jahr 1975.

Es besteht aus zwei vertikalen Halbkreisen aus Bronze, die einen zerbrochenen Kreis von etwa zwei Metern Durchmesser bilden und jeweils von einem großen Loch durchbohrt werden. Beide Teile sind mit einem Bronzefundament verlötet.

Two Forms (1969) von Barbara Hepworth; Talmoryair, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Morris Singer hat alle drei Komponenten in London gegossen, und sie sind alle leer. 1966, nachdem bei ihr Krebs diagnostiziert worden war, schuf Hepworth das Kunstwerk. „Man kann durch den Divided Circle gehen – man sollte es nicht physisch tun müssen, um es zu spüren“, sagte sie und wollte, dass die Körperlichkeit des Betrachters mit ihrem Kunstwerk verbunden wird.

Anthony Caro (1924 – 2013)

Anthony Caro, der fast ein halbes Jahrhundert lang eine bedeutende Figur in der modernen Bildhauerei war, erforschte alle Möglichkeiten der 3D-Abstraktion. Er schuf riesige Kreationen, die sowohl in ihrer Form als auch in ihrer Größe grandios waren, und verwendete dabei eine Reihe von Materialien, die von Holz bis zu Seilen reichten.

Trotz der Tatsache, dass ein Teil seiner Arbeiten einer präzisen, logischen Geometrie folgt, vermitteln seine charakteristischen Skulpturen lyrische Bewegung, scheinbare Schwerelosigkeit, Spontaneität und Glücksgefühle.

Seine abstrakten Metallskulpturen wurden ohne Sockel präsentiert, direkt auf dem Boden, und sprengten die Grenzen. Der Wegfall des Sockels war damals ein dramatischer Schritt, der das Zusammenspiel zwischen Kunst und Betrachter veränderte.

Early One Morning (1962) 

In den 1950er Jahren arbeitete Caro als Lehrling von Henry Moore, aber die Kunstwerke von David Smith ermutigten ihn, sich von Moores halbfigurativer Kunst abzuwenden und abstraktere Werke aus industriellen Metallteilen zu schaffen.&nbsp

Early One Morning entstand in Caros Haus, aber das massive Werk konnte in dem kleinen Raum nicht vollständig betrachtet werden, also bauten Caro und ein Freund es spät in der Nacht ab und im Freien wieder auf.

Als Caro die Skulptur am nächsten Morgen zum ersten Mal richtig sah, gab er ihr den Namen. Ursprünglich war sie grün gestrichen, um die verschiedenen Teile zu einem einzigen Stück zusammenzufügen. Caro war mit dem Ergebnis unzufrieden, also schlug seine Frau Sheila vor, die Skulptur lieber rot zu streichen.

Sol LeWitt (1928 – 2007)

Sol LeWitt, ein Pionier des Minimalismus und der philosophischen Kunst, war vor allem für seine geometrisch-abstrakten Skulpturen bekannt, obwohl er auch Wandzeichnungen, Konstruktionen, Gemälde und konzeptionelle Werke schuf.

Mit der Etablierung eines einzigartigen radikalen Kunststils in den 1960er Jahren vertrat LeWitt die Auffassung, dass der wichtigste Teil des Werks die Idee oder das Konzept ist.

Er verwendete einfache Entwürfe, die er auf seine eigenen, mathematischen Gleichungen angenäherten Formeln anwandte, betonte Konzepte und Prozesse und reduzierte das Kunstschaffen auf seine Essenz. Oft gab er seinen Lehrlingen oder Helfern vage Anweisungen für die Herstellung des Kunstwerks, das er sich zuvor ausgedacht hatte.

Das lag daran, dass LeWitt glaubte, dass das Endprodukt nicht vollständig vom Künstler kontrolliert werden sollte, was grundlegende Vorstellungen über Kunst in Frage stellte.

Vierseitige Pyramide(1999) 

Sol LeWitt stand seit den frühen 1960er Jahren über fünf Jahrzehnte lang an der Spitze der Konzept- und Minimal Art. Die Strukturen (eine Bezeichnung, die er den Skulpturen vorzog) von Sol LeWitt bestehen oft aus modularen, quasi-architektonischen Formen.

Wie bei vielen seiner Werke entwarf LeWitt auch für die Vierseitige Pyramide einen Plan und eine Reihe von Schritten, die von anderen ausgeführt werden sollten.

Vierseitige Pyramide (1999) von Sol LeWitt, steht im National Gallery of Art Sculpture Garden in Washington D. C.; David aus Washington, DC, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Eine Gruppe von Steinmetzen und Ingenieuren arbeitete mit dem Künstler zusammen, um die vierseitige Pyramide an diesem Ort zu errichten. Die stufenförmige Pyramide, die LeWitt ursprünglich in den 1960er Jahren verwendete, bezieht sich auf die 1961 erfolgte Abschaffung der Rücksetzungsregeln für Gebäude in New York City aus dem frühen 20. Die geometrische Struktur der Vierseitigen Pyramide bezieht sich auch auf die alten mesopotamischen Zikkurate.

Damit ist unser Blick auf die Geschichte und die berühmten Künstler der abstrakten Bildhauerei beendet. Wir haben uns einige der besten Beispiele für berühmte abstrakte Skulpturen und die erstaunlichen Bildhauer, die sie geschaffen haben, angesehen. Von Abstrakten Holzskulpturen bis hin zu massiven abstrakten Metallstatuen haben diese Beispiele abstrakter Bildhauerkunst die Grenzen dessen, was Bildhauerei darstellen kann, ausgetestet.

Häufig gestellte Fragen

Was ist abstrakte Bildhauerkunst?

Die abstrakte Bildhauerei entstand durch den starken Einfluss der Industrialisierung und durch eine wachsende Zahl von Bildhauern, die sich von einem traditionellen Verständnis von Bildhauerei distanzierten. Ohne den starken Wunsch, die Tradition herauszufordern, wird Auguste Rodin oft als der Vater der zeitgenössischen Skulptur angesehen. Rodin beseitigte die groben Konturen der traditionellen 3D-Produktion, um Platz für seine gigantischen Skulpturen im aufkommenden modernen 19. Jahrhundert zu schaffen.

Was hat die abstrakte Bildhauerkunst beeinflusst?

Die Idee, dass abstrakte Statuen als Assemblage-Objekte hergestellt werden können und dass berühmte Bildhauer nicht auf die traditionelle Verwendung von Marmor oder Holz angewiesen sind, wurde von Dada, Abstraktem Expressionismus, Surrealismus und Minimalismus übernommen. Jede der oben genannten Bewegungen fügte dem zunehmend globalen Begriff der abstrakten Skulptur ein weiteres wichtiges Merkmal hinzu. Der Kubismus gab der Kunst eine neue Perspektive auf die Materialien, aber der italienische Futurismus gab der Kunst einen neuen Zweck als Mittel, um Bewegung, Energie und Technologie zu umarmen. Die kinetische Bildhauerei entwickelte sich aus dieser Sichtweise heraus und brachte eine völlig neue Sichtweise auf den Begriff der Masse und ihre Auflösung durch die subtilen Kräfte von Licht und Bewegung mit sich.