Afrikanische Kunst – Kunstwerke von der Frühzeit bis heute

Afrikanische Kunst ist eine kontinentale und diasporische Kunst. Von Ost nach West, von Nord nach Süd gehören die afrikanischen Kulturen zu den vielfältigsten der Welt und haben die westliche Kunstwelt maßgeblich beeinflusst. Afrika gilt seit langem als die Wiege der Menschheit, und es scheint das Herz der Welt zu sein, aus dem wunderschöne, vielfältige Kunst hervorgegangen ist. Viele von uns wissen nicht, wo sie mit afrikanischer Kunst anfangen sollen – dieser Artikel gibt einen Überblick über afrikanische Kunst, soziale und religiöse Kontexte, Merkmale und einige der herausragenden Arten von Kunstwerken und afrikanischen Artefakten.

Historischer Kontext: Die Wiege der Menschheit

Die Wiege der Menschheit bezieht sich auf eine archäologische Stätte in Südafrika außerhalb der Stadt Johannesburg. Das Besondere an dieser Stätte sind die gefundenen Fossilien und antiken Werkzeuge der frühen Menschen, auch Hominine genannt.

Zu den berühmten Stätten in der Provinz Gauteng in Südafrika gehören unter anderem die Sterkfontein-Höhlen.

In den Sterkfontein-Höhlen wurden verschiedene Fossilien ausgegraben, vor allem der Schädel eines frühen Menschen, der „Mrs. Ples“ genannt wird und 1947 von John T. Robinson und Robert Broom gefunden wurde. Der Schädel wird auf ein Alter von über zwei Millionen Jahren geschätzt. Während man zunächst annahm, dass es sich um eine Frau handelt, spekulieren einige Wissenschaftler, dass es ein Mann war.

Der original vollständige Schädel (ohne obere Zähne und Unterkiefer) eines 2,1 Millionen Jahre alten Australopithecus africanus-Exemplars, genannt „Mrs. Ples“, entdeckt in Südafrika; Ditsong National Museum of Natural History, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Die Entdeckung im Jahr 1947 folgte auf eine andere wichtige Entdeckung im Jahr 1924, die  eines anderen Schädels namens „Taung-Kind“. Dieser wurde von Raymond Dart in der nordwestlichen Stadt Taung in Südafrika entdeckt. 

Es gab auch ein Skelett namens „Little Foot“, das ebenfalls in einer Sterkfontein-Höhle gefunden wurde. Es ist schätzungsweise über drei Millionen Jahre alt, fast vier Millionen. Damit ist es eines der ältesten vollständigen Skelette eines alten Hominiden. Professor Ron Clarke, der diesen uralten Vorfahren zusammensetzte, identifizierte „sie“ als Australopithecus prometheus-Art.

Gesamtansicht des Little Foot Skeletts in seiner ursprünglichen Position in der Sterkfontein Höhle, November 2006; 120 / V. Mourre, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Fossilien einer früheren Hominidenart wurden auch im Rising Star Cave System entdeckt, das ebenfalls zu den Cradle of Humankind Sites gehört. Diese Spezies wurde Homo naledi genannt und soll vor über 200.000 Jahren gelebt haben.

Die ersten afrikanischen Malereien

Die prähistorische Felskunst Afrikas ist eine weitere Entdeckung, die uns einen Einblick in die reiche Welt der alten afrikanischen Kunst gibt – man könnte auch sagen, dass dies die allerersten afrikanischen „Gemälde“ überhaupt waren. Die Felskunst, über die ein ganzer Artikel geschrieben werden könnte, gibt es an vielen Orten in Afrika. Sie wurde zuerst von den Buschmännern, den frühesten Ureinwohnern Afrikas, geschaffen.

Sie waren bekannt als das Volk der San, eine Jäger- und Sammlerkultur.

Die Felskunst der San wird in verschiedenen Höhlen in Afrika gefunden, darunter die Blombos-Höhle in der Kapregion des südlichen Afrikas (schätzungsweise über 70.000 Jahre alt), die Apollo-11-Höhle in Namibia und verschiedene andere Höhlen in der Drakensberg-Region des südlichen Afrikas.

Lageplan der Blombos-Höhle; See page for author, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Felskunst zeigt Bilder aus dem täglichen Leben, Tiere und zahlreiche andere Bilder, die als symbolisch zu verstehen sind. Insgesamt haben die San der Welt gemalte Tafeln von Felsenräumen zur Verfügung gestellt, die ihre Sichtweisen und Erfahrungen des Lebens und des Lebens nach dem Tod darstellen.

Dies war ein wichtiger Ausgangspunkt für die Entwicklung der afrikanischen Kunst.

Ein paar tausend Jahre nach der Lebensweise der Jäger und Sammler und den Felsmalereien in der prähistorischen Zeit Afrikas finden wir die ersten bekannten westafrikanischen Kunstwerke: Skulpturen aus der Nok-Kultur in Nigeria. Das deutet auch auf die Besiedlung durch Kulturen hin, die andere Werkzeuge und Materialien wie Eisenverarbeitung verwendeten.

Skulptur aus der Nok-Kultur (6. Jh. v. Chr. – 6. Jh. n. Chr.), Nigeria, Terracotta, Louvre Museum; Daehan, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Die gefundenen Skulpturen wurden aus Terrakotta in Tier- und Menschengestalt hergestellt und auf die Zeit zwischen 500 und 200 v. Chr. datiert. Colonel Dent Young entdeckte die erste Terrakotta-Skulptur 1928 in der Nähe einer Zinnmine auf dem Jos-Plateau, das in der Nähe von Zentralnigeria liegt. Ein paar Jahre nach dieser Entdeckung wurden (zufällig) weitere Skulpturen beim Bergbau gefunden.

Sieben Terrakotta-Skulpturen wurden in Lydenburg, Mpumalanga in Südafrika, gefunden. Sie werden die Lydenburg Heads (ca. 400 bis 500 n. Chr.) genannt, weil sie alle die Form von Köpfen haben, von denen einige wie Helme und einer wie ein Tier aussehen. Zwei der Köpfe waren auch groß genug, um über einen echten Kopf zu passen, während die restlichen fünf kleiner waren. Der Zweck dieser Köpfe könnte für Zeremonien oder Initiationsrituale gewesen sein.

Lydenburg-Kopf, einer von sieben Keramikköpfen, die in der Nähe von Lydenburg gefunden wurden, datiert auf ca. 750. Er hat die Form eines umgedrehten Topfes mit eingeritzter Dekoration um den nächsten herum; man nimmt an, dass er für Initiationsrituale verwendet wurde; Foto von Mike Peel (www.mikepeel.net)., CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Wenn wir auch nur einen Bruchteil der historischen Bedeutung Afrikas als Herz der Welt und „Wiege“ der Menschheit verstehen, können wir die afrikanische Kunst, ihre Abstammung, ihre Vielfalt und ihre Ausdauer über die Jahrhunderte hinweg besser einordnen.

Alte afrikanische Kunstwerke

Von prähistorischen Höhlen bis hin zu zeitgenössischen Leinwänden ist die afrikanische Kunst in vielerlei Hinsicht reich und bedeutungsvoll. Es wäre unmöglich, alles in einem Artikel zusammenzufassen, denn es gibt so viele Facetten, die zu ihrer Existenz beitragen. Afrikanische Kunst ist auch ein Konzept, das von der westlichen Welt geschaffen wurde, um zu verstehen, was an afrikanischen Artefakten möglicherweise grenzt. Deshalb ist es wichtig, dass wir verstehen, warum es das, was wir als „afrikanische Kunst“ kennen, überhaupt gibt.

Im Folgenden werden wir kurz einige der sozialen und religiösen Kontexte der verschiedenen Regionen Afrikas untersuchen, in denen Kunst entdeckt wurde. Wichtig ist auch die Vielfalt der Materialien, die entdeckt wurden: Ton, Metalle (wie Bronze, Messing, Kupfer, Silber und Gold), Holz, Elfenbein und Textilien wie Baumwolle und Wolle.

Dieser Abschnitt umfasst auch verschiedene Zeitabschnitte, typischerweise nach der oben erwähnten prähistorischen Zeit, um das 1. Jahrhundert n. Chr.

Sozialer und religiöser Kontext: Was symbolisiert die afrikanische Kunst?

Abgesehen von dem ästhetischen Wert der afrikanischen Kunst diente jede Art von Objekt, das hergestellt wurde, einem Zweck, der über den Begriff „Kunst um der Kunst willen“ hinausgeht, wie einige Quellen angeben. Je nach Stamm und Kultur ist die afrikanische Kunst zweifellos mit Ritualen, Religion, gesellschaftlichen und moralischen Werten, Übergangsriten, Königreichen, Hierarchien und vielem mehr verbunden. Sie ist die physische Manifestation des Gewebes der kulturellen und angestammten Strukturen jeder Kultur.

Größer als das Leben: Religion und Ritual

Menschliche Figuren wurden oft mit übertriebenen Gesichtszügen dargestellt, die sich von einer naturalistischen Darstellung entfernten. Zum Beispiel waren die Köpfe größer als die Körper. Das geschah nicht absichtlich, denn einige Quellen legen nahe, dass viele afrikanische Kulturen dem Kopf eine wichtige Rolle für den Erfolg im Leben zuschrieben.

Bevor das Christentum und die islamischen Religionen nach Afrika kamen, waren traditionelle religiöse Praktiken und Rituale besonders wichtige Aspekte vieler afrikanischer Kulturen. Die Geister- oder Ahnenwelt spielte eine große Rolle und wurde durch „künstlerische“ Objekte wie Skulpturen, Masken, Statuen und verschiedene andere Gegenstände angesprochen und verehrt.

Masken des Chokwe-Volkes, zentrales und südliches Afrika; Wilfredor, CC0, via Wikimedia Commons

Masken (meist aus Holz gefertigt und mit anderen Materialien verziert) wurden getragen, um mit einem verstorbenen Ahnen oder einer Gottheit zu kommunizieren oder sie zu verkörpern. Sie wurden bei Zeremonien wie Beerdigungen, Einweihungen, verschiedenen Feiern oder zu landwirtschaftlichen Zwecken wie der Ernte getragen.

Bei diesen Zeremonien wurde getanzt, wobei der Maskenträger während des Tanzes in einen Trancezustand versetzt wurde, der eine Barrierefreiheit für die Verbindung mit den Geistern der Ahnen darstellte.

Wenn wir uns Skulpturen und Statuen ansehen, können wir erkennen, dass diese zur Verehrung der spirituellen Welt verwendet wurden. Sie wurden bei Ritualen Gottheiten oder Ahnen gewidmet und dienten auch dazu, Geister zu verkörpern, die man als „Gefäße“ bezeichnete. Sie hatten meist menschliche oder tierische Formen.

Königreiche und Dörfer

Abgesehen von den Ritualen und religiösen Praktiken werden wir die Symbolik einiger Kunstwerke verstehen, wenn wir die traditionellen afrikanischen Kulturen auf einer politischen und hierarchischen Ebene betrachten. Kurz gesagt: Vor der Kolonialisierung gab es in Afrika Tausende von Staaten. Es handelte sich entweder um große Dynastien in Form von Königreichen oder um kleinere dörfliche und clanbasierte Herrschaftsstrukturen. Könige (oder Anführer) wurden außerdem hoch verehrt und galten oft als heilig.

Diachronische Karte, die die vorkolonialen Kulturen Afrikas zeigt (von etwa 500 v. Chr. bis 1500 n. Chr.).  Diese Karte ist „eine künstlerische Interpretation“ unter Verwendung mehrerer und unterschiedlicher Quellen; Jeff Israel (ZyMOS), CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Die künstlerische Produktion sollte die Macht und Großartigkeit des Königs und seines Reiches vermitteln. Das reichte von Metallen, Perlen und Elfenbein in Form von Gegenständen wie Fliegenwedeln, Pfeifen, Kleidung, Stäben und verschiedenen anderen königlichen Insignien. In den Dörfern zum Beispiel wurden Kunstwerke nicht so sehr dazu benutzt, die königliche Hierarchie zu vermitteln, sondern um der Gemeinschaft moralische und soziale Werte beizubringen und um spirituelle Aspekte der Kultur zu verkörpern und sie daran zu erinnern, wie man leben sollte.

Diese Kunstwerke reichten von furchteinflößend bis hin zur Verehrung bestimmter Gottheiten oder mythischer Figuren und zur Ehrung der Bedeutung der natürlichen Welt.

Außerdem wurden die Objekte von Ältesten oder religiösen Gruppen in Auftrag gegeben. In den Königreichen hingegen wurde die Kunst von den Verantwortlichen in Auftrag gegeben und speziell für das Königtum angefertigt. In einigen Königreichen wurden Kunstobjekte zum Beispiel auch benutzt, um die Menschen zu kontrollieren und ihnen ein Gefühl der Angst vor dem König oder Prinzen einzuflößen.

Für Regen beten: Landwirtschaft und Feldfrüchte

Die Landwirtschaft war zweifellos ein wichtiger Teil der afrikanischen Kultur und das Leben auf dem Land vermittelte den Gemeinschaften eine tiefere Ehrfurcht vor der Kraft der Natur. Ohne Regen gäbe es keine Ernte, und wenn es zu viel regnet, stirbt die Ernte aus. Eine Fülle anderer Umwelt- und Naturereignisse könnte die Existenz der Gemeinschaften bedrohen.

Maske des Nuna-Volkes, Burkina Faso, Mitte des 20. Jahrhunderts. Diese Maske stellt einen Schmetterling dar, eine von mehreren Maskenfiguren, und repräsentiert einen Buschgeist. Da Schmetterlinge das Kommen des Regens ankündigen, werden sie mit dem Beginn der Landwirtschaftssaison in Verbindung gebracht. Die breiten, reich gemusterten Flügel der Plankenmaske und die kleinen Vögel und Chamäleons am oberen Rand sind charakteristisch für Nuna-Masken, National Museum of African Art; cliff1066, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Masken wurden verwendet, um die verschiedenen Phasen des Ackerbaus zu symbolisieren, von der Aussaat über die Ernte und das Unkrautjäten bis hin zum Gebet für Regen oder für weniger Regen sowie für die Fruchtbarkeit des Bodens. Manche Masken stellen auch symbolische Tiere und Gottheiten dar, die mit der Ernte in Verbindung stehen.

Die Stufen des Lebens: Geburt, Initiation, Tod

Objekte werden für die Lebensabschnitte Geburt, Tod und verschiedene wichtige Initiationen ins Erwachsenenalter für Jungen und Mädchen verwendet, um bei zeremoniellen Prozessen zu helfen. Zu den Objekten gehören auch Skulpturen, zum Beispiel, wenn Frauen schwanger werden wollen.

Masken werden oft bei Zeremonien für Übergangsriten verwendet, besonders für Jungen. Sie dienen dazu, kulturelle Werte und moralische Botschaften zu vermitteln und die Jungen über verschiedene Aspekte des Mannseins und des Lebens zu unterrichten.

Bei Beerdigungen werden Masken getragen, um den geliebten Menschen oder den Älteren, der gestorben ist, zu feiern. Der Tod wird als Übergang betrachtet, und die Zeremonien beinhalten oft sowohl Feierlichkeiten als auch eine Zeit der Trauer. Die getragenen Masken symbolisierten den Verstorbenen. Auch andere Gegenstände wie Skulpturen ähnelten dem Verstorbenen, um eine Verbindung zu den Ahnen herzustellen.

Funerary Headdress (Tugunga) – Der geschnitzte Kopf aus geschwärztem Holz, verziert mit einer ockerfarbenen Pigmentdekoration, ruht auf einem hölzernen Halsfuß. Diese Basis ist mit Korbgeflecht bedeckt. Die Formen des Gesichts sind flach und stehen in deutlichem Kontrast zu den gewellten Linien des Kopfschmucks. In den Königreichen Kameruns werden Masken oft mit den Nsoro in Verbindung gebracht, einem geheimen Männerbund, der die soziale Ordnung aufrechterhält und als Polizei und Gericht fungiert. Die Masken werden bei den Beerdigungen der Mitglieder der Vereinigung und bei anderen offiziellen Aktivitäten getragen. Die Masken werden auf den Kopf gesetzt, so dass sie die Zuschauer überragen und Respekt und Ehrfurcht einflößen. Brooklyn Museum, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Merkmale afrikanischer Kunst

Wenn wir afrikanische Kunst verallgemeinern, gibt es gemeinsame Merkmale, die Masken, Skulpturen und verschiedene stilistische Darstellungen von Figuren und Tieren aufweisen. Diese Merkmale geben uns Aufschluss über die Ästhetik der afrikanischen Kunst und erleichtern es uns, sie in der Kunstwelt in Bezug auf die religiösen, sozialen und politischen Bereiche einzuordnen. Im Folgenden werden wir jedes einzelne Merkmal kurz beschreiben.

Die menschliche Figur

Die menschliche Figur war ein wichtiges Merkmal in der afrikanischen Kunst und Skulpturen ähnelten oft menschlichen Figuren, mit denen Ideale über das Leben oder die Geisterwelt ausgedrückt wurden. Wenn es sich um Tierskulpturen handelte, hatten die Tiere einen Bezug zum Menschen. Sie wurden als Symbole für Menschen oder ihre Eigenschaften verwendet; ein Tier, das Stärke oder Macht repräsentierte, stand zum Beispiel für den Häuptling oder König.

Glatte Oberflächen

Objekte wie Statuen oder Skulpturen wurden mit glatten Oberflächen geschnitzt. Diese glatten Oberflächen symbolisieren Perfektion und makellose Qualitäten, die oft mit dem Begriff „Leuchtkraft“ beschrieben werden. Das würde glatte, makellose Haut symbolisieren, die auf Schönheit und gute Gesundheit hinweist.

Sitzender Häuptling, der Daumenklavier spielt (Mwanangana), Chokwe-Völker; Metropolitan Museum of Art, CC0, via Wikimedia Commons

Still und würdevoll in Haltung und Ausdruck

Wenn wir uns viele Skulpturen und Statuen der menschlichen Figur ansehen, bemerken wir einen ruhigen und fast emotionslosen Ausdruck in den Gesichtszügen der Figuren. Dies steht für verschiedene Qualitäten und Charaktereigenschaften wie Selbstbeherrschung, Würde, Gelassenheit, ein kontrolliertes Gemüt und Zurückhaltung.

Quellen deuten darauf hin, dass damit in „öffentlichen“ Situationen Gelassenheit gezeigt werden soll, z.B. wenn jemand bei einer Initiation vor einer Menge steht.

Reifes und jugendliches Erscheinungsbild

Figuren werden in der Regel als jugendlich und gesund dargestellt, fast auf dem Höhepunkt ihres Erwachsenseins. Das zeigt auch, dass Alter und Vitalität in den afrikanischen Kulturen wichtig waren und geehrt wurden. Das wiederum deutet auf gute Gesundheit, Fruchtbarkeit und Statur hin und wird als „ideales Alter“ bezeichnet.

Komposition: Gleichgewicht, Symmetrie, Abstraktion

Wenn wir uns die Gesamtkomposition afrikanischer Kunstwerke ansehen, die auch als afrikanische Stammeskunst bezeichnet wird, achten wir sehr darauf, eine ausgewogene und symmetrische Figur zu schaffen. Es wurde auch viel Wert auf die Details und das Gesamterscheinungsbild des Objekts gelegt, bei dem wir eine akribische Arbeit der Handwerker erkennen.

Wenn es um die Abstraktion in der afrikanischen Kunst geht, gibt es auch eine Abkehr vom vollständigen Naturalismus.

Geschnitzte Holzfigur von Mutter und Kind (Phemba) – Solche Skulpturen einer Mutter, die ihr Kind stillt, wurden möglicherweise zur Steigerung oder Förderung der Fruchtbarkeit verwendet. Die spiegelbedeckten Hohlräume im Bauch des Säuglings und im Rücken der Mutter sollten schützende Medikamente enthalten; Brooklyn Museum, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Wir stellen fest, dass einige Figuren unproportional erscheinen, obwohl ironischerweise eine Symmetrie der Form vorliegt (wie oben erwähnt). Darüber hinaus gibt es bei stark abstrahierten Figuren dennoch eine Ähnlichkeit mit der menschlichen Figur oder dem Gesicht.

Wir bemerken diese Abstraktion bei Figuren mit größeren Köpfen als gewöhnlich. Manche Figuren haben größere Hände und Füße, andere haben unnatürlich lange Hälse oder Torsi, und manche haben generell eine merkwürdige Körperhaltung. Auch andere Aspekte der Schönheit (z. B. der Schmuck am Hals) oder der Fruchtbarkeit werden hervorgehoben. Der Körper einer Frau würde zum Beispiel mit einem großen Bauch oder größeren Brüsten erscheinen.

Generische Physiognomie

Bei der generischen Physiognomie verwenden Künstlerinnen und Künstler generische oder vorgegebene Designs für Gesichtszüge oder Köpfe, einschließlich Ohren, Augen, Nase und Mund oder andere Merkmale. So war es nicht nur einfacher, sie im Laufe der Zeit zu reproduzieren, sondern es diente auch als Schutz für die Person im Falle eines persönlichen Angriffs oder der Kontrolle durch Rituale wie Hexerei.

Soziale Skala (Hierarchische Skala)

Die soziale oder hierarchische Skala bezieht sich auf die Größe der gemeißelten Figuren, wenn es mehr als eine Figur gibt. Die Größe gibt den Platz der Figuren im sozialen System an. Wenn die Figur zum Beispiel wichtiger war, erschien sie größer als die anderen Figuren (auch wenn es sich um ein Kind handelte). Umgekehrt würde die Figur, wenn sie nicht so wichtig wäre, kleiner erscheinen als die anderen Figuren.

Plakette mit reitendem Oba und Begleitern, Edo-Völker, zwischen ca. 1550 und 1660; Metropolitan Museum of Art, CC0, via Wikimedia Commons

Die Regionen der afrikanischen Kunst

Nachdem wir nun ein grundlegendes Verständnis für das „Warum“ hinter der antiken afrikanischen Kunst haben, wollen wir sie anhand regionaler Einblicke weiter erkunden. Im Folgenden werden wir einige der afrikanischen Kunstwerke aus den verschiedenen Regionen des afrikanischen Kontinents besprechen. Wir werden auch kurz auf die zeitgenössische afrikanische Kunst eingehen, die sich von der Kunst der afrikanischen Stämme unterscheidet und von vielen Gelehrten diskutiert wird.

Nordafrika

Zu Nordafrika gehören die Länder Algerien, Ägypten, Libyen, Marokko und der Sudan. Zu den Kunstwerken in Algerien gehören die Felszeichnungen in der Region Tassili n’Ajjer, die Tausende von Felszeichnungen beherbergen. Zu den Malereien gehören Darstellungen von Tieren und Menschen sowie die berühmten „Rundkopf“-Figuren.

Die ägyptische Kunst gehört ebenfalls zur Kategorie der nordafrikanischen Kunst, ist aber so vielfältig und breit gefächert, dass sie ein ganz eigenes Thema ist. Diese Kunst fällt auch in die Kategorie „Antike mediterrane Kunst“.

Wenn wir die Kunst des Sudan erforschen, wo das Kusch-Königreich herrschte, haben sie berühmte Keramiken aus Kerma hergestellt, die etwa 2500 v. Chr. bis 1500 v. Chr. entstanden sind. Zu den Beispielen gehören die Keramiken der Künstler, die als C-Gruppe bekannt sind.

Keramik des Volkes der C-Gruppe, 2300-1600 BCE, Faras, British Museum; Anthony Huan, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Der Black Polished Incised Ware Cup (ca. 1700 v. Chr. bis 1500 v. Chr.) ist ein Beispiel, bei dem wir die dekorativen Ritzmarkierungen auf der Außenseite des Bechers sehen, die in Rautenform erscheinen und mit der Technik „Kreuzschraffur“ ausgeführt wurden. Es gibt auch „Fischgräten“-Muster mit Bändern dazwischen, die die einzelnen Formen voneinander trennen. Manche Quellen behaupten, dass die Muster von Korbflechtmustern übernommen wurden.

Südliches Afrika

Zu den Ländern des südlichen Afrikas gehören Südafrika an der Spitze des Kontinents und die umliegenden Länder Angola, Botswana, Namibia, Mosambik, Swasiland und Sambia, um nur einige zu nennen. Zu den Kunstwerken im südlichen Afrika gehört auch die Felskunst, die wir oben erkundet haben.

Höhlenmalerei der San in der Cederberg-Höhle bei Stadsaal; Valroe at English Wikipedia, Public domain, via Wikimedia Commons

Ostafrika

Ostafrika besteht aus einer Reihe von Ländern, darunter Äthiopien, Kenia, Ruanda, Tansania, Uganda und verschiedene Inseln wie Mauritius und die Seychellen, um nur einige zu nennen. Länder wie Äthiopien hatten eine starke Verbindung zur christlichen Religion und brachten sakrale Gebäude wie Klöster und Kirchen hervor.

Andere Kunstwerke sind verschiedene religiöse Ikonen, die im 15. Jahrhundert hergestellt wurden.

Ein Beispiel für eine religiöse Ikone ist das Diptychon mit Maria und ihrem Sohn, flankiert von Erzengeln, Aposteln und einem Heiligen (ca. Ende des 15^ten Jahrhunderts). Der Künstler scheint unbekannt zu sein, aber viele Quellen deuten darauf hin, dass der Künstler ein Anhänger des Mönchs Fre Seyon war. Es gibt verschiedene äthiopische Ikonen mit ähnlichen Motiven wie die hier erwähnte. Diese wurden mit Tempera auf Holztafeln gemalt.

Diptychon mit Maria und ihrem Sohn flankiert von Erzengeln, Aposteln und einem Heiligen (spätes 15. Jahrhundert). Das Christuskind berührt das Kinn seiner Mutter mit einer Geste der Zuneigung, die wahrscheinlich von italienischen Gemälden aus dem 15. Jahrhundert inspiriert wurde, die damals am äthiopischen Königshof sehr bewundert wurden. Siegreiche Heilige auf Pferden hatten eine große Anziehungskraft auf die Oberschicht in Äthiopien, wo Adlige in Reitkunst und Kampf ausgebildet wurden. Der Künstler ist höchstwahrscheinlich ein Nachfolger von Fre Seyon, dem berühmten Maler aus dem 15. Jahrhundert, der nur ein einziges signiertes Werk hinterlassen hat; Walters Art Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Auf dem obigen Diptychon fallen uns zwei Bilder auf: Das linke zeigt die Mutter Maria mit dem Jesuskind in ihren Armen, das sie am Kinn festhält. Hinter den Figuren sind zwei Engel zu sehen, die auf die zentralen Figuren blicken. Die rechte Tafel zeigt eine Reihe von 14 Männern, die Apostel, die alle auf die zentralen Figuren links schauen. Eine der Figuren in der rechten unteren Ecke sitzt auf einem Pferd und ist vermutlich der Heilige Georg.

Westafrika

Zu Westafrika gehören Benin, Burkina Faso, Ghana, Guinea, die Elfenbeinküste, Liberia, Mali, Mauretanien, Niger, Nigeria, Senegal, Sierra Leone und viele andere Länder. Westafrikanische Kunstwerke umfassen viele verschiedene Kulturen und Modalitäten, darunter Masken, Töpferwaren, Schmuck, Stoffe und Textilien und vieles mehr.

Die Nok-Kultur haben wir oben schon kennengelernt, die die Terrakotta-Masken geschaffen hat.

Eine weitere berühmte westafrikanische Kultur ist die Benin-Kunst, die aus dem Königreich Benin im Süden Nigerias stammt. Die Daten liegen zwischen 1440 und 1897 n. Chr. Die Benin-Kunst zeichnet sich durch ihre Bronze- und Messingskulpturen aus, insbesondere durch die Messingplaketten. Diese Tafeln wurden entworfen, um den Königspalast zu schmücken und um den Reichtum und die Pracht des Königs zu zeigen.

Anhänger mit Oba und zwei Dienern (Mitte 16./Anfang 17. Jahrhundert). Die zentrale Figur auf diesem Anhänger stellt den Oba (oder König) von Benin dar, flankiert von wichtigen Hofbeamten. Die Szene symbolisiert die Unterstützung für den Oba, der seinerseits die Nation stützt. Der Anhänger wurde vom Oba bei staatlichen Veranstaltungen an einem Gürtel um die Taille getragen; Brooklyn Museum, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Zu den Beispielen gehören die Brassplakette, die den Oba von Benin mit Dienern zeigt (ca. 16^th Century), Reliefplakette, die zwei Beamte mit erhobenen Schwertern zeigt (ca. 1530 bis 1570), Plakette, die einen Audienzsaal darstellt (16. bis 17^thcentury), Reliefplakette, die ein Krokodil mit Schlammfisch zeigt(ca. 1530 bis 1570), Reliefplakette, die einen Würdenträger mit Trommel und zwei Dienern beim Gongschlag zeigt (ca. 1530 bis 1570). Es gab auch Ornamente, zum Beispiel den Leopardenkopf-Hüftschmuck (ca. 16^tes bis 19^tes Jahrhundert), sowie die Elfenbeinmaske, Königin Mutter Idia (ca. 16^tes Jahrhundert).

Knochen/Elfenbein-Anhängermaske der Queen Mother Idia, 16. Jahrhundert; Metropolitan Museum of Art, CC0, via Wikimedia Commons

Zu den anderen nigerianischen Kulturen gehören die Yoruba, die eine große Vielfalt an Masken herstellten. Zu den weiteren Kunstwerken gehören die berühmten Köpfe, die in der Stadt Ife in Nigeria in Metalle wie Kupfer und Bronze gegossen wurden. Die Köpfe wurden zufällig im Wunmonije Compound entdeckt, insgesamt 17 Köpfe. Zu den Kunstwerken der Yoruba gehören die Maske für Obalufon II (ca. 1300 n. Chr.), Bronzekopf aus Ife (12^th to 15^thCentury), Maske mit 7 Vögeln (19^th to 20^th Century), Kopf eines Königs oder Würdenträgers(c. 12^th to 15^th Century AD), und Carnival Mask (c. 1950).

Neben den Masken fertigten die Yoruba auch andere Strukturen wie kunstvolle Türöffnungen an, zum Beispiel die Türpaneele mit Türsturz des berühmten Künstlers Olowe aus Ise.

Zentralafrika

Zu Zentralafrika gehören Länder wie Angola, Burundi, Kamerun, die Zentralafrikanische Republik, Tschad, die Republik Kongo, Gabun, Ruanda und andere. Es gibt eine große Anzahl verschiedener Kunstwerke aus Zentralafrika, wobei jede Kultur die Tiefe ihres Glaubens und ihres Reiches darstellt.

Einige Beispiele sind das Volk der Fang in Gabun, deren Skulpturen und Masken mit viel Liebe zum Detail hergestellt werden. Zum Beispiel das Reliquien-Ensemble: Seated Female (ca. 19^th bis 20^th Century) ist eine geschnitzte weibliche Figur mit einer gut polierten schwarzen Außenseite.

Reliquien Ensemble: Sitzende Frau (19.-frühes 20. Jahrhundert), Ahnenstatue und Reliquienwächterin der Fang-Völker aus der Okak-Gruppe, Gabun oder Äquatorialguinea; Ismoon (talk) 14:13, 11. Sep. 2019 (UTC), CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Wir bemerken übertriebene Körperformen wie den Kopf eines Kindes oder Säuglings und den Körper einer erwachsenen Frau. Die Muskeln sind gut definiert und bis zum Anschlag ausgebeult, und der Gesichtsausdruck der Figur ist scheinbar neutral, ohne zu viel Ausdruck. Es gibt andere Arten von Versionen dieser Statuetten, wie die Reliquienwächterfigur (Mbulu Ngulu) (18^th to 19^th Century), die zum Schutz der Knochen von verstorbenen Familienmitgliedern verwendet wurde.

Zeitgenössische afrikanische Kunst

Zeitgenössische afrikanische Kunst und das Konzept dafür ist ein weithin diskutiertes Thema. Einige Quellen behaupten, dass zeitgenössische Kunst in Afrika um die Mitte des 19. Jahrhunderts von verschiedenen Künstlern wie Walter Battiss, Irma Stern und vielen anderen entstanden ist. Die afrikanische Stammeskunst hat viele zeitgenössische afrikanische Künstler beeinflusst.

Es gibt verschiedene wissenschaftliche Debatten, die versuchen, die zeitgenössische afrikanische Kunst zu definieren, und von denen einige verschiedene Kategorien umfassen.

Zu diesen Kategorien gehört die Kunst Afrikas, die sich auf den Tourismus stützt, auch bekannt als „Airport Art“, die eine Einkommensquelle für lokale Künstler/innen darstellt. Andere Kategorien sind Kunst in traditionellen Stilen, Kunst für religiöse Zwecke wie das Christentum, und die letzte Kategorie umfasst afrikanische Kunst in verschiedenen Stilen und Techniken, die als „selten“ oder „unbekannt“ gelten. Diese Kategorien wurden von dem Kunsthistoriker Marshall W. Mount vorgeschlagen.

Auch andere Wissenschaftler schlagen verschiedene Kategorien vor, so zum Beispiel Valentin Y. Mudimbe, ein französischer Historiker: „Tradition“, „modernistische“ und „populäre“ afrikanische Kunst. Es gibt auch eine beachtliche theoretische Basis über das Wesen der zeitgenössischen afrikanischen Kunst und was sie im weiteren Rahmen der Kunstwelt bedeutet, historisch und in der heutigen Zeit.

Dieses Werk ist Teil der Serie „Long Way“ des Künstlers Tagirumukiza Innocent, 2006; Inno.t, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Es gibt verschiedene Begriffe, mit denen die Bedeutung afrikanischer Kunst unterschieden wird (diese werden als Dichotomien verstanden), z.B. das Verhältnis zwischen „Kunst“ und „Handwerk“, die Debatte zwischen „Tradition“ und „Moderne“ sowie das Verhältnis zwischen Ländern in Europa und Afrika.

Die zeitgenössische afrikanische Kunst ist so vielfältig wie die afrikanische Stammeskunst; es gibt viele Künstler, die ebenfalls verschiedene Modalitäten und Konzepte verwenden.

Einige Künstler sind auch international anerkannt und lassen sich von der traditionellen afrikanischen Kunst inspirieren. Sie ist eine farbenfrohe und aussagekräftige Demonstration der Entwicklung der afrikanischen Kunst, ihrer Menschen und der Kulturen, die vor ihr kamen.

Afrika und die Welt

Die afrikanische Kunst ist zweifellos kontinental und hat weit über den afrikanischen Kontinent hinaus gewirkt und viele andere moderne Künstler aus der westlichen Welt inspiriert. Es gibt viele Konzepte dafür, was afrikanische Kunst ist und was nicht, nicht nur im Mikrokosmos Afrika, sondern auch im Makrokosmos der Welt.

Nach dem Kolonialismus in Afrika fanden afrikanische Kunstwerke ihren Weg in europäische Institutionen und in die Köpfe und Herzen der westlichen Welt. Doch damit einher ging eine beträchtliche Debatte über das Wesen der afrikanischen Stammeskunst und ihre Funktion – ob für Ästhetik, Politik oder Religion. Wir dürfen jedoch nicht vergessen, dass die afrikanische Kunst zwar die Welt beeinflusst hat, aber auch die Welt und ihre Konzepte haben sie beeinflusst.

Ein gründliches Verständnis der einzelnen Kulturen, aus denen die afrikanischen Kunstwerke stammen, schafft ein grundlegendes Verständnis für die Natur und das Leben der afrikanischen Artefakte. Dazu gehören auch das Leben und die Zeiten der afrikanischen Künstler, die sozusagen ein wichtiger Teil der Entwicklung dieser kontinentalen Kunst waren.

Häufig gestellte Fragen

Was ist afrikanische Kunst?

Afrikanische Kunst ist ein Begriff, den die westliche Welt geschaffen hat, um zu verstehen, was möglicherweise an afrikanische Artefakte grenzt. Doch darüber hinaus umfasst die afrikanische Kunst den gesamten afrikanischen Kontinent. Sie ist ein reichhaltiges Sammelsurium verschiedener Kulturen, von prähistorischer Felskunst über afrikanische Stammeskunst bis hin zu zeitgenössischer afrikanischer Kunst. Jedes afrikanische Kunstwerk dient einer Reihe von sozialen, religiösen, politischen oder ästhetischen Zwecken.

Was sind die Merkmale der afrikanischen Kunst?

Afrikanische Kunst zeichnet sich durch mehrere Faktoren aus: Die menschliche Figur steht im Mittelpunkt, die Oberflächen sind glatt, die Körperhaltung und der Gesichtsausdruck wirken ruhig und würdevoll, die Darstellung ist reif und jugendlich und die Komposition ist eher ausgewogen, symmetrisch und abstrakt als naturalistisch. Es sollte auch eine generische Physiognomie geben, die sich auf die Praxis bezieht, bei der die Künstler generische Designs für Gesichtszüge oder Köpfe verwenden, und schließlich sollten die Figuren auf einer sozialen oder hierarchischen Skala dargestellt werden.

Was symbolisiert die afrikanische Kunst?

Afrikanische Kunst dient verschiedenen Zwecken, und afrikanische Artefakte wurden nicht nur zu ästhetischen Zwecken geschaffen, die sicherlich auch ihren Platz hatten. Die Schaffung afrikanischer Kunst bezog sich auch auf andere wichtige Lebensbereiche wie Rituale, Religion, gesellschaftliche und moralische Werte, Übergangsriten, Königreiche, Hierarchie und vieles mehr. Diese Lebensbereiche bestimmten, welche Kunst geschaffen wurde und welche Funktionen sie hatte.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.