Paul Klee – Alles über den Schweizer Ausnahmekünstler

Den berühmten Schweizer Künstler Paul Klee kennst du vielleicht durch seinen Beitrag zur Farbtheorie und seine Kunstwerke, die sich um das Absurde, den Surrealismus, den Kubismus und den Expressionismus drehen. Dieser Artikel stellt dir berühmte Kunstwerke von Paul Klee vor und gibt dir einen Überblick über das Leben und den Einfluss des Schweizer Malers.

Paul Klee: Biografie

Paul Klee, ein viel unterschätzter Künstler des 20. Jahrhunderts, wurde 1879 in der Schweiz als Sohn des deutschen Musiklehrers Hans Klee und seiner Frau Ida Marie Klee geboren, die eine Schweizer Sängerin war. Paul Klee war ein geborener Zeichner, der über viele Jahre hinweg seine Meisterschaft in Farbe und Tonalität entwickelte. Die Vielfalt, die in seinen Zeichnungen und Gemälden zum Ausdruck kommt, reicht von stark polychromen bis zu monochromen Kunstwerken. Seine Werke sind vor allem für seinen „trockenen“ Sinn für Humor und politische Kommentare bekannt.

Klees humorvolle Beobachtung gesellschaftlicher Machtstrukturen zeigt sich in Zwei Männer treffen sich, jeder nimmt an, dass der andere eine höhere Position innehat (1903); Der ursprüngliche Uploader war DL5MDA bei German Wikipedia., Public domain, via Wikimedia Commons

Klee war für seine Zeit sehr erfinderisch und seine Werke enthielten sogar Anspielungen auf musikalische Notationen, Elemente der Poesie und kindliche Ausdrücke. Viele beschreiben Klees Werke als schwer in ein bestimmtes Genre oder eine Strömung einzuordnen, einfach weil seine Arbeit so experimentell war.&nbsp

Fotografie von Paul Klee von Hugo Erfurth (1927); ); Hugo Erfurth, Public domain, via Wikimedia Commons

Der deutsch-schweizerische Künstler Paul Klee wurde schon früh mit Musik in Berührung gebracht und dazu ermutigt, sich mit ihr zu beschäftigen. Im Alter von sieben Jahren war er ein Wunderkind auf der Geige. Neben der Musik versuchte sich Klee auch im Zeichnen und in der Poesie, aber das war nicht so ermutigend für eine kreative Karriere, wie es die Musik war.

Obwohl Klee dem Wunsch seiner Eltern folgte, eine Karriere als Musiker einzuschlagen, folgte er in seinen Teenagerjahren schließlich seinem Herzen und wandte sich der bildenden Kunst zu. Im Alter von 16 Jahren machte Klee bereits interessante Entwicklungen in seinen Landschaftszeichnungen und sah die Musik nicht mehr als etwas an, für das er eine Leidenschaft hatte. Er war mehr damit beschäftigt, mit innovativen Ideen zu experimentieren.

Ein Beispiel für Klees Interesse an der Verbindung von visueller und musikalischer Harmonie ist Fuge in Rot (1921); Paul Klee, Public domain, via Wikimedia Commons

Um 1898 besuchte Klee zusammen mit dem späteren deutschen Maler Franz von Stuck die Münchner Akademie der Bildenden Künste, wo er seine künstlerischen Fähigkeiten in der Malerei erwarb. Während seiner jungen Erwachsenenjahre besuchte er viele Kneipen und zeugte um 1900 ein uneheliches Kind, das tragischerweise nach einigen Wochen starb. Das alles geschah, als der junge Künstler noch an der Akademie eingeschrieben war.

Nach seinem Abschluss zog Klee mit dem Schweizer Bildhauer Hermann Haller nach Italien, wo sich die beiden auf das Abenteuer einließen, die klassischen Meister zu studieren. Während seiner Reise entwickelte er eine andere Einstellung zur Farbe und betrachtete sie als ein Mittel, um dem Pessimismus zu entkommen.

Klees lebenslange Faszination für Farbe zeigt sich auf diesen Seiten seiner Notizbücher (ca. 1921-1931); Paul Klee (1879-1940), Public domain, via Wikimedia Commons

Für Klee „sprachen“ das Forum Romanum und der Vatikan zu ihm und er wurde sich seines „Kampfes“ mit der Farbe bewusst.

Als der Künstler in seine Heimatstadt Bern zurückkehrte, nahm er zusätzlichen Kunstunterricht und begann 1905 mit dem Experimentieren. In dieser Phase begann er, mit einer Nadel auf eine schwarze Glasscheibe zu zeichnen, woraus etwa 57 Zeichnungen entstanden.

Drohendes Haupt (1905); Paul Klee, Public domain, via Wikimedia Commons

Gegen Ende seiner Karriere arbeitete Klee an vielen großformatigen, hieroglyphenartigen Gemälden, die auch sein Schicksal darstellten, da seine Gesundheit aufgrund einer Autoimmunkrankheit namens Sklerodermie zu schwinden begann. In der Zeit vor seinem Tod fertigte er 50 Zeichnungen an, die Engel darstellten. Viele Schweizer Behörden betrachteten seine Arbeit zu dieser Zeit als „entartet“, da er trotz seiner Geburt in der Schweiz nicht die Schweizer Staatsbürgerschaft erworben hatte.

Karrierehöhepunkte und Einflüsse

1914 reiste Klee nach Tunesien, was seine Vorliebe für Farbe und Licht noch weiter förderte. Er sagte sogar, dass „Farbe und ich eins sind“. In gewisser Weise war Klee von der Qualität der Farben, die er in Tunesien sah, besessen. Hier tauchte Klee in die „kühle Romantik der Abstraktion“ ein.

Garten in St. Germain, Das europäische Viertel bei Tunis (1914); Paul Klee, CC0, via Wikimedia Commons

Zwischen 1903 und 1905 schuf Klee seine erste Serie von Werken, Inventions, die aus 11 Zinkplattenradierungen mit grotesk anmutenden Figuren bestand. Während dieser Zeit beschäftigte sich Klee weiterhin mit Musik, Theater und Konzertkritiken. Klee heiratete bald eine bayerische Pianistin, Lily Stumpf, und er versuchte sogar, Illustrator für Zeitschriften zu werden, was leider nicht klappte.

Klee hatte seine erste Einzelausstellung 1910 in Bern, danach zog er in drei weitere Städte.

Klees grafische Talente wurden auch in der 1920 von Kurt Wolffe herausgegebenen Version von Candide von Voltaire vorgestellt. Dies war eine großartige Gelegenheit für Klee, seine Erkundung des Absurden durch die satirischen Schriften Voltaires zu beginnen. Alfred Kubin, ein österreichischer Illustrator und Grafiker, ermutigte Klee, das Voltaire-Projekt weiterzuverfolgen und machte ihn mit dem deutschen Kunstkritiker Wilhelm Hausenstein bekannt. Bis 1911 hatte Klee auch Wassily Kandinsky (einen russischen Maler) und August Macke (einen deutschen Künstler des Expressionismus) getroffen. In dieser Zeit trat er als Redaktionsmitglied dem Der Blaue Reiter bei.

Cover von Der Blaue Reiter von 1912 mit Illustration von Klees langjährigem Freund Wassily Kandinsky; Goesseln, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Durch diese künstlerischen Assoziationen begann Klee, sich erneut mit Farbtheorien zu befassen, und 1912 ging er nach Paris, wo er auf den Kubismus stieß.

Im Zuge des Ersten Weltkriegs zeigte sich Klee zunächst unbeeindruckt von dem historischen Ereignis und behauptete, er erlebe bereits einen Krieg in sich. Klee wurde 1916 als Reservesoldat in Preußen eingezogen und die Auswirkungen seiner Kriegserfahrungen begannen zu wirken, nachdem er zwei Freunde, August Macke und Franz Marc, durch den Krieg verloren hatte. Um seine Verzweiflung auszudrücken, wandte er sich der Kunst zu und schuf mehrere Lithografien. Während des Krieges wurde er zu verschiedenen Abteilungen versetzt, darunter Oberschleißheim, die Flugzeugwartungskompanie und die Königlich Bayerische Fliegerschule. Klee schaffte es trotzdem, während des Krieges Kunstwerke zu produzieren und auszustellen, und 1917 begannen seine Arbeiten, von der Kunstkritik gebührend beachtet zu werden.

Paul Klee in Militäruniform, 1916; Deutsch: Fotograf unbekanntEnglisch: Fotograf unbekannt, Public domain, via Wikimedia Commons

Um 1919 schloss Klee einen Vertrag mit dem deutschen Kunsthändler Hans Goltz ab, der ihm mehr Aufmerksamkeit und kommerziellen Erfolg verschaffte. 1920 wurden in Klees Retrospektive über 300 Kunstwerke ausgestellt. Klee war auch als Lehrer am Bauhaus in Deutschland tätig, wo er Workshops über Buchbinderei, Wandmalerei und Glasmalerei abhielt. Hier traf Kandinsky auch wieder mit Klee zusammen und ihre Freundschaft wurde wiederhergestellt. Zusammen mit Kandinsky schloss sich Klee 1923 einer Gruppe namens Die Blauen Vier an. Die Gruppe stellte 1925 in den Vereinigten Staaten aus und hier gewann Klee auch die Gunst der französischen Surrealisten in Paris, nachdem er seine erste Pariser Ausstellung veranstaltet hatte.

Zeitungsseite des San Francisco Examiner vom 1. November 1925 mit der Darstellung von Galke Scheyer und den Blauen Vier (1925); Erbsloeh in der deutschen Wikipedia Repro Andreas Erbslöh, Public domain, via Wikimedia Commons

Klee war ebenfalls im Visier der Nazis und wurde während seines Dienstes an der Düsseldorfer Akademie in einer Nazizeitung angezeigt. Die Gestapo fand den Weg zu seinem Haus und durchsuchte es – das Ergebnis? Er wurde aus seinem Amt entlassen. Bis Ende 1933, seinem letzten Jahr in Deutschland, schuf Klee mehr als 500 Kunstwerke. Bis 1939 schuf Klee, der trotz seiner schwindenden Gesundheit von Kandinsky und Pablo Picasso ermutigt wurde, mehr als 1200 Werke.

In Deutschland wurden 1937 17 von Klees Werken in einer Ausstellung für „entartete Kunst“ gezeigt und etwa 102 Kunstwerke von Paul Klee wurden aus öffentlichen Sammlungen beschlagnahmt.

Entartete Kunst Ausstellungskatalogeintrag über Paul Klee (1937-38); Fritz Kaiser und Verlag für Kultur- und Wirtschaftswerbung für die Amtsleitung Kultur der Reichspropagandaleitung der NSDAP, der Zentralen Parteipropagandastelle der NSDAP, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Die Kunst von Paul Klee

Paul Klee hat oft isoliert von seinen Zeitgenossen gearbeitet und viele der oben beschriebenen Schlüsselereignisse in seinem Leben haben einige seiner berühmtesten Kunstwerke beeinflusst. Im Folgenden werfen wir einen Blick auf einige der berühmtesten Gemälde, Drucke und Zeichnungen von Paul Klee, die seinen vielfältigen Stil und seine Herangehensweise an die Kunst verdeutlichen.

Paul Klee Gemälde

Paul Klee benutzte in seiner Kunstpraxis eine Vielzahl von Medien, darunter Aquarell, Öl, Pastell und Tusche. Klee verwendete auch Sprühtechniken in seinen Werken sowie verschiedene Maltechniken wie Impasto, Mischtechniken, Lasuren, Messeranwendungen und Mischtechniken. Im Folgenden findest du einige berühmte Gemälde von Paul Klee, die seine Vielfalt an Gemälden und Ausdrucksformen in Farbe zeigen.

Fenster und Palmen (1914)

Während seiner Reise nach Tunesien gemalt, stellt Klee eine Abstrakt-expressionistische oder kubistische Stadtlandschaft in Aquarell dar, deren Stil wahrscheinlich von Künstlern wie Paul Cézanne beeinflusst wurde. Fenster und Palmen, was auf Englisch „Windows and Palm Trees“ bedeutet, ist eine Studie der natürlichen Umgebung, die nicht imitiert, sondern als analoge Komposition dient, die ein Raster verwendet, um die Szene zu vermitteln.

Fenster und Palmen (1914); Paul Klee, Public domain, via Wikimedia Commons

Viele von Klees Werken lassen sich von den Farben der orientalischen Umgebung inspirieren und sind Beispiele für seine Periode in der Malerei, die als mystisch-abstrakte Periode bezeichnet wird und die zwischen 1914 und 1919 dauerte.

Roter Ballon(1922)

Der Rote Ballon ist eines der berühmtesten Gemälde von Paul Klee, das die Auseinandersetzung des Künstlers mit der geometrischen Malerei in Verbindung mit seinem persönlichen symbolischen Stil und der Entwicklung einer abstrakten Bildsprache verdeutlicht. Das Gemälde zeigt nicht nur einen roten Ballon, sondern vielmehr eine skurrile Stadtlandschaft, die aus verschiedenen geometrischen Formen besteht. Dieses Kunstwerk entstand in der Zeit, in der Klee am Bauhaus unterrichtete und sich mit Kandinsky wiedervereinigte.

Roter Ballon (1922); Paul Klee, Public domain, via Wikimedia Commons

Freude eines Mädchens (1922)

Das Bild eines Mädchens ist ein hervorragendes Beispiel für Klees Meisterschaft im Umgang mit Aquarellfarben und seine Fähigkeit, die Pigmente so zu schichten, dass sie das Medium optimal ausnutzen. Die dunkleren Grau-Blau-Töne zeigen, dass er auch Tusche verwendet hat, um das Motiv hervorzuheben und den Hintergrund zu konturieren. Das Symbol des Pfeils ist ebenfalls ein bekanntes Element in seinen Gemälden und zeigt in die Richtung des verängstigten Mädchens, dessen Gesicht und Körpersprache auf ihren erstarrten Zustand schließen lassen.

Freude eines Mädchens (1922);  Paul Klee, CC0, via Wikimedia Commons

Der kindliche Ausdruck im Angesicht des Schocks ist ein zentrales Thema in diesem Gemälde, da viele Erwachsene normalerweise versuchen würden, ihre körperliche Reaktion auf die Angst zu verbergen. Die Linien in den Augen der Figur machen außerdem auf die Verwirrung des Mädchens aufmerksam, während die Linien an den Juwelen ihrer Halskette darauf hinweisen, dass sie nach vorne schaut und der Betrachter die Position der Quelle des Schocks einnimmt.

Katze und Vogel (1928)

Paul Klee galt auch als einer der frühen Künstler der Moderne, der die „reine Kultivierung“ der Malerei anstrebte. Für Klee bedeutete das, dass er Wert auf die Darstellung von Kunstelementen wie Form, Linie und Farbe legte und nicht darauf, sie zur Darstellung von etwas anderem zu verwenden. Dieser Ansatz ist möglicherweise auch eine frühe Vorahnung des Minimalismus.

Katze und Vogel (1928); Paul Klee, Public domain, via Wikimedia Commons

In Katze und Vogel stellt Klee eine ruhige Katze in Wartestellung dar, aber mit einem Gefühl der Angst als unterschwelliges Thema. Seine Farbwahl deutet ebenfalls auf eine ruhige Stimmung hin, wie man an den rosa und blaugrünen Farbtönen sieht. Der Vogel ist im Bild der Katze zu finden, er sitzt im Kopf der Katze, anstatt physisch über ihrem Kopf zu sein.

Klee lenkt die Aufmerksamkeit auf die Idee der Fantasie, des Appetits und des Hungers des Gehirns, indem er den einsamen Kopf einer Katze zum Thema dieses Gemäldes macht. Das Verlangen der Katze wird durch ein Herz auf der Nasenspitze der Katze dargestellt.

Laut Klee war es eines seiner Hauptziele in der Malerei, geheime Visionen durch die Kunst zu enthüllen. Die weichen, ruhigen Töne erinnern auch an kindliches Zeichnen und deuten darauf hin, dass für Klee Kinder der Kreativität näher waren als Erwachsene. Klee hatte sich sehr für die Kunst von Kindern interessiert und war fasziniert von ihrer Verwendung von Linien und Formen bei der Darstellung von Tieren. Mehr noch, er war fasziniert von der Fähigkeit der Kinder, komplexe Bilder auf verdauliche, einfache Formen zu reduzieren und so die Reinheit der Malerei und der Illustration selbst hervorzurufen.

Ad Parnassum (1932)

Vor seiner Lehrtätigkeit an der Kunstakademie Düsseldorf begab sich Klee auf eine Reise nach Ägypten, die ihn 1932 zu diesem Gemälde inspirierte. Klee schuf dieses Gemälde, indem er zunächst eine Schicht aus gedämpften Quadraten auf eine ungrundierte Leinwand auftrug und dann kleinere Quadrate in Weiß und anderen gedämpften Farben aufstempelte. Das Motiv wird durch die dunkle Linie, die die Spitze der Pyramide bildet, und die leuchtend orangefarbene Sonne im Hintergrund verdeutlicht, die einen festen Farbkreis bildet. Das Gemälde soll von den Pyramiden inspiriert sein, aber auch eine Darstellung von Klees Heimat sein, wo der Niesen den Thunersee überragt. Ad Parnassum gilt auch als ein erstklassiges Meisterwerk, das die Pointillismus genannte Maltechnik darstellt. Dieses Gemälde wurde 2007 in einer Ausstellung im Zentrum Paul Klee gefeiert.

Ad Parnassum (1932); Paul Klee, Public domain, via Wikimedia Commons

Paul Klee Zeichnungen

Viele der Zeichnungen von Paul Klee gelten als eigenständige Kunstwerke und nicht als vorbereitende Skizzen für Gemälde. Seine Zeichnungen zeichnen sich oft durch einzelne, durchgehende Linien aus, die auf seine ausgefeilte Kontrolle bei der Ausführung hinweisen. Im Folgenden findest du einige Beispiele für Paul Klees Zeichnungen.

Neu Gerichtet (1939)

Neu Gerichtet zeigt Klees minimalistische, abstrakte Meisterschaft über die Linie, indem er verschiedene abstrakte Formen in einer linearen, geometrischen Weise illustriert und dabei auf die Verwendung von Raum, sowohl positiv als auch negativ, in seiner Zeichnung achtet. Mit Kreide illustriert Klee etwas, das wie ein zerstückelter menschlicher Körper aussieht, der durch den Raum getrennt ist, was darauf hindeutet, dass die Teile der Form aus derselben „Form“ oder demselben Körper stammen, aber nur durch den kontrollierten Raum um sie herum verbunden sind. Die Formen scheinen sich durch ihre Nähe zu berühren, ohne dass sich ihre Wege visuell kreuzen. Neu Gerichtet bedeutet übersetzt so viel wie Neu justiert und ist ein Werk, das im Jahr vor seinem Tod entstanden ist, vielleicht symbolisch für die Nähe zu seinem Lebensende.

Im Liegen(1939)

Im Liegen, was auf Englisch „Lying Down“ bedeutet, ist eine Kreide- und Bleistiftzeichnung, die eine abstrakte Figur im Liegen darstellt. Die Figur ist nicht vollständig mit Farbe ausgefüllt und wurde in einer kratzenden Bewegung gezeichnet, wobei einige Teile der Figur mehr betont werden als andere. Die Figur könnte Klees damaligen Zustand darstellen, da sich sein Zustand in seinen letzten Lebensjahren verschlechterte. Die Figur ist außerdem mit zwei markanten Augenkreisen gezeichnet, die durch eine starke lineare Markierung in der Mitte des Gesichts getrennt sind, die der Nase und dem Mund der Figur Form verleiht.

Die Paul Klee Stiftung wurde 1947 nach dem Tod seiner Witwe gegründet. Ein neues Museum, das Zentrum Paul Klee, wurde 2005 gegründet und beherbergt heute viele der Zeichnungen und Gemälde von Paul Klee, die von der Familie Klee gestiftet wurden.

Paul Klee Drucke

Die Drucke von Paul Klee machen auch auf seine Verwendung einer durchgehenden Linie aufmerksam, die von seinem Vertrauen in seine Vorstellungskraft geprägt ist und ein Ventil für den Ausdruck vor seinen Bemühungen in der Malerei und Farbtheorie darstellt. Im Folgenden findest du einige Drucke von Paul Klee, die mit Lithografie und Radierungstechniken hergestellt wurden.

Jungfrau im Baum (1903)

Die Jungfrau im Baum ist eine von vielen Grafiken, die Paul Klee zwischen 1903 und 1905 als Teil seiner ersten Serie Inventionen radierte. In einem Akt der Rebellion stellt Klee in dieser Radierung den weiblichen Akt verzerrt dar. Im Laufe seines Lebens schuf Klee mehr als 100 Drucke in den Techniken der Lithografie und Radierung. Für Klee bot die Radierung mehr Struktur in einer Zeit, in der er von seinen frühen Gemälden enttäuscht war.

Jungfrau im Baum (1903); Paul Klee (1879-1940), Public domain, via Wikimedia Commons

Mit der verzerrten Version des weiblichen Aktes drückte Klee seine Individualität und Freiheit von der konservativen Mainstream-Kunst seiner Zeit aus und beschloss, sich stattdessen auf seine Fantasie zu konzentrieren. Die Frau auf der Radierung liegt auf einem knorrig aussehenden Baum, der als Projektion des Gegenteils des romantisierten weiblichen Akts dient.

„Inventions“ war eine entscheidende Serie, die dazu beitrug, Klees Karriere zu festigen und zu starten. Nachdem er sich der Malerei zugewandt hatte, fand er immer noch Zeit, Drucke anzufertigen, in denen er Ideen rund um den Kubismus integrierte, darunter die kindliche Ästhetik und die Kunst der Geisteskranken.

Der Selbstmörder auf der Brücke (1913)

Der Selbstmörder auf der Brücke, auf Englisch übersetzt als „Suicide on the Bridge“,  ist eine Druckgrafik, die die Momente vor dem Selbstmord eines Mannes auf einer Brücke zeigt. Es ist zwar unklar, wen die Figur darstellen sollte oder ob es sich um ein lokales Ereignis handelte, von dem Klee überrascht wurde, aber der Druck ist ein interessantes Werk aus Klees früher druckgrafischer Arbeit. Die Komposition besteht aus mehreren Bildern, die in das größere Bild selbst eingebettet sind. Was aus der Komposition heraussticht, sind die Bilder der Brücke, eine große Uhr unter der Figur, die Figur selbst mit einem Zylinder und der steile Abstieg, den die Figur vor sich hat.

Klee gelang es, die Intensität des Moments einzufangen, als wäre der Akt des Selbstmords für einen Selbstmörder wie eine tickende Zeitbombe im allerletzten Moment.

Es ist auch so, als ob Klee in den Momenten vor dem Sturz auspacken würde, wie der Selbstmord aussehen könnte. Auch sein kindlicher Zeichenstil ist so deutlich wie eh und je und besonders deutlich in der Darstellung des Wassers unter ihm, das durch die U-förmigen Markierungen gekennzeichnet ist.

Angelus Novus (1920)

Paul Klee war unglaublich innovativ und erfand die Ölübertragungsmethode, mit der dieser Monodruck entstand. Monoprinting ist eine Drucktechnik, mit der einzigartige Kunstwerke geschaffen werden. Der deutsche Kritiker und Schriftsteller Walter Benjamin, der Klees Druck 1921 kaufte, interpretierte das Motiv als Engel, wie der Titel Neuer Engel andeutet.

Angelus Novus (1920); Paul Klee, Public domain, via Wikimedia Commons

Dieser ikonische Druck wurde von Benjamin als Bild eines Engels beschrieben, der so aussieht, als würde er sich von etwas entfernen, auf das er fixiert war, wie der Blick des Engels andeutet. Der Engel ist auch mit geöffnetem Mund und ausgebreiteten Flügeln dargestellt, als ob er sich zum Flug bereit machen würde. Benjamins ausführliche Interpretation legt nahe, dass der Engel Zeuge einer Katastrophe wurde, die sich immer weiter vor ihm auftürmte, und obwohl der Engel bleiben und die Toten oder das Zerschlagene wieder auferstehen lassen wollte, wurde er durch einen Sturm, der „vom Paradies her weht“, daran gehindert. Der Engel hatte sich mit seinen Flügeln in der Gewalt des Sturms verfangen und konnte deshalb seine Flügel nicht schließen. Der Sturm, so Benjamin, war das Mittel, das ihn „in die Zukunft katapultierte“. Der Sturm wurde als Fortschritt bezeichnet.

Benjamin beging später im Jahr 1940 Selbstmord, hielt aber immer an dem Glauben fest, dass der Engel eine mystische Qualität besaß. Seitdem wurde dieser Engel zu einer Quelle der Inspiration für viele Künstler, Dichter und Filmemacher, darunter John Akomfrah und Carolyn Forché.

Herzdame (1921)

Diese Lithografie von Klee, die auch als Die Herzkönigin bekannt ist, ist ein perfektes Beispiel für die skurrilen Talente von Paul Klee. Klee entwickelte diesen Stil während seiner Zeit am Bauhaus, der durch das Auftauchen von geometrischen Formen in Verbindung mit Zeichen und Symbolen auf abstrakte Weise gekennzeichnet war. Die Lithografie zeigt ein schattiertes Herz, das inmitten der vielen linearen Markierungen hervorsticht. Der Druck wurde in einem Teil von Band zwei, Nummer vier der Zeitschrift Der Ararat. Glossen, Skizzen und Notizen zur Neuen Kunst im Jahr 1921.

Herzdame (1921); National Gallery of Art, CC0, via Wikimedia Commons

Paul Klee ist eine bemerkenswerte Figur, von der man sich inspirieren lassen kann und die eine starke Quelle der Ermutigung für das Streben nach fantasievollem Ausdruck und den Blick über den Tellerrand der akademischen Lehren hinaus ist. Klees inspirierende Erfahrungen und sein komplexes Portfolio an Kunstwerken sind, gelinde gesagt, bewundernswert und bieten einen Raum der Kontemplation über die grundlegenden Elemente der Kunst, die auf eine so tiefgründige Weise dargestellt werden können.

Häufig gestellte Fragen

Warum wird Paul Klee als wichtiger Künstler angesehen?

Paul Klee gilt als bedeutender Künstler, weil er durch seine Erforschung der Farbe und die Einbeziehung verschiedener Stile aus dem Kubismus, dem Orientalismus, dem Expressionismus, dem Surrealismus, der Abstraktion und der Verwendung verschiedener Medien zur Farbtheorie beigetragen hat.

Wer war die größte Inspirationsquelle für Paul Klee?

Paul Klees größte Inspirationsquelle war seine Freundschaft mit Wassily Kandinsky, der vor allem als Pate der Abstraktion bekannt ist.

Wie viele Gemälde schuf Paul Klee zu seinen Lebzeiten?

Paul Klee schuf im Laufe seines Lebens über 10’000 Gemälde.

Wie viel sind Bilder von Paul Klee wert?

Paul Klee-Gemälde sind bei einer Auktion bis zu 6,7 Millionen Dollar wert.

Was sind die Merkmale der Kunstwerke von Paul Klee?

Zu den Merkmalen der Kunstwerke von Paul Klee gehören einfache Figuren, der Ausdruck fantastischer Bilder, kindliche Darstellungen, die Verwendung von Mischtechniken, geometrische Figuren, abstrakte Themen und sowohl polychrome als auch monochrome Werke.

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Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.