Expressionismus Kunst – Umfangreiche Übersicht dieser Kunstbewegung

Der Expressionismus war eine Kunstrichtung, die auf realistische und genaue Darstellungen von Szenen und Themen verzichtete und versuchte, die subjektive Perspektive der Künstler/innen einzufangen. Der Expressionismus, der als modernistische Bewegung angesehen wird, entwickelte sich vor dem Ersten Weltkrieg in Deutschland, bevor er sich über die ganze Welt ausbreitete. Diese breit angelegte Bewegung entwickelte sich zu einer eher nischenhaften Kunstrichtung, die als Deutscher Expressionismus bekannt wurde und die den Expressionismus während seiner gesamten Zeit prägte.

Eine Einführung in die Kunst des Expressionismus

Der 1905 in Deutschland entstandene Expressionismus war eine Avantgarde-Bewegung, die Übertreibungen und Verzerrungen in Kunstwerken nutzte, um das Leben des 20. Jahrhunderts aus einer subjektiven Perspektive darzustellen. Dieser Kunststil entwickelte sich vor Beginn des Ersten Weltkriegs und war während der Weimarer Republik in Deutschland beliebt, bevor er 1920 unterging. Neben der expressionistischen Malerei dehnte sich die Bewegung auf eine Vielzahl von Kunstgattungen aus, z. B. auf die Literatur, das Drama und das Kino.

Der Expressionismus, der im Wesentlichen eine modernistische Bewegung ist, entstand in einer Zeit intensiver Veränderungen und Umwälzungen in Europa. In dieser Zeit entwickelte sich die Gesellschaft aufgrund der Industrialisierung, die den Kontinent erfasst hatte, und der chaotischen Weltlage, die in den Ländern vor dem Ersten Weltkrieg herrschte, in rasantem Tempo. Dies führte dazu, dass deutsche Künstler mit ihren Werken auf diese beiden wichtigen Ereignisse reagierten.

Die Erfindungen im Bereich der Produktion und Kommunikation lösten in der Öffentlichkeit ein Gefühl der Beunruhigung aus. Das lag an der Ausweitung der Technologie und an der radikalen urbanen Entwicklung der Großstädte, die ein Gefühl der Isolation und der Abgeschiedenheit von der natürlichen Welt hervorrief.

Diese lebhaften Emotionen schlugen sich auch in der Kunstproduktion nieder, denn die Künstler drückten ihre Ängste durch eine verstärkte Verwendung von Farben, gezackten Winkeln, abgeflachten Formen und stark verzerrten Ansichten aus.

Als sich der Beginn des Ersten Weltkriegs abzeichnete, kamen in der Kunst des Expressionismus mehr Elemente der Groteske zum Tragen. Die Künstler begannen mit der Druckgrafik zu experimentieren, da sie eine effiziente Möglichkeit darstellte, ihre Werke schnell an ein größeres Publikum zu verbreiten. Außerdem bedeutete dies, dass ihre Kunstwerke, die politische und soziale Ursachen kritisierten, weit verbreitet wurden, was dazu beitrug, die emotionale Bedeutung ihrer Werke über die traditionelle Kunstgesellschaft hinaus zu tragen.

Anfangs unterstützten viele der expressionistischen Künstler die Idee des Krieges, da sie glaubten, dass er zur Niederlage der bürgerlichen Gesellschaft mit ihren weit verbreiteten materialistischen Tendenzen und kulturellen Einschränkungen führen würde. Als die Künstler jedoch dem Krieg beitraten oder rekrutiert wurden, zerstörten ihre persönlichen Erfahrungen mit dem Krieg ihre früheren Gefühle von Optimismus und Hoffnung. Dies führte bei vielen Künstlern zu psychischen Zusammenbrüchen, die sie in ihren Werken kanalisierten.

Selbstbildnis mit rotem Schal, 1917) von Max Beckmann; Max Beckmann, Public domain, via Wikimedia Commons

In der Folge wurden Kunstwerke geschaffen, die die zerrütteten Seelen und Körper der Künstler und anderer Personen zeigten, was den Betrachtern einen persönlicheren Einblick in die grausame Welt an den Fronten verschaffte. Die Kunst des Expressionismus zeigte also eine verzerrte Sicht auf die Welt, um einen emotionalen Effekt zu erzielen, anstatt die grausame Realität des Krieges darzustellen. Auf diese Weise sollten die emotionalen Erfahrungen der Künstlerinnen und Künstler sowie ihre rohen und wahrheitsgetreuen Gefühle und Ideen über die Realität, in der sie lebten, zum Ausdruck gebracht werden.

In ihrem Streben nach Authentizität stellten die Maler des Expressionismus die Welt so dar, wie sie sich anfühlte, und nicht so, wie sie aussah. Die Künstler verwarfen die vorherrschenden stilistischen Konventionen, die das visuelle Schaffen an der Wende zum 20. Jahrhundert bestimmt hatten, und versuchten, die Kunst mit Überzeugung und Ausdruckskraft neu zu beleben.

Vorläufer der Bewegung

Die Ursprünge der expressionistischen Bewegung lassen sich auf Künstler wie Edvard Munch, Vincent van Gogh und Henri Matisse zurückführen. Jeder dieser Künstler wandte sich in seinen späteren Werken von der naturgetreuen Darstellung ab und zog es vor, die persönlichen Gedanken und Sichtweisen seiner Protagonisten einzufangen.

So machte der Stil des Expressionismus subjektive Gedanken zu einem bestimmenden Aspekt der Bewegung, da die Künstler realistische und präzise Darstellungen zugunsten von Übertreibungen und Verzerrungen ablehnten, von denen sie glaubten, dass sie eine größere Wirkung haben.

Von den Künstlern, von denen man annimmt, dass sie die Entwicklung des Expressionismus beeinflusst haben, waren Munch und van Gogh die wichtigsten Wegbereiter der Bewegung, da ihre Kunstwerke den größten Einfluss hatten. Beide Künstler verwendeten in ihren Werken unnatürliche Farben, dynamische Pinselstriche und überzogene Texturen, die später zu wesentlichen Merkmalen der expressionistischen Kunst wurden. Das Ergebnis waren Kunstwerke, die einen subjektiven Blick auf die aktuelle Realität warfen, da die Werke einen Einblick in die Gedankenwelt der Künstler zu dieser Zeit gewährten.

Munchs „Der Schrei“ aus dem Jahr 1893 ist ein herausragendes Beispiel für den Beginn des Expressionismus. Es wurde wenig Wert auf eine genaue Darstellung des Motivs und der Landschaft gelegt, denn man sieht eine gespenstische Figur vor einem Hintergrund aus wirbelnden Linien und harten, kontrastreichen Farben. Auf diese Weise gelang es Munch, den tiefen Schmerz und die intensive Angst der Figur zu vermitteln, was als wichtiger erachtet wurde als der eigentliche Stil und die Komposition des Werks.

Der Schrei (1893) von Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

WIe der Namen des Expressionismus entstand

Der Begriff „Expressionismus“ wurde 1910 von mehreren Schriftstellern geprägt, aber angeblich von dem tschechischen Kunsthistoriker Antonin Matějček, der damit das Gegenteil des Impressionismus meinte. Während die impressionistischen Künstlerinnen und Künstler bei der Darstellung der Natur und der menschlichen Gestalt den Blick auf die reale Welt richteten, suchten die Expressionistinnen und Expressionisten nach einem tieferen Sinn, um das innere Leben genau auszudrücken.

Dieser Stilunterschied wurde durch die rauen Themen, die dargestellt wurden, sowie durch die freie Pinselführung, die ausgedehnten und zerklüfteten Formen und die intensiven Farben, die verwendet wurden, geschaffen. Obwohl sich einige Künstler/innen weigerten, sich selbst als Expressionisten zu bezeichnen, war die Idee der Bewegung zu dieser Zeit so revolutionär, dass der Begriff „Expressionismus“ heute für viele Stile der zeitgenössischen Kunst steht.

Expressionismus Kunst Definition

Der Expressionismus als Kunstbewegung war sehr breit gefächert und daher sehr schwer zu definieren. Das lag daran, dass er sich mit anderen wichtigen Bewegungen der Moderne überschnitt, wie dem Vortizismus, Kubismus, Futurismus, Surrealismus und Dadaismus. Der Expressionismus erstreckte sich auch über verschiedene Länder, Medien und Kunstepochen, was bedeutet, dass er nicht durch eine strenge Reihe von ästhetischen Prinzipien definiert werden kann.

Vielmehr wurde der Expressionismus als ein Mittel des Ausdrucks und der Gesellschaftskritik betrachtet. Der Begriff bezog sich zwar hauptsächlich auf Kunstwerke, die im 20. Jahrhundert entstanden, umfasste aber alle Werke, die als Reaktion auf die entmenschlichenden Auswirkungen der industriellen Entwicklung und der Expansion der Städte entstanden.

Die Bezeichnung „Expressionismus“ rief manchmal Gefühle der Angst hervor, die in den entstandenen Kunstwerken zum Ausdruck kamen, denn die Bewegung war ein künstlerischer Stil, der versuchte, subjektive Gefühle und Reaktionen gewöhnlicher Menschen darzustellen.

Spätere Entwicklung des deutschen Expressionismus

Mit der fortschreitenden Industrialisierung in Europa zogen die Künstler, die die expressionistische Bewegung ins Leben gerufen hatten, in die größeren Städte und brachten ihre Vorstellungen vom Kunstschaffen mit. Dies führte dazu, dass sich andere Künstlerinnen und Künstler abspalteten und den deutschen Expressionismus gründeten, der von zwei bemerkenswerten Gruppen geprägt wurde, die als Die Brücke und Der Blaue Reiter bekannt sind.

Gedenkbriefmarken der expressionistischen Bewegungen Die Brücke (links) und Der Blaue Reiter (rechts); Links: Prof. Andreas Hoch, für das Bundesministerium der Finanzen und die Deutsche Post AG, Public domain, via Wikimedia Commons; Rechts : Franz Marc, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Brücke, die sich 1905 gründete, gilt als die Gründungsgruppe des deutschen Expressionismus, während der Blaue Reiter erst 1911 entstand. Obwohl sich beide Gruppen nicht als deutsche Expressionisten bezeichneten, teilten sie sich Ateliers, stellten gemeinsam aus und veröffentlichten ihre Werke und Schriften.

Die Kunstbewegung des Expressionismus entstand in verschiedenen Städten Deutschlands als Reaktion auf die weit verbreitete Angst, die als Folge der Industrialisierung aufkam. Die Kunstwerke zeigten das zunehmend verzweifelte Verhältnis der Menschen zur Gesellschaft und zur Natur in dem Chaos vor und während des Ersten Weltkriegs. Aufgrund seines Erfolges beeinflusste der Expressionismus andere Bewegungen wie den Abstrakten Expressionismus und den Neo-Expressionismus, so dass man sagen kann, dass dieser Stil auch heute noch lebendig ist.

Merkmale und Einflüsse der Kunst des Expressionismus

Wenn man diese Bewegung betrachtet, kann man sich leicht fragen: Was ist Expressionismus? Der Stil des Expressionismus entstand ursprünglich in Deutschland und Österreich, wo eine Gruppe von Künstlerinnen und Künstlern begann, Kunstwerke zu schaffen, die sich bestimmter Merkmale bedienten. Bei diesen Werken ging es darum, Emotionen und Gefühle einzufangen, und nicht darum, wie das Motiv aussah.

Auffällige Farben und kräftige Pinselstriche wurden verwendet, um die vorhandenen Emotionen zu betonen, was ihre Bedeutung gegenüber einer realistischen Interpretation der Kunstwerke hervorhob.

Die Kunstbewegung des Expressionismus wurde stark von anderen Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts beeinflusst, wie dem Postimpressionismus, dem Fauvismus und dem Symbolismus. Die Künstlerinnen und Künstler bedienten sich bei der Schaffung der expressionistischen Kunst der Merkmale anderer Bewegungen, was sich in ihrer Neigung zu willkürlichen Farben und unharmonischen Kompositionen zeigt, die von den Fauves in Paris inspiriert wurden.

Ein Hauptmerkmal der expressionistischen Kunstrichtung war die übertriebene Darstellung von Motiven. In Kombination mit den wirbelnden und schwankenden Pinselstrichen gelang es den Künstlern, den turbulenten emotionalen Zustand, in dem sie sich als Reaktion auf ihre Ängste vor der modernen Welt befanden, genau auszudrücken. Durch die harte Konfrontation mit der urbanen Welt des frühen 20. Jahrhunderts waren die Künstler in der Lage, Sozialkritik in ihre Werke einzubringen, die ein wichtiges Merkmal darstellte.

Porträt eines Mannes (um 1918) von Erich Heckel; Clark Art Institute, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese freimütige Darstellung von Themen demonstrierte effektiv die neuen Prinzipien, nach denen Kunst geschaffen und dann beurteilt wurde. Die Kunst sollte nun aus dem Inneren des Künstlers selbst kommen und nicht mehr nur die äußere visuelle Welt abbilden. Die Gefühle des Künstlers wurden bei der Beurteilung der Qualität eines Kunstwerks wichtiger, da die Bewertung der kompositorischen Aspekte nicht mehr als wichtig erachtet wurde.

So wurden die Darstellungen der modernen Stadt unheimlich, da die Künstler entfremdete figürliche Interpretationen von Personen schufen. Diese entfremdeten Darstellungen sollten den Aufruhr und das Chaos in ihrer Psyche widerspiegeln, die durch die wachsende emotionale Distanzierung in der Gesellschaft entstanden waren. Diese Trennung, die in den Werken des Expressionismus allgegenwärtig war, wurde als eine der Hauptfolgen der rasanten Urbanisierung angesehen.

Gruppen innerhalb des deutschen Expressionismus

Nach dem Beginn der expressionistischen Bewegung bildeten sich zwei verschiedene Gruppen von Künstlern, die die unterschiedlichen Stile und Merkmale, die verwendet wurden, zusammenfassten. Diese Gruppen, die als „Die Brücke“ und „Der Blaue Reiter“ bekannt sind, führten zu einer spezifischen Produktion von Kunst im deutschen Expressionismus während der Existenz der Bewegung.

Die Brücke

Die von den Künstlern Ernst Ludwig-Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel und Fritz Bleyl gegründete Gruppe wurde 1905 in Dresden ins Leben gerufen. Als nonkonformistisches Kollektiv expressionistischer Künstler wurde diese Gruppe von den Werken Vincent van Goghs und Edvard Munchs beeinflusst und schuf Kunst, die sich gegen die konservative Gesellschaftsordnung Deutschlands richtete. Allerdings waren alle vier Gründungsmitglieder zu dieser Zeit nur Architekturstudenten, und keiner von ihnen hatte jemals eine formale Kunstausbildung erhalten.

Der Name der Gruppe wurde gewählt, um ihren Wunsch zu unterstreichen, eine Brücke zwischen der Vergangenheit und der Gegenwart zu schlagen, da das Wort „Brücke“ einfach mit „Brücke“ übersetzt werden kann. Außerdem wurde der Name durch eine Passage von Friedrich Nietzsche inspiriert, dessen Schriften als grundlegender Einfluss auf die Entwicklung des Expressionismus gelten.

Ernst Ludwig Kirchner’s presentation poster for a Die Brücke exhibition at the Arnold Gallery in Dresden (1910); Ernst Ludwig Kirchner, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Künstler der Brücke versuchten, den Grenzen des zeitgenössischen bürgerlichen Lebens zu entkommen, indem sie in ihren Werken mit einem verstärkten Farbsinn experimentierten, der die rohen Emotionen der Gesellschaft darstellen sollte. Die direkte und vereinfachte Herangehensweise bei der Darstellung von Formen schuf zudem provokante Darstellungen der modernen Gesellschaft und demonstrierte die gelebte Freiheit der Sexualität.

So porträtierten die Künstler nicht nur die Bewohner der Stadt, sondern stellten auch Prostituierte und Tänzerinnen dar, die in den Straßen und Nachtclubs der Stadt arbeiteten. Diese gewagte Darstellung schuf Kunstwerke, die die verkommene Schattenseite der deutschen Gesellschaft jener Zeit zeigten. Im Gegensatz zu den pastoralen Szenen, die von den Impressionisten geschaffen wurden, versuchten die Mitglieder der Brücke absichtlich, die Formen durch die Verwendung künstlicher Farben zu verzerren, um beim Betrachter eine viszerale und emotionale Reaktion hervorzurufen.

Die Brücke arbeitete zusammen und stellte Werke aus, bis sich die Gruppe 1913 auflöste. Grund dafür war eine Schrift Kirschners mit dem Titel Chronik der Brücke, die noch im selben Jahr wie der Artikel das Ende der Gruppe signalisierte.

Der Blaue Reiter

Der Blaue Reiter entstand nach der Brücke und wurde 1911 von den Künstlern Wassily Kandinsky, August Macke, Paul Klee und Franz Marc ins Leben gerufen. Aufgrund der zunehmenden Trennung, die sie in der sich ständig modernisierenden Welt erlebten, versuchten die Künstler des Blauen Reiters, das Gewöhnliche in der Kunst zu überwinden und stattdessen den geistigen Wert der Kunst zu verfolgen.

Die Künstler des Blauen Reiters neigten in ihren Werken zur Abstraktion, zu symbolischen Inhalten und zu spirituellen Bezügen, da sie durch ihre symbolträchtigen und farbenprächtigen Darstellungen emotionale Aspekte des Seins vermitteln wollten. Obwohl die Gruppe nie ein Manifest veröffentlichte, war sie durch ihre ästhetischen Entwicklungen, die von primitivistischen und mittelalterlichen Kunstformen, dem Fauvismus und dem Kubismus beeinflusst waren, geeint.

Der Name Der Blaue Reiter geht auf das Symbol eines Pferdes und eines Reiters zurück, das von einem Gemälde Kandinskys abgeleitet wurde. Die Gruppe bezog sich also auf das immer wiederkehrende Thema eines Reiters auf einem Pferd aus Kandinskys Münchner Schaffensperiode. Für Kandinsky sollte der Reiter den Übergang von der realen in die geistige Welt darstellen, da er als Metapher für die künstlerischen Techniken der Gruppe diente. Der Name symbolisierte auch Kandinskys und Marcs Liebe zur Farbe Blau, der sie spirituelle Qualitäten zuschrieben.

Das Titelbild von Franz Marcs und Wassily Kandinskys Der Blaue Reiter, veröffentlicht von R. Piper & Co. im Jahr 1912; Museum of Fine Arts, Public domain, via Wikimedia Commons

Kandinsky glaubte, dass einfache Farben und Formen dem Betrachter helfen könnten, die Stimmungen und Gefühle, die in den Gemälden präsent waren, besser wahrzunehmen, und diese Theorie ermutigte ihn zu einem verstärkten Einsatz der Abstraktion in seinen Werken. Für andere Mitglieder der Gruppe wurde die Symbolik des Namens zu einem zentralen Grundsatz, als sie in ihren Werken tiefer in die Welt der Abstraktion vordrangen.

Leider war der Blaue Reiter, genau wie die Brücke, eine kurzlebige Gruppe. Aufgrund des Ausbruchs des Ersten Weltkriegs im Jahr 1914 wurden sowohl Marc als auch Macke zum deutschen Militär eingezogen und fielen kurz darauf. Dies zwang die verbliebenen Mitglieder der Gruppe, nach Hause zurückzukehren, was zur sofortigen Auflösung der Gruppe führte.

Obwohl beide Gruppen nur für kurze Zeit existierten, hatten sie einen enormen Einfluss auf den Expressionismus in Deutschland. Der Expressionismus blieb auch nach Kriegsende die vorherrschende Kunstrichtung in Deutschland, wobei seine Popularität um 1920 zu schwinden begann.

The movement was later revived during the 1970s in the form of Neo-Expressionism, which spread to the United States and led to the development of Figurative Expressionism and Abstract Expressionism.

Berühmte Künstler des Expressionismus und ihre Kunstwerke

Während der gesamten Zeit des Expressionismus entstanden viele bedeutende Werke namhafter Künstler, die den Weg der Bewegung prägten. Einige dieser bedeutenden Künstler sind im Folgenden aufgeführt, zusammen mit ihren Expressionismus-Gemälden, die auch heute noch ikonisch sind.

Edvard Munch (1863 – 1944)

Der norwegische Künstler Edvard Munch gilt als einer der größten Einflüsse und wichtigsten Vorläufer des Expressionismus. Er schuf rasende Kunstwerke, die die Ängste der Menschen in Europa aufgrund der Modernisierung der Gesellschaft zum Ausdruck brachten. Der Maler aus dem späten 19. Jahrhundert wurde zu einer wichtigen Inspirationsquelle für andere Künstler des Expressionismus, da seine energiegeladenen und emotionsgeladenen Werke neue Möglichkeiten für den introspektiven Ausdruck in der Kunst schufen.

Vor dem Expressionismus gehörte Munch der symbolistischen Bewegung an und schuf Kunstwerke, die stark vom Impressionismus und Postimpressionismus beeinflusst waren. Während seiner fast 60 Jahre währenden Karriere thematisierte Munch in seinen Werken Szenen der Agonie, des Todes und der Angst. Dies gelang ihm durch die Schaffung deformierter und emotional aufgeladener Porträts, wobei dieser Stil die Hauptmerkmale des Expressionismus prägte.

Der Schrei, 1893 gemalt, ist sein bedeutendstes Werk und eines der ikonischsten modernen Kunstwerke der Welt. In seinem Werk stellte Munch den Konflikt zwischen Spiritualität und Moderne dar, der zu dieser Zeit existierte und zu einem zentralen Thema in seinen Werken wurde. Dieses Werk basiert auf Munch selbst, da es von seiner Erfahrung erzählt, von zwei seiner Freunde zurückgelassen worden zu sein und einen schrillen Schrei der Natur zu hören. Das Werk schildert also den Kampf zwischen Individuum und Gesellschaft in der Moderne.

Eine Nahaufnahme von Edvard Munchs Der Schrei (1893); Richard Mortel from Riyadh, Saudi Arabia, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Dieses Werk wurde von einem flüchtigen Moment inspiriert und wurde für seine Fähigkeit gefeiert, die tiefgreifenden Gefühle von Angst und Beklemmung darzustellen, die in die frühe modernistische Gesellschaft eindrangen. Munch erinnerte sich daran, wie er über eine Brücke in Oslo ging, als sich der Himmel blutrot färbte, was ihn mit Angst erfüllte und ihn an der Stelle festhielt, bevor er einen unendlichen Schrei hörte. Bei der Betrachtung des Werks kann man sehen, dass der Schrei von der Figur empfunden wurde, da er sie völlig eintaucht und gleichzeitig sowohl die Umgebung als auch seine Seele durchdringt.

Die Darstellung von Munchs emotionaler Reaktion auf eine Szene sollte später die Grundlage für die Werke der Expressionisten bilden. Anfang 1905 verbringt Munch viel Zeit in Deutschland, was ihn in direkten Kontakt mit der Bewegung bringt. Dort entwickelte sich das Thema der Entfremdung in seinem Werk, das die Maler des Expressionismus faszinierte und zu einem zentralen Element der zeitgenössischen Kunst wurde. Heute gibt es zwei Versionen von Der Schrei, von denen sich eine im Munch-Museum in Oslo und die andere in der Osloer Nationalgalerie befindet.

Wassily Kandinsky (1866 – 1944)

Eine wichtige Figur der Gruppe Der Blaue Reiter war der Russe Wassily Kandinsky, der die Gruppe gründete und das Kunstwerk des deutschen Expressionismus schuf, das der Gruppe ihren Namen gab. Als Pionier der Abstraktion in der modernen Kunst schuf Kandinsky Kunstwerke, die eine Brücke zwischen der postimpressionistischen und der expressionistischen Bewegung bildeten. Infolgedessen durchlief sein Werk einige stilistische Veränderungen, da es sich von realistisch und natürlich zu geometrisch und abstrakt entwickelte.

Kandinskys erstes und später wichtigstes expressionistisches Werk entstand 1903 unter dem Titel Der Blaue Reiter, der als Name für die Gruppe der Expressionisten verwendet wurde. Dieses Werk ist ein hervorragendes Beispiel für Kandinskys Wechsel zwischen künstlerischen Strömungen und Stilen, denn es zeigt sowohl seine impressionistischen als auch seine expressionistischen Einflüsse. Der Impressionismus zeigt sich in der Technik und im Stil, während der Expressionismus in den kräftigen und kräftigen Farben sowie in den groben Pinselstrichen zum Ausdruck kommt.

Der Blaue Reiter von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Blaue Reiter zeigt ein irreführend einfaches Bild, auf dem ein einsamer, blau gekleideter Reiter im Galopp durch die Felder reitet. Es stellt jedoch einen entscheidenden Moment in Kandinskys wachsender Bildsprache dar, da der sonnenüberflutete Hügel sein Interesse am Kontrast von Helligkeit und Dunkelheit offenbart und er sowohl Stille als auch Bewegung im selben Bild festhält.

Der abstrakte Charakter des Werks lud den Betrachter zur Interpretation der Szene ein, und die Leinwand wurde zum Symbol für die Ausdrucksmöglichkeiten, die von den avantgardistischen Künstlern des Expressionismus begrüßt wurden.

Franz Marc (1880 – 1916)

Ein weiteres Gründungsmitglied des Blauen Reiters war der deutsche Künstler Franz Marc, der von Tieren fasziniert und für seine Verwendung von Tiersymbolen in seinen Werken bekannt war. Marc, der als Maler, Grafiker und Aquarellist tätig war, war ein wichtiges Mitglied der Gruppe der Expressionisten, die den Farben, die er in seinen Werken verwendete, eine tiefe emotionale und psychologische Bedeutung gaben. Marc verwendete in seinen bekanntesten Werken die Farbe Blau, die seiner Meinung nach große Männlichkeit und Spiritualität symbolisiert.

Marc stellte seine Tiere auf eine zutiefst emotionale Art und Weise dar, wobei er versuchte, sich von realistischen Darstellungen wegzubewegen und zu einer spirituelleren und authentischeren Darstellung seiner Motive zu gelangen, indem er lebhafte Farben verwendete. Aufgrund der Symbolik der Farben wählte Marc seine Farbpalette sorgfältig aus, um die emotionalen Qualitäten, die er zum Ausdruck bringen wollte, korrekt wiederzugeben und so seine Vision zu vermitteln.

Die großen blauen Pferde von Franz Marc; Franz Marc, Public domain, via Wikimedia Commons

Sein bekanntestes Werk aus dem Jahr 1911 trug den Titel Große blaue Pferde und wurde in der ersten Ausstellung des Blauen Reiters gezeigt. Dieses Kunstwerk zeichnet sich durch viele lebhafte, kontrastreiche Primärfarben aus, die das Hauptmotiv, drei blaue Pferde, umschließen. Die Farbe der Pferde, die als symbolisch angesehen wurde, und die weiche Krümmung ihrer Körper vermittelten ein Gefühl von Harmonie, Gelassenheit und Ausgeglichenheit gegenüber dem harten Rot des Hintergrunds und der Hügel.

Marc erklärte, dass dieser auffällige Unterschied den Kontrast zwischen friedlicher Spiritualität und Gewalt verdeutliche, wobei sein ruhiges Kunstwerk ein Gefühl der Überlegenheit hervorrufe. Dieses Kunstwerk, das im Vergleich zu anderen Werken dieser Zeit mehr leuchtende Farben und kubistische Techniken verwendete, gehörte zu einer Reihe von Werken, die sich um das Thema Pferde drehten. Marc betrachtete Pferde als Symbole der spirituellen Erneuerung, weshalb sie in der von ihm geschaffenen Serie eine wichtige Rolle spielten.

Ernst Ludwig Kirchner (1880 – 1938)

Ein bemerkenswerter Künstler, der der Brücke angehörte, war Ernst Ludwig Kirchner, dessen Werk typischerweise durch kühne und blockierende Farben, breite und widersprüchliche Pinselstriche sowie scharfkantige und kantige Formen gekennzeichnet war. Kirchner ließ sich von den Werken postimpressionistischer Künstler wie Edvard Munch inspirieren, die seine Verwendung expressiver Farben in seinen Kunstwerken beeinflussten.

Bekannt wurde Kirchner vor allem durch seine zahlreichen Darstellungen von Berliner Straßenszenen, die zu den berühmtesten in seinem Werkkatalog gehören. Auch sein bekanntestes Werk aus dem Jahr 1913, das den Titel Straße, Berlin trägt, gehört zu dieser Kategorie von Straßenszenen. Dieses Werk zeigt Kirchners verächtliche Sicht auf das Leben in Berlin, was durch die extrem scharfen Pinselstriche und die beunruhigenden Farbkontraste deutlich wird.

Die Straße (1913) von Ernst Ludwig Kirchner; Ernst Ludwig Kirchner, Public domain, via Wikimedia Commons

In diesem Kunstwerk sind die Gesichter der Personen nicht voneinander zu unterscheiden, was die leere Oberflächlichkeit des gehobenen Lebens in Berlin unterstreicht. Die Art und Weise, wie die Figuren stehen, erzeugt ein Gefühl von Klaustrophobie und Verwirrung, da der titelgebende Boden andeutet, dass sie möglicherweise aus dem Gemälde selbst herausfallen. Kirchner schuf damit eine bemerkenswerte Darstellung der Entfremdung im urbanen Raum, die durch die Austauschbarkeit der Figuren unterstrichen wird.

Ohne Rücksicht auf eine realistische Interpretation der Form der Figuren hat Kirchner eine kühne Entscheidung getroffen, indem er zwei Prostituierte in den Mittelpunkt des Bildes stellte. Diese beiden Frauen, die bis auf ihre plumpen Hüte ebenfalls nicht identifizierbar sind, verstärken die Verwirrung, die entsteht, und die Entfremdung, die der modernen Gesellschaft durch den plötzlichen Verlust der geistigen Gemeinschaft innewohnt.

Kirchner betonte die rasante Entwicklung der städtischen Kultur, indem er Menschen darstellte, die als einfache Ware betrachtet wurden, und Prostituierte, die als würdige Subjekte galten.

Als Gründungsmitglied der Brücke etablierte Kirchner eine neue Art der Malerei, die sich deutlich von impressionistischen Tendenzen und der Notwendigkeit einer akkuraten Darstellung von Figuren in Gemälden distanzierte. Dies zeigte sich in seinen scharfen Farben, dem zackigen Pinselstrich und den langgezogenen Formen, die von den Mitgliedern der Brücke übernommen wurden, um die stilistischen Traditionen der Malerei zu verändern.

Karl Schmidt-Rottluff (1884 – 1976)

Ein weiterer Mitbegründer der Brücke war Karl Schmidt-Rottluff, dessen Gemälde die Entfremdung und den Aufruhr in der Stadt darstellten, die das zeitgenössische Leben zu dieser Zeit prägten. Seine Kunstwerke waren oft übertrieben und scharf, wobei Schmidt-Rottluff die Figuren und Szenen in seinen Werken auf ihre einfachsten Formen reduzierte, um das zu schaffen, was er für einen authentischen Ausdruck hielt.

Nach den Anfängen von Die Brücke zog Schmidt-Rottluff nach Berlin, wo er begann, Porträts der Stadt zu malen. Sein bekanntestes Werk mit dem Titel Häuser bei Nacht aus dem Jahr 1912 zeigt einen abstrahierten Stadtblock, den er gemalt hatte. Schmidt-Rottluff stellte darin eine beunruhigend leere Straße mit Gebäuden dar, die in einem beunruhigenden Winkel zueinander stehen, was die Entfremdung in der zeitgenössischen städtischen Gesellschaft zum Ausdruck bringen sollte.

Die leuchtenden Farben der Gebäude strahlen eine Intensität und Energie aus, die in der Komposition zu versickern scheint, wodurch ein unangenehmer Gegensatz zwischen den hellen Blöcken und der leeren Straße entsteht. Darüber hinaus durchdringt die primitive Form der Gebäude die Leinwand mit einem allgegenwärtigen Unbehagen und einer Entfremdung, die in diesem expressionistischen Gemälde als Essenz des modernen Lebens dargestellt wurde.

Oskar Kokoschka (1886 – 1980)

Ein bedeutender österreichischer Künstler innerhalb der expressionistischen Bewegung war Oskar Kokoschka, der vor allem für seine intensiven expressionistischen Landschaften und Porträts bekannt war. Kokoschka übernahm zwar nicht die Techniken und Ideologien, die für die Kunst des deutschen Expressionismus kennzeichnend waren, aber er bewunderte das Gemeinschaftsgefühl, das sich zwischen den Mitgliedern der Gruppe in ihrer Rebellion gegen die traditionelle Kunst entwickelte.

Sein ikonischstes Werk war Hans Tietze und Erica Tietze-Conrat, das 1909 im Auftrag der angesehenen Kunsthistoriker selbst gemalt wurde. Kokoschka konzentrierte sich auf das innere Drama, das er in seinen Porträtierten sah, wie die nervösen Hände zeigen, die in diesem Werk zum zentralen Punkt ihrer Unruhe werden. Kokoschka erklärte, dass seine Darstellung des Paares auf der Wahrnehmung ihrer Psyche im Gegensatz zu ihren physischen Attributen beruhte.

Der farbenfrohe Hintergrund und die konzentrierten Pinselstriche der Figuren sind repräsentativ für die Techniken des Expressionismus sowie für die gesteigerten Emotionen, die Kokoschka einfließen ließ. Darüber hinaus verdeckten die wirbelnden und abstrahierten Farben den Hintergrund und schafften es, die Personen in eine wilde und tiefenlose Darstellung des Raums in seinem Kunstwerk einzuschließen.

Oskar Kokoschka (links) und Herwarth Walden (rechts) im Grafikzimmer von Waldens Wohnung in Berlin im Jahr 1916. Zeichnungen von Kokoschka an den Wänden; Photographer not credited, Public domain, via Wikimedia Commons

Egon Schiele (1890 – 1918)

Neben Kokoschka war Egon Schiele eine weitere zentrale Figur des österreichischen Expressionismus. Schiele war für seine harschen und oft grotesken Darstellungen unverhüllter Sexualität in seinen Kunstwerken bekannt, da er von der umstrittenen künstlerischen Art Gustav Klimts und seinem ikonischen Gemälde Der Kuss (1907-1908) beeinflusst war. Die Darstellung solch offener Erotik als Hauptthema in seinen Werken brachte Schiele oft in Schwierigkeiten, da er 1912 wegen Unsittlichkeit in seinen Gemälden inhaftiert wurde.

Die Auseinandersetzungen mit dem Gesetz schienen ihn jedoch nicht von seinen erotischen Darstellungen abzuhalten, da er weiterhin Bilder mit diesem zentralen Thema schuf. So trägt auch Schieles bekanntestes Werk aus dem Jahr 1917 den Titel Sitzende Frau mit angezogenen Beinen. In diesem Werk zeichnete Schiele seine Frau Edith, die teilweise bekleidet in einer ungewöhnlichen Körperhaltung auf dem Boden sitzt.

Ihr intensiver Ausdruck konfrontiert den Betrachter selbstbewusst und widerspricht den traditionellen Normen einer unterwürfigen weiblichen Schönheit. Daher ist das Porträt kühn und suggestiv und weist eindeutige erotische Motive auf. Ediths feuerrotes Haar bildete einen auffälligen Kontrast zu ihrem leuchtend grünen Hemd, was ihr Selbstbewusstsein noch verstärkte. Darüber hinaus schaffte es ihre sehr lässige Pose, einen intimen Moment mit dem Betrachter zu schaffen, was die Emotionalität des Werks verdeutlicht.

Obwohl Schiele während seiner gesamten künstlerischen Laufbahn sehr umstritten war, ist er dennoch für seine Fähigkeiten und die emotionale Qualität seiner Linienführung und Farbwahl bekannt, die ihn eindeutig dem Expressionismus zuordnen. So stellte Schiele Bilder genau so dar, wie er sie sah, im Gegensatz zu dem, wie sie der Außenwelt erschienen.

Sitzende Frau mit angezogenem Knie (Adele Herms, 1917) von Egon Schiele; Egon Schiele, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Erbe der Kunst des Expressionismus

Die Kunstbewegung des Expressionismus war in der Tat revolutionär und weitreichend, da sie verschiedene Ableger inspirierte und die Entwicklung der zeitgenössischen Kunst beeinflusste. Der Expressionismus war keine eigenständige Bewegung, da die Künstler, die diesen Stil praktizierten, mit Techniken aus anderen Bewegungen experimentierten. Diese Experimente wirkten sich auf verschiedene Kunstgattungen aus, die auf den Expressionismus folgten, wie Futurismus, Kubismus, Dadaismus und Surrealismus.

Während des Ersten Weltkriegs verloren mehrere Expressionisten ihr Leben, entweder durch Kampfhandlungen oder durch kriegsbedingte Traumata oder Krankheiten. Daher fiel die Bewegung in der unmittelbaren Nachkriegszeit in Ungnade und wurde 1933 von der Nazi-Diktatur auf unbestimmte Zeit geschlossen. Expressionistische Künstler wurden von den Nazis als entartet bezeichnet und ihre Kunstwerke wurden aus den Galerien entfernt und beschlagnahmt.

Die Kunst des Expressionismus ebnete jedoch den Weg für die Entwicklung späterer Kunstströmungen, deren Merkmale noch heute in der künstlerischen Praxis zu finden sind.

Eine wichtige avantgardistische Entwicklung des Expressionismus war der Abstrakte Expressionismus, der in den 1940er und 1950er Jahren in den Nachkriegsstaaten der USA entstand. In diesem Stil erforschten die Künstler starke Emotionen durch die Verwendung auffälliger Farben und ästhetischer Pinselstriche, wie in den Werken von Jackson Pollock. Danach entwickelte sich in den späten 1970er und 1980er Jahren der Neoexpressionismus als Reaktion auf die Konzeptkunst und die minimalistische Kunst, die zu dieser Zeit existierten und den weitreichenden Einfluss des Expressionismus verdeutlichten.

Expressionismus Kunst in anderen Formen

Aufgrund der raschen Verbreitung der expressionistischen Kunst beeinflusste dieser Stil die Entwicklung einer Vielzahl anderer Kunstformen. Von diesen verschiedenen Formen sind die bemerkenswertesten künstlerischen Bereiche, in denen Merkmale des Expressionismus zu sehen sind, das Kino und das Theater.

Expressionismus und Kino

Innerhalb der Bewegung des deutschen Expressionismus entwickelte sich eine wichtige Kunstform, der deutsche expressionistische Film. Der Grund für seine Bedeutung liegt darin, dass er eine der ersten Kunstgattungen war, die einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung des modernen Filmschaffens hatte, was die Entwicklung zahlreicher avantgardistischer Stile ermöglichte, die seither stattgefunden haben.

Ursprünglich entstanden die meisten expressionistischen Filme aufgrund der Entfremdung, die Deutschland vor dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs erlebte. Doch schon bald wuchs die Nachfrage nach diesem experimentellen Filmgenre, und in den frühen 1920er Jahren hatte der deutsche expressionistische Film ein internationales Publikum erreicht. Dies führte dazu, dass viele europäische Filmemacher bei der Produktion verschiedener Filme mit den Techniken des expressionistischen Kinos herumspielten.

Nach den Schrecken des Krieges erlebte das expressionistische Kino eine neue Blütezeit. Bemerkenswerte Beispiele für diese Art von Kino sind Das Kabinett des Dr. Caligari aus dem Jahr 1920, Der Golem: Wie er in die Welt kam aus dem Jahr 1920 und Metropolis aus dem Jahr 1927. Alle drei Filme haben einen düsteren und beunruhigenden Unterton, der den Aufruhr und das Grauen in der Gesellschaft nach dem Ende des Krieges darstellen sollte.

Einfluss des Expressionismus auf das Theater

Die expressionistische Bewegung hatte einen starken Einfluss auf die Entwicklung des deutschen Theaters zu Beginn des 20. Jahrhunderts, zu den bekanntesten Dramatikern gehörten Ernst Toller und Georg Kaiser. In den 1920er Jahren fand der Expressionismus seinen Weg in die Vereinigten Staaten, wo er ebenfalls einen bedeutenden Einfluss auf das dortige Theater ausübte und zur Entwicklung von Stücken der frühen Moderne führte.

Der Österreicher Oskar Kokoschka war nicht nur ein bildender Künstler, sondern auch ein Dramatiker, der ein Stück schrieb, das oft als das erste Drama des Expressionismus bezeichnet wird. Dieses Stück mit dem Titel Mörder, die Hoffnung der Frauen wurde 1909 geschrieben und handelt von einem anonymen Mann und einer Frau, die um die Vorherrschaft kämpfen. Beide Individuen verursachen Schmerzen, wobei der Mann die Frau verbrennt, während sie ihn ersticht und einsperrt. Später befreit er sich und sie stirbt durch seine Berührung. Der Mann ermordet daraufhin alle Menschen in seiner Umgebung, und das Stück endet mit einer beunruhigenden Note.

In den Stücken des Expressionismus wurden häufig die spirituellen Erweckungen und Leiden der Protagonisten dramatisiert, wobei einige Dramatiker eine episodische dramatische Struktur verwendeten, um diese Emotionen zu verstärken, die dem Leiden und Sterben Jesu nachempfunden waren. Expressionistische Dramen übertrieben auch den Kampf gegen die Werte der Oberschicht und die traditionelle Autorität, die in den Stücken häufig von der Vaterfigur verkörpert wurde.

Die Charaktere in den expressionistischen Stücken wurden zu mythischen Typen vereinfacht, es gab chorische Effekte, theatralische Dialoge, die zwar rhapsodisch, aber dennoch abgehackt waren, und eine hohe Intensität. Diese Attribute wurden zu Merkmalen der späteren expressionistischen Stücke. Darüber hinaus war die Inszenierung ein wichtiges Element in diesen Dramen, da die Regisseure auf die Illusion der Realität verzichteten und die Schauspieler in einen zweidimensionalen Raum sperrten. Bemerkenswerte expressionistische Dramatiker, die aus diesen Entwicklungen hervorgingen, sind Tennessee Williams, Arthur Miller und Samuel Beckett.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts kam es als Reaktion auf die tiefgreifenden Veränderungen in der Struktur der modernen Gesellschaft zu einem starken Wandel der künstlerischen Stile und Ideen. Durch die Verstädterung und den Ausbruch des Ersten Weltkriegs änderte sich die Perspektive der Menschen und damit auch ihre Weltsicht, und die Künstler spiegelten die innere Unruhe wider, die sie erlebten. Die Künstler spiegelten die innere Unruhe wider, die sie erlebten, und versuchten, die Auswirkungen des Weltgeschehens auf die Gesellschaft mit unglaublich rohen und wahren Gefühlen darzustellen.

Zusammenfassung der Kunstrichtung des Expressionismus

Was ist der Expressionismus?

Die expressionistische Kunstbewegung beschreibt Kunstwerke, die sich auf die Interpretation intensiver innerer Emotionen konzentrieren, die von Künstlern und der Gesellschaft zu dieser Zeit im Gegensatz zur physischen Realität erlebt wurden. Die Künstler konzentrierten sich in ihren Werken auf die genaue Darstellung dieser Emotionen, die eine Reaktion auf die massenhafte Verstädterung und den Beginn des Ersten Weltkriegs darstellten. Die Zeit des Expressionismus erstreckte sich von 1905 bis etwa 1920.

Was ist die Definition des Expressionismus?

Da die Kunstrichtung des Expressionismus so breit gefächert ist, war es schwierig, sie genau zu definieren. Der Expressionismus überschnitt sich mit einer Vielzahl anderer Bewegungen, wobei einige dieser Techniken ihren Weg in die Kunst des Expressionismus fanden. Eine angemessene Definition wäre daher, zu sagen, dass der Expressionismus eine Bewegung war, die den emotionalen Ausdruck über den Realismus in Kunstwerken stellte.

Wer waren die berühmten Maler des Expressionismus?

Wichtige Künstler der Bewegung waren Wassily Kandinsky, Ernst Ludwig Kirchner, Franz Marc, Karl Schmidt-Rottluff, Oskar Kokoschka und Egon Schiele. Zwei wichtige Vorläufer der Bewegung waren außerdem Edvard Munch und Vincent van Gogh.

Welche künstlerischen Gruppen entwickelten sich als Reaktion auf den Expressionismus in der Kunst?

Innerhalb der expressionistischen Bewegung entwickelte sich in Berlin der deutsche Expressionismus. Die beiden Gruppen, die zu dieser Bewegung gehörten, hießen Die Brücke (1905 – 1913) und Der Blaue Reiter (1911 – 1914).

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.