Präraffaeliten – Eine Geschichte der präraffaelitischen Kunstperiode

Die starren Konventionen der klassischen Kunst in Verbindung mit den sozialen Unruhen, die durch die Industrialisierung entstanden, waren Mitte des 19. Jahrhunderts der Ausgangspunkt für eine rebellische Gruppe junger Künstler, die ihre Unzufriedenheit in der Präraffaeliten-Bruderschaft zum Ausdruck brachten. Sie forderten die Werte der klassischen viktorianischen Kunst heraus, indem sie die Methoden und Ideale der Renaissance und des Mittelalters wiederbelebten.

Was bedeutet präraffaelitische Kunst?

Wie jede Kunstbewegung, die sich in die Annalen der Zeit eingeschrieben hat, war die präraffaelitische Kunst mit den sozialen, politischen und wirtschaftlichen Veränderungen im viktorianischen England verbunden. Auf gesellschaftlicher Ebene war sie eine Reaktion auf die weit verbreitete Industrialisierung, die das Vereinigte Königreich überrollte und nicht nur für schlechte Arbeitsbedingungen, weit verbreitetes Leid und eine verminderte Lebensqualität verantwortlich war, sondern auch für den Untergang der altmodischen Verbindung zur Natur, zum Geist und zum Herzen. Es war diese Verbindung zur Natur und zum eigenen Ich, die die Künstler dieser Bewegung mit der Kunst aus der Zeit vor Raffael verbanden.

Abgesehen von den sozialen Unruhen und den grundlegenden Veränderungen, die im Zuge der Industrialisierung im ganzen Land stattfanden, müssen wir unsere Aufmerksamkeit auf die Theorie richten, die in den Mauern der Royal Academy of London gefördert wurde, um den Hauptgrund für das Auftauchen dieser Kunstbewegung zu erkennen. Obwohl sie vielleicht von den unvorhersehbaren Veränderungen um sie herum inspiriert und beeinflusst wurde, war diese Bewegung kein direkter Aufschrei gegen die Ungerechtigkeiten der Gesellschaft – vielmehr war sie in kleinerem Maßstab eine Reaktion auf die künstlerischen Werte, die von der Royal Academy vorgegeben wurden.

Initialen „P. R. B. “ werden verwendet, um Werke der Präraffaelitischen Bruderschaft zu signieren. Dieses Beispiel stammt von einem Millais-Werk aus dem Jahr 1848; John Everett Millais, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Prinzipien, die so viel Abneigung hervorriefen, dass sie eine künstlerische Revolution auslösten, basierten auf den klar definierten Stilen und Vorlieben des damaligen Präsidenten der Royal Academy, Joshua Reynolds. Reynolds, der selbst Künstler war, konzentrierte sich in seiner Arbeit auf die Malerei von Genres und Porträts, die das klassische Griechenland und Rom feierten.

Indem sie die stagnierenden Ideale, die dieser Kunststil verkörperte, in Frage stellte, versuchte die Bruderschaft, Leben in die Kunstwelt zu bringen, indem sie den Künstlern die Freiheit gab, ihre Meisterwerke zu schaffen, ohne sich der Autorität der Akademie um ihrer selbst willen anzupassen.

Der Präraffaelitismus wurde von drei jungen Malern ins Leben gerufen – Dante Gabriel Rosetti, William Holman Hunt und John Everett Millais. Sie alle waren desillusioniert von den spießigen Konventionen der Akademie, die sie als mikrokosmisches künstlerisches Spiegelbild der Werte einer Gesellschaft betrachteten. Sie waren der Meinung, dass die Seele der Arbeiterklasse unter dem rücksichtslosen Einfluss der Industrialisierung begraben wurde und dass der einfache Mensch von einer sinnvollen Arbeit und einer Beziehung zu sich selbst und der Natur abgeschnitten wurde.

Wie von Dante Rosetti beschrieben, strebte diese Geheimgesellschaft danach, qualitativ hochwertige Kunst zu schaffen, die echte Ideen zum Ausdruck bringt und die mit den echten, herzlichen Aspekten historischer Kunstwerke sympathisiert, ohne sich mit den oberflächlichen, eitlen und konventionellen Qualitäten früherer Kunst zu beschäftigen, von denen sie sich inspirieren ließen. Ein großer Teil des Ziels bestand auch darin, die Natur so genau und so detailliert wie möglich darzustellen.

Le miroir de Vénus (‚The Mirror of Venus‘, 1875) von Edward Burne-Jones; Edward Burne-Jones, Public domain, via Wikimedia Commons

Aus diesem Grund glaubten die Künstler, dass das Malen im Freien der beste Weg sei, um die sich verändernde natürliche Umgebung einzufangen. Inspiriert wurden sie von der Schrift des Kunstkritikers John Ruskin, der später zu einem ihrer glühendsten Anhänger wurde: „In aller Einfalt des Herzens zur Natur zu gehen … nichts abzulehnen, nichts auszuwählen und nichts zu verachten“.

Dies war eines der bestimmenden Merkmale ihrer Herangehensweise an ihre Arbeit, das sie und ihre Werke von der traditionellen Methode, nach einer Vorzeichnung in Innenräumen zu malen, abhob.

Damit reagierten sie auf die sehr selektive und voreingenommene Darstellung der Natur in der viktorianischen Kunst, die darauf bestand, Skizzen von der Natur anzufertigen, die dann in der Enge von Innenräumen in Malerei umgewandelt wurden. Daher wurde ihr Wunsch, en plein air, draußen in der natürlichen Umgebung zu arbeiten, um das Wesen der Natur einzufangen, zu einem Merkmal, das einen starken Einfluss auf die Entwicklung der Landschaftsmalerei hatte.

Die Kunstwerke, die zu dieser Kunstrichtung gehörten, beschränkten sich nicht auf die Malerei, sondern umfassten auch Poesie, Literatur, Bildhauerei und Fotografie und beeinflussten in späteren Jahren auch die dekorative Kunst, die Inneneinrichtung, die Architektur und die Illustration. Viele der Künstler, die der Bruderschaft angehörten, waren Dichter oder ließen sich von der Literatur zu ihren Bildern inspirieren.

Studie für The Quarrel of Oberon and Titania (ca. 1849) von Joseph Noel Paton, basierend auf einer Szene aus Shakespeares A Midsummer Night’s Dream; Joseph Noel Paton, Public domain, via Wikimedia Commons

Viele der Gemälde, die in dieser Kunstrichtung entstanden, stellten auch das in Frage, was die Künstlerinnen und Künstler für veraltete Vorstellungen von Weiblichkeit hielten. Einige der Gemälde stellten wichtige weibliche (manchmal archetypische) Figuren aus der Literatur dar. Die Figuren selbst wurden oft nach realen Vorbildern gezeichnet.

Die Themen, die in diesen Gemälden auftauchten, waren oft Themen, die unbequeme Themen wie Sex und Tod in den Vordergrund rückten. Die Darstellung von Frauen in diesen Gemälden verleiht Frauen mehr Macht und Natürlichkeit in einem kulturellen Klima, in dem Frauen als schwächer als Männer angesehen wurden und ihre Rollen und Identitäten auf die der Ehefrau, Mutter und Haushälterin beschränkt waren.

Obwohl sie einen wohlverdienten Platz in der Kunstgeschichte einnahm, war sie nie eine formelle Bewegung, die von einem schriftlichen Manifest getragen wurde, wie es einige der formelleren künstlerischen Bewegungen waren.

Angesichts ihrer generellen Verachtung für die Normen der akademischen Kunst jener Zeit und ihrer unverblümten Darstellung alternativer Sichtweisen ist es nicht schwer, sich vorzustellen, dass die Bruderschaft von anderen Künstlern und Kritikern der damaligen Zeit intensiv unter die Lupe genommen und kritisiert wurde.

Merkmale der präraffaelitischen Kunst

Abgesehen von dem verräterischen Zeichen der Bruderschaft in Form der geheimnisvollen „P.R.B.“-Signatur auf einigen frühen Gemälden und natürlich den persönlichen Signaturen der Maler gibt es einige Merkmale, die diese Kunstart definieren und die es in der Tat ziemlich einfach machen, die Gemälde der Präraffaeliten anhand ihrer physischen Merkmale zu identifizieren.

Vor allem hatten die Künstler der Bruderschaft eine gewisse Verachtung für die viktorianische Besessenheit von Porträt- und Genrebildern, die für Reynolds charakteristisch war. Aber ihre Rebellion beschränkte sich nicht nur auf die Themen ihrer Kunst, sondern auch auf den Stil, die verwendeten Techniken und die in den Gemälden verkörperten Werte.

The Stonebreaker (1857-1858) von John Brett; John Brett, Public domain, via Wikimedia Commons

So war es zum Beispiel typisch für zeitgenössische Künstler der damaligen Zeit, ihre Sujets in Gewänder zu kleiden und sie vor einem nostalgischen Hintergrund klassischer griechischer und römischer Gefühle zu platzieren. Reynolds‘ Methode wurde als „the Grand Manner“ bekannt. Man kann zwar sagen, dass auch die Kunst der Bruderschaft eine nostalgische Stimmung ausstrahlte, aber sie bezog sich auf eine Zeit vor Raffael, die an das Mittelalter und die italienische Renaissance erinnerte, die in den Augen der Bruderschaft eine reinere Form der Kunst darstellte.

Die Figuren in den viktorianischen Gemälden, die die Mitglieder der Bruderschaft so sehr verachteten, viele von ihnen Frauen, vermittelten dem Betrachter nicht nur eine Vision der Antike, sondern trugen auch die Last, in veralteten Stereotypen von Frauen als keusch und unfähig oder als Mütter, deren Fähigkeiten nur im Haushalt nützlich waren, verankert zu sein. Und ganz allgemein hatte die Kunst dieser Bewegung eine gewisse Ernsthaftigkeit, eine Aufrichtigkeit, die sie auf eine nicht greifbare, emotionale Weise von anderen Stilen unterschied.

Love’s Shadow (1867) von Frederick Sandys; Frederick Sandys, Public domain, via Wikimedia Commons

Die leuchtende, fast zweidimensionale Verwendung von Farben und einfachen Linien, die für viele Gemälde dieser Bewegung charakteristisch war, steht im krassen Gegensatz zu der konventionellen Betonung von Licht und Schatten (diese Technik ist als chiaroscuro bekannt), die zu dieser Zeit weit verbreitet war. Diese Kunst neigt auch dazu, die pedantische Einbeziehung von Symmetrie und Proportionen in die Komposition zu ignorieren.

Die einzigartige Farbgebung der vor-raffaelitischen Gemälde wurde manchmal durch die so genannte „Nass-Weiß-Grund-Technik“ erreicht, bei der eine dicke Schicht weißer Farbe aufgetragen und darüber Farbe gemalt wurde, während sie noch nass war.

Berühmte Kunstwerke

Die Geschichte ist mit Hunderten von wunderschön detaillierten Kunstwerken aus dieser Bewegung geschmückt. Die im Folgenden beschriebenen Gemälde sind ein Trio von Gemälden der drei Begründer des Präraffaelitismus und Beispiele für einige der bekanntesten Werke dieser bahnbrechenden Kunstbewegung.

Ophelia (1851 – 1852) von John Everett Millais

Ophelia ist wahrscheinlich eines der berühmtesten Gemälde, das aus der Bruderschaft hervorging und das Interesse der Künstler widerspiegelt, eine unverfälschte Realität ans Licht zu bringen, die die Menschen dazu zwang, sich mit der ganzen Bandbreite menschlicher Erfahrungen auseinanderzusetzen, auch wenn einige dieser Themen tabu waren.

Auf diesem Gemälde, das eine berühmte Szene aus Shakespeares „Hamlet“ darstellt, sehen wir Ophelia in ihrem wässrigen Grab treiben. Die berühmte Szene zeigt Ophelia in den schicksalhaften Momenten zwischen dem Zeitpunkt, an dem sie ins Wasser fällt und in ihrem Wahnsinn schwebt, ohne sich der drohenden Gefahr bewusst zu sein, durch das Gewicht ihres Kleides zu ertrinken.

Ophélie (‚Ophelia‘, ca. 1851) von John Everett Millais; John Everett Millais, Public domain, via Wikimedia Commons

Dieses Gemälde umgibt Ophelia mit einer sehr detaillierten natürlichen Umgebung, mit Laub, das zu malen mindestens so viel Zeit in Anspruch nahm, wie der Künstler für die extrem lebensechte Darstellung von Ophelia selbst. Im Gegensatz dazu betonen konventionelle Künstler die Bedeutung der Figur auf Kosten des natürlichen Hintergrunds oder der Umgebung.

Das Modell für dieses Gemälde war niemand anderes als Elizabeth Siddal, die geliebte Muse und Ehefrau von Dante Rossetti. Sie stand in vielen Gemälden von Mitgliedern der Bruderschaft, wie Millais und Hunt, Modell. Als Künstlerin und Dichterin war Siddal drogensüchtig und starb tragischerweise im Alter von 32 Jahren an einer Überdosis Opioide – ein Schicksal, das auf unheimliche Weise an den frühen Tod von Ophelia in „Hamlet“ erinnert.

Elizabeth Siddal (c. 1854), ein Porträt gemalt von Dante Gabriel Rossetti; Dante Gabriel Rossetti, Public domain, via Wikimedia Commons

Um eine Körperhaltung einzunehmen, die Millais als nützliches Modell diente, um eine genaue Darstellung von Ophelias im Wasser treibendem Körper zu malen, lag Siddal in einer Badewanne mit Wasser, das mit Öllampen warm gehalten wurde. Während dieser Zeit zog sie sich eine Lungenentzündung zu und Millais bezahlte auf Wunsch von Siddals Vater die Arztrechnungen. Millais kaufte auch das Kleid, das Siddal trug, als sie posierte.

Dieses Gemälde wird im Tate Museum in London aufbewahrt.

Der Sündenbock (1854 – 1856) von William Holman Hunt

Als klassischer präraffaelitischer Maler bezog Hunt das Thema dieses Gemäldes aus religiösen Themen, wie es in der Renaissancezeit üblich war. Die auffallenden Farben und die sehr realistischen Bilder in diesem fesselnden Gemälde fangen eine Geschichte aus dem Buch Levitikus (der Bibel) ein. Es stellt Hunts jüdische Tradition dar, nach der einmal im Jahr ein Opferbock in die Wüste geschickt wurde, um symbolisch die Sünden der Gesellschaft auf sich zu nehmen. Auf dem Gemälde sind die Hörner der Ziege mit einem roten Tuch geschmückt, das die Dornenkrone um den Kopf Christi darstellt.

The Scapegoat (1854) von William Holman Hunt; William Holman Hunt, Public domain, via Wikimedia Commons

Es wurde von William Holman Hunt, einem Christen, gemalt, nachdem er durch den Nahen Osten gereist war. Auf seinen Reisen gelang es ihm, eine möglichst genaue Darstellung der religiösen Landschaft am Ufer des Toten Meeres zu erhalten. Er verwendete seltene, lebende Ziegen, die er selbst kaufte – die erste diente nicht als einfaches Modell und starb schließlich noch während der Produktion des Gemäldes, so dass Hunt gezwungen war, eine zweite zu kaufen, um das Gemälde fertigstellen zu können. Das Kunstwerk enthielt einen verzierten Goldrahmen, den Hunt selbst entworfen hatte und der seiner Meinung nach für das Verständnis des Gemäldes unerlässlich war, da er religiöse Symbole und Inschriften enthielt.

Es wird derzeit im Lady Lever Museum in Liverpool in Großbritannien ausgestellt.

Ecce Ancilla Domini (1849 – 1850) von Dante Rossetti

Dieses Gemälde war eines von Rossettis berühmtesten, aber auch eines seiner am heftigsten kritisierten Gemälde, was entscheidend dazu beitrug, dass der Künstler sich weigerte, weiterhin religiöse Szenen zu malen. Da es in der Öffentlichkeit unbeliebt war, verkaufte es sich nicht gut, als es 1850 zum ersten Mal ausgestellt wurde, und wurde schließlich von einem der Unterstützer der Bruderschaft gekauft.

Dieses Gemälde ist eines von Rossettis frühesten Werken und stellt die Verkündigung dar – den entscheidenden Moment in der Religionsgeschichte, als der Engel Gabriel die Jungfrau Maria besucht, um ihr die Nachricht von ihrer unerwarteten Schwangerschaft zu überbringen. Die weißen Lilien sind ein Relikt aus der Renaissance und der mittelalterlichen Kunst, die üblicherweise als Symbol für Reinheit verwendet wurden. Die Heiligenscheine um die Köpfe der beiden Figuren zeigen, dass sie trotz ihrer schlichten Kleidung göttlich sind. Der lateinische Titel bezieht sich auf die Szene im Lukasevangelium und wird mit „Haltet die Magd des Herrn“ übersetzt.

Ecce Ancilla Domini! („Die Verkündigung“, ca. 1849) von Dante Gabriel Rossetti; Dante Gabriel Rossetti, Public domain, via Wikimedia Commons

Mehrere Personen standen für dieses Gemälde Modell, darunter Rossettis Bruder und Schwester sowie professionelle Modelle. Inspiriert wurde es von den Werken von Eyck und Memling, die er auf seiner Europareise in Brügge sah. Er orientierte sich an ihrem Stil und ihrer Technik, als er dieses Gemälde schuf.

Es ist nicht das Thema, das er in „Ecce Ancilla Domini“ unter die Lupe nahm, sondern die Art und Weise, wie die Szene dargestellt wurde. Anstelle der Vision der Demut, die in das Studium vertieft ist, wie sie häufiger dargestellt wird, wird die Jungfrau Maria in diesem Gemälde als verängstigtes Mädchen in zerknitterten Kleidern gezeigt, das sich von ihrem Bett erhebt, als sie von der Gestalt Gabriels angesprochen wird. Diese Darstellung des Engels war ein weiterer von vielen Aspekten dieses Gemäldes, die kritisiert wurden, insbesondere in Bezug auf sein menschenähnliches Aussehen.

Dieses Gemälde ist in der Tate Britain in London ausgestellt. 

Die zweite Generation

Obwohl die Bruderschaft nur kurzlebig war und nur bis zu den ersten Jahren der 1850er Jahre bestand, wurde sie ein paar Jahre später wiederbelebt, als sich einige Studenten mit einigen namhaften Künstlern der Bewegung zusammentaten, um ein Wandgemälde in der Oxford Union Debating Hall zu malen. Etwa zur gleichen Zeit hielten große Namen wie Burne-Jones, Rossetti und Ruskin Kunstkurse für Männer aus der Arbeiterklasse ab. Mit diesen Ereignissen sollte die Leidenschaft für die präraffaelitischen Kunstwerke neu entfacht werden.

 Eine kurze Skizze der Morris-Bewegung und der von William Morris gegründeten Firma, die seine Entwürfe umsetzte, sowie der von ihm wiederbelebten oder neu gegründeten Industrien, die den Druck von Chintzes in Merton Abbey um 1890 zeigt. 1890; Anonym für Morris & Co., Public domain, via Wikimedia Commons

Das Wiederaufleben der Bewegung auf diese Weise gipfelte 1961 in der Gründung einer Firma namens Morris & Co., die von mehreren Kreativen wie Ford Madox Brown, Philip Webb, Louis Morris, Burne-Jones und Rossetti ins Leben gerufen wurde. Morris & Co. war ein Unternehmen, das sich auf die Herstellung von Kunsthandwerk konzentrierte, das im Gegensatz zu den Methoden und Produkten der Industrialisierung ältere künstlerische Ansätze nutzte, die die natürliche Schönheit der verwendeten Materialien zur Geltung kommen ließen.

Dies löste das aus, was als „Art and Crafts Movement“ bekannt wurde, eine groß angelegte Bewegung, die sich zwischen etwa 1860 und 1900 auf funktionale, dekorative Kunst bezog, die zugänglicher war als die sorgfältig kuratierte Welt der Galerien und Museen.

Die Arts-and-Crafts-Bewegung

Obwohl die Arts and Crafts-Bewegung eng mit dem Präraffaelitismus verbunden war, unterschied sie sich von diesem und war vielleicht sogar noch konsequenter mit den Überzeugungen, die der Bewegung zugrunde lagen, denn sie erlaubte es, die zugrundeliegenden Lehren in Form von Kunstwerken auszudrücken, die funktionaler waren als Gemälde und Skulpturen, was sie für eine größere Bandbreite von Menschen zugänglich machte. Zu den Kunstwerken zählten Wandteppiche und Möbel, die gleichzeitig nützlich und ästhetisch ansprechend für den Haushalt waren.

„Sommer“, ein Detail aus einem Wandteppich namens The Seasons oder Orchard, gewebt von Morris and Company in Wolle, Seide und Mohair auf einem Baumwollgrund in Merton Abbey im Jahr 1890, entworfen von William Morris und John Henry Dearle; William Morris, Public domain, via Wikimedia Commons

Bei der Herstellung von Gebrauchsgegenständen wie diesen wurde das Alltägliche zum Leben erweckt, indem man die Natur als Vorlage nutzte und auf mittelalterliche und gotische Kunst zurückgriff. Es entstand eine neue Möglichkeit, die Kunst in den Alltag der Menschen einzubinden, anstatt sie an die Wände stickiger Museen zu binden. Auf diese Weise konnten die Menschen ihr Recht auf Erfüllung erfahren und die ständige Präsenz von Schönheit, Kreativität und Geist in ihrem Leben erleben.

Dies war die Aussage zur industriellen Revolution, die einen Platz für das Herz im Leben des Alltagsmenschen schuf, der in einem Tempo in die dumpfe Welt der Maschinen hineingezogen wurde, das in der Geschichte der Menschheit unübertroffen ist.

Die Manifestation der präraffaelitischen Ideale in der Arts and Crafts-Bewegung blieb nicht auf Großbritannien oder die europäischen Grenzen beschränkt, und auch nicht auf das 19. Jahrhundert. Sie fand ihren Weg in die USA und gab der Kunstwelt noch bis in die 1920er Jahre hinein neue Impulse, indem sie verschiedene Kunstbewegungen direkt beeinflusste. Jede dieser Bewegungen entwickelte ihre eigene Handschrift und ihr eigenes Markenzeichen, wurde aber auch von den Werten der Arts and Crafts-Bewegung und den Methoden und Materialien beeinflusst, die eine tiefe Sympathie für vorindustrielle Methoden vermitteln.

Das Schaufenster der Winer Werkstatte, um 1920; ingen uppgift, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Die Wiener Werkstatte (1903 – 1928) war eine solche Bewegung, die eine Zusammenarbeit zwischen zahlreichen Architekten, Designern und Künstlern der damaligen Zeit beinhaltete, die gemeinsam Kleidung, Schmuck, Möbel und Design produzierten, die alle handgefertigt waren.

Eng damit verbunden war Art Nouveau (1890 – 1910), eine relativ kurzlebige Bewegung, die ihren Stil in ähnlicher Weise in der dekorativen Kunst, in Illustrationen, im Bauwesen und in der Inneneinrichtung sowie in der Plakat- und Glaskunst entwickelte. Die Prairie School (ca. 1900 bis 1950), eine amerikanische Form des Designs, die von der Arts and Crafts Bewegung beeinflusst wurde, entstand ebenfalls und entwickelte einen eigenen Architekturstil.

Die Schwesternschaft

Viele Jahre lang war die Bruderschaft für ihren rebellischen, ungestümen Charakter bekannt, aber in den letzten Jahren hat die Bruderschaft aus einem anderen Blickwinkel Aufmerksamkeit erlangt. Obwohl es klar war, dass in der Kunst, die von den Mitgliedern dieses Geheimbundes geschaffen wurde, vor allem Frauen zu sehen waren, ist die grundlegende Rolle der Frauen bei der Entstehung der Bewegung erst kürzlich ins Rampenlicht gerückt.

Zu den Frauen, die sich von dieser Bewegung inspirieren ließen und ein wesentlicher Teil von ihr waren, gehörten Effie Millais, Elizabeth Siddal und Christina Rossetti. Sie waren die Ehefrauen, Musen und Geliebten von drei der wichtigsten Figuren der Bewegung, aber auch andere standen ihnen Modell, während sie selbst begeisterte Künstlerinnen und Dichterinnen waren, wie Evelyn de Morgan und Marie Spartali Stillman.

Beispiele für Werke aus der Schwesternschaft sind Joanna Mary Boyces „Elgiva“ und De Morgans „The Garden of Opportunity“. Für Frauen wie Siddal war ihre Arbeit als Model ein finanzielles Einfallstor, das es ihnen ermöglichte, ihr Leben ihrer kreativen Arbeit zu widmen.

Elaine (1870) von Sophie Gengembre Anderson, nach einem Gedicht von Lord Tennyson. Das Gedicht erzählt die Geschichte von Elaine, einem unschuldigen Mädchen vom Land, das sich in Sir Lancelot verliebt. Er verlässt sie zugunsten von Königin Guinevere und sie stirbt an unerwiderter Liebe. Andersons Bild zeigt einen Diener, der Elaines Leiche zu König Artus‘ Palast in Camelot rudert; Walker Art Gallery, Public domain, via Wikimedia Commons

Die präraffaelitische Kunstbewegung fängt die Essenz einer Zeit in der britischen Geschichte ein, die von sozialen Unruhen geprägt war, die mit der groß angelegten Industrialisierung des Landes einhergingen. Dies wurde in exquisite Kunstformen kanalisiert, die nicht nur dem ungehemmten Ausdruck emotionaler Reflexionen über Tabuthemen und menschliche Erfahrungen in der viktorianischen Gesellschaft gerecht wurden, sondern auch die Kunst in das Leben der einfachen Leute brachten. Trotz oder vielleicht gerade wegen des mutigen Statements, das im Namen der Präraffaelitischen Bruderschaft abgegeben wurde, reichte ihr Einfluss weit und breit, obwohl sie aus einer relativ kleinen Gruppe von Mitgliedern bestand.  

Häufig gestellte Fragen

Warum nannte man sie Präraffaeliten?

Der Name spielt auf die Kunstepoche an, die vor Raffael kam – nämlich die italienische Renaissance und die mittelalterliche Kunst. Die Künstler der Bruderschaft waren der Meinung, dass diese Kunst noch nicht durch starre akademische Regeln korrumpiert worden war, die wahre Gefühle und Selbstdarstellung verhinderten.

Wann war die Zeit der Präraffaeliten?

Diese Kunstbewegung fand im Viktorianischen Zeitalter statt, wo der Präraffaelitismus Mitte des 18. Obwohl sie nur wenige Jahre andauerte, gab es in den 1950er Jahren eine zweite Welle, die sich in der Arts and Crafts-Bewegung formierte. Sie hatte einen starken Einfluss auf die Entwicklung nachfolgender Kunststile wie den Jugendstil bis ins frühe 20.

Gegen was rebellierten die Präraffaeliten?

Das Hauptanliegen dieser Künstlergruppe war es, die von der Royal Academy of London auferlegten künstlerischen Normen herauszufordern, die als Abscheu und Unterdrückung der reinen Kunst angesehen wurden, die die wahren Qualitäten der Motive in den Gemälden widerspiegelte. Ihre Arbeiten spiegelten auch Themen wider, die oft unbequeme Aspekte der menschlichen Existenz wie Tod und Untreue ans Licht brachten, und ihre Methoden stellten die Ideen des Industriezeitalters in Frage. Ihre Arbeit war der Auslöser für die Arts and Crafts-Bewegung, die die Schaffung von dekorativen und funktionalen Kunstwerken für ein breiteres Publikum in Gang setzte.

Was war das Ziel der Präraffaelitischen Bruderschaft?

Im Wesentlichen wurde die Bruderschaft gegründet, um zu der reineren Form der Kunst zurückzukehren, die ihrer Meinung nach durch den Kunststil der italienischen Renaissance und des Mittelalters verkörpert wurde. Dies wurde erreicht, indem man die Methoden, die für diese Zeiten charakteristisch waren, wieder aufleben ließ. Das Hauptziel war es, eine höhere Form der Kunst zu schaffen, die von der Royal Academy of London gelehrt wurde und die aufrichtiger und naturgetreuer war als die konventionelle viktorianische Kunst.

Was bedeutet Präraffaeliten?

Dieser Begriff bezieht sich auf die Zeit vor Raphael. Im Zusammenhang mit der Kunstbewegung war es der Name einer geheimen Gruppe von Künstlern in der viktorianischen Ära, die die Werte der Mainstream-Kunst der Zeit, wie sie von der Royal Academy gelehrt wurde, in Frage stellten. Der Begriff bezieht sich auf den Stil, die Methoden und die Werte der Kunst des Mittelalters und der Renaissance.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.