Michelangelo Bilder – Seine wichtigsten Werke im Überblick

Sein voller Name ist Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, aber du kennst ihn wahrscheinlich als Michelangelo, eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der westlichen Kunst. Auch über 450 Jahre nach seinem Tod werden Michelangelos Kunstwerke noch immer hoch verehrt und gefeiert. Heute werden wir mehr über diesen faszinierenden Universalgelehrten erfahren, indem wir uns die berühmtesten Gemälde Michelangelos ansehen. Michelangelos Kunstwerke aus der Renaissance vereinen sein hohes Maß an praktischem Fachwissen mit seiner großen künstlerischen Kreativität und schaffen so die ideale Hochrenaissance-Balance aus visueller Harmonie und anatomischer Präzision.

Eine Einführung in die Kunst von Michelangelo

Michelangelo war eine der ersten echten Persönlichkeiten in der Kunstgeschichte. Er war ein multidisziplinäres Wunderkind, das weitgehend als einer der besten Maler der italienischen Renaissance angesehen wird, obwohl er dazu neigte, temperamentvoll, wählerisch und anspruchsvoll zu sein. Er war an der Wiedergeburt der klassischen griechisch-römischen Kunst beteiligt, aber seine Leistungen gingen über die bloße Nachahmung der Antike hinaus. Michelangelos berühmte Kunstwerke waren von einer zerebralen Komplexität und emotionalen Realität erfüllt, wie man sie selten zuvor gesehen hatte, und lösten häufig Debatten aus.

Trotz seiner eigensinnigen Art gelang es ihm, sich die lebenslange Unterstützung der berühmtesten Mäzene seiner Zeit zu sichern und einige der berühmtesten Werke der Welt zu schaffen, die noch heute respektiert und sogar andächtig verehrt werden.

Porträt von Michelangelo Buonarroti (ca. 1545) von Daniele da Volterra; Attributed to Daniele da Volterra, Public domain, via Wikimedia Commons

Michelangelo wurde durch sein frühes Studium der traditionellen griechischen und römischen Skulpturen sowie durch sein Studium menschlicher Leichen zu einem Spezialisten für Biologie. Die Anatomie seiner Körper ist so realistisch perfekt, dass man behauptet, sie würden beim Betrachten vor Leben pulsieren. Seine Fähigkeit, ein ganzes Meisterwerk aus einer einzigen Steinplatte zu meißeln, ist unübertroffen. „Ich sah den Engel im Stein und meißelte, bis ich ihn losließ“, soll er gesagt haben. Er war berühmt für seine Fähigkeit, lebensechte Bilder aus Marmor zu erzeugen.

Michelangelos feurige und sprunghafte Natur ist berüchtigt.

Häufig brach er Gemälde mittendrin ab oder drückte sein Ego oder seine Ablehnung der Tradition auf umstrittene Weise aus, indem er zum Beispiel sein eigenes Gesicht auf Figuren in seinen Werken setzte, die Gesichter seiner Gegner spöttisch malte oder verehrte Figuren offen nackt präsentierte.

Berühmte Michelangelo-Gemälde

Während der Renaissance kam es in vielen Bereichen des Lebens und der Gesellschaft zu Veränderungen, mit bedeutenden Neuerungen in den Bereichen Kirche, Wirtschaft und Wissenschaft. Michelangelo war ein eifriger Verfechter dieser aufregenden neuen Ideologie und arbeitete mit einer großen Intensität, die sich in der modernen Gesellschaft widerspiegelte. Michelangelos Renaissance-Kunstwerke repräsentieren diese Epoche perfekt. Lass uns einen tieferen Einblick in Michelangelos berühmte Kunstwerke nehmen.

Die Qualen des Heiligen Antonius (1488)

Dies ist das erste bekannte Gemälde von Michelangelo, das von seinen ältesten Autoren erwähnt wird und vermutlich im Alter von 12 oder 13 Jahren entstanden ist. Obwohl Michelangelo sich in erster Linie als Bildhauer sah, begann er seine Karriere als Maler im Atelier von Domenico Ghirlandaio, einem berühmten Künstler in Florenz. Laut seinem ersten Biographen, Ascanio Condivi, war sein erstes Werk eine übermalte Replik der Radierung Der von Dämonen gequälte Heilige Antonius des Künstlers Martin Schongauer aus dem 15.

Dieses ungewöhnliche Thema wird in Athanasius‘ Bericht aus dem vierten Jahrhundert über den Heiligen erwähnt, in dem berichtet wird, wie der ägyptische Einsiedler eine Offenbarung hatte, bei der er in den Himmel schwebte und von dämonischen Geistern angegriffen wurde, deren Leiden er ertrug.

Die Qual des heiligen Antonius (ca. 1487-1488) von Michelangelo; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Michelangelos Gemälde, die er inoffiziell in Ghirlandaios Atelier und unter der Aufsicht eines älteren Bekannten, des Malers Francesco Granacci, anfertigte, verhalfen ihm zu großem Ruhm. Als Michelangelo noch lebte, schrieben sowohl Condivi als auch Vasari, dass er die farbige Schuppung und andere Teile von Proben vom Fischmarkt untersuchte, um den höllischen Wesen Realismus zu verleihen.

Michelangelo veränderte Schongauers Anordnung nach und nach, indem er sie verdichtete und den Kreaturen mehr tierähnliche Züge verlieh, einschließlich der Hinzufügung von Fischschuppen bei einem von ihnen. Außerdem baute er eine Szene ein, die an das Arno-Tal bei Florenz erinnert.

Dieses Werk ist eines von nur vier Michelangelo-Gemälden, die auf Staffeleien entstanden sind, von denen man annimmt, dass sie tatsächlich von seiner Hand stammen, und es ist sein erstes Kunstwerk, das in eine amerikanische Sammlung gelangt.

Die Grablegung (1501)

Obwohl es in der Regel als ein frühes Werk angesehen wird, ist die zeitliche Einordnung dieses Werks Gegenstand erheblicher Debatten gewesen. Einigen Berichten zufolge wurde es entweder von einem von Michelangelos Schülern nach einer Skizze des Künstlers angefertigt oder war eine direkte Nachbildung seines Werks.

Nach Aufzeichnungen, die 1981 ausgegraben wurden, wurde Michelangelo im Jahr 1500 beauftragt, eine Tafel für die Grabkapelle der Kirche Sant’Agostino in Rom zu schaffen, aber er weigerte sich, den Auftrag anzunehmen und gab das Geld zurück.

Bei diesem Werk handelte es sich höchstwahrscheinlich um Die Grablegung, die unvollendet blieb, als Michelangelo 1501 nach Florenz zurückkehrte. Das Thema würde sich für eine Kapelle eignen, die der Pietà gewidmet ist, und würde von links beleuchtet werden, so wie es auf dem Bild zu sehen ist.

Die Grablegung (1500) von Michelangelo; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Laut der Erläuterung des Kunstwerks im Buch der National Gallery ging Michelangelo los, um den massiven Steinblock zu beschaffen, aus dem seine David-Statue werden sollte, die er 1501 zu formen begann. Der nackte Körper des gekreuzigten Christus wird über eine Reihe von Treppen zum Grab hinaufgetragen, das in dem freien Bereich in den Steinen oben rechts auf dem Werk dargestellt werden sollte. Der bärtige ältere Mann, der hinter Jesus steht, könnte Josef von Arimathäa darstellen, der sein Grab für das Grab Christi zur Verfügung stellte, oder Nikodemus, der half, die sterblichen Überreste Christi für die Bestattung vorzubereiten.

Die übrigen Figuren sind unmöglich zu unterscheiden, da Michelangelo sie androgyn dargestellt hat.

Doni Tondo (1506)

Das einzige vollständig gemalte Tafelbild von Michelangelo, das erhalten ist, ist das Doni Tondo, das von Agnolo Doni für seine Hochzeit mit  Maddalena Strozzi bestellt wurde und dem Werk seinen Namen gibt. Es zeigt Christus, die Mutter, Josef und ein Baby, Johannes den Täufer.

Die zwischenmenschliche Zärtlichkeit der Figuren, die von den anbetenden Augen des Vaters geleitet wird, betont die familiäre Zuneigung und die himmlische Liebe, die die Grundlagen des christlichen Glaubens widerspiegeln.

Die fünf nackten Männer im Hintergrund stellen dagegen Heiden dar, die sich nach Vergebung sehnen. Michelangelo baute den exquisiten goldgeschnitzten Hartholzrahmen, der für private Projekte üblich war. Es heißt, dass die Kunst vollständig von ihm stammt. Viele der Inspirationen des Künstlers finden sich in diesem Bild wieder, darunter die Madonna von Signorelli. Es wird auch vermutet, dass es von Die Jungfrau von da Vinci inspiriert wurde.

Doni Tondo (1506) von Michelangelo; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Man nimmt an, dass die nackten Personen im Hintergrund von der alten Skulptur des Laokoon und seiner Söhne inspiriert sind, die 1506 in Rom entdeckt wurde und den griechischen Bildhauern Polydorus und Agesander zugeschrieben wird.

Unabhängig von der Inspiration ist das Kunstwerk ganz Michelangelo gewidmet und verdeutlicht seine Einzigartigkeit, die zu dieser Zeit als ziemlich avantgardistisch angesehen wurde. Es war eine deutliche Abkehr von den friedlichen, unbeweglichen Darstellungen der klassischen griechischen und römischen Bildhauerei. Die sich windenden Figuren stellen große Kraft und Bewegung dar, und die leuchtenden Farben verstärken die Erhabenheit des Werks, die später in seinen Fresken in der Sixtinischen Kapelle verwendet wurde. Dieses winzige Bild hat durch die weiche Modellierung der Menschen in der Ferne und die konzentrierten Gesichtszüge im Vordergrund eine große Tiefe.

Diesem Kunstwerk wird zugeschrieben, den Grundstein für den Manierismus gelegt zu haben, der im Gegensatz zur Hochrenaissance, die sich der Proportionalität und der idealen Ästhetik verschrieben hatte, die Ausschmückung und den Kunstgriff der natürlichen Realität vorzog.

Die Erschaffung von Adam (1512)

Dieses ikonische Bild, das Teil des riesigen Meisterwerks ist, das die Sixtinische Kapelle ziert, zeigt Adam als starken klassischen Nackten, der auf der linken Seite ruht und seine Hand nach Gott ausstreckt, der die rechte Seite des Bildes einnimmt. Gott kommt auf ihn zu, sein Eifer wird durch sein weißes, wallendes Gewand und seine kräftigen Körpergesten vermittelt.

Gott ist von Putten und Engelswesen umgeben, die alle von einer scharlachroten Wolke eingeschlossen sind, während eine weibliche Gestalt, die Eva, das Symbol der Erkenntnis, darstellen soll, mit einem neugierigen Blick unter Gottes Arm hervorschaut. Der grüne Felsvorsprung, auf dem Adam liegt, und der felsige Hintergrund bilden eine kräftige Diagonale hinter ihm, die die Kluft zwischen dem sterblichen Menschen und dem himmlischen Gott verdeutlicht.

Dadurch wird der Blick des Zuschauers auf die Hände von Gott und Adam gelenkt, die im mittleren Bereich abgegrenzt sind und sich fast verbinden.

Die Erschaffung Adams (c. 1511) von Michelangelo; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Einige haben bemerkt, dass die Form der roten Wolke der Form des menschlichen Gehirns entspricht, als ob der Künstler damit die Absicht Gottes andeuten wollte, Adam nicht nur mit biologischem Leben, sondern auch mit dem entscheidenden Geschenk des Bewusstseins auszustatten. Dies war eine einzigartige Darstellung von Adams Herkunft. In der klassischen Kunst wird Gott nicht als fern und königlich dargestellt, sondern als etwas, das über den Sterblichen steht. Michelangelo war es wichtig, die allmächtige Quelle der Existenz als besonders vertraut mit der Menschheit darzustellen, die er nach seinem Ebenbild geschaffen hat. Damit vertrat er den humanistischen Glauben an die unverzichtbare Rolle des Menschen in der Welt und seine Verbindung zum Allmächtigen.

Die Körper behalten den bildhauerischen Charakter, der für seine Kunst so bezeichnend ist, und knüpfen an das Wissen der Hochrenaissance über die Anatomie des Menschen an.

Prophet Jesaja (1512)

Dieses Wandbild entsteht an vierter Stelle auf der rechten Seite des Hochaltars. Als Jesajas Gewand um ihn herum peitscht, bricht Michelangelos Fantasie in Bewegung aus. Die Farben der Darstellung sind ruhig und leuchtend, besonders nach den Restaurierungen. Der Mann hält ein auffallend blaues Buch an seiner Seite, das eine Darstellung des biblischen Jesajabuches sein könnte.

Kritiker haben vor allem dieses Kunstwerk gelobt.

Prophet Jesaja (zwischen 1508 und 1512) von Michelangelo; Jörg Bittner Unna, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

„Jeder, der diese so genau der Wirklichkeit nachgebildete Person, die wahre Mutter des Malerhandwerks, betrachtet, wird ein fein gegliedertes Werk entdecken, das würdig ist, alle Grundsätze, die ein tüchtiger Künstler befolgen muss, in vollem Umfang zu vermitteln“, so Vasari. Dieses Gemälde von Michelangelo ist einer der sieben biblischen Propheten, die an der Decke der Sixtinischen Kapelle dargestellt sind.

Viele Maler, von Caravaggio bis Norman Rockwell, haben sich von diesem Fresko inspirieren lassen.

Die Sintflut (1512)

Der Betrachter, der das Bild betrachtet, kann auf der linken Seite der Landschaft eine Gruppe verängstigter Menschen erkennen, die auf einem Berggipfel Zuflucht suchen. Es zeigt, wie sie Zuflucht vor dem steigenden Wasserpegel suchen. Eine andere Gruppe sucht auf der rechten Seite Zuflucht vor dem Sturm. Außerdem ist in der Mitte des Bildes ein kleines Boot zu sehen, das kurz vor dem Kentern zu stehen scheint, während im Hintergrund die Arche Noah zu sehen ist.

Es ist das einzige Boot, das es durch die Sintflut schafft. Michelangelo malte Die Sintflut und andere Bilder aus der Bibel in einem Zeitraum von vier Jahren, wobei er den Großteil der Malerei allein ausführte. Anstatt neue oder ausgeklügelte Malverfahren zu erfinden, soll Michelangelo es vorgezogen haben, mit alten Methoden zu malen.

Seine Leidenschaft für die Bildhauerei wird deutlich, wenn man die Menschen auf dem Bild sieht, wie man an den klar definierten Figuren erkennt.

Die Sintflut (zwischen 1508-1512) von Michelangelo; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Michelangelo setzt die menschliche Figur in diesem Kunstwerk wirkungsvoll ein. Obwohl die Malerei nicht sein Lieblingsmedium war, wirken seine Gemälde wie Skulpturen. Die Figuren jeder Szene repräsentieren sowohl Kraft als auch Eleganz. Es wird angenommen, dass Michelangelos Arbeit an dem Bild einen bleibenden Einfluss auf seine Zeitgenossen und spätere Maler hatte.

Michelangelos Gemälde in der Sixtinischen Kapelle haben alle ein tiefes christliches Thema.

Michelangelo schuf neun Tafeln im mittleren Bereich des Daches, die jeweils eine Erzählung aus dem biblischen Bericht darstellen. Die neun Tafeln sind in drei Gruppen unterteilt, die jeweils drei Szenen enthalten. Jedes der drei Bilder in der Gruppe erzählt eine Geschichte aus der Bibel. Die letzte der drei Gruppen veranschaulicht die Probleme der Menschheit, nämlich Noahs Familie. Alle neun Tafeln sollen die Sehnsucht der Menschen nach der Gemeinschaft mit Gott darstellen.

Der Sündenfall und die Vertreibung aus dem Paradies (um 1509)

Dieses Gewölbe besteht aus neun Kapiteln der Schöpfungsgeschichte, die auf der südlichen Seite mit der Teilung von Dunkelheit und Licht beginnen und mit Noahs Rausch enden. Der Untergang der Menschheit und die Vertreibung aus Eden ist die zweite Episode des sechsten Kapitels, Der Untergang der Menschheit und die Vertreibung aus Eden.

Dieses Kunstwerk wurde im Stil geschaffen, den Michelangelo zu Beginn der Renaissance

eingeführt hat.
Im Gegensatz zu vielen seiner Zeitgenossen, die sich an die klassischen Prinzipien gebunden fühlten, sah er es als notwendig an, in seinen Kunstwerken ein Gefühl der Charakterstudie darzustellen. Anders als seine Zeitgenossen verwendete er in diesem Szenario sehr muskulöse Aktmodelle für Adam und Eva, deren Beherrschung seine intensive frühe Erforschung der Anatomie zeigt. Dieser Ansatz ist besonders erfolgreich, wenn er die schlanken, jugendlichen Figuren von Adam und Eva zum Zeitpunkt von Evas Verführung mit ihren gealterten, hässlichen Körpern vergleicht, nachdem sie aus Eden vertrieben wurden.

Der Sündenfall und die Vertreibung aus dem Paradies (c. 1509) von Michelangelo; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Michelangelo verwendet nicht mehr Elemente, als für die Symbole, die er ausdrücken will, nötig sind. Dadurch wird das Bild nicht überladen und seine Erzählung wird klarer. Er benutzte drei Säulen und zwei Bögen, um den Abstieg und die Verbannung von Adam und Eva aus dem Garten in Form eines einstelligen „M“ zu verbinden.

Die zentrale Säule ist eine faltige Schlange mit dem Gesicht einer Frau, die sich um den Baum des Lebens windet.

Eine andere Säule auf der linken Seite zeigt Adam und Eva in einer relativ luxuriösen Szene (abgesehen von Kieselsteinen und einem verrottenden Baumstumpf), wobei Eva den Apfel umklammert, der ihr von dem Verführer im Zweig gereicht wird. Der zweite Zweig dieses Baumes erweitert sich zu einem fliegenden zornigen Engel mit einem Schwert, der auf die ausgestoßenen hässlichen, geäderten, älteren Formen von Adam und Eva zeigt, die den rechten Pfeiler bilden. Dieser Teil der Landschaft ist düster.

Das Jüngste Gericht (1541)

Dieses berühmte Fresko von Michelangelo, das sich über die gesamte Altarwand der Sixtinischen Kapelle erstreckt, ist einer der letzten Bestandteile des Grundbaus, der von Papst Clemens VII. in Auftrag gegeben wurde. Es stellt die zweite Ankunft Christi dar, der das Jüngste Gericht vollzieht. Die Herstellung des massiven Werks dauerte fünf Jahre und umfasst über 300 einzelne Figuren.

Das zentrale Bild von Christus ist von hektischer Betriebsamkeit umgeben, seine Hände sind ausgestreckt, um die Narben seiner Passion zu zeigen. Jesus blickt auf die Menschheit, die ihrem Schicksal entgegenfliegt. Die Jungfrau Maria zu seiner Linken wirft einen Blick auf die Erlösten. Petrus und Johannes der Täufer stehen auf beiden Seiten von Christus und tragen die Schlüssel zum Paradies. Einige der Märtyrer werden durch Illustrationen ihrer Leiden dargestellt.

Der Heilige Bartholomäus ist besonders bemerkenswert, da er durch das Zerfleischen seines Fleisches ermordet wurde, dessen Gesicht angeblich ein Selbstporträt von Michelangelo darstellt.

Das Jüngste Gericht (1536-1541) von Michelangelo; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Engel stehen den erlösten Seelen bei, wenn sie aus ihren Gräbern an der Seite auftauchen. Auf der rechten Seite ist Charon, der Fährmann, abgebildet, der die Verdammten zu den Toren der Hölle bringt. Minos, in der Funktion, die Dante ihm in seiner Hölle zugewiesen hat, nimmt sie in das Inferno auf. Eine weitere bemerkenswerte Gruppe sind die sieben Hörner blasenden Geister, die die Apokalypse darstellen, wie sie im Buch der Offenbarung beschrieben wird. Typisch für Michelangelos Kunstwerke, brachte der Künstler Kontroversen in das klassische Szenario ein, indem er die Figuren nackt und mit sehr athletischer Anatomie darstellte.

Seine Darstellung von Christus ohne Bart sowie die Verwendung von Figuren aus der heidnischen Folklore waren für die damalige Zeit einzigartig.

Bekehrung des Saulus (1545)

Michelangelos berühmtes Kunstwerk stellt einen Wandel sowohl in seiner individuellen Technik als auch in seiner Verwendung von Farbe dar. Es stellt den biblischen Bericht über die Verwandlung des gewalttätigen und bösartigen Saulus von Tarsus in den Apostel Paulus dar.

In der biblischen Geschichte ist Saulus ein schlauer Christenhasser und unnachgiebiger Peiniger, der auf dem Weg nach Damaskus ist, um noch mehr gefangen zu nehmen, als er von einem gleißenden Lichtstrahl getroffen und vom Himmel aus vom Herrn angesprochen wird, der ihn zur Rede stellt, warum er ihn quält. Der hebräische Saulus wird durch diese Aktion in den lateinischen Paulus verwandelt.

Das Wort „Damaszener Bekehrung“ wird auch heute noch verwendet, um jemanden zu bezeichnen, der einen grundlegenden Wandel in seiner Sichtweise erfahren hat.

Das Wandgemälde zeigt Michelangelo auf dem Höhepunkt seines Könnens, wie er mit seiner Technik spielt. Die Handlung folgt einer fließenden Linie von links oben, wo das Antlitz einer Gottesfigur in Begleitung eines Engelsschwarms auftaucht, durch die Mitte des Gemäldes bis hin zum Prostata-Saulus, der aus dem Sattel geschleudert wird und natürlich von dieser Veränderung der Umstände überrascht ist. Jemanden abzusatteln war in mittelalterlichen Kunstwerken typischerweise ein Symbol für den Verlust der Würde, und so ist es auch in dieser Situation, in der der hochmütige Saul vor dem Herrn gedemütigt wird.

Die Bekehrung des Saulus (1542-1545) von Michelangelo; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Auf dem Bild wimmelt es nur so von Action. Das Wandgemälde ist eines von Michelangelos lebhafteren Gemälden, mit Scharen von Figuren, die an Die Sintflut erinnern. Die Schar der erdgebundenen Menschen um den gefallenen Saul ähnelt der Schar der Engel, die Gott umringen.

Die Figuren sind leicht überzeichnet, und das Kunstwerk ist ein Vorbote der späteren, manieristischeren Kunstwerke von El Greco und Pontormo; für einen Künstler, der für seine anatomische Genauigkeit bekannt ist, ist dieser Manierismus aufschlussreich: Michelangelo schildert eine Geschichte, die so erstaunlich ist, dass normale Darstellungen der physischen Figur der Seltsamkeit der Umstände nicht gerecht werden. Die Verwendung von Farben ist außergewöhnlich, mit einer klaren Unterscheidung zwischen den Blautönen des Himmels und den Grüntönen des Landes.

Michelangelo nutzt die Farbe, um den Unterschied zwischen dem Weltlichen und dem Himmlischen zu betonen, aber die beiden werden durch das leuchtende Gelb des pulsierenden Lichts, das auf Saul herabfällt, vereint.

Die Kreuzigung des Heiligen Petrus (1550)

Die Bilder, die in diesem Michelangelo-Kunstwerk verwendet wurden, sind als übertrieben kritisiert worden. Es wurde behauptet, dass Michelangelo dies absichtlich tat. Er schuf die Figuren so, dass der Betrachter am Boden die Bilder in den richtigen Dimensionen sehen würde, wenn er nach oben blickte. Diese Methode hatte Michelangelo schon früher angewandt, vor allem bei der Moses-Figur, die das Grab von Papst Julius II. ziert.

Auf Grund seiner herausragenden Stellung innerhalb der Religion ist Petrus der Mittelpunkt mehrerer Kunstwerke im Vatikan.

Er war der Gründungspapst und das Fundament, auf dem die Institution steht. Das Gemälde stellt die Ereignisse dar, die zur Kreuzigung des Heiligen Petrus führen, mit gesenktem Kopf. Es stellt die Aufrichtung des Kreuzes dar, an das Petrus bereits an den Handgelenken und Füßen genagelt wurde. Michelangelo stellt Petrus nicht in der klassischen Märtyrerhaltung der Renaissancezeit dar. Es gibt keinen ruhigen Blick nach oben. Stattdessen richtet Petrus seinen Blick auf das Publikum, wobei er seinen Körper in einer letzten Machtdemonstration verzerrt. Sein Gesicht strahlt die Gewissheit aus, dass er das Unglück besiegt hat.

Die Kreuzigung des Heiligen Petrus (1546-1550) von Michelangelo; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Ein Gewimmel von Menschen umgibt Peters prominente Position in dem Kunstwerk und schafft eine hektische Umgebung. Es ist eine geschäftige Szene voller Hektik und Trubel. Ein Mann ist dabei, die Pfostenbohrung zu vervollständigen, damit das Kruzifix aufgerichtet werden kann und die Bestrafung von Petrus beginnen kann. Im Vordergrund stehen zwei verängstigte Frauen. Ihr Gesichtsausdruck drückt ihre Angst und Furcht vor dem aus, was Petrus durchmachen muss. Die Menschen an der Seite gehen eine Treppe hinauf zu den berittenen Kriegern.

Michelangelo erscheint auf dem Bild als der Reiter mit dem blauen Kopfschmuck in der oberen linken Ecke des Gemäldes. Er wurde bei der Restaurierung des Bildes gesichtet. Eine Gruppe von Männern spricht hinter Petrus in der Mitte. Einer von ihnen schweigt wahrscheinlich, damit der alte Heilige nicht belauscht, was besprochen wird. Die Berge im Hintergrund des Gemäldes lassen sich nicht im Detail erkennen. Die Berge sind in einem nebligen Blau gemalt, um das Gefühl der Weite und der perspektivischen Tiefe zu vermitteln.

Und damit endet unsere Liste der berühmten Michelangelo-Kunstwerke. Michelangelos Gemälde waren nicht so berühmt wie seine Skulpturen, aber er bleibt trotzdem ein äußerst wichtiger Maler der Renaissance. Die Kunst von Michelangelo wird noch viele Jahre lang von Kritikern, Bewunderern und anderen Künstlern geschätzt werden.

Häufig gestellte Fragen

Welche sind Michelangelos berühmte Kunstwerke?

Michelangelo war ein Universalgelehrter, der in vielen Handwerken vielseitig war. Er war vor allem für seine Skulpturen bekannt. Aber auch viele Gemälde von Michelangelo werden hoch verehrt.

Gibt es viel gemalte Kunst von Michelangelo?

Während es viele Skulpturen von Michelangelo gibt, gibt es nicht so viele Gemälde von Michelangelo. Daher sind Kunstwerke von Michelangelo aus der Renaissance, die auf Leinwand gemalt wurden, sehr selten. Die meisten von Michelangelos Gemälden waren Fresken.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.