Henri Matisse – Einer der bedeutendsten zeitgenössischen Künstler

Henri Matisse wird weithin als einer der Künstler angesehen, der am meisten für die transformativen Fortschritte in der grafischen Kunst in den ersten Jahrzehnten des 20 steht. Die Gemälde von Henri Matisse machten ihn wegen ihrer starken Farben als Fauve bekannt. Viele der schönsten Werke von Henri Matisse entstanden in dem Jahrzehnt nach 1906, als er einen disziplinierten Stil entwickelte, der flache Formen und bunte Muster betont. Matisse beherrschte die suggestive Sprache der Farbe und der Skizze, die er in einem Werk zeigte, das sich über mehr als ein halbes Jahrhundert erstreckte, und machte ihn zu einer herausragenden Figur der zeitgenössischen Kunst.

Eine Biografie von Henri Matisse

Matisse’s Zeichnungen und Gemälde trugen maßgeblich dazu bei, die Bedeutung des Ornaments in der zeitgenössischen Kunst zu fördern. In Werken wie Matisses Der Tanz (1909) können wir beobachten, wie wichtig die menschliche Figur für sein kreatives Schaffen ist. Matisses Porträts, wie zum Beispiel Die Frau mit dem Hut (1905), sind eine Abrechnung mit der traditionellen Porträtmalerei.

Ungeachtet der Tatsache, dass er oft als ein Künstler anerkannt wird, der sich der Freude und der Erfüllung verschrieben hat, ist sein Einsatz von Mustern und Farben oft verwirrend und nervtötend. Nach 1930 verfolgte er eine gewagtere Form der Vereinfachung. Als die Gesundheit des Künstlers Matisse ihm in seinen späteren Jahren das Malen verbot, entwickelte er ein bedeutendes Werk in der Technik der Papiercollage.

Frühes Leben und Ausbildung

Henri Matisse wurde in der nordfranzösischen Stadt Le Cateau-Cambrésis als ältester Sohn eines reichen Getreidehändlers geboren. Er begann 1889 zu malen, nachdem seine Mutter ihm während einer Erholungsphase nach einer Blinddarmentzündung eine Kunstausrüstung geschickt hatte. Er entdeckte „eine Art Himmel“, wie er es später nannte, und beschloss, Maler zu werden – sehr zum Leidwesen seines Vaters. 1891 kehrte er nach Paris zurück, um an der Académie Julian bei William-Adolphe Bouguereau zu studieren. Er begann damit, Stillleben und Ausblicke in klassischer Manier zu malen, die er schließlich beherrschte.

Matisse wurde von früheren Malern wie Antoine Watteau und Nicolas Poussin, aber auch von japanischer Kunst und zeitgenössischen Künstlern wie Édouard Manet beeinflusst. Chardin gehörte zu Matisse‘ Lieblingskünstlern; als Schüler kopierte er vier von Chardins Werken im Louvre.

1896, als Matisse noch ein weitgehend unbekannter Kunstwissenschaftler war, wandte er sich an John Russell, den Künstler aus Australien auf der Insel Belle Île vor der bretonischen Küste. Russell machte ihn mit dem Impressionismus und der Kunst von Vincent van Gogh, einem Bekannten von Russell, bekannt und schenkte ihm eine Van Gogh-Zeichnung. Matisses Herangehensweise änderte sich dramatisch: Er verwarf seine erdige Farbpalette zugunsten von leuchtenden Farben. Er behauptete daraufhin, Russell sei sein Lehrer und habe ihm die Farbtheorie beigebracht.

Foto des französischen Künstlers Henri Matisse in Men of Mark Veröffentlichung, erschienen am 13. Mai 1919; Alvin Langdon Coburn, Public domain, via Wikimedia Commons

Im Jahr 1894 bekam er ein Kind, Marguerite, mit der schönen Caroline Joblau. 1898 heiratete er Amélie Noellie Parayre; das Paar zog Marguerite gemeinsam auf und bekam zwei Söhne, Pierre und Jean. Matisse benutzte Amélie und Marguerite häufig als Modelle. Auf Empfehlung von Camille Pissarro reiste er 1898 nach London, um sich die Werke von J. M. W. Turner anzusehen, bevor er nach Korsika reiste.

Im Februar 1899 kehrte er nach Frankreich zurück und arbeitete mit Albert Marquet zusammen, wo er Jean Puy, André Derain und Jules Flandrin kennenlernte. Matisse beschäftigte sich mit der Kunst anderer und verschuldete sich dabei, indem er Werke von Künstlern kaufte, die er respektierte.

Eine Gipsbüste von Rodin, ein Bild von Gauguin, eine Skizze von Van Gogh und Cézannes „Drei Badende“ (1879 – 1882) gehörten zu den Werken, die er in seinem Haus aufhing und ausstellte. Matisse entdeckte seinen größten Einfluss in Cézannes Meisterschaft in Form und Farbe.

Die Humbert-Affäre, ein riesiger Finanzskandal, verschlang Amélies Eltern im Mai 1902. Ihre Eltern wurden in der Affäre zu Sündenböcken gemacht, und ihre Familie wurde von Horden wütender Betrugsopfer bedroht. „Durch die Medienpräsenz und die Inhaftierung seines Schwiegervaters blieb Henri Matisse der Künstler als Alleinverdiener für seine siebenköpfige Familie“, schreiben Kunsthistoriker;

Von 1902 bis 1903 entwickelte Matisse eine etwas düstere und formbesessene Maltechnik, ein Übergang, der wahrscheinlich dazu diente, in dieser Zeit der finanziellen Schwierigkeiten marktfähige Bilder zu schaffen.

Nach dem Versuch seiner ersten Skulptur, einer Nachbildung von Antoine-Louis Barye im Jahr 1899, verbrachte Matisse die meiste Zeit und Mühe mit der Arbeit in Ton und schuf 1903 „Der Sklave“.

Reifezeit

Der Fauvismus als Genre entstand um 1900 und existierte noch nach 1910. Die Gruppe als Ganzes überlebte nur wenige Jahre, von 1904 bis 1908, und hatte drei Ausstellungen. Matisse‘ erste Einzelausstellung 1904 in der Galerie von Ambroise Vollard war eine Enttäuschung. Luxe, Calme et Volupté, sein wichtigstes neoimpressionistisches Meisterwerk, wurde 1904 fertiggestellt. Im Jahr 1905 kehrte er in den Süden zurück, um mit André Derain in Collioure zusammenzuarbeiten.

Seine Werke aus dieser Zeit zeichneten sich durch flache Formen und zurückhaltende Linien aus, und er setzte den Pointillismus weniger streng ein als zuvor. Matisse verwendete in seinen Gemälden kräftige, oft unharmonische Farben, um Emotionen hervorzurufen, und nahm dabei wenig Rücksicht auf die Eigenfarben des Motivs.

Auf dem Salon d’Automne 1905 stellte Matisse Frau mit Hut (1905) und Offenes Fenster(1905) aus. Louis Vauxcelles, ein Rezensent, beschrieb eine einsame Statue, die von einem Rausch reiner Töne umgeben war, als „Donatello inmitten der wilden Kreaturen“ und spielte damit auf ein Werk im Stil der Renaissance an, das den Raum mit ihnen einnahm.

Interieur mit Hund (1934) von Henri Matisse, ein Beispiel für seine Verwendung von fauvistischen Farben; Vitruvian95, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Seine Bemerkung wurde am 17. Oktober 1905 in der Tageszeitung Gil Blas veröffentlicht und wurde schnell populär. Die Ausstellung erntete sowohl vernichtende Kritik – „dem Volk wurde ein Krug Farbe ins Gesicht geworfen“, so der Kritiker Camille Mauclair – als auch einige positive Reaktionen. Als Gertrude und Leo Stein Matisse‘ Frau mit Hut (1905) kauften, das besonders kritisiert worden war, verbesserte sich die Stimmung des Künstlers merklich.

Matisse wurde zusammen mit André Derain als Anführer der Fauves gesehen; die beiden waren freundschaftliche Konkurrenten, jeder mit seiner eigenen Anhängerschaft.

Raoul Dufy, Georges Braque und Maurice de Vlaminck waren ebenfalls Mitglieder. Gustave Moreau, ein symbolistischer Künstler, war der inspirierende Lehrmeister der Bewegung. Als Dozent an der Pariser École des Beaux-Arts ermutigte er seine Schüler dazu, über die Grenzen des Formalismus hinaus zu denken und ihre eigenen Ideale zu verfolgen.

In einem 1907 in La Falange veröffentlichten Artikel sagte Guillaume Apollinaire über Matisse: „Wir haben es hier nicht mit einem exzessiven oder radikalen Bestreben zu tun: Die Kunstwerke von Henri Matisse sind völlig vernünftig.“ Allerdings wurde Matisse‘ Kunst zu dieser Zeit scharf kritisiert und er hatte Mühe, seine Familie zu ernähren. Nu bleu (1907), eines seiner Gemälde, wurde 1913 auf der Armory Show in Chicago als Bildnis zerstört.

Matisse’s Berufsleben blieb vom Niedergang der Fauvisten nach 1906 unberührt; viele der schönsten Beispiele von Henri Matisse‘ Kunstwerken entstanden zwischen 1906 und 1917, zu einer Zeit, als er trotz seines traditionalistischen Aussehens und seiner streng bürgerlichen Arbeitsmoral ein engagiertes Mitglied der großen Versammlung kreativer Fähigkeiten in Montparnasse war. Er ließ sich weiterhin von neuen Dingen beeinflussen und reiste 1906 nach Algerien, um den Primitivismus und afrikanische Kunstwerke zu studieren.

1910 verbrachte er zwei Monate in Spanien, um maurische Kunst zu studieren, nachdem er in München eine große Ausstellung islamischer Kunst gesehen hatte. 1912 kehrte er nach Marokko zurück und nahm dort verschiedene Änderungen an seiner Kunst vor, unter anderem die Verwendung von Schwarz als Farbe. Das Ergebnis war ein neues Vertrauen in die Verwendung von lebendigen, unmodulierten Farben in Matisse‘ Gemälden, wie in L’Atelier Rouge (1911) zu sehen.

Sergej Schtschukin, ein russischer Kunstsammler, war ein langjähriger Freund von Matisse. Eines seiner größten Werke, Matisse‘ Der Tanz (1909), fertigte er für Schtschukin als Hälfte eines zweiteiligen Auftrags an, der andere war Musik, 1910. Eine ältere Version von Matisse’s Der Tanz (1909) befindet sich im Museum of Modern Art in New York City.

Henri Matisse, der Künstler, traf Pablo Picasso im April 1906. Die beiden blieben ein Leben lang Freunde, aber auch Gegner, und ihre Geschichten werden häufig miteinander verglichen. Ein wichtiger Unterschied zwischen den beiden ist, dass Matisse nach der Natur skizzierte und arbeitete, während Picasso es vorzog, nach seiner Fantasie zu arbeiten. Frauen und Stillleben waren die am häufigsten von beiden Künstlern gemalten Themen, wobei Matisse eher dazu neigte, seine Figuren in vollständig realisierten Innenräumen zu positionieren.

Picasso und Matisse trafen sich zum ersten Mal im Pariser Salon von Gertrude Stein und ihrer Partnerin Alice B. Toklas. In den ersten zehn Jahren des 20. Jahrhunderts gehörten Gertrude Stein, ihre Geschwister Leo und Michael Stein sowie Michaels Ehefrau Sarah zu den amerikanischen Käufern und Bewunderern der Kunstwerke von Henri Matisse. Darüber hinaus waren Gertrude Steins zwei Bekannte aus Baltimore, die Cone-Schwestern Etta und Claribel, die wichtigsten Wohltäter von Picasso und Matisse, die Hunderte von Zeichnungen und Gemälden von Picasso und Matisse anhäuften.

Le Bonheur de vivre (Die Freude am Leben) (1905 – 1906) von Henri Matisse, zu finden in der Barnes Foundation in Pennsylvania, Vereinigte Staaten; Regan Vercruysse aus Phelps, New York, USA, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Obwohl viele Künstler den Salon der Steins besuchten, waren viele von ihnen nicht unter den Kunstwerken an den Wänden der Rue de Fleurus 27 zu finden. Zeitgenossen der Steins, der Künstler Matisse und Picasso, gehörten zu ihrem Kulturkreis und besuchten häufig die Samstagabendveranstaltungen in der Rue de Fleurus 27.

Matisse wird die Gründung der Samstagabendsalons zugeschrieben.

Gertrude sagt: „Die Besucher begannen, regelmäßiger zu kommen, um Matisse‘ Bilder zu sehen – und die Cézannes: Henri Matisse brachte Leute mit, jeder brachte jemanden mit, und sie kamen zu jeder Zeit, und es wurde zu einem Ärgernis, aber auf diese Weise begannen die Samstagabende.“

André Derain, Georges Braque, die Dichter Guillaume Apollinaire und Marie Laurencin und Henri Rousseau gehörten zu Picassos Freunden, die die Samstagabende besuchten. Seine Freunde gründeten und finanzierten die Académie Matisse in Paris, eine private, gemeinnützige Einrichtung, in der Matisse neue Malerinnen und Maler unterrichtete. Sie war von 1907 bis 1911 in Betrieb. Die Steins und die Dômiers waren die Initiatoren der Akademie, unterstützt von Sarah Stein und Patrick Henry Bruce.

Von 1912 bis 1913 verbrachte Henri Matisse die nächsten sieben Monate in Marokko und schuf rund 24 Gemälde und unzählige Skizzen. Seine späteren orientalistischen Sujets, wie die Odalisken, lassen sich auf diese Zeit zurückführen.

Nach Paris

Seine Arbeiten aus dem Jahrzehnt nach dieser Migration zeigen eine Auflockerung und Lockerung seines Stils. Diese „Rückkehr zur Ordnung“ ist typisch für die meiste Kunst nach dem Ersten Weltkrieg und kann mit Strawinskys Neoklassizismus sowie Derains Rückkehr zum Traditionalismus verglichen werden.

Die orientalischen Odalisken von Matisse waren damals zwar sehr beliebt, aber einige zeitgenössische Kritiker hielten sie für oberflächlich und ornamental. In den späten 1920er Jahren nahm Matisse die aktive Zusammenarbeit mit anderen Malern wieder auf.

Er arbeitete nicht nur mit Franzosen, Niederländern, Deutschen und Spaniern zusammen, sondern auch mit einigen Menschen in den Vereinigten Staaten und mit amerikanischen Neueinwanderern. Nach 1930 bekam seine Kunst eine neue Vitalität und eine kühne Einfachheit. Der amerikanische Kunstliebhaber Albert C. Barnes überredete Matisse, für die Barnes Foundation das riesige Fresko The Dance II (1910) zu schaffen, das 1932 fertiggestellt wurde; die Foundation besitzt außerdem mehrere Dutzend weitere Werke von Matisse.

Dieser Trend zum Minimalismus und eine Vorahnung der Cut-Out-Methode sind auch in seinem Werk „Large Reclining Nude“ (1935) zu erkennen. Matisse arbeitete mehrere Monate lang an diesem Werk und schickte Etta Cone eine Serie von 22 Bildern, um seinen Fortschritt zu verfolgen.

Die Kriegsjahre

Matisses Frau Amélie, die ihn beschuldigte, eine Affäre mit Lydia Delectorskaya, einer jüngeren russischen Immigrantin, zu haben, beendete im Juli 1939 ihre 41-jährige Ehe und teilte ihr Hab und Gut gleichmäßig auf. Delectorskaya unternahm einen Selbstmordversuch, indem sie versuchte, sich in die Brust zu schießen; wie durch ein Wunder überlebte sie ohne ernsthafte Folgen und kehrte zu Matisse zurück, um seine Wohnung zu verwalten, seine Rechnungen zu bezahlen, seine Mitteilungen zu tippen, detaillierte Aufzeichnungen zu führen, in der Werkstatt zu helfen und seine Geschäftsabläufe für den Rest seines Lebens zu koordinieren.

Matisse war in Paris, als die Nazis im Juni 1940 Frankreich besetzten, aber es gelang ihm, nach Nizza zurückzukehren. Sein Sohn Pierre, der zu dieser Zeit einen Salon in New York betrieb, ermutigte ihn, abzureisen, solange er noch konnte. Matisse war auf dem Weg nach Brasilien, um vor der Besatzung zu fliehen, als er es sich anders überlegte und in Nizza blieb. „Es scheint mir, als würde ich desertieren“, schrieb er im September 1940 an Pierre. „Was wird aus Frankreich, wenn jeder von Wert geht?“

Obwohl er nie Teil des Widerstands war, wurde es für die beschlagnahmten Franzosen zu einer Quelle des Stolzes, dass einer ihrer berühmtesten Maler sich dafür entschied, zu bleiben, obwohl er als Nicht-Jude diese Möglichkeit hatte.

Während der Besetzung Frankreichs durch die Nazis von 1940 bis 1944 gingen die Nazis in Paris nachsichtiger gegen die „abweichende Kunst“ vor als in den deutschsprachigen Ländern unter ihrer Militärregierung. Matisse durfte zusammen mit anderen ehemaligen Kubisten und Fauves ausstellen, denen Hitler ursprünglich vorgeworfen hatte, sie zu verabscheuen, aber ohne jüdische Künstler, deren Projekte aus allen französischen Galerien und Museen verbannt worden waren; alle französischen Kunstschaffenden, die in Frankreich ausstellten, mussten einen Eid ablegen, der ihren „arischen“ Status sicherstellte, so auch Matisse.

Im Jahr 1941 erkrankte Matisse an Zwölffingerdarmkrebs. Die Operation war zwar erfolgreich, hatte aber schreckliche Folgen, an denen er fast gestorben wäre. Nachdem er drei Monate lang bewegungsunfähig war, schuf er eine neue Kunstform aus Papier und Schere. 

Monique Bourgeois, eine Krankenpflegeschülerin, antwortete auf Matisses Ausschreibung für eine Krankenschwester. Die beiden gingen eine platonische Verbindung ein. Er erfuhr, dass sie eine angehende Malerin war und brachte ihr die Grundlagen der Perspektive bei. Nachdem Bourgeois ihre Stelle gekündigt hatte und 1944 in ein Kloster ging, bat Matisse sie gelegentlich, für ihn zu posieren. 1946 wurde Bourgeois Dominikanerin und Matisse weihte ihr einen Schrein in Vence, einer kleinen Stadt, in die er 1943 umgezogen war. Während des gesamten Krieges lebte Matisse meist zurückgezogen in Südfrankreich, obwohl sich seine Familie stark im französischen Widerstand engagierte.

Matisse war erstaunt, als er erfuhr, dass seine Tochter Marguerite, die während des Krieges Mitglied der Résistance war, von der Gestapo in einem Gefängnis in Renne geschlagen und in ein deutsches Konzentrationslager deportiert worden war.  Marguerite entkam nur knapp dem Zug nach Ravensbrück, der durch einen alliierten Luftangriff aufgehalten wurde; sie blieb in den Wirren der letzten Kriegstage in den Wäldern, bis sie von anderen Widerstandskämpfern gerettet wurde.

Sein Sohn Pierre, ein New Yorker Kunsthändler, half den französischen Malern, die er förderte, aus dem beschlagnahmten Frankreich in die Vereinigten Staaten zu fliehen. Im Jahr 1942 organisierte Pierre die berühmte Ausstellung „Artists in Exile“ in New York.

Endliche Jahre

1941 wurde bei Matisse Magenkrebs diagnostiziert und er wurde operiert, was dazu führte, dass er auf einen Rollstuhl angewiesen war und häufig das Bett hüten musste. Bildhauerei und Malerei waren ihm körperlich zu anstrengend geworden, also experimentierte er mit neuen Medien. Er begann, mit Hilfe seiner Assistenten Papiercollagen zu erstellen. Er schnitt Papierbögen, die seine Helfer mit Gouache bemalt hatten, in verschiedenfarbige und unterschiedlich große Formen und arrangierte sie dann zu lebendigen Kompositionen. Anfangs waren diese Werke klein, aber nach und nach wuchsen sie zu Wandbildern oder raumgroßen Skulpturen heran.

Als Ergebnis entstand ein einzigartiges und vielschichtiges künstlerisches Medium, das weder Malerei noch Skulptur war. Er bezeichnete die letzten 14 Jahre seines Lebens als „sein zweites Leben“. Als er über seine Arbeit sprach, bemerkte Matisse, dass er trotz seiner eingeschränkten Bewegungsfreiheit in der Form seines Kunstwerks durch Gärten reisen konnte.

Obwohl Scherenschnitte in seinem letzten Lebensjahrzehnt zu Matisse‘ Hauptmedium wurden, setzte er die Methode erstmals 1919 ein, als er die Dekoration für Igor Strawinskys Musical Le chant du Rossignol entwarf. Albert C. Barnes handelte Pappschablonen in der einzigartigen Größe der Wände aus, auf denen Matisse die Anordnung der bemalten Papierformen in seinem Atelier in Nizza befestigte.

Eine weitere Serie von Scherenschnitten schuf Matisse zwischen 1937 und 1938, als er an den Kostümen und Bühnenbildern für die Ballets Russes von Sergej Diaghilew arbeitete. Doch erst als Matisse nach seiner Operation bettlägerig war, begann er, die Cut-out-Methode als eigenen Ausdruck zu entwickeln und nicht mehr nur als Gebrauchsgegenstand. Im Jahr 1943 zog er auf die Hügel von Vence, Frankreich, wo er sein erstes großes Cut-out-Werk für sein Künstlerbuch Jazz fertigstellte.

Diese Cut-Outs hingegen waren als Muster für Schablonendrucke gedacht, die im Buch betrachtet werden sollten, und nicht als eigenständige grafische Arbeiten. Matisse betrachtete die Scherenschnitte zu dieser Zeit noch als etwas anderes als seine Hauptkunstform.

Mit dem Debüt von Jazz im Jahr 1946 gewinnt er ein neues Verständnis für das Medium. Matisse spricht über das Potenzial der Cut-Out-Methode, nachdem er seine Karriere rekapituliert hat, und betont: „Ein Individuum darf niemals Sklave seiner selbst sein, Sklave einer Technik, Sklave eines Vermächtnisses, Sklave der Leistung.“ Nach Jazz stieg die Zahl der individuell geschaffenen Ausschnitte schnell an und führte schließlich zur Entwicklung von wandgroßen Werken wie Ozeanien der Himmel und Ozeanien das Meer von 1946.

Lydia Delectorskaya, Matisses Assistentin im Atelier, pinnte die Umrisse von Fischen, Vögeln und Meerespflanzen direkt an die Wände des Raums. Die beiden Ozeanien-Skulpturen, seine ersten Ausschneidearbeiten dieser Größenordnung, wurden von einer Reise inspiriert, die er vor Jahren nach Tahiti unternahm. Sein Ausschnitt The Sheaf war ein Triumph, als er im Mai 1954 auf dem Salon de Mai ausgestellt wurde. Die amerikanischen Sammler Mr. und Mrs. Brody gaben das Kunstwerk in Auftrag, das später als Keramik für ihr Haus in Los Angeles verwendet wurde.

1948 begann Matisse mit den Plänen für die Chapelle du Rosaire de Vence, was ihm die Möglichkeit gab, diesen Ansatz in einem wirklich ornamentalen Rahmen zu erkunden. Die Erfahrung, die er bei der Gestaltung der Messgewänder, der Kapellenfenster und der Tabernakeltür machte – die alle mit der Ausschneidetechnik entworfen wurden – hatte den Effekt, dass er seine Aufmerksamkeit auf das Medium konzentrierte.

Matisse benutzte Scherenschnitte als sein Hauptausdrucksmittel bis zu seinem Tod im Jahr 1951, nachdem er im Jahr zuvor seine letzte Leinwand fertiggestellt hatte.

Trotz seines Atheismus hatten Matisse und Bourgeois eine starke Verbindung, die zu diesem Unterfangen führte. Sie trafen sich in Vence wieder und begannen erneut zusammenzuarbeiten, wie sie in ihrem Buch berichtet. 1952 gründete er ein seiner Kunst gewidmetes Museum, das Matisse-Museum in Le Cateau, das heute die drittgrößte Sammlung von Matisse-Gemälden in Frankreich beherbergt.

Matisse‘ letztes Werk war ein Buntglasfenster in der Union Church of Pocantico Hills im Bundesstaat New York. „Es war sein letztes künstlerisches Projekt; die Maquette hing noch an der Wand seines Zimmers, als er im November 1954 starb“, sagt Rockefeller. Das Werk wurde 1956 fertiggestellt.

Das Vermächtnis von Henri Matisse

In den 1950er Jahren sahen Gelehrte den Fauvismus und Matisse als Vorläufer des Abstrakten Expressionismus und des größten Teils der modernen Kunst. Mehrere abstrakte Expressionisten können ihre Vorfahren auf ihn zurückführen, wenn auch aus unterschiedlichen Gründen.

Einige Künstler wie Lee Krasner wurden von seinen verschiedenen Medien beeinflusst, da Matisse‘ Scherenschnitte sie dazu veranlassten, ihre eigenen Bilder zu zerschneiden und zu rekonstruieren.

Farbfeldmaler wie Mark Rothko und Kenneth Noland wurden von seinen großen Feldern mit leuchtenden Farben angezogen, wie im Red Studio (1911) zu sehen ist. Richard Diebenkorn hingegen interessierte sich mehr dafür, wie Matisse die Wahrnehmung von Tiefe und die räumlichen und zeitlichen Spannungen zwischen seinem Sujet und der Leinwandoberfläche erzeugte.

Fotoporträt des älteren Henri Matisse, aufgenommen am 20. Mai 1933 von Carl Van Vechten; Carl Van Vechten, Public domain, via Wikimedia Commons

Andere, wie Robert Motherwell, haben den Einfluss von Matisse nicht sofort in ihren Werken gezeigt, wurden aber von seiner Sichtweise auf Farbe in der Kunst beeinflusst. Marguerite Matisse, die Tochter von Matisse, hat den Matisse-Forschern Einblicke in Matisse‘ Arbeitstechniken und Werke gewährt. Sie starb 1982 während der Arbeit an einem Katalog des Werks ihres Vaters.

Die Kunst von Henri Matisse verzaubert nach wie vor nicht nur Künstler, sondern auch Investoren, die bis zu 17 Millionen Dollar für seine Bilder bezahlt haben. Und wie mehrere aktuelle und bevorstehende Blockbuster-Ausstellungen zeigen, ist er nach wie vor ein Publikumsliebling auf der ganzen Welt.

Henri Matisse‘ Kunststil und Techniken

Henri Matisse hat mit seinem Ansatz der modernen Kunst den Weg für zahlreiche bemerkenswerte Innovationen in der Malerei und Bildhauerei in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts den Weg für zahlreiche bemerkenswerte Innovationen in der Malerei und Bildhauerei.

Der lebhafte Kolorismus, den man in einigen von Matisse‘ Stilbildern zwischen 1900 und 1905 sieht, brachte ihm einen Platz unter den Fauves ein.

La Danse (1909) von Henri Matisse, zu finden im Musem of Modern Art in New York City, Vereinigte Staaten; Michel B., CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Der Großteil seiner besten Werke entstand im Jahrzehnt nach 1906. In diesem Jahr wurde der von Henri Matisse neu geschaffene Kunststil geboren. Dieser Stil betonte die Verwendung von ornamentalen Mustern und abgeflachten Formen. Noch im selben Jahr, 1917, zog er an die französische Riviera, in die Nähe eines Viertels. Hier entwickelte sich seine Technik weiter und die Gemälde wurden ruhiger und beschaulicher.

Nach den 1930er Jahren nahm die Kunst von Henri Matisse eine stärkere Interpretation der Form an. Schließlich bekam er gesundheitliche Probleme und wurde angewiesen, nicht mehr zu malen. In dieser Zeit entwickelte er seinen unverwechselbaren Stil und schuf eine beachtliche Anzahl von Werken, in denen er Collagen aus Papier ausschnitt. Henri Matisse‘ Kunststil wurde vielleicht am meisten bewundert, und dies war einer der Höhepunkte seiner Karriere.

Diese Zeit dauerte kaum etwas mehr als ein Jahrzehnt; sie umfasste 3 Ausstellungen, von denen eine ihren Anführer Matisse bekannt machte. Dieser Stil war vor allem für seine extravagante Verwendung von Farben bekannt, die keinen Bezug zur realen Welt hatten. Die Farbe wurde unregelmäßig und willkürlich aufgetragen.

Berühmte Kunstwerke

Nachdem der Fauvismus verblasst war, vollendete Matisse eines seiner am meisten gelobten und ikonischen Gemälde. Er begann, seinen Schülern die Designästhetik der Kunstwerke aus Afrika und des Primitivismus zu vermitteln. Er beginnt zu touren und wird überall, wo er hinkommt, hoch akzeptiert.

Er war auch Teil aller wichtigen kreativen Trends in Paris zu dieser Zeit. Einige seiner bekanntesten Gemälde stammen aus dieser Zeit, darunter Matisses Der Tanz (1909). Hier sind ein paar weitere seiner wichtigen Werke:

• Luxe, Calme, et Volupte (1905)
• Die Frau mit dem Hut(1905)
• Lebensfreude(1906)
• Blauer Akt (1907)
• Der Rücken(1909)
• Der Tanz (1909)
• Die Marokkaner (1916)
• Die Garbe (1953)

Henri Matisse wird weithin als einer der wichtigsten Künstler angesehen, der die revolutionären Durchbrüche in der grafischen Kunst in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts definierte und für bedeutende Verbesserungen in der Bildhauerei und Malerei verantwortlich war. Wegen seiner lebhaften Farbigkeit haben Henri Matisses Bilder ihm den Ruf eines Fauve eingebracht. Viele der besten Werke von Henri Matisse entstanden in den zehn Jahren nach 1906, als er einen disziplinierten Stil entwickelte, der flache Formen und lebendige Muster betont. Die Beherrschung der gefühlsbetonten Sprache von Farbe und Zeichnung, die Matisse in seinem über ein halbes Jahrhundert reichenden Werk bewiesen hat, machte ihn zu einer Schlüsselfigur der modernen Kunst.

Häufig gestellte Fragen

Wofür ist Matisse bekannt?

Die Skizzen und Gemälde von Matisse spielten eine wichtige Rolle bei der Erweiterung der Bedeutung der Dekoration in der modernen Kunst. Obwohl er allgemein als ein Künstler gilt, der sich der Freude und der Erfüllung verschrieben hat, ist seine Verwendung von Mustern und Farben oft verwirrend und beunruhigend. Außerdem ist er für seine Collagen bekannt, die er mit Scherenschnitten erstellt. Diese Kompositionen befanden sich in der Endphase seiner Karriere, und er hatte zu diesem Zeitpunkt bereits genügend Lob erhalten.

Warum machte Matisse Collagen?

Im Gegensatz zu seinen früheren Arbeiten hatte sich seine Arbeitsweise in den letzten Jahren seines Lebens dramatisch verändert. Trotzdem malte Matisse weiter, bis eine Fehldiagnose gestellt wurde. Im Jahr 1941 erkrankte er an Unterleibskrebs und wurde operiert. Dadurch war er weiterhin an ein Bett und einen Stuhl gefesselt und konnte weder malen noch bildhauen. Er brauchte ein neues Ventil, also holte er sich die Hilfe einer Handvoll seiner Untergebenen und begann mit dem Skizzieren von Papiercollagen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.