Berühmte Portrait Gemälde der Kunstgeschichte – Unsere Top 15

Porträtmalerei ist seit vielen Jahrhunderten ein unglaublich beliebtes Genre der Malerei. Die meisten Künstlerinnen und Künstler haben im Laufe ihrer Karriere mit irgendeiner Form der Porträtmalerei experimentiert, und einige von ihnen haben die berühmtesten Porträtgemälde aller Zeiten geschaffen. Obwohl sie so bewundert wird, ist die Porträtmalerei eines der schwierigsten Genres in der Kunstwelt, das es zu meistern gilt. Im Folgenden werfen wir einen Blick auf 15 der berühmtesten Porträtmaler, die jemals gelebt haben, sowie auf ihre ikonischen und immer noch verehrten Kunstwerke.

Was sind Porträtgemälde?

Das Porträt gilt als das am weitesten verbreitete Genre in der Malerei und wurde von den meisten Künstlern irgendwann einmal versucht. Der Begriff „Porträtmalerei“ wurde entwickelt, um sowohl die dargestellte Person als auch das Gemälde selbst genau zu klassifizieren. Da sich dieser uralte Stil durch die Darstellung anderer Menschen definiert hat, wurde im Laufe der Jahre eine umfangreiche Sammlung berühmter Kunstporträts zusammengestellt, zu der verschiedene einflussreiche Malerinnen und Maler beigetragen haben.

Die Porträtmalerei gilt als die anspruchsvollste Form der Malerei überhaupt, da sie eine eifrige Schärfe erfordert, um die menschliche Gestalt bis ins kleinste Detail zu porträtieren. In der Regel versuchen Künstler/innen, die ein Porträt malen, ein genaues Abbild ihrer Person zu schaffen und dabei deren körperliche, geistige und sogar spirituelle Eigenschaften auf bewundernswerte Weise zu betonen.

Da Porträts dazu neigen, sowohl beim Künstler als auch beim Betrachter große Emotionen hervorzurufen, ist der Fokus auf das Gesicht, den Ausdruck und die Persönlichkeit der Person sehr einflussreich.

Jacob Cornelisz. van Oostsanen malt ein Porträt seiner Frau (1550) von Dirck Jacobsz. ; Dirck Jacobsz., Public domain, via Wikimedia Commons

Viele der besten Künstler der Geschichte hatten ein bemerkenswertes Talent, das es ihnen ermöglichte, das Wesentliche der menschlichen Gefühle in einem einzigen Porträt auszudrücken. Oft haben diese Künstler die menschliche Anatomie bis ins kleinste Detail studiert, so dass sie die Feinheiten in jeder kleinen Veränderung des Ausdrucks genau verstehen und in ihren Kunstwerken darstellen konnten. Interessanterweise sind bei der Betrachtung der berühmtesten Porträtgemälde aller Zeiten die Künstler meist allgemein bekannt, während das eigentliche Thema des Werks weniger offensichtlich ist.

Neben den bekannten Porträts, die es gibt, waren viele Künstler, die lebten, während ihrer Karriere ausschließlich dafür bekannt, Porträts zu malen.

Diese berühmten Porträtmalerinnen und -maler schufen in der Regel Kunstwerke auf der Grundlage von Aufträgen für öffentliche und private Gruppen, wobei die Gemälde als Erinnerung an die Wohlhabenden und Einflussreichen dienten. Wenn man die berühmtesten Porträtgemälde betrachtet, die im Laufe der Jahre entstanden sind, darunter sowohl Gruppen- als auch Selbstporträts, wird deutlich, welch großen Einfluss diese spezielle Form der Malerei auf die Kunstwelt hatte.

Unsere Top 15 der berühmtesten Porträtgemälde aller Zeiten

Im Laufe der Geschichte haben berühmte Kunstporträts und Künstler die Kunstwelt dominiert. Das liegt zum einen an der hohen Kunstfertigkeit, die für die Herstellung von Porträts erforderlich ist, und zum anderen an der großen Wirkung, die bestimmte Künstler auf ihr Publikum hatten. Wenn du bestimmte Porträts vergleichst, stechen einige aufgrund des gewählten Themas, der Art, wie das Werk gemalt wurde, oder sogar wegen des Künstlers selbst mehr heraus als andere.

Die folgende Liste ist zwar keineswegs vollständig, aber wir haben unsere Top 15 der berühmtesten Porträtgemälde aller Zeiten zusammengestellt.

Mona Lisa (1503 – 1506) von Leonardo da Vinci

Das wohl berühmteste Porträt der Kunstgeschichte und das bekannteste Kunstwerk ist die Mona Lisa, die von Leonardo da Vinci zu Beginn des 16 ^{Jahrhunderts gemalt wurde. Sowohl die technischen Aspekte des Gemäldes als auch das eigentliche Motiv haben die Betrachter seit Jahrhunderten fasziniert und großes Interesse hervorgerufen.}

Auch bekannt als „Porträt der Lisa Gherardini“, nutzte da Vinci extreme Details, um den neugierigen Ausdruck ihres Gesichts und ihrer Augen genau einzufangen, von denen es heißt, dass sie dir folgen, wo immer du stehst.

Porträt der Mona Lisa del Giocondo (1503-1506) von Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Wenn du dir die Komposition der Mona Lisa ansiehst, wird durch die Position ihrer verschränkten Arme auf subtile Weise ein Dreieck gebildet, das zu ihrem Kopf hinaufführt. Diese Pose war zu der Zeit zwar bekannt und beliebt, aber die nuancierte Art, wie da Vinci sie einfing, half, die ganze Aufmerksamkeit auf ihr interessantes Gesicht zu lenken.

Selbstbewusst schaut sie den Betrachter mit einem sanften Lächeln im Gesicht an, doch ihre wandernden Augen und ihr verschmitztes Grinsen sind seit dem Debüt des Kunstwerks das zentrale Thema der Debatte. Das liegt daran, dass ihr „rätselhaftes Lächeln“ angeblich zu viel und gleichzeitig zu wenig aussagt.

Obwohl sie als das größte Kunstwerk aller Zeiten bezeichnet wird, haben einige Kunsthistoriker die Mona Lisa „überbewertet“. Das liegt vor allem an ihrer geringen Größe. Manche glauben, dass da Vinci das Kunstwerk unvollständig gelassen hat, weil ihr die Augenbrauen fehlen. Die Mona Lisa erlangte erst 1911, nachdem sie gestohlen worden war, weltweite Berühmtheit und wurde schließlich zum meistbesuchten, meistbeschriebenen und meistparodierten Kunstwerk der Welt. Im Jahr 2016 brach sie den Guinness-Weltrekord für eine Versicherungssumme von 100 Millionen Dollar und im Jahr 2021 ist die Mona Lisa über 870 Millionen Dollar wert.

Vertumnus (1591) von Giuseppe Arcimboldo

Es ist unmöglich, den Malstil von Giuseppe Arcimboldo nicht zu erkennen, denn der Renaissance-Künstler war berühmt dafür, seine Porträts ausschließlich aus Früchten, Gemüse und Pflanzen zu malen. Arcimboldo, der für seine skurrilen Porträts bekannt ist, konnte seine Porträtierten durch die Verwendung einer Vielzahl von Gegenständen einigermaßen genau darstellen. Vertumnus sollte den Heiligen Römischen Kaiser Rudolf II. darstellen, der der römische Gott der Metamorphosen in der Natur und im Leben war.

Jeder Gegenstand, der in dem Gemälde verwendet wurde, stand in irgendeiner Weise in direktem Zusammenhang mit dem Kaiser.

Vertumnus oder Rudolf II. von Hamburg (1590) von Giuseppe Arcimboldo; Giuseppe Arcimboldo, Public domain, via Wikimedia Commons

Trotz Arcimboldos spielerischer Herangehensweise an die Porträtmalerei ist Vertumnus unglaublich präzise in seiner Gestaltung, denn jedes Detail des ausdrucksstarken Gesichts des Kaisers wird durch ein anderes Nahrungsmittel oder eine Pflanze dargestellt. Auch wenn das berühmte Porträt auf den ersten Blick albern wirken mag, kann man die große Mühe erkennen, die Arcimboldo in sein Werk gesteckt hat, denn sogar die einzelnen Zähne sind sichtbar.

Bei der Betrachtung seines ikonischen Gemäldes wird dem Betrachter klar, wie viel Fantasie und Liebe zum Detail Arcimboldo aufwenden musste, um ein makelloses Porträt zu schaffen.

Obwohl Vertumnus alles andere als realistisch ist, muss das reine Talent von Arcimboldo gelobt werden. Auch wenn er grüne Bohnen, rote Früchte und Äpfel gewählt hat, um markante Merkmale darzustellen, befolgte Arcimboldo dennoch die meisten Prinzipien für typische Porträts der damaligen Zeit. Während der gedämpfte schwarze Hintergrund den Standards für Porträts entsprach, wählte er auch die Objekte sorgfältig aus.

Indem er Blumen und Früchte aus allen Jahreszeiten darstellte, symbolisierte Arcimboldo auf subtile Weise den Überfluss und die Harmonie der Herrschaft Kaiser Rudolfs. Da er kein beliebter Herrscher war, können wir nur vermuten, dass Arcimboldo ein wenig schmeichelhaftes Bild von ihm malen wollte. Ein möglicher Grund dafür könnte sein, dass Kaiser Rudolf ein großer Förderer von Arcimboldos Kunst war.

Die Milchmagd(um 1658) von Johannes Vermeer

Das Gemälde Die Milchmagd, auch „Die Küchenmagd“ genannt, wurde von dem niederländischen Künstler Johannes Vermeer gemalt, der zu den großen Meistern des Goldenen Zeitalters der Niederlande gehörte. Das Gemälde zeigt eine alltägliche und häusliche Szene mit einer Küchenmagd, die Milch aus einem Krug einschenkt, und unterscheidet sich stark von Vermeers anderen Werken. Denn es war das erste Mal, dass er eine einfache und robuste ältere Frau als Motiv wählte, im Gegensatz zu den wohlhabenden und eleganten jungen Damen, die er normalerweise malte.

Dieses Gemälde befindet sich im Rijksmuseum und gilt zweifellos als eine der schönsten und beliebtesten Attraktionen des Museums.

Das Milchmädchen (um 1660) von Johannes Vermeer; Johannes Vermeer, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Milchmagd gilt als eines von Vermeers bemerkenswertesten Werken, denn seine Fähigkeit, eine banale Szene aus dem Alltag so ehrlich einzufangen, wurde sehr bewundert. Was Die Milchmagd zu einem so interessanten Porträt macht, ist die völlige Stille, die Vermeer erreicht hat. Abgesehen vom Einschenken der Milch, das die ganze Aufmerksamkeit der Dame auf sich zieht, bewegt sich nichts in der Komposition.

Vermeer wurde hoch gelobt für seine Fähigkeit, eine so unscheinbare Tätigkeit zum Thema eines unglaublich beeindruckenden Gemäldes zu machen.

Die Milchmagd steht wie eine Statue in einem hell erleuchteten Raum und lenkt unsere Aufmerksamkeit auf ihre einfache Aufgabe. Da Vermeer ihre Figur mit einer leicht gesenkten Perspektive malte, bot er den Betrachtern eine sehr monumentale Figur zum Betrachten und Nachdenken. Durch seinen Umgang mit Perspektive und Licht schuf Vermeer eine realistisch wirkende Küche, die bis auf die Tätigkeit des Milchmädchens kahl erschien.

Selbstporträt (1660) von Rembrandt van Rijn

Ein weiteres berühmtes Porträtgemälde auf unserer Liste, das von einem namhaften Künstler geschaffen wurde, ist das Selbstporträt, das von dem berühmten Rembrandt van Rijn gemalt wurde. Rembrandt, der als Maler des Lichts bekannt ist, erklärte, dass seine Farbpalette nur aus dunklen Farben besteht, weil er der Meinung war, dass das Licht das Hauptthema in einem Gemälde sein sollte. Während seiner Karriere malte Rembrandt über 40 verschiedene Selbstporträts und schuf das Selbstporträt, als er 54 Jahre alt war. Dieses Gemälde zeichnete sich besonders durch seine faltige Stirn und seinen besorgten Ausdruck aus.

Bei der Betrachtung dieses Gemäldes liegt der Schwerpunkt des Werks auf dem unglaublich besorgten Gesichtsausdruck von Rembrandt, der den verzweifelten Zustand seines Geistes ausdrücken soll.

Selbstporträt (1660) von Rembrandt; Rembrandt, Public domain, via Wikimedia Commons

In diesem Porträt hat Rembrandt sich selbst schonungslos dargestellt, da er die Zeichen des Alterns durch die Art und Weise, wie er sein zerfurchtes Gesicht malte, deutlich zu erkennen gab. Zusätzlich zu den Falten auf der Stirn malte Rembrandt dicke Tränensäcke unter den Augen, die auf extreme Müdigkeit schließen lassen, sowie ein Doppelkinn.

Zu der Zeit, als das Selbstporträt gemalt wurde, hatte das Porträt noch nicht den Unterton einer großen persönlichen Entdeckung. Das kam erst später in der Zeit der Romantik, was bedeutete, dass Rembrandts Selbstporträt nur eine Möglichkeit war, zu dokumentieren, wer er im 17^ten Jahrhundert war. Als Rembrandt das Selbstporträt schuf, hatte er seine Frau und eines seiner Kinder verloren und war nur knapp dem Bankrott entgangen, weil er die meisten seiner Gemälde verkauft hatte.

All das kann die völlige Erschöpfung und Hoffnungslosigkeit in seinem Gesicht erklären.

Das Mädchen mit dem Perlenohrring(um 1665) von Johannes Vermeer

Das wichtigste Kunstwerk, das Johannes Vermeer je geschaffen hat, und möglicherweise eines seiner berühmtesten Porträtgemälde, ist das Mädchen mit dem Perlenohrring. Ursprünglich hieß es „Das Mädchen mit dem Turban“. Das Mädchen mit dem Perlenohrring gilt weithin als ein bedeutendes Werk der westlichen Kunst und wird oft als die „Mona Lisa des Nordens“ bezeichnet. Es gibt viele Spekulationen über die Identität der jungen Frau auf dem Porträt. Die gängigste Theorie besagt, dass es sich um ein Gemälde von Maria Vermeer handelt, der ältesten Tochter des Malers.

Eine umstrittene Tatsache des Mädchens mit dem Perlenohrring ist, dass es zwar weithin als eines der bedeutendsten Porträts aller Zeiten gilt, aber kein echtes Porträt im technischen Sinne ist. Stattdessen wird es als „Tronie“ bezeichnet, eine beliebte Art der Malerei im Goldenen Zeitalter der Niederlande. Eine Tronie war in der Regel die Studie einer nicht identifizierten Person, die zum Gegenstand des Kunstwerks wurde.

Diese Personen trugen auch luxuriöse Kleidungsstücke und wurden vor einem einfachen und klaren Hintergrund dargestellt, was ihren anonymen Charakter noch mehr betonte.

Mädchen mit dem Perlenohrring (ca. 1665) von Johannes Vermeer; Johannes Vermeer, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Mädchen, das den Betrachter fest anschaut, wurde mit einem fesselnden Ausdruck dargestellt, der beim Betrachten des Werks die Neugierde des Publikums weckte. Vermeer wurde für seinen unglaublichen Realismus und seine Fähigkeit gelobt, den unauffälligen Wechsel zwischen Hell und Dunkel einzufangen. Die Frau trägt einen hellblauen Turban, der einen schönen Kontrast zu ihrem gelben Kleid und dem Stück Stoff hinter ihrer Schulter bildet und so ein dramatisches Bild erzeugt. Das hilft, den Fokus auf das Hauptelement des Werks zu lenken, nämlich ihren glitzernden Perlenohrring, der zu sehen ist.

Arrangement in Gray and Black No. 1 (1871) von James McNeill Whistler

Der amerikanische Künstler James McNeill Whistler schuf mit seinem Arrangement in Gra18y and Black No. 1 eines der berühmtesten Porträts der Geschichte. Besser bekannt als Whistlers Mutter, schuf Whistler dieses bekannte Porträt seiner Mutter, Anna McNeill Whistler, nachdem sein Modell den Termin nicht wahrnehmen konnte und er seine Mutter bat, für sein Motiv einzuspringen. Ursprünglich wollte er sein Modell für dieses Porträt stehen lassen, aber Whistlers Mutter war zu unbequem, um längere Zeit zu stehen, also änderte er seine ursprüngliche Idee.

Während dieses Porträt als berühmtes amerikanisches Kunstwerk existiert, hatte Whistler nicht die Absicht, ein Porträt zu schaffen.

Arrangement in Gray and Black No. 1 oder Whistler’s Mother (1871) von James McNeill Whistler; James McNeill Whistler, Public domain, via Wikimedia Commons

Damals fand er viele Ähnlichkeiten zwischen Musik und Malerei, was dazu führte, dass er viele seiner Kunstwerke mit dem Namen „Harmonie“ und anderen musikalischen Begriffen bezeichnete. Als er dieses Werk Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 1 betitelte, ging es Whistler vor allem darum, den Tonwert in seinem Werk über alle anderen Interpretationen zu stellen.

Doch seine Mutter rückte schnell in den Mittelpunkt des Werks, was dazu führte, dass das Gemälde als Porträt angesehen wurde.

Whistler gelang es, seine Mutter, die damals 67 Jahre alt war, in einem Zustand der Trauer einzufangen. Sie trug nur schwarze Kleidung und hatte einen sehr düsteren Gesichtsausdruck, was Whistler viel Lob für seine Fähigkeit einbrachte, solch tiefe Gefühle nur mit dem Seitenprofil seines Motivs darzustellen. Zusätzlich zu der Tatsache, dass seine Mutter vor einer grauen Wand sitzt, sind auf dem Gemälde verschiedene Schattierungen von dunklen und hellen Tönen zu sehen. Dies trug zu dem hohen Grad an Realismus bei, der in solch düsteren und traurigen Werken selten zu sehen war.

Porträt der Madame X (1884) von John Singer Sargent

Ein weiterer amerikanischer Künstler, der es auf unsere Liste berühmter Porträtkünstler geschafft hat, ist John Singer Sargent, der das Porträt von Madame X geschaffen hat. Sargents Porträt stahl die Herzen von Kunstliebhabern auf der ganzen Welt, als sein Werk zum ersten Mal enthüllt wurde. Die Betrachter konzentrierten sich auf die zarte Schönheit, die er darzustellen vermochte. Viele Kritiker und Beamte waren jedoch anderer Meinung und meinten, das Kunstwerk sei viel zu provokativ, um so verehrt zu werden, wie es damals in Frankreich war.

Das Gemälde stellte Virginie Amélie Avegno Gautreau dar, eine junge Dame der Gesellschaft, die die Frau des erfolgreichen französischen Bankiers Pierre Gautreau war.

Porträt der Madame X (Madame Pierre Gautreau) (1883-1884) von John Singer Sargent; Metropolitan Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Porträt von Madame X war kein Auftragswerk von Sargent, denn er bat ausdrücklich darum, seine Auslandskollegin zu malen, während sie beide in Paris waren. Sargent malte sein Motiv in einem schwarzen Satinkleid mit schmuckbesetzten Trägern, das gleichzeitig Teile ihres Körpers enthüllte und verbarg. Der helle Ton ihres Körpers bildete einen schönen Kontrast zu den dunklen Farben ihres Kleides und des Hintergrunds.

Als Sargent sein Werk 1884 auf dem Pariser Salon präsentierte, wurde er von den konservativen Mitgliedern der französischen Gesellschaft heftig angefeindet. Diese Reaktion zwang ihn schließlich, das Land zu verlassen und nach London zu ziehen. Sargent versuchte zwar, den Namen von Madame Gautreau durch den anonymen Titel des Werks zu verbergen, aber sein Versuch erwies sich als nutzlos.

Die Zeitungen veröffentlichten unzählige Karikaturen und satirische Gedichte, die sowohl sie als auch Sargent verspotteten, wobei diese Kritiker den unglaublichen Grad an Realismus in seinem Gemälde nicht erkannten. 

Porträt einer jungen Frau (um 1885) von Edgar Degas

Der ikonische Künstler Edgar Degas experimentierte während seiner Karriere ein wenig mit Porträts und schuf als Ergebnis das Porträt einer jungen Frau. Als bekannter Maler des Impressionismus war Degas vor allem für seine Darstellungen von Ballerinen und den Einfluss der Fotografie auf seine Bilder bekannt.

In seinem Porträt, das anscheinend schnell fertiggestellt wurde, porträtierte Degas eine junge Frau mit einem undeutlichen Gesichtsausdruck, der noch dadurch unterstrichen wird, dass ihr Blick die Augen der Betrachter nicht trifft.

Porträt einer jungen Frau (c. 1885) von Edgar Degas; Edgar Degas, CC0, via Wikimedia Commons

Da sowohl im Hintergrund des Werks als auch in der Kleidung der Frau grobe Pinselspuren zu sehen sind, wirkt das Gemälde sehr gehetzt. Degas, der es verstand, die Feinheiten von Gestik und Ausdruck zu erkennen, konzentrierte sich ganz darauf, den Ausdruck und den nachdenklichen Blick der Frau einzufangen. Die gestischen Pinselstriche bringen Bewegung in das ansonsten ruhige Gemälde und zeigen, dass der Hintergrund und die Kleidung im Vergleich zum neugierigen Blick der Frau zweitrangig sind.

Selbstporträt mit Strohhut (1887) von Vincent van Gogh

Ein Künstler, der nicht davor zurückschreckte, mit Porträts zu experimentieren, war der weltberühmte Vincent van Gogh, von dem bekannt ist, dass er über 35 Porträts von sich selbst gemalt hat. Obwohl er sich so sehr mit diesem Malstil beschäftigte, wurde nur ein einziges Porträt von ihm von einem anderen Künstler gemalt. Eines seiner berühmten Porträts ist das Selbstporträt mit Strohhut, das er im Jahr 1887 in fünf verschiedenen Versionen malte.

Van Gogh genoss es, sein eigenes Modell zu sein, um seine Porträttechniken zu üben und kaufte sich eigens zu diesem Zweck einen ausreichend großen Spiegel.

Selbstporträt mit Strohhut (1887/1888) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Van Gogh zeigte ein großes Interesse am menschlichen Gesicht, was sich in seinen zahlreichen Selbstporträts widerspiegelt. Er begann seine Selbstporträt mit Strohhut-Serie zwischen 1886 und 1888, als er mit seinem Bruder in Paris lebte, um die Gefühle, die er zu dieser Zeit empfand, genau darzustellen.

In diesem speziellen Gemälde offenbarte van Gogh seine bröckelnde geistige und körperliche Gesundheit durch den engen Mund, den er malte, und die tiefen Farben und Schatten, die er wählte, wobei der wilde Hintergrund seinen Verfall noch mehr betonte.

In seinem Porträt porträtierte sich van Gogh mit einem gelben Strohhut und einem blauen Arbeitsmantel, wie ihn normalerweise die Landarbeiter tragen. Das alles war bewusst gewählt, was van Gogh dazu veranlasste, dieses spezielle Outfit mehrfach zu tragen, als er verschiedene Versionen des Selbstporträts mit Strohhut malte. Die Kleidung sollte zu van Goghs Selbstverständnis als Künstler eines Arbeiters passen, denn die Kleidung drückte das Bild aus, das er darzustellen versuchte.

Frau mit Hut(1905) von Henri Matisse

Zu Beginn des 20^th Jahrhunderts wurde Henri Matisse ein weiterer Künstler, den wir unserer Liste berühmter Porträtkünstler hinzufügen können, als er Woman with a Hat schuf. Er schuf dieses mehrfarbige Porträt seiner Frau Amélie, das auf dem Pariser Salon in jenem Jahr durch seine Farbenpracht auffiel. Matisse verfolgte einen ganz anderen Ansatz in der Porträtmalerei, denn anstatt zu versuchen, seine Darstellung so realistisch wie möglich zu gestalten, spritzte er so viel Farbe wie möglich, um die Gefühle, die er empfand, in seinen Werken angemessen auszudrücken.

Der spielerische Ton, den Matisse bei der „Frau mit Hut“ anschlug, sollte den Betrachtern zeigen, wie sehr er seine Frau liebte, und außerdem auf lustige Weise auf ihren eigentlichen Beruf als Hutladenbesitzerin hinweisen.

Matisse und seine Frau waren mehr als 40 Jahre lang verheiratet und trennten sich schließlich, weil er ihr sagte, dass er „die Malerei immer mehr lieben würde“. Frau mit Hut ist dann als Erinnerung an ihre lange Ehe entstanden.

Die kühne und noch nie dagewesene Farbkombination in Frau mit Hut verunsicherte die Öffentlichkeit sehr, als es 1905 auf dem Salon ausgestellt wurde, denn die meisten Kritiken waren negativ. Das lag zum Teil daran, dass der Stil des Fauvismus, den Matisse mit seinen früheren Werken gerade erst eingeführt hatte, sich stark von dem Stil unterschied, an den die Öffentlichkeit bereits gewöhnt war.

Dieses Gemälde zementierte den Stil des Fauvismus weiter, da es den rasanten Wandel in der Kunst demonstrierte, der das Publikum erheblich aufregte.

Porträt von Adele Bloch Bauer I (1907) von Gustav Klimt

Eines der bekanntesten und berühmtesten Porträtgemälde ist das Porträt von Adele Bloch Bauer I, das der österreichische Künstler Gustav Klimt 1907 gemalt hat. Klimt malte das Porträt von Adele Bloch-Bauer, einer wohlhabenden Jüdin aus Wien, auch „Die Dame in Gold“ und „Die Frau in Gold“ genannt. Das Porträt wurde von ihrem Mann, dem jüdischen Bankier und Zuckerproduzenten Ferdinand Bloch-Bauer, bei Klimt in Auftrag gegeben. Zu dieser Zeit hatte Klimt seine Identität als Maler attraktiver Frauen innerhalb der jüdischen Wiener Gesellschaft gefestigt.

Dieses Porträt gilt als Klimts repräsentativstes Werk, das er während seiner goldenen Phase schuf.

Porträt von Adele Bloch-Bauer I (1907) von Gustav Klimt; Gustav Klimt, Public domain, via Wikimedia Commons

Durch die Verwendung von Silber und Gold zusätzlich zur Farbe auf der Leinwand konnte Klimt eine wahrhaft ätherische Darstellung von Adele Bloch Bauer schaffen, die durch den starken Fokus, den er auf die Weiblichkeit in diesem Werk legte, noch unterstrichen wurde. Das Gold, das Frau Bloch Bauer umgab, beleuchtete ihre Figur und ihre gut ausgeprägten Gesichtszüge.

Als hochgeschätzte Förderin der Künste verdeutlichte diese Illumination, wie beliebt sie in der Kunstwelt war.

Das Porträt von Adele Bloch Bauer I wurde angeblich als Jubiläumsgeschenk für Ferdinands Schwiegereltern gemalt, wobei das Gemälde in der Familie blieb und an Museen und Galerien zur Ausstellung ausgeliehen wurde. Als Frau Bloch Bauer 1925 starb, bat sie darum, dass das Gemälde der Österreichischen Staatsgalerie in Wien geschenkt wird. Ihre Familie war damit nicht einverstanden und so wurde das Gemälde schließlich 1941 von den Nazis beschlagnahmt. Nach dem Krieg wurde das Gemälde erst 2006 an die Familie Bloch-Bauer zurückgegeben, die es dann Monate später für 135 Millionen Dollar verkaufte.

Amerikanische Gotik(1930) von Grant Wood

Ein weiteres amerikanisches Gemälde, das auf der Liste der berühmtesten Kunstporträts steht, ist American Gothic, das 1930 von Grant Wood gemalt wurde. Wood schuf dieses Porträt, nachdem er das Dibble House in Eldon, Iowa, gesehen hatte, und ließ sich von der Architektur des Farmhauses aus dem 19. Um die neugotische Szene zu schaffen, die er wollte, fügte Wood Porträts von Menschen hinzu, die seiner Meinung nach in diesem Haus leben sollten.

Er skizzierte das Haus zunächst auf der Rückseite eines Briefumschlags und begann, nachdem er die Erlaubnis der Besitzer eingeholt hatte, mit dem Malen.

American Gothic (1930) von Grant Wood; Grant Wood, Public domain, via Wikimedia Commons

Während viele Leute dachten, dass das melancholische Paar auf einem tatsächlichen Farmerpaar basierte, entschied sich Wood, seine jüngere Schwester Nan Wood Graham und den Zahnarzt Dr. Bryon McKeeby zu malen. Er wollte die beiden als Vater und Tochter darstellen, aber er war offen für die Interpretationen der Betrachter, als klar wurde, dass andere sie als Ehepaar betrachteten.

Er erklärte, dass ihre Beziehung von geringer Bedeutung sei, da das wichtigste Element des Werks darin bestehe, ob ihre Gesichter wahrheitsgetreu seien und Aspekte des amerikanischen Lebens zeigten.

Die beiden ernsten Gestalten, die vor ihrem bescheidenen Farmhaus stehen, waren ein klares Zeugnis für die Schwierigkeiten, mit denen die amerikanischen Bürger während der Großen Depression der 1920er Jahre konfrontiert waren. Woods Gemälde spiegelte den hart arbeitenden amerikanischen Geist wider, auf den die Bürgerinnen und Bürger sehr stolz waren, und ist zu einem klassischen und viel parodierten Werk der amerikanischen Kultur geworden. Wood präsentierte American Gothic auf der jährlichen Ausstellung des Art Institute of Chicago im Jahr 1930, wo es eine Bronzemedaille gewann. Das Museum erwarb das Gemälde, wo es heute noch aufbewahrt wird.

Le Réve (1932) von Pablo Picasso

Pablo Picasso ist wohl einer der größten Maler aller Zeiten, wobei Le Réve als sein berühmtestes Porträt überhaupt gilt. Das Motiv dieses Porträts war Marie-Thérèse Walter, die damals 22-jährige Geliebte Picassos. Im Gegensatz zu Picassos anderer Geliebten, Dora Maar, die er regelmäßig als ängstlich oder bedrohlich darstellte, entschied er sich dafür, Marie-Thérèse als eine fröhliche und helle Figur mit schönen blonden Haaren darzustellen, die sehr einladend und warmherzig wirkte.

Die Verwendung von vereinfachten Linien und kontrastreichen Farben verstärkte die Betonung von Picassos Porträt, da es dem frühen kubistischen und fauvistischen Stil der 1910er Jahre ähnelte.

Le Réve gehört zu Picassos Periode der verzerrten Darstellungen, da seine verzerrte Darstellung von Marie-Thérèse es dem Betrachter extrem schwer machte, die Figur automatisch zu identifizieren. Picasso schuf viele Werke mit offensichtlichen erotischen Elementen. Le Réve erschreckte Kritiker und Betrachter, als es zum ersten Mal ausgestellt wurde, mit den unglaublich sinnlichen und anzüglichen Teilen, die zu sehen waren.

Das lag daran, dass Picasso auf der einen Seite des geneigten Gesichts seiner Geliebten etwas malte, das wie ein erigierter Penis aussah und angeblich seinen eigenen symbolisieren sollte. Auch die Farbe, die in diesem Teil des Kunstwerks verwendet wurde, verstärkte den Eindruck, dass tatsächlich ein Penis abgebildet war, denn Picasso wählte für diese Gesichtshälfte einen sehr neutralen und fleischfarbenen Ton.

Im Jahr 2013 ging „Le Réve“ mit 155 Millionen Dollar als fünftteuerstes Gemälde in die Geschichte ein, das jemals verkauft wurde. Im Jahr 2017 blieb dieser Preis der zweithöchste Preis, der jemals für ein Picasso-Gemälde gezahlt wurde.

Die beiden Fridas (1939) von Frida Kahlo

Die Künstlerin, die als eine der berühmtesten Porträtkünstlerinnen aller Zeiten gilt, war Frida Kahlo, die im Laufe ihrer Karriere viele ikonische Selbstporträts malte. Die zwei Fridas ist eine sehr seltsame, aber nachdenklich stimmende Darstellung des dualen Lebens der Künstlerin, denn Kahlo malte dieses Porträt zur Zeit ihrer Scheidung von ihrem Künstlerkollegen Diego Rivera. Die beiden waren für ihre explosive und unberechenbare Beziehung bekannt, in der sie oft heirateten, sich scheiden ließen und dann wieder heirateten.

In Die zwei Fridas werden zwei Versionen von Kahlo gemalt. Beide Darstellungen von Kahlo sitzen auf eine anmutige, aber rätselhafte Art und Weise und starren den Betrachter unentwegt an. Die Version auf der linken Seite trägt ein elegantes Kleid mit europäischem Design, das bei wohlhabenderen Mexikanern beliebt war, da es Wohlstand symbolisierte. Die Version auf der rechten Seite trägt ein traditionelleres mexikanisches Kleid, das aus vielen Farben besteht.

Diese beiden Frauen zeigen deutlich den starken Einfluss, den Europa zu dieser Zeit auf das Wesen des mexikanischen Erbes ausübte.

Der wohl größte Blickpunkt in Die zwei Fridas sind die beiden lebensechten und grausamen Herzen, die Kahlo malte. Während die europäischere Version von ihr selbst mit einem gebrochenen Herzen gezeigt wird, können die Betrachter deutlich sehen, wo Kahlos eigenes Herz wirklich lag, denn die traditionelle Frida auf der rechten Seite hat ein lebendiges und gesundes Herz.

Dieses Gemälde, wie auch die meisten anderen Selbstporträts von Kahlo, ist eine tiefe symbolische Darstellung der physischen und psychischen Traumata, denen sie in diesem Moment ausgesetzt war, wobei dieses Porträt für den tiefen Verlust steht, den sie empfand.

Marilyn Diptych (1967) von Andy Warhol

Der letzte Künstler und das letzte Kunstwerk auf unserer Liste der berühmten Porträtgemälde ist Andy Warhols Marilyn Diptych, das er 1962 schuf. Dieses monumentale Pop-Art-Siebdruckgemälde stellte die ikonische amerikanische Schauspielerin Marilyn Monroe dar und ist das bekannteste Werk Warhols, das die Schauspielerin zeigt. Für Warhol war Monroe eine unerschöpfliche Inspirationsquelle und er machte sich daran, ihr Porträt in einer Reihe von farbenfrohen Drucken zu vervielfältigen. Dieses Porträt entstand kurz nach dem Tod der Schauspielerin an einer Überdosis Drogen im Jahr 1962.

Das Diptychon enthält ein Foto von Monroe, das sowohl in Farbe als auch in Schwarz-Weiß mehrfach vervielfältigt wurde.

Warhol benutzte ein Werbefoto aus ihrem Film mit dem Titel Niagara aus dem Jahr 1953 als Ausgangsmaterial. Das Originalfoto wurde in Schwarzweiß aufgenommen und zeigte Monroe mit ihrem ikonischen, eingefrorenen Lächeln. In den farbigen Porträts, die Warhol anfertigte, verwendete er leuchtende Farben für ihr Gesicht, um ihr Make-up in hohem Maße zu intensivieren.

Aufgrund der exzessiven Farben, die Warhol verwendete, kann das Marilyn Diptych zu bestimmten Zeiten wie eine echte Darstellung der Monroe aussehen. Zu anderen Zeiten kann dieses Diptychon ganz andere Darstellungen annehmen, denn die unglaublich leuchtenden Farben von Monroes vielen Gesichtern sind für die Augen der Betrachter extrem hart. Die kontrastierenden Leinwände sind eine Anspielung auf das Aufeinanderprallen von Monroes öffentlichem und privatem Ich und Warhols seltsame Art, ihre brillante Präsenz in Hollywood während der 1950er und 1960er Jahre zu würdigen, da sie zu diesem Zeitpunkt eine der berühmtesten Frauen der Welt war.

In der sich entwickelnden Kunstwelt ist die Porträtmalerei eine der wenigen alten Kunstgattungen, die auch heute noch verwendet werden. Wir haben zwar nur 15 der berühmtesten Kunstporträts aller Zeiten vorgestellt, aber es gibt noch viele andere wichtige und ebenso berühmte Porträtgemälde, die in unsere Liste aufgenommen werden können. Bemerkenswerte Künstler, die sich auf Porträts spezialisiert haben, schufen oft mehr als ein bekanntes Porträt, was bedeutet, dass es noch viele andere Kunstwerke gibt, die es zu entdecken gilt. Wenn dir dieser Artikel gefallen hat, möchten wir dich ermutigen, dich über diese anderen Werke zu informieren.

Häufig gestellte Fragen

Muss ein Porträt nur eine Person abbilden?

Mehrere berühmte Porträtkünstler haben ikonische Porträts geschaffen, die aus mehr als einer Person bestanden. Diese werden im Allgemeinen als „Gruppenporträts“ bezeichnet, bei denen jeder Einzelne eine Pose einnimmt und seinen besten Ausdruck zeigt. Gruppenporträts waren und sind immer noch unglaublich beliebt für Familienporträts, wobei die bekanntesten Beispiele für königliche Familien in Auftrag gegeben wurden. Heutzutage können Familienporträts immer noch durch Malerei festgehalten werden, aber die moderne Erfindung der Fotografie hat es den Menschen ermöglicht, ihre eigenen Porträts zu erstellen, ohne einen Künstler zu benötigen.

Welches ist das berühmteste Porträt, das es gibt?

Wenn wir die Liste der berühmten Porträts auf ein einziges Gemälde eingrenzen müssten, wäre das berühmteste Porträt definitiv Leonardo da Vincis Mona Lisa. Als teuerstes Gemälde der Welt gilt die Mona Lisa weithin als das beste Kunstwerk, das je geschaffen wurde, unabhängig von seinem Genre. Die Mona Lisa befindet sich im Louvre Museum in Paris und zieht jährlich mehr als 10 Millionen Besucher an. Das Kunstwerk beherbergt zwischen 30 000 und 50 000 Menschen pro Tag, wobei 80 % der Museumsbesucher ausschließlich wegen da Vincis Gemälde kommen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.