Barock Kunst – Bekannte barocke Künstler und Kunstwerke

Die barocke Kunstepoche entwickelte sich nach den Kunstperioden der Renaissance und des Manierismus. Es brachte neue Perspektiven über das Leben, die Kunst, die Religion und die Kultur mit sich. Der Barockstil entfernte sich von den strengen Elementen, die der protestantische Stil darstellte. Die katholische Kirche unterstützte die Entwicklung des Barocks mit seinen Ursprüngen in Rom, Italien, und schließlich in europäischen Ländern wie Norditalien, Frankreich, Spanien, Portugal, Österreich, Süddeutschland und Russland. Im Folgenden besprechen wir diese dekorative und phantasievolle Kunstepoche.

Was ist Barock?

Die Barockzeit begann in den späten 1500er Jahren bis in die frühen 1700er Jahre und war in ganz Europa verbreitet und vielfältig. Seine Prinzipien der Extravaganz, des Prunkes und der verzierten Details wurden in einer Reihe von kulturellen Medien wie Malerei, Architektur, Skulptur, Literatur und Musik dargestellt. Es war eine Periode des Aufschwungs in Kunst und Kultur, die tief in den religiösen Strukturen und Mächten Westeuropas zu dieser Zeit verwurzelt war, nämlich in der katholischen Kirche, die heute als römisch-katholische Kirche bezeichnet wird.

Barocke Kunst jeglicher Art war untrennbar mit der katholischen Kirche verbunden. In der Tat gab die Kirche vor, wie Kunst aussehen sollte, um die gewünschte Wirkung auf die Menschen zu erzielen. Sie sollte bei den Menschen, die sie erlebten, Erhabenheit und Ehrfurcht hervorrufen und wurde zu einer völlig neuen Sinneserfahrung.

Die katholische Kirche unterstützte den Barockstil, weil sie einen neuen und belebten Ansatz brauchte, um das einfache Volk wieder zu inspirieren und zu erheben, sowie es mit der Kirche und ihrer Majestät zu verbinden. Nach den Kriegswirren und Konflikten der Reformation war dies eine erfrischende Wiederbelebung für die Kirche.

Die treibenden Kräfte dahinter können als propagandistisch bezeichnet werden, da sie die Modi der visuellen Darstellung und Kommunikation (Malerei, Architektur, Skulptur) nutzten, um die Glaubwürdigkeit und Autorität der katholischen Kirche zu erhalten.

Um die Fortschritte zu verstehen, die die Barock Kunst der Kunst und Kultur brachte, müssen wir uns die historischen Grundlagen ansehen, die diese Periode untermauern.

Die Reformation: Die katholische Kirche und die Protestanten

Die Barockzeit entwickelte sich aus erheblichen politischen und religiösen Umwälzungen in Europa, wie der Reformation zwischen den Protestanten und der katholischen Kirche während der 1500er Jahre. Obwohl die Reformation mit vielen anderen religiösen Figuren vor Martin Luther (ein deutscher Mönch, Priester und Theologe) begonnen haben mag, weisen viele wissenschaftliche Quellen auf ihn als den Katalysator der Reformation hin, der diese Ereignisse in Bewegung setzte.

Martin Luther ist bekannt für seine Veröffentlichung mit dem Titel „95 Thesen“, die er 1517 aus Besorgnis über verschiedene fragwürdige Handlungen der katholischen Kirche verfasste. Seine Befürchtungen betrafen vor allem den Verkauf von Ablassbriefen, auch bekannt als vollkommener Ablass, durch die Kirche (unter Papst Leo X.) an die Menschen, um Geld für den Bau des Petersdoms in der Vatikanstadt Rom zu sammeln.

Ablässe waren fast wie Zertifikate, die den Menschen garantierten, dass sie in den Himmel kommen und weniger Zeit im Fegefeuer verbringen würden, wenn sie der Kirche Spenden zukommen ließen, eine gute Tat vollbrachten, einen bestimmten Ort besuchten oder ein Gebet sprachen. In diesem Fall halfen die finanziellen Spenden dem Papst beim Bau der Basilika. Martin Luther war mit dieser Art von Verfahren nicht einverstanden, da er glaubte, dass niemand für seinen Platz im Himmel zu bezahlen brauchte. Außerdem hatte er andere, tiefere Bedenken gegenüber der Kirche und ihrer Haltung zu verschiedenen religiösen Angelegenheiten, die mit den katholischen Sakramenten zusammenhingen.

Beginn des Textes des ersten Drucks der deutschen Fassung der 95 Thesen im Jahr 1557; Martin Luther, Public domain, via Wikimedia Commons

Während dieser Zeit lehrte Martin Luther Moraltheologie an der Universität Wittenberg und er war auch ein Prediger. Er hörte von der Information, dass Ablassbriefe verkauft wurden, und wurde auf Predigten aufmerksam gemacht, die in der Nähe von Wittenberg von einem anderen Prediger namens Johann Tetzel gehalten wurden, einem deutschen Dominikanerprediger, der auch der Großkommissar für Ablassbriefe war.

Martin Luther schickte die „95 Thesen“ an den Erzbischof von Mainz, der zu dieser Zeit Albert von Brandenburg war, um ihn über die Vorgänge zu informieren. Er schlug sie auch an die Kirchentüren in Wittenberg, was eine gängige Praxis darstellte. Die Verfügbarkeit der Druckerpresse ermöglichte es Martin Luther, zahlreiche Kopien seiner Veröffentlichung anzufertigen. Tatsächlich wurden Hunderte in Deutschland gedruckt und auch aus dem Lateinischen ins Deutsche übersetzt. Das Dokument landete schließlich in den Händen vieler angesehener Intellektueller.

Es war im Jahr 1521, als Martin Luther zu starken Meinungsverschiedenheiten mit der Kirche kam, da er seinen Ansichten nicht abschwören wollte, als er dazu aufgefordert wurde. Aus diesem Grund wurde er von der Kirche denunziert und im Wormser Edikt, das von Kaiser Karl V. erlassen wurde, als „notorischer Ketzer“ bezeichnet.

Nach der Wende der Reformation, die entweder im Augsburger Religionsfrieden von 1555 oder im Westfälischen Frieden von 1648 ihr Ende gefunden haben soll, formierte sich in der katholischen Kirche eine Gegenreformation. Diese begann in den Jahren 1545 bis 1563 mit dem Konzil von Trient. Das Konzil von Trient bestand aus vielen Sitzungen, die sich mit verschiedenen Themen und Verfahren innerhalb der Kirche und ihrer Systeme befassten.

Protestanten gegen gegenreformatorische Entwicklungen

Die Gegenreformation löste auch neue Entwicklungen in Kunst und Spiritualität aus. Die Protestanten versuchten, einen Großteil der religiösen Bilder der katholischen Kirche abzuschaffen, da sie der Meinung waren, dass diese zu extravagant waren. Einige Reformisten zerstörten gewaltsam die religiösen Bilder der katholischen Kirche, was als Ikonoklasmus bekannt wurde. Die Protestanten glaubten, dass religiöse Bilder nur Jesus oder Bilder des Kreuzes darstellen sollten, im Einklang mit den protestantischen Werten.

Als Antwort auf die strengen Stile im Protestantismus glaubte die katholische Kirche, dass religiöse Bilder eine große Macht hätten. Außerdem wurde während der Ereignisse des Konzils von Trient entschieden, welche religiösen Bilder akzeptabel sind und welche nicht. Die „pastorale Rolle“ der Kunst wurde als primärer Zweck religiöser Bilder angesehen, was bedeutet, dass Künstler die Geschichten von Christi Leiden, Kreuzigung und vielen Heiligen in Verbindung mit biblischen Geschichten darstellen konnten. Die Ratsmitglieder stellten strenge Regeln auf, dass alle Bilder keine götzendienerischen Anspielungen enthalten durften.

Was folgte, waren neue künstlerische Stile und Haltungen, die in der religiösen Bildsprache dargestellt wurden, besser bekannt als die Barockzeit.

Eine Perle mit Makel: Definition von Barock

Indem wir die Bedeutung des Begriffs „Barock“ verstehen, werden wir mehr Kontext darüber gewinnen, wofür die barocke Kunst stand und was sie war. Die Kunst, die während dieser Zeit entwickelt wurde, war das visuelle Ergebnis und die Errungenschaft, die aus tieferen historischen, sozialen und politischen Themen in Europa geboren wurde. Es war zweifelsohne ein Zeitalter der Entdeckungen, der Einführung neuer Konzepte und Techniken innerhalb der Kunstwelt und somit eine Errungenschaft.

Der Begriff Barock wurde in verschiedenen Kontexten verstanden. Es ist ein französisches Wort, aber sein Ursprung wird auf das portugiesische barocco zurückgeführt, was „eine fehlerhafte Perle“ bedeutet. Bereits um 1500 wurde dieser Begriff auf Schmuck bezogen. Er wurde verwendet, um die Formen von echten Perlen zu beschreiben.

Es gibt andere Definitionen des Begriffs, die sich auf die Philosophie beziehen, speziell auf die Logik oder die aristotelische Logik. Als lateinischer Begriff, baroco, wurde er als Gedächtnisstütze für Syllogismen verwendet, die in deduktiven Argumentationsformeln verwendet wurden. Mehrere Gelehrte und Philosophen wendeten dieses Wort über die Schule der Logik hinaus an, zum Beispiel definierte Michel de Montaigne es als „bizarr und unnütz kompliziert“.

La Visite à la grand-mère (‚Besuch bei Großmutter‘, c. 1645-1648) by Louis Le Nain; Louis Le Nain, Public domain, via Wikimedia Commons

Jean-Jacques Rousseau, ein Philosoph und Musiker um 1700, beschrieb die Barockmusik im Dictionnaire de musique („Wörterbuch der Musik“, 1768) als disharmonisch: „Barockmusik ist diejenige, in der die Harmonie verwirrt ist, überladen mit Modulationen und Dissonanzen. Der Gesang ist hart und unnatürlich, die Intonation schwierig und die Bewegung zwanghaft. Es scheint, dass dieser Begriff aus dem Barock der Logiker stammt“.

Heinrich Wölfflin, ein Kunsthistoriker aus der Schweiz, beschrieb in seiner Publikation Renaissance und Barock (1888) „Barock“ im Kontext eines Kunststils. Wie auch immer dieser Begriff im Laufe der Jahrhunderte definiert wurde, die zugrundeliegende Essenz vermittelt auf jeden Fall ein Gefühl von Unvollkommenheit, Verwirrung und vielleicht sogar Unordnung und Schönheit.

Dies zeigt sich im barocken Stil, sei es in Gemälden, Skulpturen, Architektur, Musik oder Literatur. Im Folgenden sehen wir uns genauer an, was Barock Kunst ist.

Was ist Barocke kunst?

Die Barock Kunst wurde von bemerkenswerten Malern, Architekten und Bildhauern vorangetrieben, die die visuelle Kraft der Kunst zu den Massen brachten. Es gab viele wichtige Figuren für die Barockzeit. Zum Beispiel Künstler wie Caravaggio, der in seinen Gemälden einen starken Realismus darstellte, die Gebrüder Carracci und ihre Bologneser Schule, die sich von der Kunst des Manierismus (der Kunstperiode nach der Renaissance) absetzen wollte, und Giacomo Della Porta, ein italienischer Architekt. Wir werden diese Künstler und ihre Beiträge zum Barockstil im Folgenden genauer betrachten.

Merkmale und Techniken der Barock Kunst

Was den Barock von der Renaissance und dem darauffolgenden Manierismus unterscheidet, ist die Fokussierung auf mehr Lebendigkeit in den Motiven und ein strenger Realismus. Einige Quellen beschreiben es auch als Konzentration auf den Moment, in dem das Ereignis stattfindet, oder anders gesagt, die „Aktion“ oder das Drama. Das Sujet bestand aus religiösen und biblischen Erzählungen, wie sie von der katholischen Kirche vorgegeben wurden. Diese würden zwischen Bildern der Jungfrau Maria, den verschiedenen Heiligen und verschiedenen Geschichten aus der Bibel reichen.

Darüber hinaus zeichneten sich Barockgemälde durch die Verwendung leuchtender Farben aus, die mit wirbelnden und breiten Pinselstrichen aufgetragen wurden, was auf Bewegung und emotionale Intensität hindeutete. Dieser Malstil konzentrierte sich auf die Darstellung von großen Lichtflächen und Offenheit, was auch in der Architektur zu sehen war, wie z. B. bei den Kirchen mit weitläufigen Bereichen in der Mitte des Gebäudes, die von Kuppeln (Kuppeln oder quadratische krönende Strukturen über einem Dach) überragt wurden, um mehr Licht in das Gebäude zu lassen.

Chiaroscuro

Chiaroscuro ist ein italienischer Begriff, der „hell-dunkel“ bedeutet. Es konzentriert sich auf die Definition von Kontrasten in der Malerei. Diese Technik begann in der Renaissance, aber es war die Art und Weise, wie Caravaggio sie einsetzte, die sie zu einem beliebten Merkmal der Barockzeit machte. Durch die starke Betonung von Dunkelheit und Licht in seinen Kompositionen wird der Betrachter fast ein Teil des im Gemälde dargestellten Ereignisses.

Ein Beispiel dafür ist Caravaggios Die Berufung des heiligen Matthäus (1599 – 1600), wo wir den rechten Finger Christi sehen, der auf den heiligen Matthäus zeigt. Das Licht und der Schatten an der Wand durch das einfallende Sonnenlicht wird direkt neben dem zeigenden Finger Christi widergespiegelt.

The Calling of Saint Matthew (1599-1600) by Caravaggio; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Tenebris

Der Tenebrismus war eine weitere Technik, die von mehreren Barockmalern verwendet wurde, populär gemacht und vermutlich von Caravaggio begonnen wurde. Obwohl sie dem Hell-Dunkel ähnlich ist, konzentriert sie sich hauptsächlich auf die dunkleren Bereiche eines Gemäldes. Der Begriff stammt vom italienischen Wort tenebroso, das wiederum vom lateinischen Wort tenebra abstammt, was „Dunkelheit“ bedeutet. Andere Wörter, die mit diesem Begriff verwandt sind, sind düster und geheimnisvoll. Es wurde versucht, das zu schaffen, was als „Spotlight“-Effekt bezeichnet wird, auch „dramatische Beleuchtung“ genannt.

Quadro Riportato

Quadro Riportato bedeutet im Italienischen „getragenes Bild“ und wurde als Technik verwendet, bei der der Künstler etwas malte, was wie ein Rahmen um ein Gemälde aussah, das aus einer Reihe von Gemälden bestand, die als Fresko dargestellt wurden. Diese Technik wurde von einem der Vorläufer des Barocks, Annibale Carracci, verwendet. Sie ist in dem Fresko Die Liebe der Götter (1597 – 1600) an der Decke des Farnese-Palastes zu sehen.

Carraccis Triumph von Bacchus und Ariadne in der Mitte von Die Liebe der Götter dargestellt (1597-1600) Fresko an der Decke des Farnese-Palastes; Annibale Carracci, Public domain, via Wikimedia Commons

Illusionismus: Trompe l’Oeil und Quadratura

Die Idee der „Öffnung“ von Räumen innerhalb von Gemälden war ein großer Teil der Barock Kunst, da dies auch das Gefühl einer optischen Täuschung mit dem gemalten Bild dreidimensional erscheinen ließ. Das Erzeugen dieser Dreidimensionalität war als trompe l’oeil bekannt, was auf Französisch „das Auge täuschen“ bedeutet.

Wir können dies auf vielen Fresken in Kirchen und Gemälden während der gesamten Barockzeit sehen. Es begann jedoch nicht während dieser Kunstperiode und kann stattdessen bereits um 1800 gefunden werden. Jahrhundert. Tatsächlich wurde diese Technik bereits in einigen griechischen Wandmalereien verwendet und auch in der Zukunft von Künstlern wie Salvador Dali, der diese Technik in seinen surrealistischen Gemälden einsetzte.

Barockkünstler verwendeten eine andere perspektivische Technik, die Quadratura genannt wird und Bilder darstellt, die wie Teile der realen Architektur erscheinen und absichtlich als Fortsetzungen der realen Architektur gemalt werden. Diese Technik nutzte Theorien, die auf der architektonischen Perspektive basieren, um sie genau anzuwenden.

Berühmte Barockkünstler

Im Folgenden betrachten wir nur eine Handvoll bekannter Barockkünstler, darunter prominente Maler, Architekten und ihre Bauwerke sowie Bildhauer und ihre Skulpturen. Dies schließt jedoch nicht die vielen anderen Meisterwerke aus, die während der Barockzeit entstanden sind und was sie zu dieser Kunst- und Kulturepoche beigetragen haben.

Barock-Gemälde

Barocke Gemälde wurden weit und breit in ganz Europa gefunden, und wir werden Gemälde aus Italien, Frankreich, Spanien, Flandern, Holland, England und Deutschland sehen. Viele Künstler hatten andere kreative Attribute, die sie nicht nur zu Malern, sondern auch zu Bildhauern, Zeichnern, Zeichnern und Architekten machten, unter anderem.

Wir werden sehen, dass es eine Menge Überschneidungen zwischen vielen dieser Maler gibt, da jeder von ihnen sich von vielen Quellen während dieser Zeit inspirieren ließ, einschließlich der Stile von prominenten Meistern der Renaissance wie Michelangelo, Tizian und Raffael.

Annibale Carracci (1560 – 1609)

Annibale Carracci war zusammen mit seinem Bruder Agostino Carracci (1557 – 1602) und ihrem Cousin Ludovico Carracci (1555 – 1619) ein Pionier der Barockmalerei. Sie sind bekannt für die Gründung der Bologneser Kunstschule (1590 – 1630), die zunächst den Namen Accademia dei Desiderosi trug, den sie später in Accademia degli Incamminati („Akademie der Fortschrittlichen“) änderten.

Dies war ein Wendepunkt für die Kunst in Italien, da sie sich von den als Realismus und Manierismus bezeichneten Stilen entfernte. Annibale Carracci versuchte, in seinen Werken Elemente des Klassizismus und des Naturalismus darzustellen. Er griff auf die Stiltheorien der Hochrenaissance in Bezug auf Perspektive und Proportion zurück, um den ästhetischen und naturalistischen Reiz zu erhöhen. Er ist bekannt für seinen realistischen Stil mit großen Pinselstrichen.

Seine Kunstwerke wirkten lebendig und wurden in Lebensgröße und in voller Länge gemalt, um eine tiefere emotionale Verbindung mit dem Betrachter zu schaffen. Zusätzlich bediente er sich der Technik der Illusion, da seine Gemälde mit ihren realistischen Darstellungen, oft von religiösen Figuren und Landschaften, den Betrachter geradezu einluden, ein Teil des Themas zu werden. Beispiele sind die Pietà (1585) und die Auferstehung Christi (1593).

Pietà (1585) von Carracci; Annibale Carracci, Public domain, via Wikimedia Commons

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 – 1610)

Caravaggio war ein revolutionärer Künstler seiner Zeit, der einen eher konfliktreichen Lebensstil führte und in zahlreiche Verbrechen verwickelt war. Er begann seine künstlerische Ausbildung im Manierismus in Rom, aber er entfernte sich schließlich von diesem Stil und nahm einen mehr naturalistischen Ansatz an. Er wurde ein beliebter Künstler aufgrund seines innovativen Malstils und der Verwendung von Motiven.

Caravaggio malte aus der Welt, die ihn umgab, und verband oft Alltagsbilder mit sakralen Figuren. In gewisser Weise schlug er eine Brücke zwischen der Normalität des Lebens und dem Sakralen. Er machte Heilige menschlich, und einige Quellen beziehen sich auf das Konzept des „spirituellen Populismus“, in dem er sakrale, religiöse Kunst für den gewöhnlichen Mann auf der Straße zugänglich machte.

Das Göttliche war nicht mehr ein fernes Ideal der Vollkommenheit, was dem entsprach, was die katholische Kirche während der Gegenreformation von der Kunst verlangte.

Viele der großartigen Beispiele von Caravaggios Gemälden sind Die Berufung des Heiligen Matthäus (1600), Das Martyrium des Heiligen Matthäus (1600), Kreuzigung des Heiligen Petrus (1601), Tod der Jungfrau (1606) und die Geißelung Christi (1607), neben vielen anderen. Vielleicht fällt Ihnen Caravaggios radikaler Realismus in seinem Gemälde Tod der Jungfrau (1606) auf, das für seine Darstellung der Mutter Maria kritisiert wurde. Die tote Jungfrau in diesem Gemälde ist Mutter Maria, aber der Künstler stellte ihren leblosen Körper wie eine gewöhnliche Frau dar – man könnte meinen, dass es nur eine gewöhnliche Frau ist, die gestorben ist.

Morte della Vergine (‚Tod einer Jungfrau‘, 1606) von Caravaggio; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Caravaggio betont die Natürlichkeit dieser Komposition durch verschiedene Elemente, wie die Einfachheit ihrer Kleidung, ihre Hände und Füße, die geschwollen erscheinen, und die Einfachheit der Szene und der Männer um ihren Körper, die um sie trauern. Der einzige Hinweis darauf, dass sie eine heilige Figur ist, ist der dünne Heiligenschein um ihren Kopf. Caravaggio öffnet die ganze Szene für den Betrachter im Vordergrund, wobei die verschiedenen Trauernden scheinbar eine Kulisse im Hintergrund bilden und so den Betrachter zwingen, bei dem toten Körper der Mutter Maria dabei zu sein.

Darüber hinaus sehen wir in vielen von Caravaggios Gemälden die Verwendung von starken Kontrasten von Dunkelheit und Licht. Seine Verwendung der Hell-Dunkel-Technik wurde zu einem charakteristischen Merkmal seiner Kunstwerke. Dies beeinflusste auch viele andere Künstler in Europa und wurde zu einem Phänomen, das Carravagismus genannt wird.

Artemisia Gentileschi (1593 – 1656)

Artemisia Gentileschi war eine prominente Künstlerin während der Barockzeit. Sie ist für ihre Verwendung von Techniken wie Chiaroscuro, eine enge zweite zu Caravaggio erinnert. Sie porträtierte auch viele Frauen aus biblischen Geschichten, Szenen von Vergewaltigungen und verschiedene Machtkämpfe, sowie die Betonung der Rolle einer Frau innerhalb einer Männerwelt, da die Kunstwelt zu dieser Zeit hauptsächlich von Männern dominiert wurde. Ihre Szenen stellten den Realismus dar, den wir so oft bei vielen Barockmeistern sehen.

Einige ihrer populären Werke sind Susanna und die Ältesten (1610), Danae (1612) und Judith erschlägt Holofernes (um 1620), ein dynamisches Kunstwerk, das auch von Caravaggio stammt. In Gentileschis Version von Judith erschlägt Holofernes (um 1620) sehen wir, wie der Künstler sich mehr auf die Frauen konzentriert, die die männliche Figur erschlagen, die damit beschäftigt ist, sich zu wehren, während die beiden ihn festhalten und anfangen, ihn zu enthaupten.

Giuditta che decapita Oloferne (‚Judith enthauptet Holofernes‘, 1611-1612) by Gentileschi; Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese Komposition findet sozusagen in der Hitze des Gefechts statt, da wir auch bemerken, wie das Blut aus dem Hals spritzt, was die ganze Szene umso emotionaler und ernster macht. Sie verwendete auch dunklere Farbbereiche mit der Chiaroscuro-Technik, zusätzlich zu einer tiefen Farbpalette.

Andere Aspekte dieser Komposition weisen auf die Macht hin, die Gentileschi als Künstlerin selbst an den Tag legte, da sie in der Lage war, ihr Thema so darzustellen, wie sie es wollte. Die gewalttätige Darstellung von Macht und Tod in diesem Gemälde weist auch auf die zugrundeliegende Motivation für das Malen einer Szene wie dieser hin, da sie als junge Frau Opfer eines sexuellen Übergriffs war.

Barocke Architektur

Barocke Architektur zeichnet sich durch kunstvolle Verzierungen, hohe, mit Fresken geschmückte Decken und üppige Ornamente aus, um die Aufmerksamkeit der Betrachter auf sich zu ziehen und emotionale Reaktionen der Ehrfurcht hervorzurufen. Es ist wichtig, die Rolle der Jesuiten in der Barockarchitektur zu beachten.

Die Jesuiten waren ein religiöser Orden zur Zeit der Gegenreformation und versuchten, eine neue Art von Architektur zu schaffen, um das Volk zu inspirieren und die Majestät der katholischen Kirche darzustellen.

Giacomo Della Porta (1532 – 1602)

Es wird angenommen, dass die Barockarchitektur mit der Kirche des Gesù (1584) und dem bahnbrechenden Stil ihrer Fassade begann, die von Giacomo Della Porta, einem Bildhauer und Architekten in Italien, entworfen wurde. Giacomo Della Porta war ein bedeutender Architekt der Barockzeit. Er lernte von anderen großen Meistern der Kunst wie Michelangelo und wurde von Giacomo Barozzi da Vignola (1507 – 1573), einem führenden Architekten des Manierismus in Italien, unterrichtet.

Façade von Chiesa del Gesù in Rom, Italy, designed by Della Porta; I, Alejo2083, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Die Kirche des Gesù wurde für die Gesellschaft Jesu, auch Jesuiten genannt, errichtet. Della Porta arbeitete zusammen mit Vignola an diesem Gebäude, und obwohl das Aussehen der Fassade nicht so aufwändig war wie die späteren Barockbauten – wir sehen, dass sie insgesamt minimal dekoriert erscheint, mit nur einer Konzentration von architektonischen Verzierungen in der Nähe des Eingangs – gab sie den Ton für die Anfänge der Barockarchitektur an.

Barock-Skulptur

Es gab viele große Bildhauer während der Barockzeit, aber es gab einen Künstler, der sich von allen anderen abhob und die Grundlagen dessen legte, was Bildhauerei war. Die Barockskulptur wurde im Auftrag der katholischen Kirche geschaffen, um Ehrfurcht zu erzeugen und das einfache Volk zu inspirieren.

Die Barockskulptur zeichnete sich durch verschiedene Merkmale aus, nämlich durch ihre Interaktivität, da die Betrachter um die ganze Skulptur herumgehen und sie in ihrer Gesamtheit betrachten konnten, was ihre Botschaft noch eindringlicher machte. Sie wurde auch in Kirchen verwendet, um architektonische Strukturen zu akzentuieren. Darüber hinaus waren die Bildhauer so geschickt in ihrer Kunst, dass sie Werke mit viel Liebe zum Detail schufen, vom Geschlecht bis hin zur diaphanen Beschaffenheit des Stoffes auf der skulptierten Figur.

Giovanni Lorenzo Bernini (1598 – 1680)

Das bringt uns zu Giovanni Lorenzo Bernini, einem Architekten und Bildhauer in Italien. Er war in erster Linie Bildhauer und wurde von einigen Gelehrten damit verglichen, die gleiche Bedeutung zu besitzen, die Shakespeare für die Welt des Theaters und der Literatur hatte.

Bernini galt in seinen frühen Jahren als Wunderkind, viele verglichen ihn mit Michelangelo.

Berninis Skulpturen stellten den Moment des Geschehens dar, was die Intensität des Werkes beim Betrachten noch erhöhte. Seine Themen bestanden aus biblischen und mythologischen Szenen und Figuren, und wir können Beispiele dafür in seinen Skulpturen wie Aeneas, Anchises und Ascanius (1619), Der Raub der Proserpina (1621 – 1622), Apollo und Daphne (1622 – 1625) und David (1623 – 1624) sehen.

Apollo and Daphne (1622-1625) von Bernini; Gian Lorenzo Bernini, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Eine der größten Skulpturen Berninis ist die Ekstase der Heiligen Teresa (1647 – 1652). Sie ist aus reinem Marmor gefertigt und befindet sich in der Cornaro-Kapelle in Rom. Die Skulptur stellt die heilige Teresa von Avila dar, die halb bewusstlos auf einer Wolke mit einem Engel liegt. Der Engel steht leicht erhöht rechts neben ihrem Körper und ist gerade dabei, ihr Herz mit einem Speer zu durchbohren. Der Marmor ist so gemeißelt, dass die Heilige federleicht auf der Wolke zu schweben scheint, was die Geschichte, die Bernini hier darstellt, unterstreicht.

Hier sehen wir die Heilige Teresa, die einen tiefen Moment der Ekstase erlebt. Es scheint spiritueller Natur zu sein, aber Bernini konzentrierte sich auch auf die physischen und sinnlichen Effekte, die diese Erfahrung der Heiligen gab. Wir sehen dies an der Art, wie ihr Körper liegt, sowie an ihrem Gesichtsausdruck. Hinter den zentralen Figuren bemerken wir auch, was wie Lichtstrahlen erscheint, die auf den Moment der reinen Glückseligkeit herabscheinen.

Wenn wir die gesamte Komposition betrachten, werden wir auch feststellen, dass sich die zentralen Figuren innerhalb einer Säulenstruktur mit zwei Theaterkästen auf beiden Seiten des Hauptmotivs der Heiligen und des Engels befinden. Die Theaterboxen liegen sich direkt gegenüber und enthalten Skulpturen der Familie Cornaro.

Trasfigurazione di santa Teresa (‚Ecstasy of St. Teresa‘, 1652) von Bernini; Gian Lorenzo Bernini, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Andere berühmte Barock maler

Im Folgenden findest du weitere berühmte Barockkünstler, die es wert sind, erwähnt zu werden, insbesondere Künstler, die aus anderen europäischen Ländern als Italien kamen.

Flämische Barock Künstler

Peter Paul Rubens (1577 – 1640) war ein einflussreicher flämischer Künstler, der Kunstwerke mit religiösen Themen schuf, darunter auch mythologische Szenen. Seine Arbeiten variierten von Landschaften, Porträts, Altarbildern und Gemälden. Dieser Künstler der Barockzeit war dafür bekannt, der nordischen Kunst, insbesondere der Malerei, eine neue Perspektive zu geben. Er wurde von Künstlern wie Tizian beeinflusst und hat eine Vielzahl von nackten männlichen und weiblichen Figuren in seine Gemälde integriert.

Außerdem zeigen seine Gemälde eine starke emotionale Ausstrahlung und werden oft als überschwänglich beschrieben.

Einige seiner berühmten Kunstwerke sind Die Kreuzerhöhung (1611), Massaker der Unschuldigen (1612), Prometheus gefesselt (1618), Die Anbetung der Könige (1624), Venus und Adonis (1635) und Die drei Grazien (1639) sowie die Rückkehr der Bauern (1640), die Rubens Liebe zu Landschaften zeigt.

The Three Graces (c. 1635) von Rubens; Peter Paul Rubens, Public domain, via Wikimedia Commons

Französische Barock Künstler

Georges de La Tour (1593 – 1652) schuf Kunstwerke mit starken Hell-Dunkel-Techniken, ähnlich wie Caravaggio. Was La Tour’s Gemälde jedoch von Caravaggio unterscheidet, ist seine vereinfachte Herangehensweise und Darstellung der Figuren. Er ist bekannt für die Darstellung von Szenen, die bei Kerzenlicht erscheinen.

Wo Caravaggios Gemälde eine emotionale Intensität darstellen, zeigen La Tours Gemälde eine emotionale Stille. Seine Themen waren religiöse Figuren und Erzählungen. Beispiele für seine Kunstwerke sind Die büßende Magdalena (um 1640), Joseph der Zimmermann (1642), Geburt Christi (1644) und Der neugeborene Christus (1645).

The Penitent Magdalene (c. 1640) von de la Tour; Georges de La Tour, Public domain, via Wikimedia Commons

Spanische Barock Künstler

Diego Rodríquez de Silva y Velázquez (1599 – 1660) war ein spanischer Künstler der Barockzeit, der auch für den Hof von König Philipp IV. malte, was dazu führte, dass er zahlreiche Porträts von Hofbeamten sowie der spanischen Königsfamilie malte. Er war bekannt als einer der bahnbrechenden Porträtkünstler seiner Zeit. Viele Quellen bezeichnen ihn auch als den „Maler des Malers“ aufgrund seiner großen Detailtreue in seinen Gemälden. Er malte oft alltägliche Szenen von Menschen und der Natur.

Einige seiner berühmten Werke sind Das Abendmahl zu Emmaus (1618 – 1623), Die Kapitulation von Breda (1635), Porträt von Juan de Pareja (1650), Porträt von Innozenz X. (1650) und Las Meninas (1656), letzteres ist eines der berühmtesten Kunstwerke des Künstlers aufgrund der strategischen Wiedergabe von kompositorischen Elementen wie Raum, Farbe, Perspektive und Linie.

Es stellt Infantin Margarita dar, die Tochter von König Philipp IV. Sie ist von weiblichen Dienern umgeben, mit ihr in der Mitte, reich gekleidet als Königin. Wir können auch erkennen, dass der Künstler sich selbst im Hintergrund darstellt, während er dabei ist, die Szene zu malen.

Las Meninas (‚The Maids of Honour‘, 1656-1657) by Velázquez; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Niederländische Barock Künstler

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606 – 1669) war einer der einflussreichsten und bekanntesten holländischen Maler, der bis heute als bedeutender Künstler in Erinnerung geblieben ist. Dieser holländische Künstler der Barockzeit schuf während seiner Karriere viele großartige Kunstwerke, darunter das Meisterwerk Die Nachtwache (1642).

Van Rijn schuf verschiedene Szenen des täglichen Lebens, Landschaften, sowie religiöse und mythologische Themen. Rembrandts Gemälde sind dafür bekannt, dass sie den Wohlstand während des niederländischen Goldenen Zeitalters, der Periode, in der er malte, einfingen.

Seine Gemälde zeigen verschiedene emotionale Zustände und ein scharfes Auge für Details, während er seine Szenen malte. Er nutzte auch Techniken von Hell-Dunkel-Kontrasten (Chiaroscuro) und innovative Wege im Umgang mit seinen Farben und Pinselstrichen, wobei er oft verschiedene Texturen verwendete.

Einige seiner berühmten Gemälde sind Die Anatomiestunde des Dr. Nicholas Tulp (1632), Mann im orientalischen Kostüm (1632), Die Nachtwache (1642), Geschlachteter Ochse (1655), Jakob segnet die Söhne Josephs (1656) und Selbstbildnis mit zwei Kreisen (1660).

The Night Watch (1642) von Rembrandt; Rembrandt, Public domain, via Wikimedia Commons

Vom Dunkel zum Licht: Barock und Rokoko

Die Barockzeit, die in Rom begann, entwickelte sich schließlich zum sogenannten Rokoko, das um 1702 begann und bis 1780 in Frankreich dauerte. Das Rokoko war eine Zeit, in der die Kunst ein Gefühl von Leichtigkeit vermittelte, im Gegensatz zu den dunklen Darstellungen des Barocks. Was beide Kunstrichtungen gemeinsam hatten, war das dramatische Flair in ihren Kunstwerken und die Verwendung von verschnörkelten Dekorationen, die in Gemälden, Skulpturen und in der Architektur zu sehen waren.

Der Barock lebt auch in der Zukunft weiter, da viele Künstler aus der Barockzeit andere Künstler aus dem Rokoko, sowie spätere Kunstbewegungen wie die Romantik, den Impressionismus und den Postimpressionismus beeinflusst haben. Zeitgenössische Künstler und Architekten wie I.M. Pei und Frank Gehry haben sich ebenfalls von Berninis Strukturen inspirieren lassen.

Die Barock Kunst war eine innovative Kunstepoche, die von vielen großen Künstlern ihrer Zeit angeführt wurde, die versuchten, die Grenzen dessen, was Kunst vorher war, zu überwinden. Mit einer Grundlage in der Darstellung der Realitätsnähe und Natürlichkeit des Lebens und seiner Menschen in Kombination mit der sakralen Bildsprache biblischer und mythologischer Figuren, brachte sie das Idealistische auf die Erde.

Häufig gestellte Fragen

Was ist barocke Kunst?

Die Barock Kunst begann in den späten 1500er Jahren bis in die frühen 1700er Jahre. Es war eine Kunstperiode während der Gegenreformation, als die katholische Kirche in Opposition zu den Protestanten stand, die die Reformation begonnen hatten. Als Teil der Reaktion wollte die katholische Kirche, dass die Kunst die Massen inspiriert und sie in Ehrfurcht vor der Großartigkeit und Schönheit nicht nur der Kirche, sondern auch der Macht und Majestät der biblischen und mythologischen Erzählungen, die durch Gemälde, Skulpturen und Architektur dargestellt wurden, versetzt.

Was charakterisierte die Barockzeit?

Die Barockzeit zeichnete sich durch die Verwendung von verzierten und verschnörkelten Dekorationen in der Malerei, Skulptur und Architektur aus. Barockkünstler stellten in ihren Gemälden ein erhöhtes Gefühl von Emotionen dar – oft eine Szene, in der die meiste Action stattfand. Außerdem kann man die Barockzeit als theatralisch bezeichnen, während sie dem Stil des Klassizismus und Naturalismus treu blieb. Viele Künstler nutzten neue Techniken, um Emotionen zu betonen, wie z.B. Chiaroscuro, welches helle und dunkle Kontraste erforschte.

Wann war die Barockzeit?

Die Barockzeit begann als Kunstbewegung nach der Renaissance und dem Manierismus und wurde von der Rokoko-Kunstbewegung gefolgt. Viele Künstler der Barockzeit wandten sich von den Stilen des Manierismus ab und wurden von führenden Künstlern der Renaissance beeinflusst, wobei sie oft die Stile der Hochrenaissance nutzten, um das zu schaffen, was als Barock Kunst bekannt wurde.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.