Diego Rivera – Das Leben und Schaffen des mexikanischen Malers

Diego Rivera, der gemeinhin als der bedeutendste mexikanische Maler des 20. Jahrhunderts gilt, war eine überlebensgroße Persönlichkeit, die große Teile seiner Karriere außerhalb Mexikos, in Europa und den Vereinigten Staaten verbrachte. Diego Rivera galt als eine der wichtigsten Figuren der muralistischen Kunstbewegung in Mexiko und war einer ihrer Pioniere. Diego Riveras Kunstwerke wurden von einer Vielzahl von Einflüssen geprägt, unter anderem von den zeitgenössischen europäischen Meistern und der präkolumbianischen Geschichte Mexikos. Diego Riveras Gemälde, die im Stil der italienischen Freskomalerei entstanden, behandelten große Themen, die zur Größe seiner bevorzugten Kunstform passten: sozioökonomische Ungerechtigkeit, die Wechselwirkung zwischen Umwelt, Handel und Innovation sowie Mexikos Erbe und Schicksal.

Diego Rivera’s Biografie

Diego Riveras Wandgemälde waren sein bevorzugtes Medium, das er wegen seiner enormen Größe und seiner öffentlichen Zugänglichkeit schätzte – der polare Gegensatz zu dem, was er als den elitären Charakter von Kunstwerken in Museen und Galerien ansah.

Diego Rivera ist immer noch eine der beliebtesten Persönlichkeiten Mexikos.

Er wird sowohl für seine Beteiligung an der kreativen Wiedergeburt des Landes und die Wiederbelebung der Kunstform der Wandmalerei als auch für seine enorme Persönlichkeit mehr als 50 Jahre nach seinem Tod gefeiert. Aber wo ist Diego Rivera gestorben und warum? Werfen wir einen Blick auf die Biografie von Diego Rivera.

Kindheit

Diego Rivera und sein Zwillingsbruder wurden 1886 in Guanajuato geboren. Sein Zwillingsbruder kam ums Leben, als er zwei Jahre alt war, und die Familie zog bald darauf nach Mexiko-Stadt um. Diegos kreatives Potenzial wurde von seiner Familie gefördert, die ihn im Alter von etwa 12 Jahren in der Kunstakademie von San Carlos anmeldete.

Unter der Leitung eines überwiegend orthodoxen Lehrkörpers erlernte er die konventionelle Malerei und Bildhauerei.

Porträt von Diego Rivera (1914) von Amedeo Modigliani, in einer Privatsammlung; Amedeo Modigliani, Public domain, via Wikimedia Commons

Gerardo Murillo war einer seiner Klassenkameraden an der Schule und ein wichtiger Impulsgeber für die mexikanische Wandmalereibewegung in den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts, an der Rivera teilnahm.

Frühe Ausbildung

Die beiden Schüler nahmen 1905 zusammen mit einer Auswahl anderer aufstrebender Maler an einer Ausstellung teil, die von den Herausgebern der Zeitschrift Savia Moderna veranstaltet wurde. Diego Rivera schloss sein Studium 1905 ab und mehr als 20 seiner Gemälde wurden im darauffolgenden Jahr auf der jährlichen Kunstausstellung der San Carlos Academy ausgestellt. La Era (1904) ist eines seiner Gemälde aus dieser Zeit, das Impressionismus im Zusammenspiel von Licht und Schatten sowie den charakteristischen Farbgebrauch des Künstlers demonstriert. Rivera erhielt 1907 ein staatliches Stipendium für ein Studium in Europa.

Rivera studierte die Kunst von Diego Velázquez, El Greco, Francisco Goya und den flämischen Malern im Prado-Museum in Spanien, was ihm als fester Rahmen für sein späteres Werk diente.

Rivera traf die prominenten Vertreter der Madrider Avantgarde, vor allem Ramon Valle-Inclan und Ramon Gomez de la Serna, in der Werkstatt des spanischen Realismusmalers Eduardo Chicharro. Rivera und Valle-Inclan flogen 1909 nach Belgien und Paris, wo er die russische Künstlerin Angelina Beloff kennenlernte, die für die nächsten 12 Jahre Riveras Lebensgefährtin werden sollte.

Mural Sueño de una Tarde Dominical en la Alameda Central (1947) von Diego Rivera,  mit Rivera und Frida Kahlo stehend neben La Calavera Catrina; Diego Rivera, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Als Rivera 1910 nach Mexiko-Stadt zurückkehrte, hatte er seine erste Ausstellung in der Akademie San Carlos. Riveras Heimkehr fiel zeitlich mit dem Beginn der mexikanischen Revolution zusammen, die bis 1917 andauern sollte. Trotz der politischen Unruhen war Riveras Ausstellung ein großer Erfolg und der Erlös aus dem Verkauf seiner Gemälde ermöglichte ihm die Rückkehr nach Europa.

Rivera kehrte nach Paris zurück und wurde ein glühender Anhänger des Kubismus, den er als einen wirklich revolutionären Kunststil ansah.

Wandgemälde der Ausbeutung Mexikos durch die spanischen Eroberer (1929 – 1945) von Diego Rivera, im Palacio Nacional, Mexiko-Stadt; Murales_Rivera_-_Ausbeutung_durch_die_Spanier_1. jpg: Wolfgang Sauberderivative work: ecelan, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Riveras turbulente Partnerschaften mit den anderen Teilnehmern der Bewegung spitzten sich nach einer gewalttätigen Auseinandersetzung mit dem Kunstkritiker Pierre Reverdy zu. Dies gipfelte schließlich in einer dauerhaften Trennung von der Gruppe und dem Ende seiner Freundschaften und Beziehungen zu Braque, Picasso, Juan Gris, Gino Severini, Fernand Leger und Jacques Lipchitz. Rivera wandte sich daraufhin Cézanne und neoklassischen Malern wie Ingres zu, aber auch der wieder auflebenden gegenständlichen Kunst.

Rivera erhielt ein weiteres Stipendium, um in Italien Kunst zu studieren, wo er byzantinische, etruskische und Renaissance-Kunstwerke nachahmte, wobei er sich besonders auf die Wandmalereien des 14. und 15.

Rivera kehrte 1921 nach Mexiko zurück, nachdem Jose Vasconcelos zum neuen Bildungsminister Mexikos ernannt worden war, und ließ seine Begleiterin zurück.

Reifezeit

Rivera kam mit einer neu entfachten ästhetischen Vision in Mexiko an, die durch seine Studien klassischer und antiker Kunstwerke geprägt war. Unter der Anleitung des Lehrplans des Bildungsministeriums erhielt er die Möglichkeit, verschiedene präkolumbianische Stätten zu bereisen und zu studieren. Das erste von Diego Riveras Wandgemälden, Schöpfung (1922), wurde für die Nationale Vorbereitungsschule geschaffen und zeigt eine beträchtliche Präsenz westlicher Kunst.

Rivera war unmittelbar nach seinem Beitritt zur Kommunistischen Partei Mexikos im Jahr 1922 in der Kommunalpolitik aktiv. Zu dieser Zeit malte er Fresken in der Nationalen Schule für Landwirtschaft in Mexiko-Stadt.

Während des letztgenannten Projekts verlobte er sich mit Tina Modotti, einer italienischen Fotografin, die für seine Bilder posiert hatte; die Romanze führte dazu, dass er sich von Lupe Marin, seiner damaligen Frau, scheiden ließ. Rivera reiste 1927 in die Sowjetunion, um an den Feierlichkeiten zum 10. Jahrestag der Oktoberrevolution teilzunehmen, die er als sehr inspirierend empfand. Neun Monate lang unterrichtete er Monumentalkunst an der School of Fine Arts in Moskau. Er heiratete die 21 Jahre jüngere Künstlerin Frida Kahlo und wurde nach seiner Rückkehr nach Mexiko zum Leiter der Akademie von San Carlos ernannt.

Nachbildung von Man at the Crossroads (umbenannt Man, Controller of the Universe), ursprünglich 1934 von Diego Rivera geschaffen; Wolfgang Sauber, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Seine radikalen pädagogischen Ansichten machten ihn zum Gegner in der konservativen Studenten- und Dozentenschaft, und er wurde aus der Kommunistischen Partei ausgeschlossen, weil er gleichzeitig mit dem Staat kooperierte. Rivera erhielt Unterstützung von Dwight W. Morrow, der ihn beauftragte, ein Fresko im Cortes-Palast von Cuernavaca zu schaffen, das an die Geschichte der Stadt erinnert.

Morrow, ein langjähriger Fan von Diego Riveras Kunstwerken, bot dem Künstler eine Reise in die Vereinigten Staaten an, bei der alle Kosten übernommen wurden. Rivera blieb vier Jahre lang in den Vereinigten Staaten.

Dort malte der produktive Künstler rund um die Uhr Wandbilder in New York, San Francisco und Detroit, die die enormen Kräfte von Arbeit, Industrie, Bildung und Kunst würdigten. In New York war er ein großer Erfolg, aber er löste auch eine Menge Diskussionen aus. Riveras Reise durch Amerika endete 1933, als John D. Rockefeller, Jr. die Entfernung des Wandgemäldes Man at the Crossroads anordnete, das er ursprünglich für die Lobby des Rockefeller Centers geschaffen hatte, weil Rivera sich weigerte, das Bild von Lenin und eine nach Ansicht der Rockefellers aufrührerische Darstellung von David Rockefeller zu entfernen.

Spätere Jahre und Tod

Rivera und Kahlo hatten ein Hausatelier in einem schönen Gebäude im Bauhaus-Stil in Mexiko-Stadt, das heute noch besichtigt werden kann, wenn Rivera nach Mexiko kam. Von 1929 bis 1945 malte Rivera immer wieder im Nationalpalast und schuf dort einige seiner berühmtesten Wandmalereien. Er und Kahlo halfen 1937 Leo Trotzki und seiner Frau, politisches Asyl zu erhalten; die Trotzkis wohnten zwei Jahre lang bei ihnen in der Gegend von Coyoacan.

Rivera und Kahlo trennten sich ein paar Jahre später, trafen sich aber im folgenden Jahr in San Francisco wieder, während Diego Rivera an der Golden Gate International Exposition arbeitete.

Die beiden hatten eine sehr intensive und stürmische Beziehung, was sich in ihren sehr intimen Kunstwerken widerspiegelt. Die beiden blieben zusammen, bis Kahlo 1954 starb. Diego Rivera schuf in seinen späteren Jahren weiterhin Wandbilder, oft auf beweglichen Tafeln. Er malte auch viele Ölporträts, vor allem von der mexikanischen Bourgeoisie, Kindern und Touristen aus den Vereinigten Staaten. Diese Werke sind nicht unbedingt beachtenswert und haben manchmal einen kitschigen Look, der an Pop Art erinnert.

Das Grabmal von Diego Rivera in der Rotunde der illustren Persönlichkeiten, im Panteón de Dolores in Mexiko-Stadt; Thelmadatter, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Dennoch waren sie zu seinen Lebzeiten äußerst profitabel und ermöglichten es dem Künstler, seine beeindruckende Sammlung präkolumbischer Artefakte zu erweitern. Seine Kunstwerke werden heute im Anahuacalli-Museum aufbewahrt, einem Bauwerk, das vom Großen Tempel von Tenochtitlan inspiriert und von Rivera selbst entworfen wurde. Rivera heiratete 1955 erneut Emma Hurtado, seine Händlerin seit 1946, obwohl er verwitwet und an Krebs erkrankt war.

Rivera starb 1957 im Alter von 70 Jahren in Mexiko, nachdem er in der Hoffnung, seine Krankheit behandeln zu können, in die Sowjetunion gereist war. Sein Wunsch, dass seine Asche neben der von Kahlo beigesetzt werden sollte, wurde abgelehnt und er wurde in Mexikos „Rotunde der berühmten Männer“ beigesetzt.

Vermächtnis

Rivera betrachtete den Künstler als einen Handwerker, der dem Volk zur Verfügung steht und eine einfach zu verstehende Bildsprache verwenden muss. Diese Vorstellung hatte einen großen Einfluss auf die amerikanische Kunst im öffentlichen Raum und inspirierte Projekte wie das Federal Art Project of the Works, bei dem Künstler Bilder aus dem amerikanischen Alltag auf Regierungseinrichtungen malten.

Rivera beeinflusste so unterschiedliche Maler wie Thomas Hart Benton, Ben Shahn und Jackson Pollock mit seiner sozial und politisch breit gefächerten ästhetischen Vision, seinem Fokus auf das Erzählen von Geschichten und seiner Verwendung von Symbolismus.

Ausstellung verschiedener Gegenstände, darunter das Porträt von Dolores del Rio im Diego Rivera-Haus in San Angel, Mexiko-Stadt; AlejandroLinaresGarcia, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Diego Rivera’s Gemälde

Rivera schuf ein unglaubliches Werk, indem er die Fassaden von akademischen Einrichtungen und anderen städtischen Bereichen in den USA und Mexiko als Leinwand nutzte. Er weckte die Neugier auf die Wandmalerei und trug dazu bei, die Idee der öffentlichen Kunst in Amerika neu zu beleben, indem er den Grundstein für das Federal Art Program der 1930er Jahre legte. Die wichtigsten Themen und Einflüsse auf Diego Riveras Kunstwerke waren die mexikanische Geschichte und Kultur.

Rivera, der eine große Sammlung präkolumbianischer Artefakte erwarb, malte Panoramadarstellungen der mexikanischen Geschichte und des täglichen Lebens in einer Weise, die stark von der präkolumbianischen Zivilisation beeinflusst war, von den Wurzeln der Maya bis zur mexikanischen Revolution und der postrevolutionären Gegenwart.

Rivera, ein langjähriger Marxist, der Mitglied der Kommunistischen Partei Mexikos war und enge Beziehungen zur Sowjetunion unterhielt, ist ein Vorbild für einen sozial bewussten Künstler. In seinen Gemälden stellte Diego Rivera mexikanische Bauern, amerikanische Arbeiter und revolutionäre Ikonen wie Emiliano Zapata und Wladimir Lenin dar und brachte damit seine unverblümte Unterstützung für linke politische Themen zum Ausdruck. Seine unverblümten, kompromisslosen kommunistischen Ideen kollidierten gelegentlich mit den Vorlieben wohlhabender Gönner und sorgten für heftige Kontroversen innerhalb und außerhalb der Kunstwelt.

Ansicht von Toledo (1912)

Der Stoff basiert in erster Linie auf einem gleichnamigen Meisterwerk des griechischen Malers El Greco. Rivera untersuchte sein Werk akribisch und bewunderte den ausdrucksstarken Stil, in dem er damals arbeitete. El Greco’s View of Toledo wurde 1599 gemalt, ist aber auch nach all den Jahren noch seltsam aktuell. Beide Kompositionen zeigen eine Stadtansicht aus der Ferne, und die Maler wählten Orte am Stadtrand, die sich sehr ähnlich sind.

El Grecos Darstellung würde uns mit einer chaotischen Himmelsszene begeistern, aber Riveras Version ist etwas ruhiger, mit einem Fluss, der am unteren Bildrand verläuft und einen Kontrapunkt zum Himmel oben bildet.

Außerdem hat er beides in einem sehr flachen Blauton gemalt, was zu dem allgemeinen entspannenden Gefühl des Werks beiträgt. Der Positivismus setzt sich in der mexikanischen Darstellung fort, wobei die Dächer und Wände der einzelnen Gebäude deutlich aufgehellt sind, was möglicherweise auf den in dieser Region der Welt üblichen Stil hinweist. Toledo ist eine wunderschöne Stadt mit einer reizvollen Umgebung, die durch alte und ansprechende Architektur ergänzt wird.

Wandgemälde der Aztekenstadt Tenochtitlan von Diego Rivera, im Palacio Nacional, Mexico City; Diego Rivera, Public domain, via Wikimedia Commons

El Greco wurde in Griechenland geboren, verbrachte aber einen großen Teil seines Lebens in Spanien, was erklärt, warum so viele seiner berühmtesten Werke heute im Prado-Museum in Madrid zu sehen sind. Rivera bot uns am Morgen danach, als sich die Wolken verzogen hatten und die Sonne durchschien, praktisch die gleiche Gegend, während seine Darstellung in den El Greco-Stil mit seinen dramatischen, dunklen und düsteren Farben getaucht war.

In einer symbolischen Geste erhebt sich die Kathedrale an der Spitze in den Himmel und blickt auf die Gebäude in den unteren Ebenen der Stadt herab. Der Künstler sitzt auf einer Bank im Vordergrund und weist uns mit einigen Blüten im Vordergrund darauf hin.

Rivera verwendet auch eine beiläufige Einstellung zum Detail, die sich von der der Realismus-Künstler des früheren Jahrhunderts unterscheidet, und seine Farbpalette behält eine Verbindung zu Cezannes Werken, mit rosa, orange und gelben Tönen.

Zapatistische Landschaft – Die Guerrilla (1915)

Im Jahr 1915 vollendete Diego Rivera sein Meisterwerk. Er lobte das Kunstwerk als akkurates Abbild der mexikanischen Haltung zu dieser Zeit. Ein Hut, ein Serape, ein Patronengurt, eine Schusswaffe, das mexikanische Hochland und eine hölzerne Munitionskiste sind auf dem zapatistischen Kunstwerk abgebildet. Der zentrale Gegenstand schwebt, während sich seine Ebenen auf interessante Weise überschneiden. Der Schatten des Gewehrs ist weiß, die Rottöne im Bild haben einen besonderen Ton und die Blautöne sind wunderschön wiedergegeben, genau wie in Mexiko.

Das Publikum wird dann aufgefordert, das Gesicht im Bild durch dieses „allsehende“ Auge zu bestimmen. Dieses Kunstwerk ist so geheimnisvoll wie ein Zapatist.

Wandmalerei des aztekischen Marktes von Tlatelolco von Diego Rivera, im Palacio Nacional, Mexiko Stadt; Diego Rivera, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Auf der linken und rechten Seite des Kunstwerks befinden sich dicht gedrängte grüne Waldgruppen. Über der Dunkelheit sind die Bäume in einem dunklen Viridiangrün gestrichen. Ein leeres Blatt Papier ist mit einem Nagel in der unteren rechten Ecke auf dem blauen Hintergrund befestigt. Die Trompe-l’oeil-Technik wird verwendet, um das Stück Papier zu bemalen. Dieses Stück Papier ist eine Erklärung aus Mexiko, die Tausende von Jahren zurückreicht.

Riveras Kubisten schufen nach der Fertigstellung des Zapatista andere schöne Kunstwerke, aber er schuf nie ein Kunstwerk, das so gut war wie der Zapatista. Mit diesem Bild bewies er, dass er einer der wirkungsvollsten kubistischen Künstler war.

Aufgrund seiner Popularität wurde Rivera zu einer wichtigen Figur in den theoretischen Auseinandersetzungen im Paris der Kriegszeit. Rivera stellte die Zapatistas in Paris während des brutalen Kampfes der mexikanischen Revolution dar. Obwohl das Bild zu dieser Zeit nicht bekannt war, wurde es ein Jahrzehnt später neu interpretiert. Emiliano Zapata, ein bekannter Bauer der Guerillaarmee, und seine Anhänger sind das Thema des Titels des Kunstwerks. Da der Titel erst später hinzugefügt wurde, ist es schwer zu sagen, ob Rivera 1915 an Zapata dachte.

Mutterschaft – Angelina und das Kind (1916)

Die Madonna mit Kind ist ein ständiges Kunstgeschichte-Thema, und die Mutterschaft ist eine modernisierte, kubistische Interpretation davon. Angelina Beloff, Riveras 12-jährige Lebensgefährtin, umarmt ihren kleinen Sohn, der nur wenige Wochen nach seiner Geburt der Grippe erlag.

Riveras unverwechselbare Haltung zum Kubismus, die sich von der düsteren, monochromen Farbgebung von Malern wie Pablo Picasso oder Georges Braque zugunsten lebendiger Farbtöne, die an italienische Futuristen wie Giacomo Balla und Gino Severini erinnern, ist in diesem Werk brillant dargestellt.

Schöpfung (1923)

Das Kunstwerk des Wandmalers ist ein riesiges Werk, das sich über mehr als tausend Quadratmeter erstreckt. Das Kunstwerk von Diego Rivera war das erste, das von der Regierung in Auftrag gegeben wurde. Zwischen 1922 und 1923 schuf Rivera dieses Bild. Das Hauptthema des Gemäldes ist der Glaube und die Überzeugungen der Menschen. Das Bild wurde mit antiken Techniken gemalt, darunter geschmolzenes Wachs, das zum Auftragen der Farben verwendet wurde. Die Zeichnung besteht aus einer großen Pfeife, die im Rahmen versteckt ist, sowie aus verschiedenen Designs, die etwas darstellen.

Die menschlichen Figuren auf jeder Seite des tief gefärbten Rahmens, der an einen Altar erinnert, sind die wichtigsten Highlights der Zeichnung.

Die Darstellung der Sonne befindet sich an der höchsten Stelle über allen Details. Die göttliche Dreifaltigkeit wird durch drei Hände symbolisiert, die von der Sonne weg in verschiedene Richtungen zeigen. Alle Hände scheinen auf die skizzierten menschlichen Züge zu zeigen. Ein anderes Kunstwerk hinter dem Altar zeigt einen Mann, der seine Hände ausstreckt, als wolle er sie allen anderen reichen. Die Darstellung einer Person mit vollständig ausgebreiteten Händen befindet sich direkt unter der Sonne;

Eva und Adam sitzen auf den gegenüberliegenden Seiten des Altars am unteren Rand des Bildes. Eva und Adam sind menschliche Wesen, die von den Christen als die ersten Menschen angesehen werden. Sie sind im Gegensatz zum Rest der Gruppe nackt, um die christliche Idee der Rebellion zu reflektieren. Die neun verschiedenen Bilder auf beiden Seiten des Altars stehen für verschiedene christliche Eigenschaften und Tugenden, die in den religiösen Überzeugungen verankert sind. Sie stehen für Liebe, Optimismus und Glauben, beginnend von links.

Individuen auf der rechten Seite stehen für Weisheit, Fairness und den Glauben an die eigene Kraft.

Das Bild und seine Symbolik sind rein religiös und haben keine politischen Untertöne. Die Illustration stellt auch die lebendigen Werte dar, die im christlichen Glauben gelehrt werden. Der Künstler war mit diesem Gemälde unzufrieden, da es viele italienische Techniken aufwies.

Mensch, Beherrscher des Universums (1934)

Das Bild zeigt die menschliche Spezies „am Scheideweg“ von sich verstärkenden oder entgegengesetzten Kräften und Ideologien: Wissenschaft, Industrie, Kommunismus und Kapitalismus, wie der Titel vermuten lässt. Das Gemälde zeigt einen heldenhaften Arbeiter, der in der Mitte von vier propellerartigen Rasierklingen umgeben ist, was Riveras Engagement für den Kommunismus verdeutlicht.

Detail von Man, Controller of the Universe (1934) von Diego Rivera, das Leon Trotsky, Friedrich Engels, and Karl Marx zeigt und sich im Palacio de Bellas Artes; Gemälde: Diego Rivera; Foto: Éclusette, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Es steht im Kontrast zu einer spöttischen Darstellung der Frauen der Gesellschaft mit einer mitfühlenden Darstellung von Lenin, der von Kommunisten verschiedener Rassen auf der rechten Seite umringt ist. Der mexikanische Staat bestellte dieses Kunstwerk, das eine kleinere, aber fast identische Nachbildung des Rockefeller-Wandbildes Man at the Crossroads, für das Rockefeller Center ist.

Ein Jahr vor diesem Werk wurde das Kunstwerk in New York City wegen der Kritik an Riveras Bild von Lenin und seiner anschließenden Weigerung, das Bild zu löschen, abgerissen.

Porträt von Lupe Marin (1938)

Diego Riveras politisches und soziales Leben war genauso lebhaft wie seine berufliche Laufbahn, als er ein weltweit bekannter Künstler wurde. Diego Rivera war, wie viele andere junge Akademiker in den 1920er Jahren, ein marxistischer Idealist, und so war es nur natürlich, dass er sich Gefährten suchte, die seine Ideale teilten. Diego Rivera trat Ende 1922 öffentlich der Kommunistischen Partei Mexikos bei, nachdem die russische bolschewistische Revolution von 1917 den Marxismus in den Kommunismus verwandelt hatte.

Seine erste Ehefrau, die er 1923 heiratete, war eine Kommunistin, die er durch eine andere junge kommunistische Frauenbekanntschaft kennenlernte.

Lupe Marin teilte mit Diego mehr als nur seine politischen Ideale. Sie war eine ungewöhnliche Schönheit, die vor irrationalen Gefühlen nur so strotzte. Leider war ihr heftiger Neid auf Diego Rivera zu viel für seine leidenschaftliche Natur. Als Diego Rivera anderen Damen die geringste Aufmerksamkeit schenkte, zerriss sie in einem Wutanfall mehrmals seine Skizzen. Diego Rivera entflammte Lupe zweifelsohne zu seinem eigenen Vergnügen am Anfang. Sie zerkleinerte eine geschätzte Statue und servierte sie ihm in seiner Suppe, obwohl sie eifersüchtig auf seine Begeisterung für präkolumbianische Skulpturen war.

Rivera demonstriert seine bedeutende kreative Schuld gegenüber dem Erbe der europäischen Malerei in diesem atemberaubenden Bild von Lupe Marin, von der er sich in den vorangegangenen zehn Jahren entfremdet hatte.

Rivera stellt seine Figur teilweise in Reflexion dar, indem er einen Spiegel im Hintergrund verwendet, eine Technik, die von Künstlern wie Claude Monet, Diego Velázquez und Paul Gauguin verwendet wurde und die er später in seinem Porträt seiner Tochter Ruth aus dem Jahr 1949 einsetzen würde. Die ausdrucksstarken Hände des Modells und die Farbgebung des Gemäldes erinnern an einen anderen kreativen Helden, El Greco, während die Struktur und Komposition an Paul Cézannes Werk erinnern.

Dream of a Sunday Afternoon in Alameda Park (1947)

Könnte es sein, dass der Künstler, ein großer Mann, der sich selbst „die Kröte“ nannte und sich selbst als „hässlich“ bezeichnete, sich selbst nicht gerne ansah? Diego Riveras Selbstporträts zeigen immer große Augen und ein etwas sarkastisches Grinsen. Die Selbstverleugnung des Malers ist sogar in einem scheinbar harmlosen eingefügten Diego-Rivera-Selbstporträt zu sehen, wie dem, das heimlich in dieses riesige Fresko eingebaut wurde.

Diego Rivera wird als Kind gezeigt, während seine Frau Frida als Erwachsene hinter ihm steht, eine Anspielung auf Riveras Unerfahrenheit in ihrer Beziehung.

Vergleiche dies mit Fridas Liebesporträt ihrer Vereinigung auf einer Leinwand von 1931. Hunderte von Figuren aus der 400-jährigen Geschichte Mexikos versammeln sich im größten Park von Mexiko-Stadt zu einer Promenade. Die farbenfrohen Luftballons, die makellos gekleideten Gäste und die verschiedenen Warenverkäufer offenbaren die dunkle Seite des Traums: ein Konflikt zwischen einem indigenen Haushalt und einem Ordnungshüter; ein Mann, der mit einer Waffe in das Gesicht eines Menschen schießt, der mitten in einer Schlägerei von einem Pferd zermalmt wird; und ein ruchloses Skelett, das den Betrachter angrinst.

Dies ist ein komplizierter Traum im Stil des Surrealismus. Träume waren das Hauptthema für Surrealisten wie Salvador Dalí. Weil Träume so intim und einzigartig sind, konnten die Künstler scheinbar unverbundene Objekte nebeneinander stellen, wie zum Beispiel Uhren und Ameisen in Dalís Fall.

Trotz der Tatsache, dass Rivera nie formell den Surrealisten beigetreten ist, wendet er diese Methode in diesem Werk an, in dem er ein Tableau aus verschiedenen historischen Figuren zusammenschustert.

Diego Rivera war auf dem Höhepunkt seiner Karriere ein weltweiter Kunst-Superstar. Er erhielt seine Ausbildung an der Escuela Nacional de Bellas Artes in Mexiko-Stadt und verbrachte mehrere Jahre in Europa, wo er in der blühenden Pariser Avantgarde-Gemeinschaft zu einer Berühmtheit wurde. Dort schuf er seine eigene Form des Kubismus, die mit Emblemen der mexikanischen nationalen Identität gefüllt war. Nach seiner Rückkehr nach Mexiko im Jahr 1922 schloss er sich anderen kreativen Intellektuellen und führenden Regierungsvertretern an, um die mexikanische Kultur nach der mexikanischen Revolution zu verjüngen und neu zu erfinden – ein zehnjähriger Kampf, der über eine Million Menschen das Leben kostete.

Häufig gestellte Fragen

Wer war Diego Rivera?

Rivera war ein bekannter Vertreter des mexikanischen Muralismus, einer von der Regierung geförderten Bewegung, die die Geschichte, das Erbe und die nachrevolutionären Prinzipien des Landes durch großflächige Wandmalereien im öffentlichen Raum würdigen wollte. Rivera schuf riesige Wandbildzyklen, die sich auf modernistische Malansätze stützten, um heroische Ansichten der Geschichte und Gegenwart Mexikos zu vermitteln, die Kritiker und Beobachter auf der ganzen Welt aufhorchen ließen. Riveras Werke und Ideen wurden von Künstlern und Betrachtern in den Vereinigten Staaten besonders gut aufgenommen.

Wann ist Diego Rivera gestorben?

Am 24. November 1957 starb Diego Rivera an Herzversagen. Er starb in den Morgenstunden in seinem Haus in Mexiko. Er war zu diesem Zeitpunkt 70 Jahre alt. In den 1940er Jahren wurde bei Rivera Diabetes diagnostiziert. Zwei Jahre zuvor war die Information über seine Krankheit durchgesickert, und er reiste nach Moskau, um sich von sowjetischen Ärzten behandeln zu lassen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.