Klassizismus Kunst – Übersicht der klassischen Kunstepoche

Klassische Kunststile aus der griechisch-römischen Antike haben die Werke von Künstlern seit Jahrhunderten beeinflusst. Was hat es mit der Kunst dieser Epochen auf sich, dass sie Künstler von Leonardo da Vinci bis Banksy immer noch inspiriert? Klassische Vorstellungen von Proportion, Gleichgewicht, Harmonie und Eleganz durchdringen auf subtile Weise die Skulpturen, die Architektur und die Gemälde vieler moderner Kunstbewegungen. In diesem Artikel tauchen wir tief in die Grundlagen der klassischen Kunst ein und erforschen ihren anhaltenden Einfluss.

Ein breiter Überblick über die klassische Ästhetik

Die Definition des Klassizismus für Kunst und Architektur aus der griechisch-römischen Epoche betont die Qualitäten von Gleichgewicht, Harmonie, Idealisierung und Augenmaß. Die menschliche Gestalt war ein häufiges Thema der klassischen Kunst und wurde immer als verallgemeinerte und idealistische Figur ohne Emotionalität dargestellt. Die Komposition und die Linienführung sind in den klassischen Stilen viel wichtiger als die Verwendung von Farben.

Der klassischen Architektur liegen klassische Konzepte von mathematisch präzisen Proportionen zugrunde, die für Gleichgewicht und Symmetrie sorgen. Die Epochen des griechischen und römischen Klassizismus brachten ein hohes Maß an architektonischen Innovationen hervor, von der Erfindung des Zements bis zur Verwendung der Kuppel. Elemente der klassischen Architektur durchdringen auch heute noch die westlichen Theorien und Praktiken.

Bevor wir den Einfluss der Künstler des Klassizismus im Laufe der Jahrhunderte untersuchen können, ist es wichtig zu verstehen, wie sich die Elemente der Klassizismus-Definition entwickelt haben. Der Stil umspannt Jahrhunderte, Kulturen und Kontinente. Wir beginnen mit den frühesten Äußerungen des klassischen Stils im mykenischen Griechenland und enden im Römischen Reich.

Wichtige stilistische Beiträge aus dem antiken Griechenland

Das antike Griechenland ist der Ausgangspunkt für unsere Reise durch den Klassizismus. Wir können den Funken des Klassizismus in den Vasenmalereien der frühen Mykener und in der Entwicklung des Goldenen Schnitts erkennen. Zuerst schauen wir uns die historische Entwicklung der altgriechischen Kultur an und dann werden wir uns einige der wichtigsten Beiträge zum Klassizismus genauer ansehen.

1600-1100 V. CHR: Frühe mykenische Einflüsse

Die mykenische Zivilisation gilt als die ersten Griechen, und ihr Kunst-, Skulptur- und Architekturstil war der Grundstein für den späteren griechischen Klassizismus. Geografisch erstreckte sich diese Elite-Kriegerzivilisation über die Küstengebiete des heutigen Italiens, der Türkei, Syriens und Südgriechenlands.

Die mykenische Gesellschaft wurde von Palaststaaten regiert und kann in drei Klassen eingeteilt werden: Sklaven, einfache Menschen und Diener des Königs. Der König eines jeden Palaststaates übte religiöse, politische und militärische Autorität aus. Die Mykener verehrten heldenhafte Krieger und Götter und die frühe mykenische Kunst huldigte diesen Figuren oft. Die Geschichten dieser Götter und Krieger lebten in der späteren griechischen Literatur weiter, zum Beispiel in der Odyssee von Homer.

Handel und Landwirtschaft waren die Triebfedern der geografischen und politischen Expansion der Mykener. Die mykenische Ingenieurskunst verstärkte diese beiden Triebkräfte mit Entwässerungssystemen, Dämmen, Häfen, Brücken, Aquädukten und einem Straßennetz, das nur von den Römern übertroffen wurde. Die kyklopische Baukunst schuf riesige Festungsanlagen aus großen Felsblöcken, die mit Mörtel zusammengehalten wurden.

Diese innovativen Architekten schufen das Entlastungsdreieck, eine heute übliche Praxis, bei der ein dreieckiger Raum über dem Sturz gelassen wird, um Steinbögen vor dem Einsturz zu bewahren.

Die mykenischen Gesellschaften waren die ersten, die die Akropolis als Festung auf dem Hügel errichteten, die spätere griechische Städte kennzeichnete. Das Zentrum des Königspalastes war ein kreisförmiger Thronsaal, der oft mit lebhaften Fresken verziert war. Diese Fresken stellten Göttinnen und Götter, Schlachtszenen, das Meer, Jagdgesellschaften und symbolische Prozessionen dar. Nach der mykenischen Ära des Wohlstands kam im griechischen Mittelalter der geometrische Stil der Vasenmalerei auf.

Vasenmalerei

Obwohl die Vasenmalerei in den folgenden Perioden der griechischen Geschichte fortgesetzt wurde, hat sie ihre Wurzeln in der mykenischen Ära. Die Vasenmalerei der klassizistischen Künstlerinnen und Künstler ist ein Beispiel dafür, dass sich die antiken Griechen darauf konzentrierten, die menschliche Gestalt auf zunehmend realistische Weise darzustellen.

Geometrische Muster schmücken die frühesten Vasenbilder, aber der Schwerpunkt verlagerte sich schnell auf die menschliche Figur. Danach wurde die Vasenmalerei orientalischer und stellte östliche Motive dar. Es folgte der Stil der schwarzen Figuren, bei dem Schwarz verwendet wurde, um die menschlichen Figuren genauer und detaillierter darzustellen.

Ein anderer Stil der Vasenmalerei entstand in der klassischen griechischen Ära, in der rote statt schwarze Figuren verwendet wurden. Die Vasenmaler dieses Stils malten menschliche Figuren mit starken Umrissen auf schwarzem Hintergrund. Diese Technik ermöglichte es den Künstlern, die feinen Details zu malen, anstatt sie in den Ton zu ritzen. Die daraus resultierenden Farb- und Linienvariationen sind runder als die Muster aus der Geometrischen Ära.

776-480 V. CHR: Griechische Archaische Periode

Die Einrichtung der ersten Olympischen Spiele markiert den Beginn der griechischen Archaik. Für diese griechische Zivilisation unterschied sich die menschliche Leistung, die durch die athletischen Spiele verkörpert wurde, von den „barbarischen“ Menschen nicht griechischer Abstammung. Die mykenische Ära wurde von den archaischen Griechen aufgewertet, was zur Idealisierung der männlichen Form führte.

Für die Griechen dieser Zeit war die nackte männliche Figur der Inbegriff körperlicher Schönheit und charakterlicher Noblesse. Es ist nur logisch, dass die männliche Form in der klassischen Kunst dieser griechischen Epoche eine große Rolle spielte.

In der archaischen Periode Griechenlands gab es auch bedeutende Veränderungen im sozialen und politischen Leben. Das politische und soziale System der archaischen Griechen basierte auf dem Stadtstaat. Sparta war eine Stadt mit immenser militärischer Macht, während Athen das Zentrum der westlichen Kunst, Philosophie, Wissenschaft und Kultur wurde. Um 594 v. Chr. schuf der Philosophenkönig Solon ein politisches Gremium, das den König herausfordern und die politische Landschaft der damaligen Zeit grundlegend verändern konnte.

Die Menschen wurden nicht mehr wegen ihrer Schulden in die Sklaverei geschickt, und die herrschende Klasse wurde auf der Grundlage des Reichtums und nicht der Abstammung gebildet. Ein umfangreicher Seehandel trieb die griechische Wirtschaft an, und viele Stadtstaaten begannen, sich im gesamten Mittelmeerraum niederzulassen. Infolgedessen verbreiteten sich die griechischen kulturellen, künstlerischen und politischen Ideale auch in anderen europäischen Kulturen wie den süditalienischen Etruskern.

Die bedeutendste künstlerische Innovation dieser Periode der griechischen Geschichte war die figurative Bildhauerei. Diese idealisierten und doch realistischen Skulpturen wurden von der ägyptischen Bildhauerei und der Idealisierung der nackten männlichen Gestalt beeinflusst. Auf den Kykladeninseln entstanden die ersten lebensgroßen Skulpturen von jungen Frauen (kore) und Männern (kouros). Gegen Ende der archaischen Ära erlangten Bildhauer wie Nesiotes, Kritios und Antenor Berühmtheit.

Im Jahr 510 v. Chr. schuf Antenor die bronzenen Tyrannenmörder zum Gedenken an Aristogeion und Harmonides, die beiden Mörder von Hipparchos. Diese beiden Männer symbolisierten den Übergang zur Demokratie. Die Bedeutung dieser Skulptur liegt in der Tatsache, dass sie das erste öffentlich finanzierte Kunstwerk war. Der Bildhauer Kritos stellte die Skulptur im frühklassischen Stil mit individueller Charakterisierung und realistischen Bewegungen wieder her, nachdem sie beim Einmarsch der Perser verschwunden war.

Elliott Brown, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Griechischer Klassizismus – Bildhauerei: Den klassischen Stil der Bildhauerei formen

Die altägyptische Bildhauerei hatte großen Einfluss auf die griechischen Bildhauer der archaischen Periode. Griechische Bildhauer schufen lebensgroße Skulpturen von kouroi. Es gibt drei verschiedene Arten von Kouroi: die stehende und bekleidete junge Frau, den nackten jungen Mann und die sitzende Frau.

Grabdenkmäler, Votivstatuen und öffentliche Denkmäler waren mit dem charakteristischen „archaischen Lächeln“ versehen. Die skulpturalen Darstellungen der menschlichen Figur waren eher idealistisch als realistisch und stellten selten Einzelpersonen dar. Die archaische griechische Skulptur stellt die menschliche Bewegung durch eine realistische Anatomie dar.

In der späten archaischen Ära wurden Bildhauer wie Kritios, Phidias, Myron, Lysippus und Skopus berühmt, um nur einige zu nennen. Diskobolus, eine Skulptur von Myron, wurde berühmt, weil sie als erste Skulptur das Gleichgewicht und die Harmonie der menschlichen Bewegung in einem Moment festhielt. Wie die Malerei und die Architektur konzentrierte sich auch die klassische griechische Bildhauerei zunehmend auf mathematisch präzise Schönheit. Das System der mathematischen Proportionen von Polykleitos konzentriert sich auf die Schaffung von Rhythmus und Gleichgewicht durch Symmetrie.

After Myron, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Die frühen griechischen Bronzeskulpturen wurden aus gehämmerten Blechen hergestellt, die mit Nieten zusammengehalten wurden. Am Ende der archaischen Periode wurden die Techniken weiter entwickelt. Die griechischen Bildhauer begannen, das Wachsausschmelzverfahren für Bronzeskulpturen anzuwenden. Großformatige Skulpturen wurden durch das Gießen der Bronze in mehreren Teilen hergestellt. Diese Teile wurden dann zusammengeschweißt, und die Zähne, Augen, Fingernägel, Lippen und Brustwarzen wurden aus Kupfereinlagen geformt.

Leider gibt es viele der ursprünglichen griechischen Bronzestatuen heute nicht mehr. In der frühen christlichen Ära wurden mehrere Statuen eingeschmolzen, von denen man annahm, dass sie heidnische Götzen darstellen. Von den verbliebenen Statuen sind die Raice-Bronzen, der Wagenlenker von Delphi und die Artemision-Bronze bemerkenswerte Beispiele.

Neben den dreidimensionalen Skulpturen schmückten griechische Bildhauer auch die Gesimse von Tempeln mit Reliefs, die mythologische Szenen und legendäre Schlachten darstellten. Die von Phidias geschaffenen Parthenon-Marmore sind vielleicht die berühmtesten Beispiele für diesen Stil der klassischen griechischen Bildhauerei. Diese Reliefs sind für ihre dynamische Bewegung und ihren Realismus bekannt und schmückten die Innenwände der Tempelkammer. Diese Skulptur und andere Reliefs aus dieser Zeit haben spätere Künstler wie Auguste Rodin beeinflusst.

Nic McPhee from Morris, Minnesota, USA, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Chryselephantin-Statuen aus Gold und Elfenbein waren in der frühen archaischen Periode eine beliebte Form der klassizistischen Bildhauerei. Phidias arbeitete mit diesen Materialien und schuf die 43 Fuß hohe Zeus-Statue in Olympia (435 v. Chr.) und die fast 40 Fuß hohe Athena Parthenos (447 v. Chr.). Beide Statuen basieren auf einer Holzstruktur, an der Gliedmaßen aus Elfenbein und Goldplatten segmentweise angebracht sind. Diese beeindruckenden Statuen waren nicht nur Ausdruck von Macht und Reichtum der alten Griechen, sondern auch Symbole der Götter.

Leider sind beide Skulpturen heute nicht mehr vorhanden. Was wir über sie wissen, stammt aus Beschreibungen und Darstellungen auf Münzen.

480-323 V. CHR: Klassisches Griechenland

Die Philosophie, Kunst, Wissenschaft, Politik und Architektur der griechischen Klassik, die auch als Goldenes Zeitalter bezeichnet wird, war von grundlegender Bedeutung für die sich entwickelnde westliche Zivilisation und das Römische Reich. Die westliche Philosophie hat ihre Wurzeln in den Schriften von Aristoteles, Platon und Sokrates. Auch wenn die wichtigsten Aspekte ihrer Philosophie voneinander abwichen, waren sich Aristoteles und Platon einig, dass die Kunst danach streben sollte, die Schönheit der natürlichen Welt nachzubilden.

Redefreiheit und die Versammlung einer griechischen Regierung von Bürgern definierten ein neues Zeitalter der griechischen Demokratie. Der Bildhauer Phidias und Perikles bauten den Parthenon in Athen wieder auf. Die Macht und der kulturelle Einfluss Athens wuchsen und breiteten sich im gesamten Mittelmeerraum aus.

Mit der zunehmenden Betonung des Individuums in der klassischen griechischen Gesellschaft nahm auch die personalisierte Kunst zu. Die Skulpturen für Begräbnisse wurden im Gegensatz zu den Idealisierungen der Vergangenheit immer realistischer im emotionalen Ausdruck. Die nackte männliche Gestalt wurde weiterhin in der Bronzeskulptur gefeiert. Auch der weiblichen Form wurde mehr und mehr Aufmerksamkeit geschenkt, wie bei Praxiteles‘ Aphrodite von Knidos.

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Der Goldene Schnitt: Die Proportion der Schönheit

Für die griechischen Philosophen und Künstler der Antike gab es eine enge Verbindung zwischen Schönheit und Wahrheit. Wie die alten Griechen können auch wir Schönheit und Wahrheit in mathematischen Begriffen verstehen. Aristoteles‘ goldene Mitte stand für den Weg zu einem tugendhaften Leben, bei dem man alle Extreme vermeidet. Für Sokrates waren alle Bereiche der Tugend und Schönheit Ausdruck von Proportion und Maß.

Pythagoras und Euklid entwickelten den Goldenen Schnitt auf der Grundlage von zwei Größen und dem Verhältnis zwischen ihnen. Das Verhältnis zwischen diesen beiden Maßen sollte gleich dem Verhältnis zwischen dem größeren Maß und der Summe der beiden Maße sein.

Ein großer Teil der antiken griechischen Architektur nutzte den Goldenen Schnitt, wobei der Parthenon vielleicht der bekannteste ist. Phidias leitete den Bau des Parthenon. Heute ist der Goldene Schnitt unter dem griechischen Buchstaben phi bekannt, um Phidias‘ Beitrag zum perfektesten Bauwerk zu ehren, das man sich vorstellen kann.

Für viele klassische Künstler und Architekten ist der Goldene Schnitt bis heute ein fester Bestandteil des Konzepts. Vitruv, der römische Architekt, nutzte den Goldenen Schnitt, und seine Prinzipien hatten einen großen Einfluss auf die Kunst und Architektur der Renaissance. Selbst moderne Architekten wie Le Corbusier lassen sich vom Goldenen Schnitt inspirieren.

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323-31 V. CHR: Das Zeitalter des hellenistischen Griechenlands

Die hellenistische Ära in Griechenland begann mit dem Tod von Alexander dem Großen. Nach seinem Tod wurde das griechische Reich durch politische Auseinandersetzungen in drei separate Staaten aufgeteilt. Der Einfluss der griechischen Festlandskultur ging allmählich zurück, während die hellenistische Kultur im ägyptischen Alexandria und im syrischen Antiochia blühte. Der immense Reichtum, der in diesen Epochen des griechischen Reiches verblieb, führte dazu, dass die Künste unter königlicher Schirmherrschaft standen. Vor allem Architektur, Bildhauerei und Malerei blühten mit Unterstützung der Königshöfe auf.

Lysippus war der offizielle Bildhauer von Alexander dem Großen und schuf nach dessen Tod Bronzeskulpturen, die den Übergang vom klassischen zum hellenistischen Stil markieren. Einige der bekanntesten Kunstwerke des antiken Griechenlands wurden während der hellenistischen Periode geschaffen.

Ein Großteil der Kunst aus der hellenistischen Ära diente funktionalen Zwecken. Frühe hellenistische Skulpturen waren oft in erster Linie Votivgaben und die Architektur konzentrierte sich auf zivile Monumente mit sozialem Wert. Der künstlerische Wert war für hellenistische Künstler zweitrangig gegenüber der Funktion.

In der hellenistischen Ära gab es große Fortschritte in der griechischen Architektur. Mit dem Schwerpunkt auf der Stadtplanung entwarfen hellenistische Architekten Theater, Parks und Gebäude für andere Freizeitaktivitäten. Die korinthische Ordnung ist vielleicht die dekorativste klassische Ordnung und zeigt sich in den kolossalen Tempeln der damaligen Zeit.

Die Stadt Pergamon, die für ihre riesigen architektonischen Komplexe bekannt ist, wurde zu einem kulturellen Epizentrum der hellenistischen Zeit. Ein beeindruckendes Beispiel hellenistischer Architektur ist der Pergamonaltar. Während der hellenistischen Ära wurde Griechenland langsam in das Römische Reich integriert.

Antike griechische Architektur: Die Grundsteine legen

Die griechische Architektur der Antike ist vielleicht am besten für ihre Tempel bekannt, die den kulturellen Schwerpunkt auf formale Einheitlichkeit verkörpern. Die Tempel waren oft rechteckig und wurden von offenen Kolonnaden eingerahmt. Die antiken griechischen Architekten entwickelten drei Ordnungen der klassischen Architektur: die korinthische, die ionische und die dorische. Diese Ordnungen bildeten die Grundlage für die römische Architektur, und die Konzepte verbreiteten sich in ganz Europa und Amerika.

Jede Ordnung hat ihren Ursprung an unterschiedlichen Orten und zu unterschiedlichen Zeiten im alten Griechenland. Man kann die Architekturordnungen anhand der Kapitelle, der Säulen und des Gebälks unterscheiden. Die dorische Ordnung verwendet runde Kapitelle, kannelierte oder glatte Säulen und Gebälkmerkmale, die dem einfachen Design ein kunstvolleres und verschönerndes Element hinzufügen.

Typisch für die ionische Ordnung ist die Verwendung von Schnörkeln oder Voluten, um die Spitze des Kapitells zu betonen. Die erzählenden Fresken erstrecken sich über die gesamte Länge der ionischen Gebäude, was auf die Gestaltung des Gebälks zurückzuführen ist. Die korinthische Ordnung ist eine spätere klassische Bauweise, die nach der Stadt Korinth benannt wurde. Die korinthische Architektur ist bei weitem die aufwändigste, mit Akanthusblattmotiven und kunstvoll geschnitzten Kapitellen.

Die ersten antiken griechischen Tempel wurden aus Holz in Pfosten- und Balkenbauweise errichtet. Stein und Marmor wurden immer beliebter, und der Parthenon war der erste Tempel, der vollständig aus Marmor gebaut wurde. Die antiken griechischen Architekten waren die Pioniere des Amphitheaters und des Stadions. Später übernahmen die Römer diese architektonischen Strukturen.

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Fresken: Eine Brücke zwischen griechischem und römischem Klassizismus Kunst der Epoche

Obwohl Architektur und Bildhauerei die bekanntesten Formen der klassischen Kunst sind, haben die griechischen und römischen Maler klassische Innovationen in der Tafel- und Freskomalerei hervorgebracht. Das meiste, was wir über die klassische griechische Malerei wissen, stammt von den bemalten Vasen und den von den Griechen beeinflussten römischen und etruskischen Wandmalereien. Ein beeindruckendes Beispiel für klassische griechische Fresken ist das Wandgemälde Hades entführt Persephone in den Gräbern von Vergina. Dieses Wandgemälde spiegelt den zunehmenden Realismus der griechischen Gemälde und Skulpturen aus dieser Zeit wider.

Es sind noch viele weitere römische Fresken und Tafelbilder erhalten. Bei den Ausgrabungen in Pompeji im Jahr 1748 wurden mehrere sehr gut erhaltene römische Fresken in Wohnhäusern wie dem Haus der Vettii, dem Haus des tragischen Dichters und der Villa der Mysterien entdeckt. Diese Fresken brachten ein Gefühl von Farbe, Licht und Raum in die Innenräume, die oft dunkel und beengt waren und keine Fenster hatten.

Beliebte Freskenmotive waren Szenen aus dem Trojanischen Krieg, religiöse Rituale, Landschaften, mythologische Erzählungen, Stillleben und erotische Szenen. Oft wurden die Wände so bemalt, dass sie Alabastertafeln oder farbenfrohem Marmor ähnelten, was oft durch illusionistische Gesimse oder Balken verstärkt wurde.

Wichtige stilistische Beiträge aus dem Römischen Reich

In der Zeit der römischen Klassik ließ sich die Kunst stark von den künstlerischen und kulturellen Entwicklungen des antiken Griechenlands inspirieren. Aufbauend auf der griechischen Aufwertung von Heldenfiguren und großartiger Architektur bauten die Römer Städte, gaben öffentliche Kunst in Auftrag und entwickelten die klassische Porträtmalerei.

509 V. CHR. – 26 N. CHR: Die Römische Republik

Der römische Senat, eine Ansammlung von Adligen, wählte die Könige in der Römischen Republik, die als riesiger Stadtstaat begann. Rom wurde zur Republik, nachdem der letzte König, Lucius Tarquinii Superbus, im Jahr 509 v. Chr. abgesetzt worden war. Tarquinii wurde vom Ehemann und Vater einer Adeligen abgesetzt, die von seinem Sohn vergewaltigt worden war. Diese Geschichte war nicht nur für die Geschichte der Römischen Republik von zentraler Bedeutung, sondern auch ein zentrales Thema der römischen Kunst in den folgenden Jahrhunderten.

Nach der Abschaffung des Königtums führte die Römische Republik ein neues Regierungssystem ein, das von zwei Konsuln geleitet wurde. Die regierende Oberschicht und das einfache Volk standen oft im Konflikt, und diese Situation inspirierte einen Großteil der Architektur im frühen Rom. Bei der Planung der Städte nach einem Rastersystem wurde Wert auf öffentliche Unterhaltungseinrichtungen gelegt, um den Frieden zu wahren. Im 3. Jahrhundert entwickelten die Römer den Beton und revolutionierten damit Technik und Architektur.

Viele der griechischen Helden- und Göttergeschichten wurden von der römischen Kultur übernommen, ebenso wie die Traditionen ihrer Vorfahren. Diese Tradition war eine fast vertragliche Beziehung zwischen Roms Gründervätern und den Göttern. Griechische Skulpturen, die während des Krieges erbeutet wurden, wurden aufgrund ihres ästhetischen Wertes oft in römischen Häusern, öffentlichen Plätzen und Palästen ausgestellt.

Die oben beschriebenen klassischen griechischen Traditionen waren der wichtigste Einfluss auf die römische Architektur und Kunst.

Die Konkrete Revolution: Klassische Fortschritte in der römischen Architektur und Technik

Die Römer brachten den architektonischen Fortschritt auf ein neues Niveau. Technologische Innovationen, darunter die Erfindung des Betons, bedeuteten, dass die architektonische Gestaltung nicht mehr auf Ziegel und Mörtel beschränkt war. Die Kuppel, das Tonnengewölbe, der Bogen und das Kreuzgratgewölbe waren Innovationen der römischen Architektur.

Die römische Ära war ein Zeitalter unglaublicher Architektur, nicht nur zum Vergnügen wie das Kolosseum, sondern auch zur Verbesserung des städtischen Lebens wie Aquädukte, Brücken und Wohnhäuser. Der Bogen ist eine der einflussreichsten architektonischen Entwicklungen des römischen Klassizismus. Der Segmentbogen wurde für den Bau von Brücken und Häusern entwickelt, während die Triumph- und Streckbögen die Siege der Kaiser feierten.

Die Verwendung der Kuppel ist bei weitem die bedeutendste Innovation der klassischen römischen Architektur. Römische Architekten wurden von griechischen Baustilen und der etruskischen Nutzung von Wassertechniken und Bögen beeinflusst. Selbst als Säulen, Säulen und Gesimse dank des technischen Fortschritts nicht mehr für die strukturelle Integrität benötigt wurden, verwendeten die Römer sie weiterhin.

Vitruv ist der berühmteste römische Architekt und Ingenieur. Zwischen 30 und 15 v. Chr., als er für das Militär von Augustus arbeitete, schrieb Vitruv die Zehn Bücher über Architektur. Diese Bücher sind eine Aufzeichnung der römischen Architekturtheorie und -praxis und beschreiben den Prozess der Stadtplanung, religiöse Bauten, verschiedene Baumaterialien, Aquädukte und Wasserversorgung sowie verschiedene Arten von römischen Maschinen wie Kräne und Hebezeuge.

Der vitruvianische Dreiklang bezieht sich auf Vitruvs Theorie, dass jedes Bauwerk die Eigenschaften Schönheit, Stabilität und Einheit besitzen sollte. Die vitruvianische Architektur spiegelt die proportionale Schönheit der natürlichen Welt und der menschlichen Form wider. Die Ausweitung der vitruvianischen Proportionen auf die menschliche Figur spiegelt sich im vitruvianischen Menschen (1490) von Leonardo da Vinci wider.

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27 V. CHR. – 393 N. CHR: Das kaiserliche Römische Reich

Trotz des Bürgerkriegs, der auf Caesers Versuch, Kaiser zu werden, folgte, wurde Augustus schließlich der erste Kaiser des kaiserlichen Roms. Augustus regierte fast 45 Jahre lang und schuf in dieser Zeit die erste Polizei, ein Postsystem, eine Feuerwehr und städtische Ämter. Die von Augustus eingeführten Steuer- und Einnahmesysteme ermöglichten es ihm, die Künste zu verändern und ein neues Programm zum Bau von Tempeln und öffentlichen Gebäuden zu starten.

Künstlerische Werke wie Augustus von Prima Porta wurden in Auftrag gegeben und spielten auf den klassischen griechischen Stil der idealisierten Darstellung an. Die üppige Kunst des kaiserlichen Roms prägte diese Zeit. Große architektonische Gebäude wurden mit extravaganten Fresken und in Auftrag gegebenen Porträts der Wohlhabenden geschmückt.

Michal Osmenda from Brussels, Belgium, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Römische Porträts: Beiträge zum Klassizismus

Während viele klassische römische Skulpturen kaum mehr als Kopien klassischer griechischer Skulpturen sind, ist es die Porträtmalerei, in der sich die römische Innovation voll entfaltet. Diese frühen klassischen Porträts betonten den Realismus. Die frühen Römer waren der Meinung, dass die möglichst ehrliche Darstellung eines mächtigen Mannes ein Zeichen von Charakter ist.

Das Blatt wendete sich, als die Kaiser im kaiserlichen Rom wiedereingesetzt wurden. Die Porträtmalerei im kaiserlichen Rom war idealistisch und produzierte starke, politisch motivierte Bilder, die die Kaiser als Nachfahren der heroischen griechischen und römischen Geschichte darstellten. Diese Praxis führte zur Entwicklung eines griechisch-römischen Stils in der Reliefplastik.

Römische Porträts wurden auch von der griechischen Glasmalerei inspiriert. Kleine Porträts auf medaillongroßen Glasstücken oder Rondellen von Trinkgläsern waren beliebt. Personalisierte Trinkbecher mit goldenen Glasporträts waren bei den reichsten Römern sehr beliebt. Nach ihrem Tod wurden diese Glasporträts in Medaillonform geschnitten und in die Zementwände des Grabes eingelassen.

Zu den berühmtesten römischen Porträts gehören die, die auf mumifizierten Körpern in Fayum gefunden wurden. Diese Porträttafeln wurden durch das trockene ägyptische Klima konserviert und sind die größte erhaltene Sammlung von Porträts aus der klassischen römischen Ära. Diese Porträts zeigen eine Vermischung altägyptischer und klassischer römischer Traditionen, während Ägypten unter römischer Herrschaft stand. Der Stil dieser Porträts ist ziemlich idealistisch, aber die Gesichtszüge der einzelnen Personen sind naturalistisch und ausgeprägt.

Lang lebe der Klassizismus

Das Erbe des Klassizismus ist nicht mit dem Römischen Reich untergegangen. Der Einfluss der klassischen griechischen und römischen Architektur und Kunst zieht sich durch alle Kunstepochen und -bewegungen in der westlichen Welt. Die griechische Kunst und die römische Architektur hatten Einfluss auf die byzantinische und romanische Epoche.

Es war die italienische Renaissance, die sich vom klassischen Stil der griechischen und römischen Kunst und Architektur inspirieren ließ. Die architektonische Praxis und Theorie von Architekten wie Palladio und Leon Battista Alberti wurde durch die Schriften von Vitruv, das Pantheon und den Parthenon beeinflusst.

Die italienische Renaissance: Klassizismus Kunstrevival

Die italienische Renaissance im 15. und 16. Jahrhundert ist vielleicht eine der dauerhaftesten Wiederbelebungen der griechisch-römischen Kunst des Klassizismus. Im Übergang vom dunklen Zeitalter der Kunst und Kultur erneuerten europäische Künstler, Philosophen und Humanisten ihr Interesse an der klassischen Antike. Wie die griechisch-römische Klassik wird auch die italienische Renaissance für ihre Errungenschaften in Literatur, Architektur, Malerei, Philosophie, Technik, Bildhauerei und Wissenschaft gefeiert.

Wie in der griechischen und römischen Kunst und Architektur waren Proportionen, Schönheit und Ordnung die Schlüsselelemente der Kunst des italienischen Renaissance-Klassizismus. Die Proportionen des goldenen Rechtecks, die mit der römischen und griechischen Architektur in Verbindung gebracht wurden, fanden in den Architekturmodellen der Renaissance eine Wiederbelebung. Künstler der Renaissance wie Albrecht Dürer, Raffael, Michelangelo und Leonardo da Vinci wurden von der griechischen Bildhauerei beeinflusst, ebenso wie spätere Künstler der Barockzeit wie Bernini. Unten siehst du die Proportionen des Goldenen Schnitts in da Vincis berühmtem Gemälde Mona Lisa.

Mabit1, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Neoklassizismus: Die Neuerfindung klassischer Ideen

Die Begriffe Klassizismus und Neoklassizismus werden aufgrund ihrer Ähnlichkeit oft verwechselt. Während der Klassizismus die besondere künstlerische, architektonische und philosophische Ästhetik der alten Griechen und Römer bezeichnet, steht der Neoklassizismus für alle späteren Nachahmungen dieser klassischen Stile.

Der Begriff Neoklassizismus bezieht sich im weitesten Sinne auf den Stil der Nachahmung der Klassik, aber er bezeichnet auch eine künstlerische Bewegung in Westeuropa im 18. Diese Kunstbewegung begann in Rom nach der Entdeckung von Pompeji. Bald verbreitete sich die neoklassische Ästhetik, die auf römischen und griechischen Ideen basierte, in ganz Europa.

Die neoklassische Kunstbewegung entstand parallel zum Zeitalter der Aufklärung im 18. Jahrhundert und setzte sich bis ins 19. In der Architektur ist die neoklassische Ästhetik auch im 21. Jahrhundert noch einflussreich. Der neoklassische Baustil betont Symmetrie und Schlichtheit, Anleihen aus Rom und dem antiken Griechenland, und ist direkt von den Stilen der Renaissance übernommen.

Das Neo in Neoklassizismus weist auf den Unterschied zwischen diesem Stil und seiner griechisch-römischen Inspiration hin. Neoklassische Künstler, Schriftsteller und Bildhauer wählten einige Modelle und Stile aus der klassizistischen Kunst und ignorierten andere. So huldigten neoklassizistische Künstler zum Beispiel den bildhauerischen Ideen der Generation von Phidias, aber die Skulpturen, die tatsächlich entstanden, ähneln eher den römischen Nachbildungen hellenistischer Skulpturen. Zeichnungen und Stiche, die griechische Gebäude rekonstruierten, vermittelten die neoklassischen Eindrücke von der griechischen Architektur. Neoklassische Künstler ignorierten die künstlerischen und architektonischen Stile des archaischen Griechenlands völlig.

Obwohl die Wurzeln des Klassizismus in der fernen Vergangenheit zu liegen scheinen, durchdringen die ästhetischen Ideen weiterhin viele Aspekte des modernen westlichen Lebens. Von architektonischen Entwürfen mit Zement und Bögen bis hin zu den Grundlagen des Zeichnens der menschlichen Figur und einflussreichen Werken der Literatur ist der griechisch-römische Klassizismus überall um uns herum. Die Renaissance und die Neoklassik feiern die klassische Ästhetik und zeugen von der Innovationskraft der frühen griechischen und römischen Künstler und Architekten.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.