Pop Art Künstler – Unsere Top 10 der berühmtesten Pop Artists

Die Pop-Art-Bewegung tauchte erstmals in den späten 1950er Jahren sowohl in den USA als auch in Großbritannien auf und erreichte ihren Höhepunkt in den 1960er Jahren. Die Künstlerinnen und Künstler der Popkultur waren vom Status quo der traditionellen Kunstwelt desillusioniert und hatten das Gefühl, dass diese die Welt, die sie erlebten, nicht richtig wiedergab. Die Pop Art ließ sich von der westlichen Populärkultur inspirieren und griff Bilder aus der Werbung, aus Comics und aus alltäglichen Haushaltsprodukten auf.

Unsere Liste der zehn berühmtesten Pop-Künstler

Werfen wir einen Blick auf 10 berühmte Pop-Art-Künstler und finden wir heraus, was ihren jeweiligen Pop-Art-Stil zu einer so bemerkenswerten Bereicherung der Bewegung machte. Viele dieser Künstler sind heute weltberühmt für ihre Beiträge und haben einige der wertvollsten Werke überhaupt geschaffen.

Richard Hamilton (1922 – 2011)

Richard Hamilton war der Künstler hinter dem Kunstwerk „Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?“  Diese Collage aus dem Jahr 1956 gilt als eines der frühesten Beispiele für Pop-Art-Designs, und weil ein Lutscher in den Händen einer Figur zu sehen ist, wird angenommen, dass der Name der Bewegung von diesem „Tootsie Pop“ stammt.

Keith Hamilton wurde am 24. Februar 1922 in der Stadt Pimlico in London geboren.

Obwohl er keinen Schulabschluss hatte und die Schule vorzeitig verließ, fand er eine Lehrstelle in einer Firma, die Bauteile für elektrische Geräte herstellte. Abends besuchte er Kunstkurse. Danach studierte er weiter an der Royal Academy of Arts, bis er 1946 von der Schule verwiesen wurde. Nachdem er einige Jahre an der Slade School of Art studiert hatte, begann er, seine ersten Ausstellungen im Institute of Contemporary Art zu machen.

Richard Hamilton während eines Interviews auf der MACBA, 2011; Kippelboy, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Kunsthistoriker betrachten seine Ausstellung „Man, Machine and Motion„, die 1955 gezeigt wurde, und seine Collage „Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?“ von 1956 als Paradebeispiele für einige der ersten Pop-Art-Werke. Während seiner Zeit als Pop-Art-Künstler versuchte Keith Hamilton, die Verbindung zwischen dem Design von Alltagsprodukten, der Mainstream-Kultur und der bildenden Kunst zu untersuchen.

Im Laufe seiner künstlerischen Karriere hat er die vorgefassten künstlerischen Werte, die von Kunstkritikern vorgegeben wurden, immer wieder in Frage gestellt und niedergerissen. Seine Arbeiten reichten von Industriedesign-Studien bis hin zu Siebdruckversionen der Drogenverhaftung von Mick Jagger, dem Leadsänger der Rockgruppe The Rolling Stones, und er war für die Gestaltung des Plattencovers des Weißen Albums der Beatles von 1968 verantwortlich.

Sein größter Beitrag zur Pop-Art-Bewegung war, dass er das Fundament legte, indem er half, ihr Ethos und ihre Ziele zu definieren.

Roy Lichtenstein (1923 – 1997)

Der Pop-Art-Künstler Roy Lichtenstein gilt als einer der Pioniere der Pop-Art. Seine anfänglichen Arbeiten im Kubismus und in der abstrakten Kunst beeinflussten seine späteren Bemühungen um den Pop-Art-Stil. Sein Werk zeichnet sich dadurch aus, dass er hoch stilisierte Kunstformen verwendet und sie auf Bilder anwendet, die Teil der Populärkultur sind, wie zum Beispiel Szenen aus Comics und Werbebildern.

Ein Beispiel dafür ist sein Doppel-Leinwandbild einer explodierenden Rakete mit dem Titel „Whaam!“

In seinen Teenagerjahren war Lichtenstein für kurze Zeit Schüler von Reginald Marsh. Es folgte eine Zeit an der Ohio State University, die er nicht nur als Student, sondern auch als Fakultätsmitglied von 1946 bis 1951 besuchte und an der er 1949 seinen Master-Abschluss machte. Er unterrichtete auch an mehreren anderen Universitäten, darunter an der New York State und am Douglas College of Rutgers.

Roy Lichtenstein vor einem seiner Bilder bei einer Ausstellung im Stedelijk Museum, 1967; Eric Koch, CC0, via Wikimedia Commons

In den frühen Jahren seines künstlerischen Schaffens wandte er eine Vielzahl moderner Kunststile an, um Themen aus dem Westen Amerikas zu malen, bevor er zu dem äußerst einflussreichen Pop-Art-Künstler wurde, als der er heute bekannt ist. In einer experimentellen Phase versuchte er sich 1957 sogar am Abstrakten Expressionismus, einem Stil, den er später vehement ablehnte. Um 1960 malte Roy Lichtenstein für seine Kinder eine Leinwand mit den beliebten Zeichentrickfiguren Mickey Mouse und Donald Duck.

Dies soll die Initialzündung gewesen sein, die zu seinem Interesse führte, Symbole der Populärkultur in seine Kunst einzubauen.

Obwohl er sich anfangs nicht wohl bei dem Gedanken fühlte, ein anderes Kunstwerk zu kopieren, fand er schließlich Gefallen daran, sich einfache Bilder aus dem öffentlichen Bewusstsein wieder anzueignen, sie aber durch eine andere Brille zu betrachten, indem er sie durch die Anwendung höherer Kunstformen neu interpretierte. Es ist diese einzigartige Herangehensweise an Pop-Art-Designs, die seine Arbeit als Pop-Art-Künstler zu einer bemerkenswerten und notwendigen Ergänzung dieser Liste berühmter Pop-Art-Künstler gemacht hat. Allerdings wurde er wegen seines Stils der Aneignung bestehender Werke von Kritikern als Nachahmer bezeichnet. Sein einzigartiger Stil zeigt sich vor allem in der Verwendung dicker schwarzer Umrisse über Primärfarben und dem Punktmuster, das typisch für die Nachahmung von Comicbildern ist.

Andy Warhol (1928 – 1987)

Andy Warhol ist ein Name, der so sehr mit der Pop-Art-Bewegung verbunden ist, dass er oft als der „Papst des Pop“ bezeichnet wird. Der als Andrew Warhola geborene Künstler erlangte durch seine phänomenal erfolgreichen Werke „Campell’s Soup Cans“ und „Marylin Diptych“ weltweite Popularität. Sein Stil wurde als Bruch mit der traditionellen Kunstgemeinschaft angesehen und war bei den Kunstkritikern innerhalb des damals vorherrschenden Stils, dem Abstrakten Expressionismus, äußerst unbeliebt.

Seine Arbeit ging über die formalen Stile und Techniken der Epoche hinaus und erstreckte sich auf Videoinstallationen, Experimente mit Film und Fotografie, Siebdruck sowie die Einbeziehung formalerer Medien wie Skulptur und Malerei.

Foto des amerikanischen Künstlers Andy Warhol im Moderna Museet, Stockholm, vor der Eröffnung seiner retrospektiven Ausstellung. Brillo-Boxen im Hintergrund, 1968; Lasse Olsson / Pressens bild, Public domain, via Wikimedia Commons

Andy wurde am 6. August 1928 in Pittsburgh, Pennsylvania, als Sohn von Julia und Andrej geboren, die sehr religiöse Einwanderer aus der Slowakei waren. Andy war acht Jahre alt, als er an der Krankheit Chorea erkrankte und mehrere Monate im Bett bleiben musste. Seine Mutter war eine geschickte Stickerin und nutzte diese Zeit, um Andy das Zeichnen als Hobby beizubringen, damit er die mühsame Zeit in der Isolation und der körperlichen Einschränkung überbrücken konnte.

Dies war der Beginn einer lebenslangen Leidenschaft für die Kunst für Andy, und als seine Eltern ihm ein Jahr später eine Kamera kauften, dauerte es nicht lange, bis er im abgedunkelten Keller seiner Eltern mit Filmentwicklungstechniken experimentierte.

Nachdem er kostenlosen Kunstunterricht im Carnegie Museum of Art besucht hatte, machte er seinen Highschool-Abschluss und begann sein Studium für Bildgestaltung an der Carnegie Mellon University. Nach seinem Studium arbeitete er als renommierter Illustrator für Werbung und Zeitschriften und wurde zum einflussreichsten Künstler der Popkultur, dessen Werke zu den teuersten jemals verkauften Kunstwerken gehören. Er hinterließ ein Vermächtnis als einer der berühmtesten Pop-Art-Künstler der Welt, das bis heute Bestand hat. Warhol starb am 22. Februar 1987 in New York.

Claes Oldenburg (1929 – heute)

Claes Oldenburg wurde 1929 in Stockholm geboren. Er zog in die Vereinigten Staaten und wurde 1953 Staatsbürger. Zu dieser Zeit wurde die Kunstszene in Amerika noch vom Abstrakten Expressionismus und der Ungegenständlichkeit der Kunstform beherrscht. Claes wollte in die entgegengesetzte Richtung gehen und schuf massive Kunstwerke, die Alltagsgegenstände darstellten, die aus Stoff gefertigt und mit Papier oder Stoffstücken gefüllt waren, um das zu schaffen, was er „weiche Skulpturen“ nannte.

Er begann 1962, seine einzigartigen weichen Skulpturen auszustellen.

Ausstellung der Arbeiten von Claes Oldenburg (USA) im Stedelijk Museum, Amsterdam, 1970; Bert Verhoeff, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Zu diesen Werken gehörten Objekte wie Hamburger, Lippenstifte und Eistüten. Er wurde als Pionier unter den Pop-Art-Bildhauern bekannt, weil er mit seinem Konzept versuchte, die traditionelle Perspektive des Betrachters und des betrachteten Objekts umzukehren. Er gilt als Pionier der Pop-Art-Skulpturenbewegung.

Yayoi Kusama (1929 – heute)

Yayoi Kusama wurde am 22. März 1929 in Matsumoto, Japan, geboren. Schon in jungen Jahren hatte Yayoi Kusama plötzliche und seltsame Halluzinationen, die meist aus Feldern mit gepunkteten Mustern bestanden. Diese Muster wurden während ihrer gesamten Karriere als Pop-Art-Malerin zu einem wichtigen Thema in ihrem Werk.

Abgesehen von einem kurzen, mehrjährigen Studium an einer Kunstschule in Kyoto hatte sie keine weitere formale Ausbildung, dennoch hatte sie schon früh Erfolg in Japan, wo sie für ihren Stil bekannt war, jede Oberfläche mit Punkten zu bedecken. Die häuslichen Probleme mit ihrer Familie waren jedoch ein ständiges Problem und so zog sie 1957 in die Vereinigten Staaten, um ihren Traum zu verfolgen, Künstlerin zu werden.

Sie ließ sich in New York City nieder und fand sich bald als Teil der Bewegung wieder.

Yayoi Kusama, Persönlichkeit mit kulturellen Verdiensten, erhielt im November 2016 den Kulturorden; 文部科学省ホームページ, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

Es war keine einfache Zeit für eine Frau als Künstlerin und Yayoi beklagte sich oft über den Rassismus und Sexismus, dem sie während ihres Aufenthalts in den USA ausgesetzt war, und darüber, dass ihre Kunstwerke oft von ihren männlichen Kollegen kopiert oder gestohlen wurden. Trotz dieser Herausforderungen stieg Yayoi zu einer prominenten Künstlerin in der avantgardistischen New Yorker Pop-Art-Szene auf und gilt als die vielleicht erfolgreichste Pop-Künstlerin der Welt. Ihre Infinity Mirror-Installationen und Infinity Net-Gemälde gelten als wichtige Ergänzungen in der Welt der Pop Art Designs.

Jasper Johns (1930 – heute)

Jasper Johns ist weltweit als einer der einflussreichsten Popkultur-Künstler seiner Zeit bekannt und hat seit den 1950er Jahren fast jede Bewegung in der Kunstwelt beeinflusst. Dazu gehören nicht nur die Pop Art, sondern auch die Neo-Dada-Bewegung und der Abstrakte Expressionismus. Er gilt als einer der ersten Künstler, der sich mit seinen einzigartigen Kunstwerken, die Flaggen, Landkarten und Zielscheiben darstellen, voll und ganz auf die Verwendung von Bildern aus der Warenkultur eingelassen hat.

Das berühmteste Beispiel dafür ist sein Werk aus dem Jahr 1955 mit dem Titel „Flag“, das entstand, nachdem er das Bild der amerikanischen Flagge eines Nachts in einem Traum gesehen hatte.

Amerikanischer Künstler Jasper Johns erhält am 15. Februar 2011 die Medal of Freedom; White House videographer for The Obama White House, Public domain, via Wikimedia Commons

Der 1930 in Georgia geborene Pop-Maler zog nach New York City, um seinen Traum, Künstler zu werden, zu verwirklichen. Seine Arbeiten stellten eine Abkehr vom damals vorherrschenden Stil des Abstrakten Expressionismus dar und trugen dazu bei, dass sich die Landschaft in Richtung einer Pop-Art-freundlicheren Umgebung bewegte.

Peter Blake (1932 – heute)

Peter Blake ist einer der angesehensten Pop-Art-Künstler und Pop-Art-Bildhauer der Pop-Art-Bewegung. Sein bekanntestes Werk ist das Coverdesign für das Album „Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club“ der Beatles. Das zentrale Thema seiner Arbeit ist die Verschmelzung von Elementen der Popkultur zu Collagen. Für seinen Beitrag zur Kunstwelt wurde er 2002 im Buckingham Palace zum Ritter geschlagen.

Peter Blake wurde am 25. Juni 1932 in Dartford, Kent, geboren, wo er sowohl am Gravesend Technical College of Art als auch am Royal College of Art ausgebildet wurde.

Peter Blake und Mike Figgis im Gespräch, Ignite 2011; Annie Mole aus London, UK, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Blakes Kunst aus den späten 1950er Jahren zeigte Bilder, die in der lokalen Werbung, bei Wrestlern und bei Musikveranstaltungen zu finden waren. Seine erste Einzelausstellung fand 1960 statt, gefolgt von der „Young Contemporaries“-Ausstellung 1961, bei der er zusammen mit David Hockney, einem anderen berühmten Pop-Art-Künstler, ausstellte. Dies trug dazu bei, ihn als einen der Pioniere der britischen Kunstbewegung zu etablieren, und seine Beiträge werden so sehr verehrt, dass er oft als der „Godfather of Pop Art in Britain“ bezeichnet wird.

Auch wenn er vor allem für seine Collagen bekannt ist, beherrschte Blake eine Vielzahl von Medien, darunter Bildhauerei, Druckgrafik, Gravur und sogar kommerzielle Kunstwerke.

David Hockney (1937 – heute)

David Hockney gilt als einer der einflussreichsten Künstler der britischen Pop-Art-Bewegung und gilt als der lebende Künstler mit dem größten finanziellen Wert, denn sein Gemälde „Doppelporträt“ wurde für 90 Millionen Dollar bei Christie’s verkauft. Sein Gemälde „A Bigger Splash“ aus dem Jahr 1967 gilt unter Kunsthistorikern jedoch als ein wegweisendes Werk der Pop Art. Hockneys Motive konzentrieren sich auf persönliche Momente aus dem Leben von ihm und seinen Freunden in alltäglichen Situationen, von Poolszenen bis hin zu Landschaften von Vorstadthäusern in Kalifornien.

David Hockney wurde am 9. Juli 1937 in der Stadt Bradford in England geboren. Seine ersten Schuljahre verbrachte er an der Wellington Primary School, der Bradford Grammar School und dem Bradford College. Danach studierte er weiter am Royal College of Art, wo er in einer Ausstellung mit dem Titel „Young Contemporaries“ vertreten war. Diese Ausstellung war ein Ereignis, das dazu beitrug, die britische Pop-Art-Bewegung zu initiieren, obwohl seine eigenen Werke zu dieser Zeit noch hauptsächlich im expressionistischen Stil verwurzelt waren.

Hockney ist offen schwul und mehrere seiner Werke zeigen Themen der Homosexualität.

David Hockney, 2017; Connaissance des Arts, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Als das Royal College of Art 1962 erklärte, dass er seinen Abschluss nur machen könne, wenn er eine Skizze eines lebenden weiblichen Modells einreiche, protestierte Hockney und malte stattdessen eine Modellversion „Life Painting for a Diploma„. Er weigerte sich auch strikt, einen schriftlichen Aufsatz einzureichen, da er es vorzog, nach seinen praktischen Kunstwerken und nicht nach der Theorie beurteilt zu werden. Anstatt ihm das Diplom zu verweigern, erkannte man seine unbestreitbaren Talente und seine aufkommende Popularität an und passte die Vorschriften entsprechend an, so dass ihm schließlich ein Diplom verliehen wurde.

Nachdem er 1964 nach Los Angeles gezogen war, ließ er sich von seiner neuen Umgebung zu einer Reihe von Swimmingpool-Szenen inspirieren, für die er berühmt wurde. Dabei verwendete er das relativ neue Medium der leuchtenden Acrylfarben.

Keith Haring (1958 – 1990)

Keith Haring wurde am 4. Mai 1958 in Pennsylvania, USA, geboren. Sein Vater war Cartoonist und vermittelte seinem Sohn von klein auf die Liebe zum Zeichnen. Er lernte auch, indem er versuchte, sie nachzuahmen. Die Bilder aus der Populärkultur, die er um sich herum sah, wie Disney und Dr. Seuss.

Nachdem er 1976 die High School abgeschlossen hatte, schrieb er sich an der Ivy School of Professional Art in Pittsburgh ein, um Kunst zu studieren. Nach ein paar Semestern wurde jedoch schnell klar, dass er keine wirkliche Lust auf die Welt des kommerziellen Grafikdesigns hatte und brach das Studium ab. Trotz des Abbruchs arbeitete er weiter an der Entwicklung seines eigenen Stils und hatte 1978 eine Einzelausstellung im Pittsburgh Arts and Crafts Center.

Später im selben Jahr zog er nach New York, um an der School of Visual Arts weiter zu studieren.

Haring entdeckte bald, dass die Kunst, die ihn wirklich ansprach, nicht in den Kursen zu finden war, die er besuchte, oder in den Museen, die alte Kunstwerke aus einer vergangenen Ära ausstellten, sondern auf den Straßen selbst, an den Wänden der Innenstadtbezirke und in den Gebäuden der Innenstadt, wie z.B. in Nachtclubs und anderen sozialen Umgebungen, in denen eine lebendige neue alternative Gemeinschaft gedieh.

Keith Haring bei der Arbeit im Stedelijk Museum in Amsterdam, 1986; Rob Bogaerts (Anefo), CC0, via Wikimedia Commons

Das inspirierte ihn dazu, sich selbst an der urbanen Graffitikunst zu versuchen, was dazu führte, dass er Tausende von Werken im öffentlichen Raum anbrachte und so seine Popularität steigerte, was 1981 zu seiner Ausstellung führte. 1986 eröffnete er den Pop Shop in Soho, ein Einzelhandelsgeschäft, in dem er verschiedene Artikel mit seinen Werken verkaufte.

Dies wurde von vielen Kunstkritikern als kommerzieller Ausverkauf angesehen, der sich mit den gesellschaftlichen Aussagen deckte, Kunst für die Allgemeinheit zugänglich und erschwinglich zu machen.

Es ist seine Zugänglichkeit für ein größeres Publikum, die die Kluft zwischen dem, was als „niedrige Kunst“ und „hohe Kunst“ wahrgenommen wurde, überbrückte, indem er eine Kunstform voller sozialer Kommentare von den Straßen an die Wände der Museen brachte, und das hat ihn zu einem der anerkanntesten Maler und Pop-Art-Bildhauer der Bewegung gemacht.

Romero Britto (1963 – heute)

Romero Britto ist ein brasilianischer Pop-Maler und Bildhauer, der 1963 in Refice geboren wurde. Romero wuchs in einem extrem schwierigen Umfeld auf. Er stammte aus einem verarmten Haushalt und musste kreative Lösungen für seinen Mangel an Materialien finden, auf denen er seine Fantasie ausleben konnte.

Er benutzte seine Finger als Pinsel und schuf behelfsmäßige Leinwände aus Kartonstücken und Zeitungsausschnitten.

Sein Bruder machte ihn mit den Meistern der Kunst bekannt, indem er ihm Bücher schenkte. Romero war Autodidakt und lernte die verschiedenen Techniken der Meister, indem er ihre Stile aus den Büchern kopierte. Auf einer Reise nach Paris im Jahr 1983 lernte Romero Kunstwerke von Größen wie Matisse und Picasso kennen und begann bald, seinen eigenen Stil zu entwickeln, der den Kubismus mit der Pop Art verbindet.

Romero Britto, 2012; Dirk Vorderstraße, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Nachdem er von Brasilien nach Europa und dann weiter in die Vereinigten Staaten gereist war, um seine Kunst zu verkaufen, zog Britto 1988 nach Miami und erlangte schnell Anerkennung als aufstrebender Künstler von internationalem Format, da seine Pop-Art-Designs 1989 für die Absolut Art-Kampagne ausgewählt wurden.

Romeros Kunst wird als warm und positiv beschrieben. Er verwendet lebendige und helle, fröhliche Farben, die ein Gefühl von Liebe und Glück ausstrahlen. Diese Einstellung zu seinem Leben und seiner Kunst hat ihn zu einem der beliebtesten und erfolgreichsten lebenden Künstler gemacht und ihn auf eine Stufe mit Zeitgenossen wie Warhol und Haring gestellt.

Zusammenfassend haben wir gelernt, dass die Pop-Maler und Pop-Art-Bildhauer das Konzept verfolgten, die von den traditionellen Kunstschulen auferlegte Hierarchie der Kultur niederzureißen. Sie fühlten sich frei, Elemente aus anderen Medien zu entlehnen und sie auf eine Weise zu kombinieren, die den Elementen eine neue Bedeutung und einen neuen Kontext gab.

Häufig gestellte Fragen

Wer ist der berühmteste Pop-Künstler?

Es hat sicherlich viele bemerkenswerte und weltbekannte Pop-Künstler gegeben, aber keiner hat den gleichen Bekanntheitsgrad erreicht wie der amerikanische Pop-Künstler Andy Warhol. Dieser Pop-Künstler ist berühmt für seine Campbell’s Soup Cans (1962) und Marilyn Diptych (1962).

Was ist ein Pop Art Künstler?

Pop Art bezeichnet die Bewegung, die Mitte der 1950er Jahre in den Vereinigten Staaten und im Vereinigten Königreich entstand. Diese Art von Kunst basiert auf der Idee des Konsumismus, wobei Pop-Künstler die Ästhetik der Massenmedien und der Populärkultur nutzen, um einzigartige Kunstwerke zu schaffen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.