Berühmte Blumen Gemälde – Die besten Blumenbilder

Solange Menschen malen, haben Künstler die Schönheit von Blumen festgehalten. Stilistisch haben Künstler im Laufe der Jahrhunderte Blumen im holländischen Realismus, Impressionismus, Modernismus und Pop Art gemalt, um nur einige zu nennen. Wir haben einige der berühmtesten Blumengemälde der Geschichte zusammengetragen, um dir einen Einblick in die wunderbare, duftende Welt der Blumen zu geben.

Warum Blumen?

Die erste Frage, die dir an dieser Stelle vielleicht in den Sinn kommt, ist: Warum sind Blumen so ein beliebtes Motiv?Blumen inspirieren Künstler seit Jahrhunderten mit ihrer Zartheit und ihrer pulsierenden Lebensenergie. Blumen können uns an die Schönheit und Vielfalt des Lebens erinnern, die die Natur zu bieten hat. Die Blumenbilder, die wir im Folgenden vorstellen, rufen ein zeitloses und starkes Gefühl der Freude hervor, das sich auf alle Menschen übertragen lässt, unabhängig vom Kontext.

Je nach Zeit kann man aus den Gemälden von Künstlern, die Blumen gemalt haben, verschiedene kulturelle Bedeutungen ableiten. Der Lotus auf altägyptischen Keramiken, Schmuckstücken und Papyrusbildern galt als Symbol für die Sonne, während die Künstler des Mittelalters Efeu als Symbol für die eheliche Bindung ansahen. Blumenbilder erlebten im fünfzehnten und sechzehnten Jahrhundert eine Blütezeit, als spezialisierte botanische Maler aufkamen. Blumenbilder aus dieser Zeit haben oft einen stark symbolischen Unterton und sind sehr dekorativ.

Unsere Top 15 Blumengemälde

Unsere Liste berühmter Blumengemälde ist in chronologischer Reihenfolge geordnet. Wir hoffen, dass dir das hilft, die Entwicklung der Blumenmalerei im Laufe der Jahrhunderte zu verstehen. Auch wenn diese Liste nur 15 Gemälde enthält, gibt es unzählige Künstler, die Blumen gemalt haben, also ermutigen wir dich, weiter zu suchen, wenn du dich dafür interessierst.

Blumenstillleben – Ambrosius Bosschaert (1614)

Als einer der ersten Künstler, der sich auf Blumengemälde spezialisierte, war Bosschaert ein Pionier der detailreichen und lebendigen Blumenarrangements. Dieses Stillleben von Bosschaert ist das Ergebnis einer wachsenden Faszination für die Botanik im Deutschland und den Niederlanden des 16. Bosschaert war selbst ein führender niederländischer Maler, der sich auf Blumen und Früchte spezialisiert hatte. Als Oberhaupt einer Künstlerfamilie legte Bosschaert den Grundstein für eine ganze Generation niederländischer Blumen- und Obstmaler.

Die meisten von Bosschaerts Blumenarrangements sind auf Kupferflächen gemalt und wie dieses Beispiel symmetrisch und so detailgenau, dass es fast wissenschaftlich wirkt. Dieses Gemälde zeigt eine gelbe Tulpe, eine pinke Nelke und eine weiße Rose im Vordergrund eines Korbes voller bunter Blumen. Die Blumen im Korb stammen nicht alle aus der gleichen Jahreszeit. Maiglöckchen, Hyazinthen, Rosen, Vergissmeinnicht, Tulpen, Veilchen und Alpenveilchen stehen in akribischer Detailarbeit nebeneinander.

Die erstaunliche Detailgenauigkeit, die Bosschaert erreicht, lässt uns den Stachel der Rosendornen und die seidig-glatten Blütenblätter spüren. Du kannst zierliche Insekten entdecken, die über die Blüten krabbeln, auf den Blättern hocken und sich auf dem Strauß niederlassen. Die Details, und das kann nicht genug betont werden, sind atemberaubend. Bosschaert fängt die winzigen Fühler des Schmetterlings und die Transparenz des Libellenflügels perfekt ein.

Viele Kunstliebhaber und Historiker verstehen dieses Gemälde als eine Darstellung der Zerbrechlichkeit und Kürze des Lebens. Die gepflückten Blumen fangen die Schönheit des Lebens auf der Erde ein, sind aber unglaublich kurzlebig. Die zarten Insekten stellen die Feinheiten und die Zerbrechlichkeit des Lebens auf eine schöne, aber melancholische Weise dar. Ambrosius Bosschaert ist sicherlich einer der berühmtesten Blumenkünstler.

Blumenstillleben (1614) von Ambrosius Bosschaert; Ambrosius Bosschaert, Public domain, via Wikimedia Commons 

Gimpel und weinende Kirschblüten – Katsushika Hokusai (1834)

Katsushika Hokusai wird als einer der größten Künstler Japans gefeiert und sein stilistischer Einfluss hat sich von Japan aus in der ganzen westlichen Welt verbreitet. Hokusai ist der berühmteste Vertreter der Ukiyo-e Schule der japanischen Kunst. Viele von Hokusais Werken zeigen Vögel und Blumen wie dieses hier. Hokusai war ein Meister der präzisen und doch fließenden Linienführung, eine Fähigkeit, die in diesem Farbholzschnitt deutlich wird. Der Farbholzschnitt Gimpel und weinende Kirschblüten gehört zu Hokusais Serie Kleine Blumen.

Der Druck zeigt einen kleinen Gimpel, der kopfüber am Ast eines Traubenkirschbaums hängt. Der Trauerkirschbaum ist ein einheimischer japanischer Baum, und der Gimpel ist in der japanischen Kultur ein Symbol für den Schutz vor Unglück. Bei der Neujahrszeremonie an den Tenjin-Schreinen in ganz Japan wird der Gimpel gezeigt, weil die Menschen hoffen, dass er sie im kommenden Jahr vor Unglück bewahrt. Die pinke Markierung auf der Brust des Gimpels zeigt, dass es sich um ein Männchen handelt. Die Anordnung der Kirschblüten von Hokusai hat einen schönen natürlichen Rhythmus, der durch die roten Farbtupfer unterstrichen wird.

Rechts neben dem farbenfrohen und zarten Druck befindet sich ein kurzes Gedicht von Raiban, das lautet:

Ein Ein einzelner Vogel, nass vom Tau,
ist herausgekommen;
Die Morgenkirsche

Ein Werk voller kultureller Bedeutung und müheloser natürlicher Schönheit. Dieser Holzschnitt von Hokusai ist eine perfekte Darstellung der japanischen Kunst und der Schönheit von Blumenbildern.

Flieder in einem Fenster – Mary Cassatt (1880-1883)

Mary Cassat ist eine weltberühmte Künstlerin, die als eine der ersten amerikanischen Impressionistinnen gilt. Obwohl die meisten ihrer Bilder die menschliche Figur zeigen, liebte Cassatt es auch, Gärten und Blumensträuße zu malen. Ab den 1860er Jahren wurden Blumenstillleben bei den impressionistischen Künstlern immer beliebter. In den 1880er Jahren, als Cassatt dieses lebendige Gemälde schuf, kamen die Blumenbilder der Impressionisten erst richtig zur Geltung.

Obwohl Stillleben wie dieses in Cassatts Werk selten sind, enthalten viele ihrer Gemälde Blumen und Landschaftselemente. Obwohl sie nicht als eine der berühmten Blumenkünstlerinnen ihrer Zeit bekannt war, ist dieses Gemälde ein Beweis für Cassatts Können.

Das lebhafte Gemälde zeigt eine Vase mit Flieder auf einer geöffneten Fensterbank. Das Werk ist ein Paradebeispiel für den Höhepunkt der impressionistischen Blumenmalerei. Die Vase ist dunkel auberginefarben und bildet einen schönen Kontrast zu den weißen und lila Fliederblüten im Inneren. Mit ihren charakteristischen fließenden Pinselstrichen schafft es Cassatt, dieses Arrangement als einen flüchtigen Moment in der Zeit darzustellen.

Die kantigen Fensterbalken stehen im Kontrast zu einem Blumenarrangement, das wie in der Bewegung des Lebens erscheint. Der Fensterrahmen ergänzt die sanften Kurven der Vase. Das Bild hat eine entspannte Ausstrahlung, als ob du es bei einem Spaziergang durch das Haus eines Freundes gefunden hättest.

Flieder im Fenster (um 1880) von Mary Cassatt; Mary Cassatt, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons 

Stillleben Vase mit zwölf Sonnenblumen – Vincent van Gogh (1888)

Der talentierte und unruhige impressionistische Künstler war eindeutig ein Liebhaber von Sonnenblumen. Dieses Stillleben mit Sonnenblumen gehört zu seiner Arles-Serie, einer von zwei Serien über Sonnenblumen. Obwohl der Titel besagt, dass die Vase zwölf Sonnenblumen enthält, hat van Gogh dieses Bild später überarbeitet und es zeigt tatsächlich 15 Blumen.

„Stillleben Vase mit zwölf Sonnenblumen“ ist eine der berühmtesten Blumendarstellungen und sein bekanntestes Gemälde.

Viele halten dieses Sonnenblumenstillleben für eines der berühmtesten Gemälde, die in diesem Genre entstanden sind. Das Gemälde ist auch eines der berühmtesten Beispiele für die Blumenmalerei des Impressionismus. Die gelben Farbtöne der Sonnenblume durchdringen jeden Aspekt dieses prächtigen Gemäldes.

Ein hellblauer Hintergrund rückt die Blumen in den Vordergrund und lenkt den Fokus auf die unterschiedlich geneigten Sonnenblumen in der Mitte der Leinwand. In diesem Gemälde befinden sich van Goghs Sonnenblumen in verschiedenen Stadien des Lebens und des Todes. Das Gemälde erinnert an die Vergeblichkeit, die Zerbrechlichkeit und die Kürze des Lebens.

Stillleben: Vase mit zwölf Sonnenblumen (1888) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons 

Rosen und Lilien – Henri Fantin-Latour (1888)

Im Gegensatz zu den impressionistischen Blumenbildern, die Henri Fantin-Latour sowohl auf dieser Liste als auch zu seinen Lebzeiten umgaben, verfolgte Fantin-Latour einen eher traditionellen Ansatz. Fantin-Latours Blumenbilder erinnern an das goldene Zeitalter des Realismus.

Vor einem hellbraunen Hintergrund steht eine hohe Glasvase mit langen weißen Lilien auf der rechten Seite und eine kürzere Vase mit rosa und weißen Rosen auf der linken Seite. Die relativ großen und geformten Vasen scheinen die Formen der Blumen, die sie enthalten, widerzuspiegeln. Die hohe, gerade und dünne Glasvase enthält die Lilien mit ihren langen Stielen und den langen, zarten weißen Blütenblättern. Im Gegensatz dazu sitzen die runden und üppigen Rosen in einer kleinen, geschwungenen Vase, die unter den Blüten kaum sichtbar ist.

Die Komposition ist trotz des Höhenunterschieds zwischen den beiden Blumenarrangements wunderbar ausgewogen. Die Stiele der Lilien ragen ganz natürlich nach links über die Rosen hinaus und binden das Bild zusammen. Fantin-Latour hat die Blumen und das Wasser in der Vase in exquisiten, realistischen Details eingefangen. Die rosafarbenen Töne stehen im Kontrast zu dem dunkelbraunen Tisch darunter und dem hervorgehobenen Weiß der Lilien. Dieser atemberaubende Einsatz von Farbe sorgt für ein unglaublich romantisches Gemälde.

Rosen und Lilien (1888) von Henri Fantin-Latour; Henri Fantin-Latour, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons 

Blumen – Vincent van Gogh (1890)

Die Tatsache, dass Blumenbilder von van Gogh zweimal auf dieser Liste stehen, ist ein Beweis für sein unglaubliches Talent, die zerbrechliche Schönheit des Lebens einzufangen. Es gibt zwei Versionen dieser Komposition, eine vor einem weichen und harmonischen pinkfarbenen Hintergrund und diese viel ausgeprägtere Version. Vincent van Gogh schuf dieses Gemälde während seiner Zeit in der psychiatrischen Klinik von Saint-Remy.

Die lebhaften und scheinbar hektischen Pinselstriche auf dem hellen zitronefarbenen Hintergrund verleihen dem Bild ein Gefühl von Dringlichkeit und Bewegung. Vor diesem hektischen Hintergrund steht eine Vase mit leuchtend violetten Schwertlilien, von denen einige aufrecht und voller Leben stehen, während andere auf den gelben Tisch darunter fallen. Der Kontrast der leuchtenden Komplementärfarben lässt sie noch kühner und lebendiger erscheinen.

Vincent van Gogh vollendete dieses Gemälde ein Jahr vor seinem Tod in der psychiatrischen Klinik. Er soll es „den Blitzableiter für meine Krankheit“ genannt haben. Es ist wahrscheinlich, dass der lebendige Ausdruck des bewegten Lebens in diesem Gemälde für ihn wie eine Hoffnung auf Genesung und Weiterleben war. Die Verbindung zwischen Kreativität und Wahnsinn ist wunderschön melancholisch. Heute ehren wir den Schmerz hinter van Goghs gefühlvollen Darstellungen der Schönheit des Lebens.

Irises (1890) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons 

Bouquet of Roses – Pierre-Auguste Renoir (1890-1900)

Die leuchtenden und üppigen Rosen, die in diesem impressionistischen Gemälde von Pierre-Auguste Renoir eingefangen sind, springen fast von der Leinwand. Obwohl Renoir sich erst später in seinem Leben der Blumenmalerei zuwandte, waren Rosen sein Lieblingsthema.

Dieses Ölgemälde eines Rosenstraußes ist unglaublich sinnlich. Renoirs weiche und lebendige Pinselstriche fangen die Rosen ein, als wären sie in der Bewegung des Lebens. Die wunderschön gefärbten roten und rosa Rosen sind in verschiedenen Lebensstadien gestaltet. Volle und üppige Blütenblätter blühen aus dem Strauß, während eine einzelne verwelkte Rose auf dem Tisch darunter liegt. Die Rosen haben eine Energie, die von der Leinwand auszustrahlen scheint und ihnen eine taktile Qualität verleiht.

Blumengarten – Gustav Klimt (1905)

Kräftig gefärbte Blumen sind ein häufiges Merkmal in den Gemälden von Gustav Klimt, und dieses Gemälde ist ein perfektes Beispiel für seine Arbeit während seiner goldenen Phase. Es gehört zu einer Reihe von Gemälden, die von den Blumenfeldern inspiriert sind, die er in Litzleberg sah.

Kunsthistoriker betrachten dieses Gemälde oft als eine von Klimpt’s besten Landschaften. Das Gemälde zeigt eine wogende Vielzahl von Blumen, die sich über die Leinwand zu erstrecken scheinen. Leuchtend bunte Blumen füllen den Rahmen in einer wunderschönen Feier der natürlichen Welt. Der Mangel an Realismus trägt zum rustikalen Charme der Natur ohne menschliches Zutun bei. Die natürliche Schönheit dieses Gemäldes spiegelt die Symbolik der Harmonie und Regelmäßigkeit der Natur wider.

Blumen – Henri Matisse (1907)

Die lebhaften Farben, die Abstraktion und die relative Zweidimensionalität dieses Gemäldes sind typisch für den Stil von Henri Matisse. Als einer der bedeutendsten Vertreter des Fauvismus und einer der einflussreichsten Künstler der Moderne bevorzugt Matisse eine Kunst, die sich durch Gelassenheit, Ausgeglichenheit und Reinheit auszeichnet. In diesem hellen und einladenden Gemälde können wir die Anklänge an dieses Gefühl erkennen.

In diesem Gemälde, das zu Beginn seiner Karriere entstand, sehen wir den für den Fauvismus typischen, kräftigen Einsatz von Farben und betonten Pinselstrichen, der über die Natürlichkeit hinausgeht. Der leuchtend grüne Hintergrund passt gut zu der weißen Vase und den kräftigen gelben, orangefarbenen und roten Blumen, die sie enthält. Ein ähnlich kräftiger und lebhafter Tisch unter der Vase unterstreicht die Farben der Blumen.

Wasserlilien – Claude Monet (1908)

Wir können nicht über die berühmtesten Blumenbilder aller Zeiten sprechen, ohne Claude Monet zu erwähnen. Wenn man von Monet spricht, denkt man sofort an Blumen. Berühmt für seine wunderschöne Serie von impressionistischen Gemälden, die er in seinem Garten in Giverny aufgenommen hat, ist Monet ein Meister darin, das Wesen der Natur einzufangen.

Monets lockere Pinselstriche lassen die einzelnen Aspekte des Gemäldes miteinander verschmelzen und schaffen eine harmonische und scheinbar endlose Darstellung der natürlichen Welt. In diesem berühmten Werk von Monet verschmelzen Blumen, der Himmel, Pflanzen und Wasser zu einer verträumten und weichen Landschaft. Monet hat es geschafft, einzufangen, wie die Seerosen und das Wasser um sie herum das Sonnenlicht reflektieren und brechen. Einige Kunsthistoriker halten dieses Werk für einen wesentlichen Vorläufer der Abstract Expressionist Bewegung, die folgen sollte.

Wasserlilien (1685) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons 

Amaryllis – Piet Mondrian (1910)

Der niederländische Maler Piet Mondrian stammte aus einer langen Reihe von Blumenkünstlern. Trotz der kulturellen Traditionen des niederländischen Realismus berührt Mondrian dieses umwerfende rote Gemälde mit seinem zeitgenössischen Stil. Dieses Stillleben ist eines von Mondrians frühen Gemälden, die vor seinen berühmtesten abstrakten und geometrischen Gemälden entstanden sind.

Dieses schockierende rote Blumengemälde hat einen Hauch von Fauvismus an sich. Mondrian gliedert die Komposition in Segmente mit kräftigen Farben. Der Effekt dieser Kompositionstechnik ist, dass wir die Blume in ihrer elementarsten Form sehen. In Abkehr vom Impressionismus verwendet Mondrian Aquarellfarben, um das Gleichgewicht zwischen Farbe und malerischen Qualitäten einzufangen.

Weiße Vase mit Blumen – Odilon Redon (1916)

Obwohl es sich eher um eine Pastellzeichnung als um ein Gemälde handelt, fängt dieses lebendige Stillleben eines gemischten Blumenstraußes eine Bewegung in Richtung Zukunft in der Kunst ein. Der solide und auffällige Hintergrund und die Oberfläche der frühen holländischen Stillleben verblasst in einem Farbverlauf aus leuchtenden warmen Farben.

Vor dem satten orange- und pinkfarbenen Hintergrund steht eine weiß gesprenkelte Vase mit einem Strauß Wildblumen. Einige von Redons Blüten sind sehr detailliert ausgearbeitet, während andere eher abstrakt sind. Die Blumen beherrschen die Komposition, und wir könnten uns einen ganzen Nachmittag lang mit der Vielfalt der Texturen und Farben beschäftigen.

Roter Mohn – Georgia O’Keeffe (1927)

Georgia O’Keeffe, die für ihre erotischen Blumendarstellungen bekannt ist, malte in ihrer Karriere über 200 Blumenkompositionen. O’Keeffe schuf atemberaubende Ereignisse in ihren Stillleben. Obwohl sie zu Beginn ihrer Karriere Aquarelle benutzte, begann O’Keeffe nach 1918, fast ausschließlich Ölfarben zu verwenden. Zu dieser Zeit begann sie auch, großformatige Gemälde von Blumen wie unter einer Vergrößerung zu malen. Dieser lebhafte und üppige rote Mohn ist ein Paradebeispiel für ihre Arbeit zu dieser Zeit.

Für O’Keeffe war eine Blume eine komplizierte und zarte Welt für sich, und sie malte, um diese Welt mit anderen zu teilen. Die leuchtend roten und orangefarbenen Blütenblätter füllen die Komposition und gehen darüber hinaus. Die kleine und zarte Blume verwandelt sich in ein großes und kraftvolles Bild. Wenn wir O’Keeffes Blumenbilder wie den Roten Mohn betrachten, sind wir eingeladen, langsamer zu werden und uns Zeit zu nehmen, um das zu betrachten, was wir normalerweise übersehen würden. Als Begründerin der Modernistenbewegung ist O’Keeffe eine Pionierin der modernen Blumenmalerei.

Blumen – Andy Warhol (1970)

Blumen waren eine häufige Inspirationsquelle für den Pop-Art-Künstler Andy Warhol. Im Jahr 1964 begann Warhol eine Serie von Blumenbildern, in denen er die hängende Hibiskusblüte in leuchtenden Farben und interessanten Techniken festhielt. Diese Serie von Gemälden hat eine kontroverse Geschichte. Warhol benutzte die Bilder eines Fotografen als Grundlage für die Blumenserie, woraufhin der Fotograf versuchte, ihn zu verklagen. Trotz der Kontroverse wurde diese Serie von Blumenbildern weiter berühmt. Diese Serie ist ein beeindruckendes Beispiel für moderne Blumenbilder.

Ready to Blossom in the Morning – Yayoi Kusama (1989)

Yayoi Kusama ist eine Konzeptkünstlerin, die sich von Surrealismus, abstraktem Expressionismus, Pop Art und Feminismus inspirieren lässt. Ihre Arbeiten sind von psychologischen und sexuellen autobiografischen Inhalten durchdrungen und zeichnen sich durch die Muster von Polka-Dots und Netzen aus. Als Künstlerin, die ihre Kunst wirklich dazu nutzt, ihre innere Welt zu verarbeiten, geht Kusamas ausgiebige Verwendung von Polka Dots auf Halluzinationen in der Kindheit zurück.

Diese Lithografie ist zweifelsohne Kusamas Werk. Die beiden einzelnen Blumen in Gelb und Pink heben sich auf einem Hintergrund aus dunkelroten Tupfen auf einer schwarzen Fläche ab. Kusamas Stil der Blumenmalerei erinnert auf eine skurrile Weise an den eines Kindes. Yayoi Kusama gilt als die einflussreichste lebende japanische Künstlerin.

Florale Gemälde haben eine lange und kulturell bunte Geschichte. Vom holländischen Realismus über den Impressionismus bis hin zur Pop Art haben Blumenbilder immer einen Platz in der menschlichen Ausdrucksweise eingenommen. Vielleicht ist es die Kombination aus Schönheit und der Zerbrechlichkeit des Lebens, die sie zu einem beliebten Thema für so viele Künstler macht. Die Vielfalt der künstlerischen Stile ist so groß wie die Blumensammlung dieser Erde. Wenn es dir also gefallen hat, etwas über diese wunderschönen Gemälde zu erfahren, ermutigen wir dich, weiter zu forschen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.