Jugendstil – Der dekorative Stil von Art Nouveau

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Was ist Jugendstil? Die Jugendstil-Bewegung erforschte eine dekorative Kunstform, die ab etwa 1890 in den Vereinigten Staaten und Europa florierte. Der Jugendstil, der vor allem in der Inneneinrichtung, der Architektur, der Schmuck- und Glasgestaltung, der Werbung und der Grafik Anwendung fand, zeichnet sich durch die Verwendung langer, geschwungener, natürlicher Linien aus. Die Zeit des Jugendstils war geprägt von dem bewussten Bemühen, ein einzigartiges Design zu entwickeln, das sich vom mimetischen Klassizismus unterscheidet, der den Großteil des Designs und der Kunst des 19.

 

 

Die Erforschung des Jugendstils

In ganz Europa und weit darüber hinaus weckten die Entwürfe und Konzepte des Jugendstils den Wunsch nach dekorativer Kunst, architektonischem Design und Stil. Infolgedessen hat er eine Reihe verschiedener Namen, darunter Jugendstil und Glasgow-Stil. Durch die Ablehnung der ehemals trendigen, vielfältigen Mischung früherer Stile strebten die Künstler des Jugendstils eine Modernisierung des Designs an.

Die Muster des Jugendstils wurden von naturalistischen und geometrischen Mustern inspiriert und brachten ansprechende Designs hervor, die fließende, organische Formen, die an Pflanzenzweige und Blumen erinnern, miteinander verbanden.

Jugendstil-Teller aus La plante et ses applications ornementales (1896) von Eugène Grasset; Eugène Grasset, Public domain, via Wikimedia Commons

Infolgedessen hatten lineare Umrisse Vorrang vor lebhaften Farben wie Orangen, Rottönen und Gelborange. Die Jugendstil-Bewegung versuchte, die klassischen Kunstsysteme abzuschaffen, wie z.B. dass die Bildhauerei und die Malerei wichtiger waren als die handwerklichen dekorativen Künste. Dieses Design, das schon lange vor dem Ersten Weltkrieg in Ungnade gefallen war, legte den Grundstein für das Wiederaufleben des Art Deco in den 1920er Jahren. In den 1960er Jahren wurde es jedoch wiederbelebt und gilt heute als ein wichtiger Vorläufer, wenn nicht sogar als Kernbestandteil der Moderne.

Die bekanntesten Beispiele des Stils finden sich in der Jugendstilarchitektur und in der Jugendstilmalerei.

Zusammenstellung, die verschiedene Aspekte des Jugendstils darstellt; Kompositionsarbeit : asmoth, asmoth auf wikipediaAutoren der Originalbilder : (von oben links nach unten rechts) : Camille Martin (1861 – 1898), hochgeladen von SkeJean-Louis VenetGuillaume Baviere, hochgeladen von Paris 16GuerinfWolfgang MoroderEugène Samuel Grasset, hochgeladen von JustlettersandnumbersMyrabellaSage Ross, Public domain, via Wikimedia Commons

 

Wichtige Konzepte

Der Wunsch der Jugendstilkünstler, mit den historischen Traditionen des 19. Jahrhunderts zu brechen, war ein Hauptgrund für den Modernismus der Jugendstilbewegung. Trotz der Tatsache, dass die industrielle Fertigung alltäglich geworden war, wurden Nachahmungen früherer Epochen in der dekorativen Kunst allmählich alltäglich.

Die Vertreter des Jugendstils wollten die hervorragende Verarbeitung wiederherstellen, das Handwerk verbessern und wirklich moderne Designs schaffen, die den Pragmatismus der Produkte ansprechen, die sie kreierten und produzierten.

Aufgrund des akademischen Systems, das die Kunstausbildung vom 17. bis zum 19. Jahrhundert prägte, wurden Bildhauerei und Malerei gegenüber Fertigkeiten wie Innenarchitektur und Eisenverarbeitung bevorzugt. Viele meinen, dass dies zu einer Geringschätzung von exzellentem Handwerk führte. In der Architektur und Innenarchitektur versuchte der Jugendstil, sich über die Konventionen hinwegzusetzen, indem er „Gesamtkunstwerke“ errichtete, bei denen alle Teile im Einklang mit einer einheitlichen ästhetischen Sprache funktionierten.

Ein Jugendstil-Interieur, ca. 1890-1910; Rijksmuseum, CC0, via Wikimedia Commons

Die Zeit des Jugendstils war entscheidend für die Überbrückung der Kluft zwischen den schönen und den praktischen Künsten, aber es ist ungewiss, ob diese Kluft jemals vollständig überwunden wurde. Einige Jugendstildesigner waren der Meinung, dass frühere Entwürfe zu ornamental waren, um das zu vermeiden, was sie als unnötige Verschönerung ansahen. Das führte dazu, dass sie der Meinung waren, dass der Zweck eines Objekts seine Form beeinflussen sollte und nicht umgekehrt.

In Wirklichkeit war dies eine ergebnisoffene Denkweise, die spätere modernistische Bewegungen, insbesondere das Bauhaus, beeinflussen sollte.

 

 

Schlüsselaspekte der Jugendstil-Bewegung

Um 1880 entstand der Jugendstil als Reaktion auf die überladenen Motive und Kompositionen der Kunstwerke aus der viktorianischen Zeit. Der zweite Einfluss war die Arts and Crafts-Bewegung aus England, die eine Reaktion auf die ornamentale Kunst der viktorianischen Zeit war, die den Jugendstilmustern ähnelte. Infolgedessen waren viele europäische Künstler der 1880er Jahre wie Émile Gallé, Gustav Klimt und James Abbott McNeill Whistler vor allem von japanischen Kunstwerken fasziniert.

LEFT: Portrait of Emile Gallé (c. 1890er) von Victor Prouvé; Dguendel, CC BY 3. 0, via Wikimedia Commons | MIDDLE: Gustav Klimt im blauen Malermantel (1913) von Egon Schiele;  Egon Schiele, Public domain, via Wikimedia Commons | RIGHT: A Symphony (1878) aus Vanity Fair; Metropolitan Museum of Art, CC0, via Wikimedia Commons

Blumige und kugelförmige Designs sowie „peitschenartige“ Krümmungen waren in japanischen Drucken üblich, die schließlich mit Jugendstildesigns in Verbindung gebracht wurden. Es ist schwer zu sagen, welches Werk oder welche Kunstwerke den Jugendstil offiziell begründet haben.

Während einige argumentieren, dass Vincent van Goghs rhythmische, fließende Linien und blumige Hintergründe den Beginn des Jugendstils markieren, argumentieren andere, dass Henri de Toulouse-ornate Lautrecs Lithographien den Höhepunkt des Stils darstellen.

 

Ausstellungen

Die Gemälde und die Architektur des Jugendstils waren während seiner Blütezeit in internationalen Ausstellungen zu bewundern. Die Tervueren-Ausstellung in Brüssel, die Pariser Weltausstellung von 1889 und die Weltausstellung in Nancy von 1909 waren allesamt bedeutende Ausstellungen (bei denen das Jugendstildesign vor allem genutzt wurde, um das Potenzial der Verarbeitung von exotischen Hölzern aus dem Belgisch-Kongo zu demonstrieren).

Jede dieser Ausstellungen konzentrierte sich auf dekorative Künste und Architektur, und schließlich war der Jugendstil tatsächlich der Trend der Wahl für fast jeden ausgestellten Architekten und jedes ausgestellte Land, ohne dass andere Stile um die Position oder den Verkauf buhlten.

Plakat für die Internationale Ausstellung Turin 1911;  Paolocuccu, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

L’Jugendstil wurde 1895 von Siegfried Bing, einem deutschen Händler, der auch ein Bewunderer der japanischen Kunst war, gegründet und wurde zu einem wichtigen Anbieter von Kunsthandwerk und Möbeln in diesem Stil. Der Ruhm des Ladens verbreitete sich in ganz Europa und den Vereinigten Staaten, und er wurde zu einem Begriff. Aufgrund seiner großen Popularität in West- und Mitteleuropa hat der Jugendstil eine Vielzahl von Bezeichnungen erhalten. In den deutschsprachigen Ländern wurde er als Jugendstil bezeichnet, nachdem eine Münchner Zeitschrift namens Jugend ihn populär gemacht hatte.

Der Name „Sezessionsstil“ wurde in Wien geprägt, der Heimat von Künstlern wie Otto Wagner, Gustav Klimt und Josef Hoffmann, die alle zum Sezessionsstil gehörten.

Gruppenbildnis der Mitglieder der Wiener Secession auf der 14. Ausstellung 1902, mit (von links nach rechts) Anton Nowak, Gustav Klimt (im Stuhl), Koloman Moser (vor Klimt mit Hut) Adolf Böhm, Maximilian Lenz (liegend), Ernst Stöhr (mit Hut), Wilhelm List, Emil Orlik (sitzend), Maximilian Kurzweil (mit Mütze), Leopold Stolba, Carl Moll (liegend), Rudolf Bacher; Moritz Nähr, Public domain, via Wikimedia Commons

 

Jugendstil-Design-Konzepte

Die große Anziehungskraft des Jugendstils im späten 19. Jahrhundert ist zum Teil auf die Verwendung leicht reproduzierbarer grafischer Formen durch viele Künstler zurückzuführen. In der Zeit des Jugendstils waren in Deutschland Printmedien wie Bucheinbände und Umschläge von Ausstellungskatalogen, Zeitschriftenwerbung, Fahrkartenabschnitte und Plakatwände in Mode.

Dieses neue Wachstum war jedoch nicht nur auf den deutschsprachigen Raum beschränkt.

In seiner kurzen Karriere schuf Aubrey Beardsley, ein britischer Künstler, der dafür bekannt war, in seinen Werken Erotik und Makabres zu vereinen, eine Reihe von Plakaten mit fließenden, rhythmischen Linien. Wegen seiner Kunst war er einer der umstrittensten Vertreter des Jugendstils. Beardsleys stark verschnörkelte Werke zeigen, dass Jugendstil und Japonismus-Drucke viel gemeinsam haben.

Grotesken von Aubrey Beardsley. Faksimile-Platindrucke von Frederick H. Evans von den 12 Originalzeichnungen in Beardsleys Sammlung mit einem Porträt-Frontispiz; Frederick H. Evans, CC0, via Wikimedia Commons

Neue chromolithografische Verfahren wurden eingesetzt, um für neue Technologien wie elektrisches Licht und Telefone zu werben, aber auch für Nachtlokale wie Kneipen und Restaurants und sogar für Soloauftritte, die allesamt den Nervenkitzel und die Energie des modernen Lebens vermitteln sollten. Infolgedessen wurde das Plakat schnell von einer banalen Werbeform zu einem Kunstwerk. Eine echte Studie über den Jugendstil muss auch die Architektur und ihren enormen Einfluss auf die europäische Kultur berücksichtigen.

Der Jugendstil erblühte architektonisch in großen Städten wie Brüssel und Paris, aber auch in kleineren Städten wie Darmstadt und osteuropäischen Orten wie Prag, Riga und Budapest.

 

Jugendstil-Architektur

Man findet ihn heute in allen möglichen Gebäuden, von bescheidenen Reihenhäusern bis hin zu großen institutionellen und kommerziellen Bauten. Der Jugendstil kommt in einer Vielzahl von Baustilen vor. Viele Bauten verwenden Terrakotta und bunte Kacheln. Alexandre Bigot zum Beispiel wurde im späten 19. Jahrhundert für seine Terrakotta-Dekorationen für die Außenwände und Kamine von Villen und Wohnkomplexen in Paris berühmt.

Das Céramic Hôtel ist ein Gebäude in der Avenue Wagram 34 im 8. Bezirk von Paris, Frankreich. Es wurde 1904 vom Architekten Jules Lavirotte erbaut und von Alexandre Bigot mit einer Keramikfassade im Jugendstil verziert; Moonik, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

In vielen anderen Jugendstilgebäuden, vor allem in Belgien und Frankreich, sind Eisengebäude durch Glasscheiben verbunden. In vielen Regionen Europas war die Jugendstilarchitektur beliebt, bei der lokale Materialien wie gelber Kalkstein in Kombination mit Holzverkleidungen verwendet wurden. In vielen Fällen wurden skulpturale weiße Stuckverkleidungen verwendet, vor allem bei Ausstellungspavillons im Jugendstil.

Die Chicagoer Börse und das Wainwright Building sind zwei der Gebäude von Louis Sullivan, die zu den schönsten Beispielen der Jugendstilarchitektur in Nordamerika zählen.

LINKS: Old Chicago Stock Exchange Building, 1893-1894; Adler & Sullivan (1881-1895), Public domain, via Wikimedia Commons | RECHTS: Wainwright Building, nach 1933; Public Domain, Link

 

Interior Design

Das Jugendstildesign befasste sich, wie die Arts and Crafts Traditionen vor ihm, sowohl mit der Innen- als auch mit der Außengestaltung. Die Innenräume des Jugendstils zielten darauf ab, eine zusammenhängende Umgebung zu schaffen, die jeden Quadratzentimeter optimal ausnutzt. In diesem Zusammenhang wurde viel Wert auf das Möbeldesign gelegt, insbesondere auf die Herstellung von handgeschnitztem Holz mit scharfen, unregelmäßigen Kurven, die normalerweise von Handwerkern, gelegentlich aber auch von Maschinen ausgeführt wurde.

Möbelhersteller stellten Betten, Esszimmerstühle und -tische, Anrichten und Lampenständer her. Die fließenden Kurven der Muster, die als Wandverkleidungen und Kranzleisten verwendet wurden, wurden von der natürlichen Maserung des Holzes inspiriert.

Salon Modern-Style, Jugendstil, Café Riche (Paris), c. 1900; Unbekannter Autor Unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Die bekanntesten französischen Designer des Jugendstils waren Emile Gallé, Eugène Vallin, Tony Selmersheim und Louis Majorelle. Die peitschenartigen Linien und die eingeschränkten, eckigeren Formen wurden von den belgischen Künstlern Henry van de Velde und Gustave Serrurier-Bovy verwendet, die beide vom Arts and Crafts-Stil inspiriert waren.

Die Italiener Augustino Lauro und Alberto Bugatti gehörten zu den bekanntesten Gästen der Nation.

Majorelle, der in einer Vielzahl von Medien produzierte, war dafür berüchtigt, schwer einzuordnen zu sein. Er entwickelte und fertigte zum Beispiel seine eigenen Möbelstücke, bevor er eine Eisengießerei eröffnete und Beschläge für die Glashütte der Gebrüder Daum herstellte.

Die Marquise am Eingang zur Villa Majorelle. Die Schmiedearbeiten wurden von der Firma Louis Majorelle in Nancy entworfen und hergestellt. Auf dem Foto wird das gläserne Vordach von filigranen Ulmenzweigen aus Schmiedeeisen gestützt, und im Hintergrund wird das Regenfallrohr von Eisenträgern getragen, die Flusspflanzen nachahmen; Jean-Pierre Dalbéra aus Paris, Frankreich, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

 

Jugendstil-Gemälde

Der Jugendstil ist einer der wenigen Stile, dessen Werke in fast allen visuellen und materiellen Medien zu finden sind. Berühmte Künstler, die mit dem Jugendstil in Verbindung gebracht werden, sind Gustav Klim und Victor Prouvé, ein französischer Grafiker, der sich auf Design, Grafik und Architektur spezialisiert hat.

Kunstwerke aus dieser Zeit sind schwer zu finden, weil es kaum Jugendstilkünstler wie Klimt und Prouvé gibt, der sowohl Architekt als auch Künstler war.

Die Künstler des Jugendstils haben vielleicht mehr als jede andere Zeit in der Geschichte dazu beigetragen, die Kluft zwischen der ornamentalen und der angewandten Kunst zu überbrücken, die zuvor als bedeutendere und reinere Darstellungen von kreativem Talent und Fachwissen angesehen wurden. Es ist jedoch fraglich, ob diese Kluft jemals geschlossen wurde oder nicht.

Sketch für das Hôtel de Ville in Paris: Les Fleurs. L’Ambroisie. Les Früchte (zwischen 1892 und 1893) von Victor Prouvé; Victor Prouvé, Public domain, via Wikimedia Commons

 

Schmuck und Glasarbeiten

Die Vorliebe des Jugendstils für Luxus wurde von einigen der bekanntesten Glasmachern der Geschichte genutzt. Emile Gallé, Jacques Gruber und die Gebrüder Daum waren alle berühmt für ihr Jugendstilglas, das in ihren Berufen für eine breite Palette von Gebrauchsgegenständen verwendet wurde. Diese Unternehmen machten sich einen Namen im Vasen- bzw. Kunstglasdesign, indem sie neue Wege in der Säureätzung mit geschwungenen, formschönen Mustern beschritten, die mit Leichtigkeit zwischen durchscheinenden Farben zu fließen schienen.

Außerdem nutzten es Glasmaler wie die Gebrüder Daum, um praktische Gegenstände wie Lampenschirme, Vasen und Schreibtischdekorationen herzustellen.

Eine Vase der Gebrüder Daum, „Cameo-Glasvase, dunkelgrün auf rosa getöntem Grund, Mohnblumen und Knospen“, 1979; Auckland Museum, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

Jacques Gruber und Tiffany, die beide bei den Gebrüdern Daum in die Lehre gegangen waren, waren Meister der großflächigen, leuchtenden Verkleidungen mit Glasmalerei, die die Pracht der Natur widerspiegeln. Louis Comfort Tiffany, René Lalique und Marcel Wolfers gehörten zu den namhaften Juwelieren der damaligen Zeit.

Trotz der Vorstellung, dass ihre Barrierefreiheit sie leichter verfügbar machen würde, stellten sie alles her, von Ringen und Anhängern bis hin zu Halsketten und Anstecknadeln, und sorgten so dafür, dass der Jugendstil mit Luxus verbunden blieb.

 

Corporate and Retailing Identity

Zur gleichen Zeit, als der Jugendstil an Beliebtheit gewann, wurde der Einzelhandel immer attraktiver. Im späten 19. Jahrhundert wurde er in der La Samaritaine und bei Wertheim’s ausgestellt. Es gab einige große Designunternehmen, die sich für den Stil einsetzten, wie Siegfried Bings L’Jugendstil Boutique in Paris, die bis 1905, nur wenige Jahre nach Bings Tod, eine Bastion der Bewegung blieb.

Siegfried Bings L’Jugendstil Boutique, Hôtel Bing, in Paris. In der Rue de Provence 22, Ecke Rue Chauchat gelegen, 1895 von Louis Bonnier erbaut und 1922 zerstört; Édouard Pourchet (1848-1907), Public domain, via Wikimedia Commons

Nicht nur sein Geschäft verkaufte Jugendstilmöbel und -einrichtungen, sondern auch andere in der Stadt. Liberty & Co. war der wichtigste italienische und britische Vertreiber der Bewegung, und folglich wurde die Marke Liberty eng mit der Bewegung verbunden.

Zahlreiche Jugendstildesigner wurden berühmt, nachdem sie exklusiv für diese Unternehmen gearbeitet hatten.

Designer wie Peter Behrens entwarfen alles, von Wasserkochern bis zu Buchillustrationen, Ausstellungspavillons, Küchengeräten und Möbeln. Er wurde schließlich zum ersten Industriedesigner, als die AEG ihn 1907 einstellte, um alle Designarbeiten zu beaufsichtigen.

Historische Innenaufnahme des Folkwang (Osthaus) Museums in Hagen, Hochstraße 75. Vortragssaal mit Kuppelgewölbe, halbrunder Bank und Regal mit Exponaten. Jugendstil, entworfen vom Architekten Peter Behrens im Jahr 1905; Deutsches Dokumentationszentrum für Kunstgeschichte – Bildarchiv Foto Marburg, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

 

Nach der Zeit des Jugendstils

Im letzten halben Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts, wie auch in den ersten zehn Jahren des 20. Jahrhunderts, änderten Architekten, Künstler und Designer ihre Haltung und ihre öffentliche Meinung über den Jugendstil. Einige Designer waren der Meinung, dass „die Form der Funktion folgen muss“, aber andere übertrieben es mit der Verschönerung, und der Stil wurde als zu exzessiv kritisiert. Im Laufe der Zeit behauptete eine wachsende Zahl von Kritikern, dass der neue Stil das Design nicht verjüngte, sondern nur das Alte durch etwas scheinbar Neues ersetzte.

Auch mit den neuen Massenproduktionsverfahren sorgte das hohe Maß an Fachwissen, das die meisten Jugendstildesigns erforderten, dafür, dass der Jugendstil nie so zugänglich für die breite Bevölkerung wurde, wie seine Befürworter gehofft hatten.

Tafel mit Jugendstileinrichtung, aus einem französischen Wörterbuch, ca. 1905; Henri Faucher-Gudin, Public domain, via Wikimedia Commons

Aufgrund der laxen internationalen Urheberrechtsbestimmungen konnten mehrere Künstler in Darmstadt mit ihren Werken kein Geld verdienen. Die Beziehung zwischen der Jugendstilbewegung und den Ausstellungen war von Anfang an zum Scheitern verurteilt. Zunächst einmal war der Großteil der Messegebäude nur für eine vorübergehende Nutzung gedacht und wurde nach dem Ende der Feierlichkeiten umgehend wieder entfernt.

Die Ausstellungen waren zwar gut gemeint, aber aufgrund des natürlichen Vergleichscharakters von Ausstellungen förderten sie eher Rivalität und Wettbewerb zwischen den Ländern, als dass sie Bildung, interkulturelle Zusammenarbeit und Frieden förderten.

Der Jugendstil wurde in einer Reihe von Ländern, darunter Belgien und Frankreich, als Kandidat für den Titel „Nationalstil“ gehandelt, bis der Vorwurf seiner ausländischen Wurzeln oder subversiver politischer Untertöne die öffentliche Meinung gegen ihn aufbrachte. Um 1910 war der Jugendstil aus der europäischen Designlandschaft so gut wie verschwunden, bis auf einige wenige Ausnahmen, in denen er eine treue lokale Anhängerschaft hatte.

Die Weltausstellung 1904, St. Louis, Missouri: Deutscher Innenausstattungsstand mit einem im Jugendstil eingerichteten Zimmer für eine Künstlerin; See page for author, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

 

Der Tod des Jugendstil

Anfang 1903 begannen Designer wie Josef Hoffmann, Peter Behrens und Koloman Moser in Österreich und Deutschland, sich vom Jugendstil abzuwenden und einen sparsameren, streng geometrischen Stil zu entwickeln. Im selben Jahr gründete eine Gruppe von Designern, die früher mit der Wiener Sezession verbunden waren, die Wiener Werkstätte, deren Vorliebe für scharfkantige und geradlinige Formen an einen akkurateren, industriell inspirierten Stil ohne offenkundige Verbindungen zur Natur erinnerte.

Sowohl Behrens‘ Ernennung zum Chefdesigner der AEG, die ihn zum ersten Industriedesigner der Welt machte, als auch die Gründung des Deutschen Werkbundes im Jahr 1907 unterstrichen diesen konzeptionellen Rahmen der maschinellen Eigenschaften des Designs.

Dieser maschinell inspirierte Stil sollte sich nach dem Ersten Weltkrieg zu der Ästhetik entwickeln, die wir heute Art Deco nennen.

Ein Jugendstilmöbel-Ensemble für eine internationale Ausstellung, 1925; René Crevel, CC0, via Wikimedia Commons

 

Einflüsse

Trotz seiner kurzen Existenz hatte der Jugendstil einen erheblichen Einfluss auf die Grafikdesigner/innen der 1960er bis 1970er Jahre, die versuchten, sich von dem nüchternen, kalten und eher minimalistischen Design zu lösen, das die Branche bis dahin beherrscht hatte.

Der Jugendstil beeinflusste Künstler wie Peter Max, Werke zu schaffen, die die innovative, vergängliche und frei fließende kreative Welt des frühen 20. Jahrhunderts in ihrer traumhaften, psychedelischen Sinneserfahrung darstellen.

Der Jugendstil wurde von Anfang an als wichtiger Schritt auf dem Weg zur Moderne in Architektur und Kunst anerkannt. Heute wird er als Spiegelbild des Stils, der Atmosphäre und des intellektuellen Denkens einer bestimmten historischen Zeit um 1900 gesehen.

Sie wurde zum visuellen Medium, das den Wunsch der Moderne nach einem wirklich aktuellen Stil für einen begrenzten Zeitraum charakterisierte.

 

 

Beispiele für Jugendstil-Architektur und Jugendstil-Gemälde

Bis jetzt haben wir uns mit den wichtigsten Konzepten des Jugendstils und der Geschichte der Jugendstilbewegung beschäftigt. Jetzt werden wir uns einige markante Beispiele von Jugendstilgemälden und -architektur ansehen. Wir können sehen, wie diese Jugendstildesigns jede Form der Kunst beeinflusst haben.

 

Coverdesign für Wren’s City Churches (1883) von Arthur Heygate Mackmurdo

Datum der Fertigstellung	1883
Medium	Holzschnitt auf Papier
Abmessungen	29 cm x 23 cm
Aktueller Standort	Mehrere Drucke verfügbar

Der Jugendstil wurde von der englischen Arts-and-Crafts-Bewegung beeinflusst, insbesondere vom Holzschnitt von Arthur Heygate Mackmurdo. Zwei Faktoren tragen zu dieser Zugehörigkeit bei: der handwerkliche Charakter des Kunstwerks, der einen Holzschnitt kennzeichnet, und Mackmurdos Verwendung von negativem und positivem Raum, der einfach ist.

Arthur Heygate Mackmurdos abstrakt-naturalistische Formen sowie seine charakteristischen Peitschenkurven veranschaulichen die visuelle Illusion von Bewegung und Vitalität, die den Jugendstil in den folgenden Jahren prägen sollte.

Vorderes Cover von Wren’s City Churches (1883) von Mackmurdo, ein Druck aus The Hobby Horse (England), herausgegeben von G. Allen mit Holzschnitt, Buchdruck, Mezzotinto auf Stahl; Arthur Heygate Mackmurdo, Public domain, via Wikimedia Commons

Das offensichtliche Thema des Buches wird durch die Konzentration auf florale und pflanzliche Bilder auf dem Umschlag verdeckt, was das absichtlich dekorative Aussehen des Buches unterstreicht und andeutet, dass Arthur Heygate Mackmurdos Arbeit eher eine Erkundung als ein vollendetes Beispiel des Jugendstils ist.

Der Holzschnitt ist weitaus wertvoller als der Text, der eine unzusammenhängende Darstellung der Londoner Kirchenarchitektur ist.

 

Moulin Rouge: La Goulue (1891) von Henri de Toulouse-Lautrec

Datum der Fertigstellung	1891
Medium	Lithographie
Abmessungen	170 cm x 118 cm
Aktueller Standort	Philadelphia Museum of Art

Toulouse-Lautrec, einer der bedeutendsten Grafikdesigner des Jugendstils, erhob die Plakatwand in den 1890er Jahren von einem kommerziellen Schrottgegenstand zu einem Werk der bildenden Kunst. Auch wenn der Begriff „Jugendstil“ erst nach Lautrecs Tod im Jahr 1901 eingeführt wurde, erkannten die Grafikdesigner, die mit ihm zusammenarbeiteten, ihren eigenen Erfindungsreichtum.

Dieses Design nimmt das Flair und die Wildheit des Gewandes eines französischen Can-Can-Tänzers und reduziert es auf ein paar einfache, rhythmische Linien, die Bewegung und Raum andeuten.

Moulin Rouge: La Gouloue (1891) Poster von Henri de Toulouse-Lautrec; Henri de Toulouse-Lautrec, CC0, via Wikimedia Commons

Die Verflachung der Formen zu einfachen Umrissen mit flachen Farbfüllungen spiegelt die Affinität des Jugendstils zu japanischen Drucken sowie die Beleuchtung in solchen Nachtclubs wider, die natürlich die Oberflächendetails von Personen und anderen Dingen unkenntlich machen würde. Auch der Name des Cabarets, der in roten Buchstaben geschrieben ist, weist auf die pulsierende Intensität der Aufführungen hin, bei denen Tänzerinnen wie La Goulue im Mittelpunkt standen.

 

The Peacock Skirt (1892) von Aubrey Beardsley

Datum der Fertigstellung	1892
Medium	Tintenillustration
Abmessungen	17 cm x 12 cm
Aktueller Standort	Werbungstafel drucken

Dieses Kunstwerk wurde als Bild für Oscar Wildes Drama Salomé, aus dem Jahr 1892 angefertigt, das auf der biblischen Geschichte von Salome basiert, die befiehlt, den Kopf von Johannes dem Täufer zu enthaupten und auf einen Teller zu legen. Mehrere andere Jugendstilmaler, wie Victor Prouvé, ließen sich von Salome inspirieren. Im Vergleich zu einigen von Beardsleys anderen, sinnlicheren und geradezu hässlichen Werken ist Salomé eine milde Angelegenheit.

Viele der vom Jugendstil beeinflussten Künstler betonen die Linie, und sie abstrahieren ihre Figuren häufig, um die vom Jugendstil inspirierten fließenden Kurven zu erhalten.

The Peacock Skirt (1892) Illustration von Aubrey Beardsley für Oscar Wildes Theaterstück Salomé (1892); Aubrey Beardsley, Public domain, via Wikimedia Commons

Es kann auch als Beispiel dafür dienen, wie ein leidenschaftlicher Umgang mit dem formalen Vokabular des Stils zu Kritik führen kann. Beardsleys Werk zeigt den Einfluss japanischer Drucke auf den Jugendstil durch seine flache Darstellung der Formen. Dieses Bild kann auch als eine Darstellung der modernen Ästhetischen Bewegung betrachtet werden und zeigt, wie der Jugendstil von vielen historischen Epochen und Genres inspiriert wurde.

 

Das Budapester Museum für angewandte Kunst (1896) von Ödön Lechner

Architekt	Ödön Lechner
Datum der Fertigstellung	1896
Funktion	Museum
Ort	Budapest

Das Budapester Museum für Angewandte Kunst, das von Ödön Lechner entworfen wurde, zeigt, dass der ungarische „nationale“ Zweig des Jugendstils, der wegen seiner Nähe zu Wien Ungarische Sezession genannt wurde, eher eine Verschmelzung früherer Formen war als eine Suche nach neuen.

Dieses Gebäude, das auf einem trapezförmigen Grundstück steht, hat ein Atrium auf der Rückseite der Hauptfassade, das mit natürlichem Tageslicht gefüllt ist.

Das Budapester Museum für Angewandte Kunst (erbaut 1896), entworfen von Ödön Lechner; Der ursprüngliche Uploader war Misibacsi bei der ungarischen Wikipedia. , CC BY-SA 2.5, via Wikimedia Commons

Kacheln, Buntglasfenster und Stein verbinden das komplizierte Bauwerk rundherum und schaffen einen lebendigen, vielfarbigen Stil, der den Blick des Betrachters schweifen lässt und ihn über die harmonische Verbindung der Kunstformen zu einem „Gesamtkunstwerk“ informiert. Die komplexen, vielgliedrigen Bögen und die aus Mitteleuropa stammenden grandiosen, glockenförmigen Spitzen und Türme mit zwiebelförmigen Endstücken sind Beispiele für die Formen, die innen und außen verwendet werden.

 

Die Eingänge zur Pariser Metro (1900) von Hector Guimard

Architekt	Hector Guimard
Datum der Fertigstellung	1900
Funktion	Eingang zur U-Bahn
Ort	Paris

Nach London war Paris erst die zweite Stadt der Welt, die ein U-Bahn-System baute, als Hector Guimard mit der Gestaltung dieser berühmten U-Bahn-Eingänge beauftragt wurde. Hector Guimards Entwurf wurde von dem Ziel inspiriert, die neue Infrastruktur mit einem dramatischen Turm, der in der Pariser Skyline hervorstechen sollte, zu würdigen und zu fördern.

Die Eingänge weisen verdrehte, organische Formen im Jugendstil auf, die auf den ersten Blick praktisch nahtlos erscheinen, aber in Wirklichkeit aus mehreren gusseisernen Komponenten bestehen, die in Osne-le-Val, östlich von Paris, in Massenproduktion hergestellt werden konnten.

Der Eingang zur Metro Abbesses in Paris, entworfen von Hector Guimard; Andrea, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Hector Guimard hatte einen Teil der Modernität des Objekts effektiv hinter seiner schlangenförmigen Kontinuität versteckt, eine Methode, die typisch für die zweideutige Haltung des Jugendstils gegenüber der Moderne ist. Hector Guimards Entwurf war daher entscheidend dafür, die normalerweise anspruchsvollen, arbeitsintensiven Designs des Jugendstils einem breiten Publikum vorzustellen, für das der Stil als unerreichbarer Luxus galt.

 

Ernst-Ludwig Haus (1901) von Joseph Maria Olbrich

Architekt	Joseph Maria Olbrich
Datum der Fertigstellung	1901
Funktion	Studiogebäude
Standort	Darmstadt, Deutschland

Hier befindet sich der Mittelpunkt der neuen Darmstädter Künstlergemeinschaft, die 1899 unter der Schirmherrschaft des Großherzogs von Hessen gegründet wurde. Olbrich, der zu den ersten Malern der Gemeinschaft gehörte, wurde vom Herzog aus der Wiener Sezession gestohlen. Das Ernst-Ludwig Haus ist, wie die Architektur der Sezession, sehr geradlinig, mit einer strahlend weißen Fassade, die von einem sanft geneigten Dach gekrönt wird, und liegt auf einem Hügel.

Der gewölbte, zentral gelegene Haupteingang mit seinem vergoldeten, wolkenartigen geometrischen Muster rund um den Eingang, der von Ludwig Habischs zwei männlichen und weiblichen Statuen flankiert wird, die die Stärke und die Schönheit darstellen, wirkt dem entgegen.

Der Eingang zum Atelier des Künstlers der Kolonie, das 1901 von dem Architekten Joseph Maria Olbrich (1867-1908) entworfen und Ernst-Ludwig-Haus genannt wurde; Jean-Pierre Dalbéra aus Paris, Frankreich, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Die schrägen Oberlichter, die sich über die gesamte Rückseite des Turms erstrecken, machen deutlich, dass es sich um eines der wenigen Jugendstilgebäude handelt, die in erster Linie als Ateliergebäude errichtet wurden. 1901 war es der Mittelpunkt der ersten Ausstellung der Darmstädter Gruppe. Obwohl die Kolonie nur bis zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs im Jahr 1914 existierte, dient das Gebäude heute als Museum, das den künstlerischen Errungenschaften der Kolonie gewidmet ist.

 

Modell #342, Wisteria Lamp (1905) von Clara Driscoll

Datum der Fertigstellung	1905
Medium	Bleiglas und Bronze
Abmessungen	70 cm x 45 cm
Aktueller Standort	New York Historical Society

Louis Tiffany’s ist bekannt für seine Jugendstil-Tischlampen. Der Bleiglasschirm der Lampe scheint den Glyzinienzweigen an der Spitze zu ähneln, wenn er beleuchtet ist. Der Sockel und der Schirm aus Bronze sorgen für ein natürliches Aussehen. Die Schirme aus fast 2.000 sorgfältig ausgewählten Glasstücken sorgen für eine warme, aber weiche Beleuchtung, die den blühenden Blumen die Illusion von Wassertropfen verleiht. Das zeigt an, dass das Sonnenlicht den Schirm durchdrungen hat.

Dieses Motiv, das oben einen unregelmäßig geformten Rahmen und unten eine Begrenzung aufweist, ahmt den Realismus und Japonismus nach, denn die Glyzinie ist im Osten Nordamerikas sowie in Japan, China und Korea heimisch.

Modell #342 Wisteria Tischlampe, um 1902, von Tiffany Studios, entworfen von Clara Driscoll; Fopseh, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Clara Driscoll hat sie entworfen, wie neu entdeckte Beweise zeigen. Es markiert auch einen Wendepunkt für Designerinnen um die Jahrhundertwende, als sie die Kontrolle über einen großen Teil der Produktion des Unternehmens erhielten. Driscoll gehörte zu den bestverdienenden Frauen ihrer Zeit und verdiente 10.000 Dollar im Jahr, bis sie 1909 gezwungen war, die Tiffany Studios zu verlassen, weil sie sich verlobte und schließlich heiratete.

 

Hoffnung, II (1908) von Gustav Klimt

Datum der Fertigstellung	1908
Medium	Öl und Blattgold
Abmessungen	110 cm x 110 cm
Aktueller Standort	Museum für Moderne Kunst

Gustav Klimts Werk ist geprägt von Formverformung und Verschönerung sowie von expliziten sexuellen Themen. Im Gegensatz zu Beardsley ist Gustav Klimt für die ausgiebige Verwendung von Blattgold bekannt, meist in Kombination mit einem Kaleidoskop von anderen leuchtenden Farben, besonders in seinen Werken nach 1900.

Gustav Klimt entwickelte seine einzigartige, anspruchsvolle Ästhetik als Folge dieser Mischung.

Diese lässt sich als eine Reihe von verträumten, visuell üppigen (und auch materiell aufwendigen) Gemälden von Frauen zusammenfassen, die gelegentlich reale Personen abbilden, aber häufiger erdachte oder metaphorische Verkörperungen darstellen, wie in seinem Kunstwerk Hope, II.

Hoffnung, II (1907-1908) von Gustav Klimt; Gustav Klimt, Public domain, via Wikimedia Commons

Gustav Klimt erreichte sein Ziel, eine „neue Kunst“ zu schaffen, die frei von bestehenden Konventionen oder Prinzipien war, indem er akzentuierte und abgeflachte Körperformen sowie einen Fokus auf Muster und einen Mangel an Tiefe einsetzte.

Als Gründungsmitglieder der Organisation kritisierten Sezessionisten wie Klimt die Ideale der akademischen Malerei.

Gustav Klimts Werke riefen zu seinen Lebzeiten ein breites Spektrum an Emotionen hervor und tun dies auch heute noch, was dazu beiträgt, dass er als einer der fortschrittlichsten Maler der Kunstbewegung und als Pionier der Moderne gilt.

 

Park Güell (1914) von Antoni Gaudí

Architekt	Antoni Gaudí
Datum der Fertigstellung	1914
Funktion	Park
Ort	Barcelona

Antoni Gaudí, der vor allem für seine Arbeit an der unvollendeten Sühnekirche Sagrada Familia in Barcelona bekannt ist, hat auch Dutzende anderer Bauwerke in der katalanischen Metropole errichtet. Antoni Gaudís letztes Projekt, bevor er sich ganz der Sagrada Familia widmete, war die Vorbereitung eines Wohnviertels am Hang für den Textilunternehmer Eusebi Güell.

Ungeachtet der Tatsache, dass nur Gaudis Wohnhaus und ein weiteres Anwesen gebaut wurden und das Projekt ein finanzieller Misserfolg war, ist dieses Bauwerk ein Beispiel für Gaudís innovatives architektonisches Können.

Eingang zum Park Güell, Barcelona; Enfo, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Der architektonische Stil des Park Güell fügt sich nahtlos in die Umgebung ein, mit grob behauenen, schrägen Säulen, die aus den Hängen gegraben und mit Reben bewachsen zu sein scheinen. Ein Markt mit Säulen stützt einen offenen Platz, der von einem Serpentinen-Sitz umgeben ist, der mit einer Kombination aus verlassenen Keramikfliesen bedeckt ist, die als Trencads bekannt sind, einem Merkmal der katalanischen Kunstfertigkeit.

Der Hauptplatz des Park Güell; T meltzer, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Eine große Treppe verbindet den Markt mit dem Eingang des Parks, der ein gekacheltes Becken mit einem Drachengesicht und der katalanischen Flagge hat. Das Haupttor und die Wohnung des Pförtners bestehen aus felsigen Hütten mit ungleichmäßigen, kegelförmigen Türmen, die aussehen, als wären sie aus Lebkuchen gemacht worden.

Die wellenförmigen Formen, die von umgedrehten Fahrleitungsbögen beeinflusst sind, und die farbenfrohen Kacheln spiegeln den kollaborativen Ethos des katalanischen Jugendstils wider, der Teams von Handwerkern umfasst, die auf verschiedene Medien spezialisiert sind, und sich auf den ethischen Umgang mit umweltfreundlichen Materialien verlässt.

Die Haupttreppe des Park Güell; Alexandru Ene, CC BY-SA 3.0 ES, via Wikimedia Commons

 

 

Künstler des Jugendstils

Jetzt haben wir uns einige der berühmtesten Beispiele des Jugendstils angesehen. Aber wer waren die Künstler hinter dieser Bewegung? Lass uns einige dieser Pioniere der Bewegung entdecken.

 

Émile Gallé (1846 – 1904)

Nationalität	Französisch
Jahr der Geburt	1846
Jahr des Todes	1904
Medium	Glasmacher

Zusammen mit Louis Majorelle gründete der Glasmacher Émile Gallé die École de Nancy, eine Organisation, die sich für die Verbreitung des Jugendstils einsetzte. Er unterrichtete die Designer persönlich und versorgte sie mit Aquarellen von Blumenmustern, die er in den Gärten seines Hauses schuf.

Gallé wies seine Designer an, nur echte Blumen und Pflanzen als Vorlage zu verwenden, auch wenn sie am Ende bestimmte kreative Entscheidungen treffen durften.

Portrait von Émile Gallé (um 1890) von Victor Prouvé; Dguendel, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

„Es ist wichtig, eine deutliche Neigung zu Vorbildern zu haben, die der Flora und den Tieren entlehnt sind, während man ihnen freien Ausdruck lässt“, schrieb er 1889. Sowohl die Natur als auch die Literatur beeinflussten seine Kunst. In seiner Freizeit sammelte und studierte er Pflanzen und Käfer, um sich von ihnen inspirieren zu lassen, und entwickelte experimentelle Glasherstellungsprozesse, die er sich schließlich schützen ließ.

Viele seiner Werke waren mit Blumenmustern und Gedichten versehen, die nur für den Besitzer geschrieben wurden.

Zwei Gläser mit Rand, entworfen von Émile Gallé, 1900; Émile Gallé, Public domain, via Wikimedia Commons

 

Louis Comfort Tiffany (1848 – 1933)

Nationalität	Amerikaner
Jahr der Geburt	1848
Jahr des Todes	1933
Medium	Malerei, Glasherstellung

Louis Comfort Tiffany war der Sohn von Charles Lewis Tiffany, einem bekannten Juwelier. Obwohl er ursprünglich als Maler ausgebildet wurde, begann er 1875, sich mit Glasmalerei zu beschäftigen, und drei Jahre später eröffnete er sein eigenes Glasgeschäft.

Sein Können mit Glas wurde in anderen Ländern bekannt.

Louis Comfort Tiffany, unbekanntes Datum; Pach Bros, Public domain, via Wikimedia Commons

Education, ein Buntglasfenster in der Bibliothek der Yale University, ist sein bekanntestes Werk. Es wurde zu Ehren einer der Töchter der Sponsoren von Yale errichtet. Die Skulptur wurde 1970 als Vorsichtsmaßnahme für den Fall von Demonstrationen vom Gelände entfernt. Infolgedessen wurde sie verwechselt und geriet später in Vergessenheit.

Jahre später, als das Stück falsch beschriftet wurde und stattdessen ein anderes Tiffany-Stück verschwand, hat dieses Versehen das Stück wahrscheinlich vor einem Raub geschützt.

Education (1890), ein Buntglasfenster von Louis Comfort Tiffany und der Tiffany Glass Co. (Ende 1885-1892), das sich in der Linsly-Chittenden Hall der Yale University befindet. In der Mitte sind Wissenschaft (verkörpert durch Hingabe, Arbeit, Wahrheit, Forschung und Intuition) und Religion (verkörpert durch Reinheit, Glaube, Hoffnung, Ehrfurcht und Inspiration) in Harmonie dargestellt, wobei die zentrale Personifikation von „Licht-Liebe-Leben“ den Vorsitz führt. Auf der linken Seite steht die Kunst, die von Form, Farbe und Vorstellungskraft begleitet wird. Auf der rechten Seite steht die Musik mit Rhythmus, Melodie, Harmonie, Versen und Stimme. Wahrnehmung und Analyse (versteckt hinter den linken Säulen) verbinden Kunst und Wissenschaft, während ein einsamer Engel, das Gesetz, Religion und Musik (versteckt hinter den rechten Säulen) miteinander verbindet; Public Domain, Link

 

Antoni Gaudí (1852 – 1926)

Nationalität	Katalanisch
Jahr der Geburt	1852
Jahr des Todes	1926
Medium	Architektur

Antoni Gaudí war ein bahnbrechender Architekt, der hauptsächlich in Barcelona arbeitete, wo sein Jugendstil dominierte. Mit fließenden Linien und hellen Oberflächen, die von normalen architektonischen Formen abwichen, war sein Werk von der Natur und der katholischen Religion beeinflusst.

Portrait von Antoni Gaudí, 1878; Pablo Audouard Deglaire (1856 – 1919), Public domain, via Wikimedia Commons

Die Balkone der Casa Mila stellen Abstraktionen von Blättern und Grashalmen dar, während die Bänke im Parc Güell der menschlichen Wirbelsäule entsprechen sollen. Gaudí wurde durch seine Fantasie als Mitglied des Jugendstils identifiziert, die ihn von anderen Stilen der Zeit abhob.

La Sagrada Família, sein bekanntestes Meisterwerk, befindet sich seit 1882 in der Entwicklung und es wird bis heute kontinuierlich daran gearbeitet.

Außenansicht der Sagrada Família, die 1882 von Antoni Gaudí entworfen wurde. Das Bauwerk befindet sich noch im Bau; Nicholas Gemini, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Gaudí wurde beauftragt, 1883 mit dem Bau der Kirche zu beginnen, obwohl er die Fertigstellung nicht mehr erleben sollte – ein Zeichen für seine starke Religion. Die Kirche war zu etwa 20% fertiggestellt, als Gaudí 1926 starb. Wenn sie fertig ist, wird sie die höchste Basilika der Welt sein.

 

Victor Horta (1861 – 1947)

Nationalität	Belgisch
Jahr der Geburt	1861
Jahr des Todes	1947
Medium	Architektur

Victor Horta war ein Gründungsmitglied des Jugendstils und gilt als derjenige, der die Bewegung über die bildenden und ornamentalen Künste hinaus auf das Bauwesen ausdehnte. Hortas Arbeit zeichnete sich durch sein Gespür für den technischen Fortschritt bei Eisen und Glas aus.

Seine Bauwerke waren mit gedrehtem und gebogenem Eisen verkleidet, das von außen nach innen floss.

Porträt von Victor Horta, ca. 1900, in La Belgique d’aujourd’hui („Das Belgien von heute“); Gustave Deltour, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Hôtel Tassel war das erste Bauwerk des Jugendstils und eines der bekanntesten Meisterwerke von Horta. Das Stadthaus wurde für einen seiner Kollegen von der Université Libre de Bruxelles entworfen. Es verbindet auf perfekte Weise natürliche und industrielle Motive, und die berühmte Treppenhalle des Gebäudes ist schon von außen zu sehen.

Die Fassade des Hôtel Tassel, entworfen von Victro Horta im Jahr 1893;Arco Ardon aus Dordrecht, Niederlande, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

 

Die Jugendstil-Bewegung begann 1890 mit dem Ziel, das Design zu erneuern und die zuvor etablierten klassischen und historischen Formen abzulehnen. Natürliche Elemente wie Blumen und Insekten inspirierten die Maler des Jugendstils. Auch Kurven, asymmetrische Formen und leuchtende Farben gehörten zu den wiederkehrenden Themen der Bewegung. Neben ornamentaler Kunst, Malerei, Architektur und sogar Werbung findet sich der Jugendstil in einer Vielzahl von Medien wieder.

 

 

 

Häufig gestellte Fragen

 

Was ist Jugendstil?

Aus der Jugendstilbewegung gingen viele talentierte Künstler hervor, die sich auf ornamentale Kunst, architektonisches Design und Glaskunst, insbesondere Schlackenglas, spezialisiert haben. Heutzutage sind viele ihrer Werke bei Sammlern und Jugendstilliebhabern sehr beliebt. Der Wunsch der Jugendstilkünstlerinnen und -künstler, mit den historischen Traditionen des 19. Jahrhunderts zu brechen, war ein Hauptgrund für den Modernismus der Jugendstilbewegung.

 

Woher kommt der Jugendstil?

Der Jugendstil lässt sich auf die Arts and Crafts-Gruppe zurückführen, die eine Reaktion auf die akademischen Kunstformen des 19. Das Design wurde auch durch den Einfluss japanischer Farbholzschnitte mit blumigen Motiven und kräftigen Kurven beeinflusst. Der Jugendstil war bis 1905 bedeutend, wird aber heute als Vorläufer der Moderne gesehen. Der Jugendstil begann mit dem Ziel, das Design zu erneuern und die zuvor etablierten traditionellen und historischen Ansätze abzulehnen.