Katsushika Hokusai – Leben und Werke des japanischen Künstlers

Katsushika Hokusai wird oft als der berühmteste japanische Künstler der Welt bezeichnet. Seine Grafiken waren schon zu Lebzeiten begehrt und sind es bis heute. Ohne Hokusais kühne Fantasie und seine engagierte Arbeitsmoral hätten wir einige der größten Meisterwerke der modernen Kunst vielleicht nie erhalten.

Altmeister Hokusai

Katsushika Hokusais Farbholzschnitt Die Große Welle von Kanagawa (1830) hat sowohl die Popkultur als auch die Kunstgeschichte stark beeinflusst. Sein künstlerisches Schaffen umfasste auch Buchillustration und Malerei. Zu Zeiten der berüchtigten Edo-Periode schuf Hokusai schätzungsweise 30 000 Kunstwerke. Seine Ukiyo-e Drucke lieferten eine Darstellung der Welt, die eine kühn abstrahierte Mischung aus westlicher und japanischer Kunst war.

Eine Biografie von Katsushika Hokusai

Katsushika Hokusai, dessen Kindheitsname Tokitarō war, wurde 1760, also vor fast 300 Jahren, geboren. In der Mitte des 18. Jahrhunderts befand sich Japans damalige Hauptstadt Edo, die heute Tokio heißt, in der Edo-Zeit. Er lebte die meiste Zeit seines Lebens in einem zentralen Teil der Stadt am Ostufer des Simiyula-Flusses. Seine leibliche Familie hatte in den Arbeitervierteln von Edo gelebt, aber er wurde von seinem Onkel Nakajima Ise adoptiert, der der offizielle Spiegelmacher des shōgun war.

Zu jener Zeit war die Adoption männlicher Kinder eine übliche Strategie, um die eigene Abstammung und das gesellschaftliche Ansehen zu stärken.

Die Nähe zum königlichen Hof ermöglichte Hokusai eine ausgezeichnete Ausbildung und er hatte gute Voraussetzungen für eine Karriere in der Kunst. Schon als Kind entwickelte er ein Interesse am Zeichnen. Im Alter von sechs Jahren verwendete er bereits Aquarellfarben.

Porträt von Katsushika Hokusai von Keisai Eisen, vor 1848; Keisai Eisen, Public domain, via Wikimedia Commons

Hokusai lernte das Bemalen von dekorativen Spiegelrahmen in der Erwartung, dass er später in das Familienunternehmen einsteigen würde. Als Teenager ging er bei einem Graveur in die Lehre und beschloss, dass er Künstler werden wollte. Sein Interesse an Spiegeln, Mikroskopen und Teleskopen spiegelte sich jedoch auch in seinen künstlerischen Arbeiten wider.

Hokusai wurde als Buddhist erzogen, wodurch das Göttliche für ihn unglaublich wichtig wurde. Später im Leben nannte er sich Hokusai zu Ehren der Göttin Myoken, was Nordstern bedeutet. Das einzige stationäre Licht am Himmel, das der Künstler als Quelle für spirituelle Kraft ansah. Eines seiner frühen Werke war eine Opfergabe für den Tempel von Myoken.

Trotz seines erfolgreichen Berufslebens kam es in Hokusais Lebensmitte zu einer langen Reihe unglücklicher Ereignisse.

Seine erste Frau, mit der er drei Kinder hatte, starb in den 1790er Jahren. Als er 50 Jahre alt war, wurde er buchstäblich vom Blitz getroffen. Dann erlitt er einen leichten Schlaganfall, der bedeutete, dass er seine künstlerischen Fähigkeiten neu erlernen musste. Er heiratete erneut und bekam drei weitere Kinder, aber 1828 starb auch seine zweite Frau. Zwei seiner Kinder verstarben ebenfalls. Dann war er gezwungen, seine Ersparnisse zu verwenden, um die Spielschulden seines Enkels zu begleichen.

Selbstporträt als alter Mann (1839) von Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons

Schließlich verlor Hokusai sein Haus und musste in einen Tempel umziehen. Dort lebte er viele Jahre lang mit seiner Tochter, die ebenfalls Künstlerin war. Doch 1839 wurde ihre Unterkunft bei einem Brand in der Nachbarschaft niedergebrannt. Hokusai und seine Tochter entkamen durch ein Fenster aus dem Haus, nur mit ihren Pinseln. Tausende seiner Werke sollen bei dem Feuer verloren gegangen sein.

Glücklicherweise war Hokusai zu Lebzeiten berühmt und die Erschwinglichkeit des Drucks bedeutete, dass sich die meisten Menschen seine Werke leisten konnten. Dies trug dazu bei, dass Hokusai die ständigen Anfälle von Armut und Not überlebte.

Er änderte seinen Namen im Laufe seines Lebens viele Male. Japanische Künstler waren dafür bekannt, ihre Namen zu ändern, wenn sich ihr Stil änderte oder wenn sie ihre soziale Stellung wechselten.

Ukiyo-e (1615 – 1905)

Die Edo-Periode, auch bekannt als Tokugawa-Periode, begann 1603, als ein hochrangiger Shogun namens Tokugawa eine Dynastie gründete, die über 200 Jahre andauern sollte. Der Tokugawa-Shogun hielt Japan fest im Griff. Im Jahr 1639 schloss der Shogun die Grenzen Japans und isolierte das Land von der Außenwelt. Ausländer wurden ausgewiesen, das Christentum wurde verboten und die Ein- oder Auswanderung wurde mit dem Tod bestraft. Nur ein begrenzter Handel war mit China und den Niederländern erlaubt, die dem Christentum gegenüber nicht so aggressiv waren.

Bis zu ihrem Zusammenbruch in den 1860er Jahren war die Edo-Periode für Japan sehr wohlhabend. Viele Industriezweige florierten und unter diesen Bedingungen entstand eine typisch japanische Kunst. Um 1680 begannen Buchverleger mit der Herstellung von Einblattdrucken, die als Ukiyo-e bekannt wurden.

Der Begriff Ukiyo-e bedeutet „Bilder der schwebenden Welt“ und umfasst Gemälde, Bücher und Drucke. Es ist ein Wortspiel mit einem buddhistischen Begriff, der „traurige Welt“ bedeutet.

Schwalbe und Würger über Erdbeeren und Begonie (ca. 1834) von Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons

In der Edo-Zeit gab es viele verschiedene Malstile, von denen die Schwimmende Welt einer war. Die Bilder der „Schwimmenden Welt“ wurden vom Alltagsleben der Prominenten und Bürger von Edo im 17. und 18. Jahrhundert inspiriert.

Zu dieser Zeit diente die Innenstadt von Edo als Hof des Shogun und zog Adlige und Samurais aus ganz Japan an. Zu den Motiven dieser Künstler gehörten Schauspieler, Sumo-Ringer, Geishas, Kurtisanen und erotische Szenen, die die Kabuki-Theater und Bordellviertel am nördlichen Stadtrand von Edo füllten.

Der zunehmende Handel schuf eine Umgebung der Ausschweifung, die etwas flüchtig erschienen sein muss, daher der Begriff „Schwimmende Welt“.

Der dünne Schleier der Bescheidenheit, den der Begriff Kurtisane im westlichen Kontext bietet, impliziert ein gewisses Maß an Unmoral. Aber in der Edo-Zeit war Sexarbeit nichts Schändliches. Sie war legal und äußerst populär. Als sich das Ukiyo-e im Rotlichtviertel von Edo entwickelte, gab es dort eine gesunde Mischung aus expliziten und nicht-expliziten Grafiken.

CGourtesan, der das Ohr eines Kriegers reinigt (ca. 1798-1810) von Katsushika Hokusai; I, Sailko, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Die Sammel-Holzschnitte wurden zu einer Sensation, ähnlich wie moderne Sammelkarten. Es gab eine ständige Nachfrage nach neuen Holzschnitten zum Sammeln. Obwohl sie von Hand gedruckt wurden, waren sie durch die Massenproduktion für die Verleger sehr profitabel. Aufgrund der Massenproduktion hatten sie ein geringes soziales Prestige, während die traditionelle Malerei ein hohes Ansehen genoss.

Dennoch machte Ukiyo-e die Kunst für alle Schichten zugänglich, da diese Drucke für den Preis einer Schüssel Nudeln gekauft werden konnten.

Die Ästhetik des Ukiyo-e unterschied sich in mehrfacher Hinsicht von der westlichen Kunst. Der erste war die Perspektive. Die leuchtenden Farben des Ukiyo-e standen im Gegensatz zu den bodenlosen Grau- und Brauntönen, die zu dieser Zeit typisch für die westliche Kunst waren. Die Edo-Periode zeichnete sich auch durch ihre einzigartige Verwendung von Formen und Gestalten aus. Die Künstler strebten nicht nach Realismus, sondern bevorzugten strukturierte Zeichnungen, die Atmosphäre und Energie betonten.

Frühe Karriere

Als Hokusai 1760 geboren wurde, existierte die Bewegung bereits seit mehr als hundert Jahren. Er wurde jedoch in einer Zeit großer Veränderungen geboren.  Mitte des 18. Jahrhunderts war Edo mit einer Million Einwohnern die größte Stadt der Welt geworden. Sie hatte sich zu einer hochentwickelten Konsumgesellschaft entwickelt.

Obwohl sie einst als die unterste soziale Schicht der Kaufleute galten, stiegen sie mit dem Aufschwung der Wirtschaft in der Stadt auf. Sie konnten sich nun Bildung, Reisen, Bücher und Kunst leisten.

Im Alter von 14 Jahren ging er bei einem Holzschnittschneider in die Lehre und lernte so diesen wichtigen Aspekt der Herstellung von Ukiyo-e. Es begann mit einem Verleger, der ein Bild beim Künstler in Auftrag gab, der eine Zeichnung auf dünnem Papier anfertigte. Dann wurde die ursprüngliche Zeichnung umgedreht, auf den Block geklebt und mit einem Instrument namens Baren abgerieben.

Der Schnitzer zog dann den größten Teil des Papiers ab, während es noch feucht vom Leim war, sodass die Linien des Originalbildes auf der Oberfläche des Holzblocks zurückblieben. Die Pinselstriche wurden dann in das Holz geschnitzt. Das ursprüngliche Design wurde dabei zerstört, so dass die Schnitzerinnen und Schnitzer sehr viel Geschick und Präzision aufbringen mussten, um es nachzubilden.

Im Jahr 1778, als Hokusai 18 Jahre alt war, begann er bei dem Meistergrafiker Katsukawa Shunshō zu studieren, der einen großen Einfluss auf die „Floating World“-Schule der populären Kunst hatte und Tausende von Farbholzschnitten der damaligen Kabuki-Superstars schuf.

Ein Jahr nach seinem Studium veröffentlichte Hokusai die erste Serie seiner eigenen Ukiyo-e Grafiken, die Kabuki-Schauspieler darstellten. Diese frühen Grafiken entsprechen dem Stil von Katsukawa. Die frühe Kunst Hokusais entstand unter dem Namen Shunrō, den er von seinem Meister erhielt.

Ichikawa Ebizō als der Heilige Monkaku verkleidet als Bandit (1791) von Katsushika Hokusai. Dies ist ein Druck eines Kabuki-Schauspielers, signiert „Shunrō“; Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons

Hokusais Mentor Shunshō starb 1793 und sein Nachfolger Shunkō entband Hokusai von seinen Aufgaben im Atelier. Dieser Rückschlag bedeutete einen Durchbruch in Hokusais künstlerischem Werdegang. Jetzt, wo er nicht mehr damit beschäftigt war, sich wiederholende Bilder von Kurtisanen und Berühmtheiten zu entwerfen, konnte er sein Sujet erweitern.

Er konzentrierte sich auf die Natur und das tägliche Leben der einfachen japanischen Menschen.

Manga

Hokusai begann um 1800, den Namen zu benutzen, unter dem wir ihn kennen. Hokusai bedeutet „Nordstudio“, eine Anspielung auf den Nordstern, eine wichtige Gottheit im Nichiren-Buddhismus. Von 1804 bis 1815 illustrierte er die beliebten Romane von Takizawa Bakin.

Sein Erfolg vervielfachte sich 1811, als er anfing zu reisen und seine Beobachtungen in Form von Zufallszeichnungen festzuhalten. Als er einen Freund und Kollegen in Megoria besuchte, sah ein Verleger seine Zeichnungen und schlug ihm vor, sie zusammenzustellen und ein Buch zu veröffentlichen.

Der Buchtitel Hokusai Manga stammt von Hokusai selbst, obwohl seine Bedeutung ganz anders ist als die der heute beliebten Comics. „Manga“ bedeutete zu Hokusais Zeiten zufällige oder informelle Zeichnungen oder Skizzen. Obwohl es keine Handlung hat, beeinflusste Hokusais Erfahrung in der Romanillustration seinen Manga.

PAus Katsushika Hokusais Hokusai Manga vol. 8: Selbstverteidigungstechniken (um 1817); Katsushika Hokusai (1760-1849), Original Uploader? Nataraja, Public domain, via Wikimedia Commons

Der erste in der Hokusai-Manga-Serie war Quick Lessons in Simplified Drawing (1812). Die im Holzschnitt gedruckten Bilderbücher enthielten viele Modelle, die man zum Üben kopieren konnte. Zu den Bildern gehören Landschaften, Architektur, arbeitende Menschen, Tiere und fiktive Figuren.

Das Buch hat einen ganzen Abschnitt mit wunderschön gezeichneten und beschrifteten Bildern von verschiedenen Fischarten.

Etwa zur gleichen Zeit veröffentlichte er auch Kinoe no Komatsu, ein sehr beliebtes Buch mit erotischen Bildern. Der berühmte Traum der Fischersfrau (1814) zeigte eine Frau in sexueller Ekstase mit einem Krakenpaar.

Traum der Fischersfrau (1814) von Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese Bücher wurden etwa zur gleichen Zeit veröffentlicht und waren sehr beliebt und sehr einflussreich. Hokusais Manga kann als Grundlage für den modernen Manga angesehen werden. Hokusai veröffentlichte zu seinen Lebzeiten 12 Bände von Hokusais verlorenen Manga, drei weitere wurden nach seinem Tod veröffentlicht.

Katsushika Hokusais Malstil

Hokusai hatte schon seit einiger Zeit mit der europäischen Perspektive gearbeitet, aber die Lektionen, die er in seinen mittleren Jahren gelernt hatte, kamen erst in seinen späteren Jahren zum Tragen. In Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji (ca. 1829-1832) kombinierte er einen eindeutig japanischen Stil mit einem eindeutig westlichen Stil und führte seine neu entdeckten Techniken zu ihrer optimalen Auflösung.

Bildumschlag für Katsushika Hokusais Serie 36 Ansichten des Berges Fuji, 1890; Katsushika, Hokusai, 1760-1849., Public domain, via Wikimedia Commons

Perspektive

Traditionelle Malstile wie Yamato-e, die dem Ukiyo-e vorausgingen, nahmen die traditionelle japanische Perspektive der fehlenden Dächer ein. Die klassische asiatische Perspektive stellte die Dinge weiter oben dar, um zu zeigen, dass sie sich in der Ferne befinden. Westliche Künstler kontrollierten den Blickwinkel des Betrachters, während die japanischen Landschaftsmaler keinen eindeutigen Zugangspunkt boten.

Die Zeit war auch in der westlichen Kunst festgelegt, aber die japanische Kunst hatte ein fließenderes Zeitempfinden, das mehrere Dimensionen einschloss.

Holländischen Kaufleuten waren zwei Handelsschiffe pro Jahr erlaubt. Das war praktisch die einzige direkte Verbindung zwischen Edo und Europa. Solange sie keine Spuren des Christentums aufwiesen, wurden westliche Bücher und Bilder in Edo gern gesehen.

Ein Yamato-e Druck mit dem Titel Illustrierte Legenden des Kitano-Schreins (1219) von einem unbekannten Künstler; Unbekannter Künstler Unbekannter Künstler, Public domain, via Wikimedia Commons

Den Japanern war der Fluchtpunkt seit den 1740er Jahren bekannt. Seine Ankunft wurde dort nicht wie im Europa der Renaissance verherrlicht. Stattdessen sahen die Japaner ihn als eine Neuheit an. Sie nutzten die amüsante optische Illusion für Bühnenbilder und Spielzeug.

Die anspruchslosen Bilder von Ukiyo-e wurden in den 1780er Jahren in Europa bekannt.

In den frühen 1800er Jahren reagierte Hokusai auf die große Nachfrage nach diesen perspektivischen Bildern mit einer Reihe von kleinen Drucken, die westliche Perspektiven erforschten. Hokusais Kunst stellte Edo durch eine holländische Linse dar, indem er gleichzeitig die für die europäische Kunst charakteristische Schattierung, Tiefe und lineare Perspektive imitierte und gegen sie verstieß, um das klassische asiatische System zu übernehmen.

Preußisch Blau

Während der Edo-Periode waren die Japaner Selbstversorger, aber sie genossen exotische Waren. Ein neues Pigment wäre für die japanischen Künstler sehr interessant gewesen. Im Jahr 1829 wurde ein solches synthetisches Blau in Deutschland erfunden. Die Japaner nannten es Berliner Blau, aber wir kennen es als Preußisch Blau.

Anfänglich wurde es von holländischen Händlern nach Japan importiert, aber in den späten 1820er Jahren begannen auch die Chinesen, es zu importieren, wodurch es viel erschwinglicher wurde. Dadurch wurde es möglich, Preußischblau in Ukiyo-e-Drucken zu verwenden.

Farbholzschnitt-Triptychon, das eine Gruppe von Kurtisanen aus dem Bezirk Shin-Yoshiwara zeigt, die im oberen Stockwerk eines Restaurants mit Blick auf den Sumida-Fluss musizieren; Nanabito spielt die Koto und Sugatano die Kokyu, begleitet von Prostituierten und Lehrlingen der unteren Ränge. Mit preußischem Blau und etwas Rot auf den Lippen. Entworfen von Keisai Eise und gedruckt von Tsutaya Kichizo, um 1830; Britisches Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Im Vergleich zu früheren Blautönen hatte Preußischblau einen größeren Tonumfang, aber das Pigment war besonders beliebt, weil es nicht verblasste, wie es bei früheren Blautönen der Fall war. Frühere Ukiyo-e Drucke verwendeten selten Blau, weil frühere Blautöne manchmal innerhalb von Wochen verblassten.

Die drastische Veränderung der Farbe war das Ergebnis davon, dass die Ukiyo-e Künstler zum ersten Mal in der Lage waren, den Himmel, die Berge und das Wasser mit einer verbesserten blauen Farbe zu malen.

Die Niederländer, die genau wussten, dass Hokusai ein Innovator war, gaben ihm 1822, als er schon über 60 Jahre alt war, einen großen Auftrag für eine Reihe von Gemälden, die typische Szenen aus Japan zeigten. Er führte diese Werke in seinem hybriden japanisch-europäischen Stil und dem neu entdeckten Blau aus.

Hokusai-Kunstwerke

Während die Landschaftsdrucke im späten 18. Jahrhundert noch nicht so lukrativ waren wie die Kubuki Ukiyo-e Drucke, stieg der Absatz durch die Zunahme des Inlandsverkehrs in Japan. Die Kaufleute, Pilger und Vergnügungssuchenden, die den Berg Fuji besuchten, schufen einen Bedarf an einer neuen Art von Souvenirs in Form von Holzschnitten der japanischen Bergkunst. Hokusais Kunstwerke boten einen neuen Blick auf japanische Landschaften und Menschen.

Selbstporträt im Alter von dreiundachtzig Jahren (1843) von Katsushika Hokusai; Public Domain, Link

Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji(ca. 1829-1832)

Unter seinem neuen Pseudonym Iitsu erhielt Hokusai den Auftrag für Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji (ca. 1829-1832), um zunächst die neue Farbe zu nutzen. Die ersten fünf Blätter der Serie wurden fast vollständig in Preußischblau gedruckt, darunter auch ein wenig Indigo. Alles, einschließlich der Umrisse, die normalerweise in Schwarz gedruckt wurden, wurde in Blau gedruckt.

Der Berg Fuji ist der höchste Gipfel der japanischen Insel, obwohl er kein Berg ist, sondern ein aktiver Vulkan. Lange Zeit galt er als Gottheit, der über 800 Schreine gewidmet waren. Er war auch ein Ort für religiöse Pilgerfahrten. Man glaubte, dass der Berg eine Quelle der Unsterblichkeit und ein Sitz für die Götter sei.

Es repräsentierte Stabilität und Stärke für Japan, das immer noch in seiner eigenen Kultur verstrickt war und die japanischen Berge zur zentralen Kunst machte.

Bildumschlag für Katsushika Hokusais 36 Ansichten des Berges Fuji Serie, 1890; Katsushika, Hokusai, 1760-1849., Public domain, via Wikimedia Commons

In der idyllischen Serie von Blockdrucken mit dem Titel Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji frönt Hokusai aus fast jedem Blickwinkel seiner Besessenheit von diesem heiligen Wahrzeichen. In 36 Landschaften taucht der Berg Fuji durch die Wolken, über der Stadt und am Horizont auf.

Hokusai packte alles, was er in den letzten sechs Jahrzehnten über Stil, Farbe und Perspektive gelernt hatte, in seine „Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji“.

Hokusai interessierte sich für die Beziehung zwischen menschlichen Aktivitäten und dem Berg. Er stellte Menschen in der Landschaft dar, die reisen, sich den Hut vom Wind wegblasen lassen oder das Land bearbeiten. In einer der Szenen geraten die Reisenden in ein Gewitter. Ein Blitz im hinteren Teil des Bildes verursacht einen Stroboskop-Effekt im dunklen Gewitterhimmel.

Regensturm unter dem Gipfel (1830) von Katsushika Hokusai, Nummer 32 der Serie Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons
 

Die große Welle (1830)

1830 begann Hokusai im Alter von über 70 Jahren mit der Anfertigung seines berühmtesten Bildes. Die Große Welle vor der Küste Kanagawas (1830) trägt eigentlich den Titel Unter der Welle vor Kanagawa, aber die Leute nennen es allgemein Die Große Welle. Von dem Farbholzschnitt Die Große Welle wurden etwa 8000 Drucke hergestellt. Die massenhaft produzierten Drucke in Postergröße waren dank der demokratischen Kunstform des Ukiyo-e erschwinglich und zugänglich.

Dieser Druck wird als ein typisch japanisches Bild angesehen, aber er ist eine Mischung aus japanischen und europäischen Stilen. Hokusai hat das Bild so arrangiert, dass der Berg Fuji, der sich in der Mitte der Komposition befindet und der höchste Punkt Japans ist, von der riesigen Welle im Vordergrund in den Schatten gestellt wird.

Hokusais Verwendung des damals neuen Preußischblaus fängt die Helligkeit des Meeres mit einer Harmonie der Kontraste ein. Die klauenartigen Figuren der Welle, die zwei Drittel des Bildes einnehmen, sind dynamisch in Bewegung. Der Schaum von Die Große Welle fällt auf den Berg wie Schnee, der auf den Gipfel des Mount Fuji fällt, der das ganze Jahr über bedeckt bleibt.

Die große Welle vor der Küste von Kanagawa (1830-1832) von Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Große Welle fängt den Moment ein, in dem die Welle auf die drei zerbrechlichen Boote unter ihnen zu stürzen droht. Die drei schnellen Lieferboote werden von den Wellen umhergeworfen und versuchen, den lebenden Fisch einer Fischereiflotte zu den Märkten in Edo zu bringen.

In Hokusais typischem Stil stellt er heldenhafte Arbeiter dar und vermenschlicht sie durch ihre Begegnung mit der Natur und die Ungewissheit, ob sie es ans Ufer schaffen werden.

Seine früheren Wellenbilder wie Cargo Boat Passing Through Waves (1805), das eine große Welle zeigt, die auf ein Boot trifft, und Spring at Enoshima (1797), das eine Welle zeigt, die sich am Strand bricht, waren im Vergleich dazu eher statisch. Seine früheren Wellen, die Jahrzehnte zuvor entstanden waren, wurden nicht wirklich als Wasser wahrgenommen.

TOP: Frachtschiff, das durch die Wellen fährt (1805) von Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons | UNTEN: Frühling bei Enoshima (1797) von Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons

Kanagawa, das südlich von Edo liegt, zeigt eine Entfernung zum Berg Fuji, die einen Hauch von Furcht vermittelt. Auch wenn Japan isoliert blieb, war die Angst vor einer Invasion über das Meer spürbar. Der Rest der Welt wurde industrialisiert und die Japaner waren besorgt über ausländische Übergriffe. Der Ozean, der Japans friedliche Isolation zwei Jahrhunderte lang geschützt hatte, wurde ihm zum Verhängnis.

Hokusais „Große Welle“ bringt die Angst Japans vor einer ungewissen Zukunft auf den Punkt.

Roter Fuji (um 1830)

Feiner Wind, klarer Morgen ist besser bekannt als Roter Fuji (1830). Auf Hokusais frühesten Eindrücken ist das Rot recht hell, fast verblasst. Die blaue Kontur am Rand des Berges verrät jedoch, dass diese Färbung nicht zufällig war. Der nuanciertere Rotton war aus verschiedenen Gründen schwieriger zu drucken und die Verleger begannen zu sparen, was zur Einführung des hellen Roten Fuji führte.

Feiner Wind, klarer Morgen (Roter Fuji) (ca. 1830) von Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons

Das ursprüngliche Hellrot zeigte die Qualität des Lichts kurz vor der Morgendämmerung. Das leuchtende Rot in diesem beliebten Druck wird für sein monumentales und abstrahiertes Design gelobt. Aber die Subtilität wird übersehen. Die dreieckigen Bäume des Bergwaldes scheinen aus drei verschiedenen Blöcken gedruckt zu sein. Sie bringen Tiefe durch die verschiedenen Grüntöne, in denen sie gedruckt wurden.

Interessanterweise ist Hokusais wichtigster Druck in Japan nicht „Die große Welle“, sondern der „Rote Fuji“. Da der Berg Fuji ein wichtiger Teil der japanischen nationalen Identität ist, war die Kunst der japanischen Berge sehr beliebt. Die Japaner wollten den Fuji nicht aus der Ferne, sondern aus der Nähe in seiner ganzen Pracht sehen.

Moderne Kunst

Am 8. Juli 1853 fand Japans selbst auferlegte Isolation ein Ende, als bewaffnete Schiffe im Auftrag der Regierung der Vereinigten Staaten uneingeladen in den Hafen von Tokio segelten und die Japaner aufforderten, den Handel mit ihnen aufzunehmen. Die japanische Kunst, die sich über zwei Jahrhunderte lang unabhängig entwickelt hatte, wurde endlich dem Rest der Welt offenbart.

Einer der Gründe, warum die japanische Kunst die erste nicht-westliche Kunstform war, die vom Westen „entdeckt“ wurde, war, dass sie teilweise westlich war. Die Bilder hatten ihre eigene Ästhetik, aber sie kamen dem westlichen Publikum ziemlich vertraut vor.

In den 1800er Jahren begeisterten sich die Franzosen für japanische Drucke und diese Begeisterung für japanische Kunst wurde als Japonisme bekannt. Dies geschah kurz nach Hokusais Tod im Jahr 1849. Die Besessenheit von Hokusais Kunstwerken und anderen berühmten japanischen Künstlern wie Kitagawa Utamoro, Utagawa Hiroshige und Utagawa Kuniyoshi beeinflusste die moderne Kunst in Europa.

Vincent van Gogh schuf Sternschnuppe (1889), das stark von Hokusais Großer Welle inspiriert war. In einem Brief schrieb van Gogh: „Meine ganze Kunst ist bis zu einem gewissen Grad von Japan beeinflusst.“ Monet ist einer der vielen Künstler, die ihre Bewunderung für die japanische Kunst zum Ausdruck brachten. Monet besaß 23 Grafiken von japanischen Künstlern. In Manets Porträt von Zola (1867-1868) siehst du den Utagawa Kuniaki II-Druck Sumo-Ringer Omaruto Nadaemon aus der Provinz Awa (1860) deutlich im Hintergrund.

Porträt von Emile Zola (1868) von Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Der japanische Einfluss ist in Paul Gaugins Die Welle (1888), Claude Monets La Japonaise (1876), Edgar Degas‘ Madame Camus (1869-1870), Gustav Klints Posthumem Porträt von Ria Munk III (1917-1918), James Abbott McNeill Whistlers Caprice in Purpur und Gold präsent: The Golden Screen (1864), Mary Cassatt’s Woman Bathing (1890-1891), Alphonse Mucha’s Winter (1896) und Pierre Bonnard’s Woman in Checkered Dress (1890-1891).

Obwohl japanische Drucke die Künstler der Moderne inspirierten, war es der Modernismus, der dem japanischen Farbholzschnitt letztendlich ein Ende bereitete. Er überlebte, nachdem westliche Druckmethoden nach Japan kamen, bis etwa 1905, als der Holzschnitt schließlich neuen Medien wie der Lithografie und der Fotografie Platz machte.

Doch in den 1910er Jahren wurden die Ukiyo-e Drucke als klassische Kunstform wiederbelebt.

„Der alte Mann, der verrückt ist zu malen“

1834 begann Hokusai, sich Gakyō Rōjin zu nennen, was „der alte Mann, der verrückt ist zu malen“ bedeutet. In diesen letzten Jahrzehnten schuf Hokusai einige seiner besten Werke. Die Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji hatte er erst im Alter von 70 Jahren begonnen. Wie er selbst sagte: „Bis zum Alter von 70 Jahren war nichts, was ich gezeichnet habe, der Beachtung wert. Mit 73 Jahren war ich nicht in der Lage, das Wachstum von Pflanzen, Bäumen und die Struktur von Vögeln, Tieren, Insekten und Fischen zu ergründen.“

Kopf eines alten Mannes (Anfang 1840) von Katsushika Hokusai; Public Domain, Link

Hokusai zog im Alter von 83 Jahren nach Obuse und seine Exzentrik nahm zu. Er arbeitete vom Morgengrauen bis zur Abenddämmerung und widmete sein Leben der Kunst. Er begann seinen Tag mit einem Exorzismus, bei dem er einen chinesischen Löwen auf ein Stück Papier malte und es dann aus dem Fenster warf, um böse Geister zu vertreiben. Er hörte auf zu putzen und ließ sein Atelier vor Schmutz und Unordnung verfaulen. Wenn es unerträglich wurde, zog er einfach um, was er 93 Mal getan haben soll.

Hokusais Gemälde, Skizzen und Drucke gehen in die Zehntausende.

Mit 88 Jahren begann er, sich auf die Malerei zu konzentrieren und signierte seine Werke mit dem Zeichen 100 und einem roten Siegel als Talisman für unsterbliches Leben. Er war überzeugt, dass er 110 Jahre alt werden würde, was er als seine künstlerische Blütezeit ansah. Er schrieb: „Wenn der Himmel mir noch fünf Jahre Leben schenkt, dann werde ich ein wahrer Künstler.“

Drachenflug über den Berg Fuji (1849) von Katsushika Hokusai; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons

Das letzte der Hokusai-Gemälde,Drache fliegt über den Berg Fuji (1849), war sein eigentlicher Höhepunkt. Obwohl er schon seit Jahrzehnten Drachen malte, scheint er es in seinen 90er Jahren endlich geknackt zu haben. Das Bild fasst die Lektionen seiner langen Karriere zusammen. Indem er den Ton des Papiers als Lichtquelle nutzte, ließ er sich keinen Raum für Fehler. Sein vereinfachter Berg Fuji wird von einem treibenden Drachen getragen, der in den Himmel aufsteigt. Es scheint ein Selbstporträt zu sein. Als ob er dem Betrachter ein letztes Mal Lebewohl sagen würde.

In der Inschrift schrieb Hokusai: „…ich wurde in einem Drachenjahr geboren, ich male dies an einem Drachentag in meinem 90. Die Biografie von Katsushika Hokusai würde in diesem Jahr enden, was beweist, dass er bis zu seinem Todestag weiter experimentierte und produzierte. Auf seinem Grabstein steht sein endgültiges Pseudonym Gakyō Rōjin, der „Alte Mann, der verrückt ist zu malen“.

Häufig gestellte Fragen

Wie viele Drucke sind in Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji?

Das ist eine Fangfrage, denn die Serie war so beliebt, dass Hokusai am Ende noch 10 weitere anfertigte, so dass es insgesamt 46 sind. Außerdem war Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji so erfolgreich, dass er die Serie Die 100 Ansichten des Berges Fuji in Auftrag gab.

War Hokusai auch ein Performance-Künstler?

Ja. Er war dafür bekannt, dass er das Publikum mit Straßenaufführungen begeisterte, bei denen er mit Farbeimern und einem Besen riesige Bilder malte, die Hunderte von Metern lang waren. Er unterhielt auch den königlichen Hof des Tokugawa shōgun, als er einen großen blauen Bogen malte und dann die Füße eines Huhns in rotes Pigment tauchte und es über die Leinwand jagte.

Arbeitete Hokusai allein?

Nein. Die Künstler entwarfen nur das ursprüngliche Bild und waren nicht in den Druckprozess involviert. Zuerst gab der Verleger das Werk in Auftrag, dann der Künstler, dann der Blockschneider und schließlich der Drucker. In Anbetracht der Tatsache, dass er auch Anhänger, Schüler und Studenten hatte, arbeitete Hokusai wahrscheinlich mit einem engagierten Team von Fachleuten zusammen.

Hat Hokusai Erotika gemacht?

Ja. Eines von Hokusais bekanntesten Bildern zeigt eine Frau, die Sex mit einem Tintenfisch hat.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.