Neo Expressionismus – Geschichte und Entwicklung des Kunststils

Die Bewegung des Neo-Expressionismus entstand gegen Ende der 1970er Jahre und wird sowohl als späte Moderne als auch als früher postmoderner Malerei- und Skulpturenstil angesehen. Der Neo-Expressionismus entwickelte sich als Reaktion auf die Konzeptkunst und die Minimal Art und soll vom deutschen Expressionismus inspiriert worden sein. Die Werke aus dieser Kunstepoche waren oft sehr lebendig und abstrakt, da erkennbare Objekte das Thema waren und sie grob emotional dargestellt wurden.

Eine Geschichte der neoexpressionistischen Bewegung

Die Erforschung des komplizierten Kunststils des Neo-Expressionismus kann dich in ein Kaninchenloch voller Theorien führen. Denn über diese Kunstbewegung des späten 20. Jahrhunderts wurden unzählige Erklärungen spekuliert, aber es gibt kaum einen Konsens. Jede Interpretation darüber, was der Neo-Expressionismus wirklich war und wofür er stand, hat eine andere Perspektive und steht oft im Widerspruch zu den anderen Ideen, die vorgeschlagen wurden.

Das größte Diskussionsthema ist der Ursprung der Bewegung, der zwischen den 1960er und 1970er Jahren schwankte.

Während die meisten Kunsthistoriker glauben, dass sich der Neo-Expressionismus in Deutschland entwickelt hat, da er an einige expressionistische Ideale aus der Zeit vor dem Zweiten Weltkrieg anknüpfte, haben andere postuliert, dass die Bewegung ursprünglich in Italien und den Vereinigten Staaten von Amerika entstanden ist. Es wird allgemein angenommen, dass der Neo-Expressionismus eine natürliche Erweiterung des Deutschen Expressionismus und des Abstrakten Expressionismus war.

Eine Ausstellung mit Werken aus der deutschen Kunstszene des Neo-Expressionismus; Jean-Pierre Dalbéra aus Paris, Frankreich, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Während einige Leute den Neo-Expressionismus als glühende Reaktion auf den Minimalismus gebrandmarkt haben, sind andere fest davon überzeugt, dass es sich dabei gar nicht um eine echte Kunstbewegung handelte. Das lag daran, dass die Mehrheit der Kunstwerke, die produziert wurden, eine bloße Erfindung von Kunst zu sein schienen, die es bereits auf dem Markt gab. Auch wenn es immer noch viele Meinungsverschiedenheiten gibt, halten fast alle, die dem Neo-Expressionismus begegnet sind, ihn für eine der letzten gemessenen globalen Kunstbewegungen, die vor dem Einsetzen der Postmoderne auftraten.

Trotz der widersprüchlichen Informationen, die die Bewegung des Neo-Expressionismus umgeben, wird sie weithin als eine der faszinierendsten Kunstbewegungen angesehen, die es je gab.

Der Grund dafür ist, dass der Neo-Expressionismus ausschließlich auf die Kunst abzielte, die er schuf und die aus Gemälden, Skulpturen und vielen anderen Formen der Kunst bestand. Auch die assoziativen abstrakten Qualitäten des Neo-Expressionismus und die Art und Weise, wie er all die unzähligen Fragen nach seinem tatsächlichen Wert überdauert hat, haben zu seiner anhaltenden Popularität beigetragen.

Die Anfänge des Expressionismus

Die ursprüngliche Bewegung des Expressionismus entstand zu Beginn des 20. Jahrhunderts als Reaktion auf die Unzufriedenheit mit der Moderne, die in der Gesellschaft gefördert wurde. Die Industrialisierung und das Wachstum der Städte führten dazu, dass die Menschen eine gleichgültigere und unbekümmertere Beziehung zur physischen Welt hatten, die in den Kunstwerken dieser Zeit dargestellt wurde. Anstatt die natürliche Welt einfach zu imitieren, verzerrten die Expressionisten in ihren kruden Darstellungen Formen und Farben, um emotionale Reaktionen bei ihren Betrachtern zu provozieren.

In den 1930er Jahren wurde der Expressionismus von der Nazi-Diktatur angefeindet und als „entarteter“ Kunststil bezeichnet.

Obwohl der Expressionismus auf diese Weise gebrandmarkt wurde, förderte er die Entwicklung wirklich außergewöhnlicher Künstler, von denen die meisten gegen Ende des Zweiten Weltkriegs aus Deutschland kamen. Nach den 1950er Jahren trugen ikonische Künstler wie Georg Baselitz dazu bei, dass der Expressionismus wieder in ganz Europa Einzug hielt.

Doch erst in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren wurden die Kunstwerke, die den Stil und die Merkmale des Expressionismus aufgriffen, als Neo-Expressionismus bekannt. Diese neue Form des Expressionismus rebellierte gegen die sogenannten beeindruckenden Bewegungen der Pop Art, Konzeptkunst, Minimalismus und Postmoderne.

Die Künstler freuten sich über die Rückkehr zu mehr emotionalen Inhalten, subjektiven Farben und verdrehten Formen, die in den früheren Bewegungen des Fauvismus, der Brücke, des Blauen Reiters und des Abstrakten Expressionismus beliebt waren.

Die Vorherrschaft des Neo-Expressionismus

Der Neo-Expressionismus erwies sich als eine äußerst beherrschende Kunstbewegung, die sich gegen Ende des 20^ten Jahrhunderts entwickelte. Da sie den Kunstmarkt bis Mitte der 1980er Jahre dominierte, konnte die Bewegung international erfolgreich sein und wurde von vielen Kunstkritikern als Wiederaufleben der konventionellen Themen der Selbstdarstellung in der europäischen Kunst lange nach dem amerikanischen Einfluss gesehen. Dies führte zu heftigen Diskussionen über den wahren sozialen und wirtschaftlichen Wert der Kunstwerke des Neo-Expressionismus, da die Bewegung als ein Scheitern extremer Fantasie bezeichnet wurde.

Mit dem Fortschreiten der Bewegung wurde die Marktfähigkeit der neoexpressionistischen Kunst auf dem schnell wachsenden und sich ständig verändernden Kunstmarkt von den Kritikern sehr missbilligt.

Bestimmte Methoden, die in diesen Gemälden verwendet wurden, sowie einige Themen galten in der sich entwickelnden modernen Welt als veraltet und altmodisch. Ein Konzept, das im Neo-Expressionismus immer noch ein Thema war, war der vollständige Ausschluss von Künstlerinnen aus der Bewegung, da die meisten Werke dieser Frauen nicht in Ausstellungen gezeigt wurden.

Das berüchtigtste Beispiel für diese Ausgrenzung fand 1981 auf der Ausstellung New Spirit in Painting in London statt. Es wurden die Werke von 38 Künstlern des Neo-Expressionismus gezeigt, aber keine einzige Malerin war dabei. Einige der produktivsten Künstler des Neo-Expressionismus waren tatsächlich weiblich, wie Elizabeth Murray und Maria Lassnig, deren Werke routinemäßig ausgelassen wurden.

Der eklatante Ausschluss von Frauen von einer Ausstellung, die angeblich in der modernen Welt stattfand, zeigte, wie viel weiter die Gesellschaft noch gehen musste.

Die Arten von Motiven in der neoexpressionistischen Kunst

Die Kunstwerke, die während der neoexpressionistischen Bewegung entstanden, stellten die Motive in der Regel sehr roh und ungeschminkt dar. Obwohl sie von den vorangegangenen Kunstbewegungen abgelehnt wurden, demonstrierten die strukturierte und ausdrucksstarke Pinselführung sowie die lebhaften und gewalttätigen Farben den Schockwert, der typischerweise mit der Kunst des Neo-Expressionismus in Verbindung gebracht wurde.

Da die Arbeit der neoexpressionistischen Künstler eng mit dem Kauf und Verkauf von Kunst verbunden war, begannen Kritiker an der Echtheit und Motivation der Kunstwerke zu zweifeln.

Saut dans l’espace (‚Sprung ins All‘, 1953) von Karel Appel (1921-2006); Pedro Ribeiro Simões aus Lisboa, Portugal, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Die Kunst des Neo-Expressionismus bestand darin, ein völlig akkurates und ungefiltertes Stück Leben darzustellen, aber ihre Inspiration und große Popularität wurden als Ursache für ihren endgültigen Untergang angesehen. Da der Neo-Expressionismus historische und mythologische Bilder wiederherstellte, was der Tendenz der Moderne zuwiderlief, alles Erzählerische abzulehnen, wurde die Thematik der Werke regelmäßig in Frage gestellt.

Trotz dessen wurde angenommen, dass die in den Kunstwerken des Neo-Expressionismus verwendeten Themen eine wichtige Rolle beim Übergang von der Moderne zur Postmoderne spielen.

Der visuelle Stil des Neo-Expressionismus wurde im Wesentlichen durch die Philosophie bestimmt und nicht durch wahrnehmbare ästhetische Richtlinien. Das bedeutete, dass die Künstler zwar nicht versuchten, die Figuration zu vermeiden, aber sie bemühten sich auch nicht, sie zu perfektionieren. Da die Kunst des Neo-Expressionismus als umstritten galt, wurde sie lange Zeit als eine Form der Außenseiterkunst betrachtet.

Die Verbreitung des Neo-Expressionismus

Nach seiner Entstehung erwies sich der Neo-Expressionismus als eine unglaublich einflussreiche Bewegung, die sich in ganz Europa und schließlich auch in Amerika verbreitete. Obwohl er denselben Stil und dieselben Merkmale aufweist, war der Neo-Expressionismus an verschiedenen Orten unter verschiedenen Namen bekannt, wobei jede Region dem Stil ihre eigene Note verlieh.

Die wichtigsten Regionen, in denen sich der Neo-Expressionismus verbreitete, waren Deutschland, Italien, Frankreich und die Vereinigten Staaten.

Neoexpressionismus in Deutschland

Die neoexpressionistische Bewegung kam 1963 nach Deutschland, nachdem der Künstler Georg Baselitz eine Ausstellung in West-Berlin eröffnet hatte. Die Ausstellung sorgte für viel Streit, der dazu führte, dass die Staatsanwaltschaft die Kunstwerke der Ausstellung mit der Begründung beschlagnahmte, dass die Inhalte unanständig seien. Der Grund dafür war, dass die Art der Gemälde, die Baselitz ausstellte, eine Figur zeigte, die zu masturbieren schien, während ein anderes Gemälde eine männliche Figur mit einer Erektion darstellte.

Nachdem er so viel Aufsehen erregt hatte, wurde Baselitz als Kopf des Neo-Expressionismus in Deutschland bekannt. 

Die Bewegung trug den Namen „Neue Wilde“, was übersetzt „Neue Fauves“ heißt, und war unglaublich intensiv. Das lag daran, dass sie oft als die neue deutsche Identität in der postnazistischen, aber immer noch sehr gewalttätigen Gesellschaft bezeichnet wurde. Die Kunstwerke des deutschen Neo-Expressionismus zeichnen sich durch harte und impulsive Pinselstriche sowie durch die vom Fauvismus inspirierten leuchtenden Farben aus, die dazu beitragen, bösartige und oft unvollständige Formen zu schaffen.

Obwohl Baselitz 1956 von Ostberlin nach Westberlin zog, wählte er die meisten seiner Motive aus seinen ostdeutschen Anfängen. Baselitz war als rebellischer Kunststudent bekannt, was sich in seinen Kunstwerken widerspiegelte. Während seine späteren Ausstellungen nicht mehr so kontrovers diskutiert wurden, erregte seine expressionistische Figuration weiterhin Aufmerksamkeit.

Baselitz galt sowohl als Wegbereiter als auch als Schurke innerhalb der neoexpressionistischen Bewegung, da er bewusst das „Wie“ der Malerei und nicht das „Warum“ erforschte.

Der Expressionismus wurde nach dem Zweiten Weltkrieg aufgrund der Feindseligkeit der Nazis gegenüber den ursprünglichen deutschen expressionistischen Künstlern zum offiziellen Kunststil in Ostdeutschland. Die Rückbesinnung auf den Expressionismus war Teil eines allgemeinen gesellschaftlichen Wandels hin zu einer Auseinandersetzung mit der beunruhigenden modernen Geschichte Deutschlands, und jeder neoexpressionistische Künstler nutzte seine Werke, um das Land und seine Probleme genau zu untersuchen.

Neo-Expressionismus in Italien

Als sich der Neo-Expressionismus in Italien verbreitete, akzeptierte die Bewegung eine breite Palette an poetischen, mythologischen und verzerrten figurativen Bildern in ihren Werken. Der Neo-Expressionismus war in Italien auch als „Trans-Avantgarde“ bekannt, nachdem der Kunstkritiker Achille Bonito Olivia 1979 diesen Begriff erfunden hatte.

Die Inspiration für diesen Namen war, von der Kargheit der italienischen Arte Povera-Bewegung wegzukommen, wobei die Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts, der Futurismus, der Symbolismus und der Surrealismus, den Stil weiter förderten.

Die „Trans-Avantgarde“ wurde im Wesentlichen als Antwort auf eine andere einflussreiche italienische Avantgarde-Bewegung eingeführt, die Arte Povera. Der Stil des Neoexpressionismus war dem deutschen Stil sehr ähnlich, denn in den Kunstwerken italienischer Künstlerinnen und Künstler gab es Überschneidungen mit dem deutschen Stil.

Zu den wirklich bedeutenden Künstlern dieser Zeit, deren Kunstwerke auf verschiedene antike italienische Quellen anzuspielen schienen, gehören Sandro Chia, Enzo Cucchi, Nicola De Maria und Mimmo Paladino.

Der bekannteste italienische neoexpressionistische Künstler dieser Zeit war vielleicht Francesco Clemente, der seine Karriere zwischen New York City und Indien aufteilte, um sich ständig mit den besonderen stilistischen Einflüssen der jeweiligen Umgebung auseinanderzusetzen. Clemente und andere führende italienische Neo-Expressionisten dieser Zeit verwendeten in ihren Werken kräftige und suggestive Farben, da dieser Zweig des Neo-Expressionismus auch stark an die Tradition der Fauvisten angelehnt war.

Neoexpressionismus in Frankreich

Ein weiteres europäisches Land, in dem sich der Neo-Expressionismus ausbreitete, war Frankreich, auch wenn die Gruppe der Künstlerinnen und Künstler, die diese Bewegung ausübten, hier deutlich kleiner war. Französische neoexpressionistische Künstlerinnen und Künstler wurden als Mitglieder der Gruppe „Figuration Libre“ bezeichnet, die sich hauptsächlich aus Stadtbewohnern zusammensetzte.

Die Demografie der Gruppe basierte auf den Kunstwerken, die entstanden, da die meisten Gemälde gewöhnliche städtische Szenen darstellten.

Die traditionellen Kunstwerke des französischen Neo-Expressionismus bezogen ihre Motive hauptsächlich aus der Werbung, den Medien und der Rockmusik. Das führte dazu, dass Werke mit düsteren Kreaturen und dunklen Landschaften dargestellt wurden, wobei die Bilder oft einen sinnlichen Unterton hatten.

Außerdem wurden auch grelle, dem Fauvismus entlehnte Farben verwendet, was die Verbindung zwischen dem französischen Neo-Expressionismus und den anderen Zweigen der Bewegung zeigt.

Neo-Expressionismus in Amerika

Auf der anderen Seite des Ozeans wurde der Neo-Expressionismus in den 1980er Jahren in Amerika schnell als die Rückkehr des Expressionismus begrüßt. Der amerikanische Neo-Expressionismus hatte sein Hauptquartier in New York City, was zusammen mit dem schamlosen Konsumverhalten der Zeit zu einem exponentiellen Wachstum des Kunstmarktes führte. Dies führte dazu, dass die Verkaufspreise von Kunstwerken des zeitgenössischen Expressionismus und anderer Kunstbewegungen scheinbar absurde Höhen erreichten. Anstatt dieses Umfeld der Kommerzialisierung abzulehnen, nahmen die amerikanischen Künstler es voll und ganz an.

Die Zeit des Neo-Expressionismus leitete ein Wiederaufleben der Malerei in den Vereinigten Staaten ein.

Es entwickelten sich zwei spezifisch amerikanische Malereischulen, die meist unter dem Oberbegriff Neo-Expressionismus zusammengefasst wurden. Diese Schulen wurden als Bad Painting und New Image Painting bezeichnet. Bad Painting lehnte jeden „guten Geschmack“ in der Kunst ab, ebenso wie den vermeintlichen Intellektualismus der Konzeptkunst. Stattdessen reflektieren die Kunstwerke dieses Stils die beunruhigende und besonders wilde Natur der zeitgenössischen amerikanischen Gesellschaft.

Jean-Michel Basquiats Dripping Graffiti Art; jpvargas, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Im Gegensatz dazu wurde das New Image Painting durch eine gleichnamige Ausstellung eingeführt, die 1978 im Whitney Museum of Modern Art stattfand. Die ausgestellten Gemälde verwendeten leicht erkennbare Bilder, die halb abstrahiert wurden, so dass sie den rauen Stil eines Cartoons annahmen.

Mit der Entwicklung dieser beiden Gruppen im Neo-Expressionismus fühlten sich viele Künstler frei, Kunst in dieser konventionellen Weise zu schaffen, die die Kombination von abstrakten und figurativen Formen erlaubte, die durch frühere Stile berühmt wurde.

Bestimmte Künstler wurden zu wichtigen Vertretern des amerikanischen Neo-Expressionismus, indem sie die Inhalte, die in den Galerien zu sehen waren, durch die Art der Bilder, die sie schufen, herausforderten. Künstler wie Eric Fischl und Julian Schnabel wurden zu prominenten Mitgliedern des amerikanischen Expressionismus, da sie Konzepte wie menschliche Psychologie und Geschichte erforschten, um sehr persönliche Werke zu schaffen. Außerdem war Jean-Michel Basquiat für seine kraftvollen Pinselstriche und Farbspritzer bekannt, die den Einzug der Graffiti-Kunst in die Galerien begründeten.

Angemessene Definition des Neo-Expressionismus

Da sich der Neo-Expressionismus als eine so komplexe Bewegung erwies, ist es schwierig, die genauen Eigenschaften, die den Stil auszeichnen, genau zu beschreiben. Da die Tendenzen, die mit der Bewegung in Verbindung gebracht werden, etwa zur gleichen Zeit in verschiedenen Ländern auftraten, konnte jeder Künstler, der an der Entwicklung beteiligt war, seinen eigenen, ganz persönlichen Stil einbringen. Einige Künstlerinnen und Künstler wählten einen eher abstrakten Ansatz für ihre neoexpressionistische Kunst, während andere Werke schufen, die hyperrealistisch wirkten.

Bei dem Versuch, eine der letzten internationalen Bewegungen der zeitgenössischen Kunst aus dem späten 20. Jahrhundert zu verstehen, hat es sich als schwierig erwiesen, eine geeignete Definition des Neo-Expressionismus zu finden.

So wurde die Bewegung als eine beschrieben, die sich auf die Wiederbelebung der Malerei durch die Verwendung von kräftigen Farben sowie von Objekten und Symbolen konzentrierte, die von anderen bedeutenden Kunstbewegungen entlehnt wurden. Dazu gehörten der deutsche und der abstrakte Expressionismus, der Fauvismus, der Kubismus, der Minimalismus, die Konzeptkunst, der Surrealismus und die Pop Art.

Douglas (1985-1986) von Olivier Mosset (geb. 1944), einem Schweizer bildenden Künstler, der viel Zeit in New York und Paris verbrachte. In Paris war er in den 1960er Jahren Mitglied der BMPT (Kunstgruppe), zusammen mit Daniel Buren, Michel Parmentier und Niele Toroni. Später, in New York in den späten 1970er Jahren, unternahm Mosset eine lange Serie von monochromen Gemälden, während der Blütezeit des Neo-Expressionismus; Pedro Ribeiro Simões aus Lisboa, Portugal, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Kunsthistoriker haben die Bewegung des Neo-Expressionismus auch als Antwort auf den Gestaltungsstil beschrieben, der die postmoderne Kunst in den 1970er Jahren dominierte. Abgesehen von den Aspekten anderer Kunstbewegungen, die der Neo-Expressionismus nachzuahmen versuchte, beschreibt eine angemessene Definition ihn als eine Bewegung, die eine Vielzahl von nationalen Malstilen umfasste, die alle bestimmte gemeinsame Merkmale aufwiesen. Im Wesentlichen trug die Entwicklung des Neo-Expressionismus zu einer Rückkehr zum traditionellen Format der Staffeleimalerei in der Kunst bei.

Da die Kunstwerke in den besten Galerien ausgestellt wurden, die auch andere zeitgenössische Kunst beherbergten, war der Neo-Expressionismus auf der ganzen Welt unter einer Vielzahl von Namen bekannt. Da der Name der Bewegung von der Region abhing, aus der die Kunst stammte, war der Neo-Expressionismus, wie er in Amerika genannt wurde, in Deutschland als „Neue Fauves“, in Italien als „Jenseits der Avantgarde“ und in Frankreich als „Freie Figuration“ bekannt.

Die Vielfältigkeit der Bewegung, die sich in den verschiedenen Titeln widerspiegelt, zeigt, dass es für die wahre Definition des Neo-Expressionismus keinen klaren Konsens gibt.

Schlüsselmerkmale des Neo-Expressionismus

Innerhalb der Bewegung des Neo-Expressionismus gab es bestimmte Merkmale, die typisch für die Philosophien des Stils sind. Die Kunstwerke des Neo-Expressionismus zeichneten sich dadurch aus, dass die Malerei fast sofort wieder als primäre und natürliche Form der Kunst angesehen wurde. Diese Rückkehr spiegelte sich perfekt in den meist großformatigen Werken wider, die mit dichten Farbschichten und rohen Pinselstrichen in leidenschaftlichen und leuchtenden Farben überzogen waren.

Ein Hauptmerkmal der neoexpressionistischen Kunst war daher die starke Konzentration auf die Form und die Art und Weise, wie ein Kunstwerk geschaffen wurde.

Das bedeutete, dass die dargestellte Bedeutung in den Kunstwerken zweitrangig wurde, da die Künstler dem Konzept der Narration den Kampf ansagten. Stattdessen entschieden sich die Neo-Expressionisten dafür, die Merkmale der Ikonografie, des Primitivismus, der Natur, der Mythologie und der Geschichte auf eine oft suggestive Art und Weise aufzugreifen, was in den 1980er Jahren gut ankam.

Obwohl sie wussten, worum es bei der breiteren Expressionismus-Bewegung ging, waren Publikum und Kritiker verblüfft, warum ihr Comeback bis in die späten 1970er Jahre nie vollständig vollzogen wurde. Dies führte dazu, dass viele den Neo-Expressionismus als einen Trend und nicht als eine richtige Kunstbewegung betrachteten. Daher dauerte es fast ein halbes Jahrhundert, bis die Künstler den Neo-Expressionismus und seine charakteristischen Merkmale etablierten, die auf die vorherrschenden Einflüsse und Stile der Zeit reagierten.

Ein weiteres Merkmal der Bewegung, das manchmal als das wichtigste angesehen wird, war, dass der Neo-Expressionismus die intellektualisierte und geschliffene Herangehensweise an die Kunst verwarf und versuchte, zum Ausdruck durchdringender Gefühle zurückzukehren.

Der Neo-Expressionismus war eine erfrischende Sichtweise, die eine andere Perspektive auf die Kunst eröffnete, auch wenn sie nur für eine kurze Zeit existierte. Bei der Betrachtung der wahren Merkmale des Neo-Expressionismus war die Umsetzung echter Gefühle und Ideen von größter Bedeutung.

Einige berühmte neoexpressionistische Kunstwerke und ihre Künstler

Da sich die neoexpressionistische Bewegung als sehr weitreichend erwies, experimentierten viele Künstlerinnen und Künstler aus verschiedenen Ländern mit den Merkmalen und Eigenschaften des Stils und schufen bedeutende Gemälde und Skulpturen. Die meisten berühmten Künstlerinnen und Künstler kamen aus den drei Ländern, die sich mit der Bewegung auseinandersetzten, wie Amerika, Deutschland und Italien. Im Folgenden werfen wir einen Blick auf einige der bekanntesten Kunstwerke, die aus dieser Periode der Kunstgeschichte hervorgegangen sind.

Georg Baselitz (1938 – heute)

Das vielleicht produktivste Mitglied der Gruppe des Neoexpressionismus war der deutsche Maler und Bildhauer Georg Baselitz. Als Gründer der Expressionistengruppe „Neue Wilde“ in Deutschland trug Baselitz dazu bei, dass sich der deutsche Neo-Expressionismus von der Abstraktion und dem Formalismus der damals vorherrschenden Konzeptkunst absetzte.

In seinen Werken konzentrierte sich Baselitz auf die Einbeziehung provokanter Themen und die Bedeutung intensiver Farben, um unverwechselbare Gemälde zu schaffen, die das Chaos der modernen Welt darstellen.

Georg Baselitz fotografiert von Lothar Wolleh in Mülheim, 1971; Lothar Wolleh, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Nachdem er sich mit abstrakter Kunst beschäftigt hatte, gab Baselitz diese Form auf, um die Merkmale des deutschen Expressionismus wiederzubeleben, der zuvor von den Nazis verboten worden war. Dies führte zur Entstehung des Neo-Expressionismus, der es Baselitz ermöglichte, seine umstrittenen Überzeugungen und Anliegen in der Malerei auszudrücken.

Adieu (1982)

Zu seinen bedeutenden Ölgemälden gehört Adieu, das er 1982 gemalt hat. Auf diesem Werk sind zwei Figuren zu sehen, die auf dem Kopf stehen, was andeutet, dass sie keinen Ausgangspunkt haben und unbeholfen im Raum schweben.

Trotz der Tatsache, dass er „Adieu“ keine konkrete Bedeutung zuschreibt, diente Baselitz‘ Gemälde als visuelles Beispiel für die jüngsten Unruhen in Deutschland.

Dadurch, dass die Figuren in einer Art Vorhölle hingen, gab es viel Platz zwischen dem oberen Teil des Bildes und dem leeren Raum unter ihnen. Der Titel des Werks deutet auch auf das Thema der Loslösung hin, was durch die sich voneinander abwendenden Körper noch verstärkt wird. Die bösartige und ausdrucksstarke Pinselführung deutet ebenfalls auf das Thema Gewalt hin, da die Figuren sehr grob aussehen.

Elizabeth Murray (1940 – 2007)

Eine der wichtigsten Vertreterinnen des Neo-Expressionismus war die amerikanische Malerin und Grafikerin Elizabeth Murray. Ihre Kunstwerke wirkten zwar unterhaltsam und karikaturistisch, aber sie vermittelten auch ein ernsthaftes Bekenntnis zu den Merkmalen des Neo-Expressionismus und den zahllosen Möglichkeiten der Bewegung.

Obwohl sie einige wirklich ikonische Gemälde der Zeit schuf, wurde Murray zusammen mit einigen anderen Künstlerinnen routinemäßig von zahlreichen Ausstellungen des Neo-Expressionismus ausgeschlossen, einfach aufgrund ihres Geschlechts.

Wiggle Manhattan (1992)

Murray war berühmt dafür, die Dimensionen ihrer Malerei zu erweitern, indem sie über mehrere Leinwände hinweg arbeitete und den Bildort fragmentierte, indem sie sowohl das Bild als auch den gemalten Gegenstand auflöste. Diese Fragmentierung ist in ihrem Gemälde Wiggle Manhattan aus dem Jahr 1992 deutlich zu erkennen, das wie ein unkompliziertes Gekritzel aus sich kreuzenden Linien wirkt.

Elemente der Abstraktion sind auch in diesem Kunstwerk deutlich zu erkennen, denn Murray nutzte diese Merkmale regelmäßig, um sicherzustellen, dass ihre Werke einzigartig, albern und verspielt sind.

In Wiggle Manhattan stellte Murray einen einfachen Umriss der Karte von Manhattan dar, wobei die fetten roten Linien eine starke Unterteilung zwischen den vielen Straßen und Avenues von New York darstellen. Indem er Abschnitte ausblendete, zeigte Murray den Einfluss des Kubismus in diesem Werk. Indem er einige Elemente des Surrealismus einfließen ließ, ging Murry so weit, dass er in dieser Lithografie unterhalb der roten Linien einige geisterhafte Figuren einfügte.

„Wiggle Manhattan“ machte sich im Wesentlichen über die Ernsthaftigkeit des zeitgenössischen Expressionismus in einem Medium wie der Malerei lustig.

Jörg Immendorff (1945 – 2007)

Der deutsche Maler, Bildhauer und Kunstprofessor Jörg Immendorff war in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren ein wichtiges Mitglied der Gruppe „Neue Wilde“. Als neoexpressionistischer Künstler versuchte Immendorff, eine Art Harmonie zwischen seinen Kunstwerken und seinem sozialen Engagement herzustellen, was ihn dazu brachte, sich mit der politischen Entkopplung auseinanderzusetzen, die damals in Deutschland herrschte.

Trotz dieses Hauchs von Frustration, den er in seine Kunstwerke einbringt, scheinen seine Bilder alle die Frage zu stellen, was Kunst und der Künstler innerhalb der Gesellschaft tun können.

Ein Gemälde mit einem Portrait von Jörg Immendorff; Organmuseum (www.AbodeofChaos.org), CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Café Deutschland I (1977 – 1978)

Eines seiner bemerkenswerten Öl-auf-Leinwand-Werke, das zwischen 1977 und 1978 entstand, war Café Deutschland I. Dieses Kunstwerk war Teil einer Serie, die aus 16 anderen Gemälden bestand, und war das erste Gemälde der Gruppe. Das Café Deutschland I zeigt den Einfluss des deutschen Expressionismus und verwendet eine deformierte Perspektive und grobe Charakterisierungen der Personen auf dem Bild.

Immendorff schloss sich selbst in das Werk ein, als er in der Mitte stand und mit seiner rechten Hand das durchschlug, was man für die Berliner Mauer hielt.

Im chaotischen und dunklen Hintergrund sind sowohl Tänzer als auch Ehebrecher zu sehen, die sich in einem scheinbar bedrohlichen Untergrund-Club unter die Leute mischen. Mit dieser von Menschen und Gegenständen bevölkerten Clubszene verwies Immendorff auf die Kluft, die in den 1970er und 1980er Jahren in Deutschland bestand.

Das auffälligste Symbol dieser Spaltung der Gesellschaft war das Hakenkreuz, das Immendorff auf der linken Seite des Werks zwischen den Krallen eines Adlers hielt.

Anselm Kiefer (1945 – heute)

Der deutsche Künstler Anselm Kiefer hat der Kunstwelt ein außergewöhnliches Werk hinterlassen. Die meisten seiner Werke setzen sich mit vergangenen und aktuellen kontroversen Themen der Geschichte auseinander. Als Kiefer anfing, galten seine massiven und oft herausfordernden Werke als fortschrittlich für eine Zeit, in der das Medium Malerei so gut wie nicht beachtet wurde.

Gefeiert für seine Kunstwerke, die sich mit der deutschen Geschichte rund um den Holocaust auseinandersetzten, zwang Kiefer seine Zeitgenossen dazu, die deutsche Vergangenheit anzuerkennen, in einer Zeit, in der jede Bestätigung des Nationalsozialismus verboten war.

Glaube, Hoffnung, Liebe von Anselm Kieffer, in der Art Gallery of New South Wales; Wmpearl, CC0, via Wikimedia Commons

Kiefer interessiert sich für eine Vielzahl von seltsamen und ungewöhnlichen Medien und sucht nach der symbolischen Bedeutung in seinen Materialien, bevor er seine Kunstwerke schafft. Das hat dazu geführt, dass seine Bilder als sehr breit gefächert angesehen werden, da viele verschiedene Themen miteinander kombiniert werden. Kiefer ist auch heute noch künstlerisch tätig. Seit 2008 lebt und arbeitet er hauptsächlich in Paris.

Bohemia Lies by the Sea (1996)

In diesem Kunstwerk von Anselm Kiefer werden die Themen Tod, Paradies und Wiedergeburt durch die kompliziert verwobenen Symbole erforscht. Mit dem Titel Bohemia Lies by the Sea spielt Kiefers Kunstwerk auf viele mögliche Bedeutungen an. Es wird jedoch angenommen, dass die Hauptbedeutung hinter diesem Kunstwerk mit einem Gedicht zusammenhängt, auf das sich Kiefer bezog und in dem das Konzept der Sehnsucht nach etwas Verlorenem verstanden wird. In dem Gedicht der österreichischen Dichterin Ingeborg Bachmann geht es um die Sehnsucht nach einer idealistischen Gesellschaft und die gleichzeitige Trauer über deren Illusion. Dieser Gedanke tritt bei der Betrachtung von Bohemia Lies by the Sea in den Vordergrund.

Der Zusatz „Böhmen“ im Titel soll sich auf Deutschböhmen beziehen, das nach dem Zweiten Weltkrieg ein Teil der Tschechischen Republik geworden ist.

Dieses massive Kunstwerk, das in der Mitte von einer Straße geteilt wird, ist typisch für die monumentalen Werke, die Kiefer schuf und die dafür bekannt waren, dass sie den Betrachter durch ihre Größe und Intensität völlig verschlingen. Ein möglicher Grund für die enorme Größe von Anselm Kiefers Kunstwerken ist, dass er den Betrachter in den Schmerz und die Bedeutung der Themen, die er behandelte, einbeziehen wollte.

Eric Fischl (1948 – heute)

Eric Fischl war ein weiterer amerikanischer Maler und Bildhauer, der ein aktives und einflussreiches Mitglied der neoexpressionistischen Bewegung war. Seine Kunstsammlung war typischerweise geprägt von bunten Porträts, Vorstadtinterieurs, Strandszenen und anderen Themen, die seine Aufmerksamkeit stark fesselten.

Ein Bereich, der Fischl besonders faszinierte, waren Themen rund um den menschlichen Körper und die Sexualität, vor allem, wie sich diese Themen mit der modernen amerikanischen Gesellschaft überschnitten.

Eric Fischl bei der Gala-Eröffnung des Broad Contemporary Art Museum 2008 im LACMA in Los Angeles, Kalifornien; Jeremiah Garcia, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Bad Boy (1981)

Fischl war als böser Bube des Neo-Expressionismus bekannt, dank seiner Darstellungen von marginalisierten Vorstädten, die sich auf den Alltag und die wahre menschliche Zerbrechlichkeit bezogen. Eines seiner bekanntesten Werke war Bad Boy, das er 1981 malte und in dem er ein Element menschlicher Psychologie hinzufügte, das schief gelaufen zu sein schien.

Dieses Gemälde zeigte eine sehr anschauliche Nacktszene einer Frau, die auf einem Bett liegt, während ein kleiner Junge zusieht. Obwohl sich die beiden Figuren physisch im selben Raum aufhielten, sollten sie in individuellen psychologischen Sphären existieren.

Das von der Jalousie erzeugte Licht-Schatten-Muster betonte die rohe Sinnlichkeit der weiblichen Figur, die völlig entblößt und schamlos auf dem Bett lag. Symbole der Fruchtbarkeit werden durch die Schale mit Früchten hinter dem Jungen sowie die offene Handtasche, die die Vagina nachahmt, dargestellt.

Der heranwachsende Junge starrt einfach auf die egozentrische und sexuell aufgeladene Pose der Frau, die er für seine Mutter hielt, während er seine stoische Haltung durchbricht, indem er nach hinten greift und etwas aus der Handtasche stiehlt.

Francesco Clemente (1952 – heute)

Einer der bekanntesten italienischen Künstler, die den Neo-Expressionismus praktizierten, war Francesco Clemente, der an der Entwicklung der „Trans-Avantgarde“ beteiligt war. Ähnlich wie andere Neo-Expressionisten förderten auch Francescos Kunstwerke eine starke Verbindung zwischen den Themen Sexualität, rohe Emotionen und an manchen Stellen sogar Gewalt.

Durch die Einbeziehung visueller Elemente aus dem Surrealismus deutete Clemente in seinen Gemälden auch die dunkle Seite der Menschheit an, sowie Zeichen und Symbole, die aus anderen Kulturen stammen.

Francesco Clemente in San Francisco mit seinem Selbstporträt bei Nash Editions, 1991; Sally Larson, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

In seinen Werken stellte Clemente die viel dunkleren und unausgesprochenen psychologischen Aspekte dar, die das Menschsein begleiten, und griff auf Elemente des Surrealismus zurück, um diese Themen zu übertreiben. Dies half ihm auch dabei, die Offenbarung innerer emotionaler Zustände durch den Neo-Expressionismus weiter auszubauen.

Im Vergleich zu anderen neoexpressionistischen Künstlern seiner Zeit arbeitete Clemente mit einer Vielzahl von kulturübergreifenden Glaubenssätzen und Symbolen, um verschiedene existenzielle menschliche Anliegen zu behandeln.

Scheren und Schmetterlinge (1999)

Ein neoexpressionistisches Kunstwerk von ihm, das besonders bekannt geworden ist, war sein Öl-auf-Leinen-Gemälde von 1999 mit dem Titel Scheren und Schmetterlinge. Clemente stellte eine Art Selbstporträt dar und zeigte seine einzigartige Version davon, was ein Porträt ausmacht. Zu sehen sind drei Figuren, die in einem kreisförmigen Ring in- und miteinander schweben, und drei große Schmetterlinge, die sie verbinden.

Mit einem sinnlichen Stil, den er sich auf seinen vielen Reisen nach Indien angeeignet hatte, schuf Clemente quasi-abstrakte Formen, die Elemente von Tier- und Menschenfiguren kombinieren.

In Scheren und Schmetterlinge ist eine Art Metamorphose zwischen den Elementen Tier und Mensch, männlich und weiblich sowie Gewalt und Spiritualität zu sehen. Durch die Vermischung von erotischen Elementen mit einer brennenden Art von Wut, die durch die verwendeten Farben angedeutet wird, verweist Clemente auf die unbeirrbare Atmosphäre und die Gewalt, die er während seines Lebens in New York beobachtet hat.

Dieser innere Kampf um Ausdruckskraft wurde in der Kunst des Neo-Expressionismus oft gesehen, und Clemente machte diesen Kampf zum zentralen Thema seiner Malerei.

David Salle (1952 – heute)

Der amerikanische Maler, Grafiker und Fotograf David Salle ist in der Kunstwelt eine prominente Persönlichkeit, die mit verschiedenen Genres wie der zeitgenössischen Kunst, der Postmoderne und dem Neoexpressionismus experimentiert hat. Salle begann zu einer Zeit Kunst zu schaffen, als die Malerei als veraltet galt und der Minimalismus der vorherrschende Kunststil war. Anstatt Kunstwerke zu schaffen, die als starre Bilder verstanden werden konnten, nahm Salle realistische Bilder und kombinierte sie so, dass die Betrachter gezwungen waren, sich auch auf die Komponenten Form, Farbe und Gestalt zu konzentrieren.

Salles Kunststil würde man als Pastiche bezeichnen, denn er verspottete den Minimalismus, indem er dessen starre Ideale aufgriff und den Stil komplett auf den Kopf stellte.

Dies führte dazu, dass seine Kunstwerke eine abstrakt-expressionistische Tendenz annahmen, was dazu führte, dass Salle im Stil des Neo-Expressionismus arbeitete. In seinen Werken werden erkennbare Bilder völlig aus dem Zusammenhang gerissen zusammengefügt, wie zum Beispiel verschiedene Körperteile, die wahllos auf einer leeren Leinwand schweben. David Salles Einsatz der Perspektive zwingt die Betrachter dazu, die Informationen auf andere und neue Weise zu betrachten, da er unsere Assoziationen von dem, was normal ist, zu dem, was als brandneu angesehen werden könnte, unterbricht.

Während er vor allem für seine Kunstwerke bekannt ist, schrieb Salle auch für die Publikation „Interview“ seines Künstlerkollegen Andy Warhol und für das beliebte „ArtForum“.

Komödie (1995)

Ein bemerkenswertes Kunstwerk von David Salle ist Comedy, das 1995 entstanden ist. Das Auffälligste an dem Kunstwerk ist, dass es aus zwei unverkennbar unterschiedlichen Hälften besteht; eine in Farbe und die andere in monochromem Lila. Auf der linken Seite der Komposition sind vier Figuren zu sehen, die sich hinsetzen und den Betrachter direkt anschauen. Die Figur, die am weitesten vorne sitzt, lächelt, und die anderen hinter ihr tun es ihr gleich. Die Intensität des Lächelns nimmt jedoch ab, je weiter du nach hinten gehst, und die letzte Figur zeigt überhaupt keine Gefühle mehr.

Auf der rechten Seite der Leinwand ist eine unglaublich häusliche Szene zu sehen. Während sie auf den ersten Blick normal aussieht, wurde sie komplett auf die Seite gedreht und die Perspektive verändert. Salle hat sich auf dieser Seite des Kunstwerks die Elemente der Collage zunutze gemacht, da eine Vielzahl von Bildern zu dem Hauptbild gemischt wurde.

Da dieses Gemälde Motive und Objekte zeigt, die bereits in Salles früheren Kunstwerken verwendet wurden, fungieren sie als Fortsetzung seiner obskuren Darstellung der Pflichten und Annahmen von Frauen in der amerikanischen Gesellschaft. Salles Kommentar zur Rolle der Frau wird durch die Gegenüberstellung des Mädchens auf der linken Seite in der häuslichen Szene und dem Bild eines Hochzeitskleides auf der rechten Seite noch unterstrichen.

Während ihr verschmitztes Lächeln die Situation auf die leichte Schulter nimmt, ist das Hochzeitskleid eine allgegenwärtige Erinnerung an die Häuslichkeit und kommentiert erneut die angebliche Rolle der Frau in der Gesellschaft.

Das Erbe des Neo-Expressionismus

Nachdem er den europäischen und amerikanischen Kunstmarkt von Ende der 1970er bis Mitte der 1980er Jahre dominiert hatte, begann die Popularität des Neo-Expressionismus zu sinken. Es hieß, der schnelle Niedergang des Neo-Expressionismus sei mit keiner anderen Kunstbewegung des 20. Jahrhunderts vergleichbar. Trotzdem gibt es eine Debatte darüber, inwiefern die späteren Entwicklungen des Neo-Expressionismus im Wesentlichen zur Überlastung und schließlich zur Abnutzung der Bewegung geführt haben.

In den späten 1980er Jahren schien es, als würde der Kunstmarkt das Interesse an den Merkmalen des Neo-Expressionismus langsam verlieren. Kunstkritiker und Publikum begannen, sich der kritischen neuen Form der Postmoderne zuzuwenden und auf sie zu reagieren, während die Suche nach einem expliziteren Avantgarde-Medium in der Kunst immer größer wurde. Was einst als romantische und fauvistische Kunstauffassung galt, wurde plötzlich als rückständig und konventionell angesehen, was dem Neoexpressionismus und seiner Kunst einen äußerst negativen Beigeschmack verlieh.

Allerdings konnten diese Kritiken den Erfolg der Bewegung kaum bremsen.

Ihr Niedergang wurde als Folge der Überproduktion der Bewegung und des anschließenden Niedergangs des Kunstmarktes Ende der 1980er Jahre gesehen. Trotzdem sind sich Wissenschaftler und Kritiker noch nicht einig, wo genau der Neo-Expressionismus im Rahmen der Kunstgeschichte einzuordnen ist. Man kann den Neo-Expressionismus sowohl als späte Manifestation der Moderne als auch als wahres Ende der modernistischen Ära sehen.

Während einige der führenden Künstler der Bewegung heute noch in einigen Ausstellungen zu sehen sind, ist die Mehrheit der Maler des Neo-Expressionismus weitgehend in Vergessenheit geraten.

Es hat nicht geholfen, dass die großen Kunstmuseen in der Regel so tun, als hätte es den Neo-Expressionismus als Kunstbewegung nicht gegeben. Das wurde auch durch das Datum der letzten großen Neo-Expressionismus-Ausstellung unterstrichen, die 1999 im Guggenheim Museum stattfand.

In einer Kultur, die von Wiederbelebungen lebt, sind die zeitgenössischen expressionistischen Werke der Bewegung unmodern geblieben. Auch der Ausschluss von Künstlerinnen innerhalb des Neo-Expressionismus verhieß nichts Gutes für die Langlebigkeit der Bewegung, da modernere Kunstbewegungen die Kunstwelt in eine neue Richtung lenkten. Der technologische Fortschritt, der in den späten 1990er Jahren einsetzte und zur Entstehung des Internets führte, erwies sich als ein wichtiger Wendepunkt in der Kunst, da das Interesse am neoexpressionistischen Stil noch geringer wurde.

Die Entwicklung des Neo-Expressionismus führte zur Entstehung wirklich produktiver Kunstwerke, die eine enorme Rolle für das Wachstum der Kunstwelt spielten. Der neoexpressionistische Stil zeigte den wahren Einfluss früherer Kunstbewegungen, wie dem deutschen und dem abstrakten Expressionismus, da sein Erscheinen größtenteils auf den großen Einfluss zurückzuführen war, den andere Stile auf seine Verbreitung hatten. Wenn dir die Lektüre über diese ikonische Bewegung gefallen hat, möchten wir dich ermutigen, andere Künstler zu entdecken, die einen bedeutenden Beitrag zu dieser Zeit geleistet haben.

Häufig gestellte Fragen

Was war der Neo-Expressionismus?

Der Neo-Expressionismus entwickelte sich gegen Ende der 1970er Jahre und war eine Wiederbelebung der ursprünglichen expressionistischen Bewegung. Er wurde auch von der Bewegung des deutschen Expressionismus inspiriert, die während des Zweiten Weltkriegs entstand. Basierend auf den Idealen dieser früheren Stile, stellte der Neo-Expressionismus Themen auf unglaublich vulgäre Weise dar, um die Atmosphäre auszudrücken, die sich in der modernen Welt ausbreitete.

Eine passende Definition des Neo-Expressionismus

Der Neo-Expressionismus ist eine Kunstbewegung, die sich nur sehr schwer genau definieren lässt. Nach vielen Recherchen und Diskussionen hat sich eine passende Definition des Neo-Expressionismus herauskristallisiert, die den Kunststil als einen beschreibt, der sich auf die Wiederbelebung der Malerei durch bedeutende Themen und intensive Farben konzentriert.

Wo hat sich der Neo-Expressionismus verbreitet?

Da der Neo-Expressionismus ein bedeutender Kunststil war, verbreitete er sich in einer Vielzahl von Ländern. Zu den bekanntesten Ländern gehörten jedoch Deutschland, Italien, Frankreich und Amerika, wo er unter verschiedenen Bezeichnungen bekannt war.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.