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Surrealismus Bilder – Die 10 bekanntesten surrealistischen Gemälde

Die Bewegung des Surrealismus entwickelte sich in Europa als Nachwirkung des Ersten Weltkriegs. Die Auswirkungen der Brutalität des Krieges begannen sich in der Kunst auf ungewöhnliche Weise zu manifestieren. Stark von der Dada-Bewegung beeinflusst, war der Surrealismus vor allem für seine visuellen Kunstwerke und Schriften bekannt, die sich auf das Unterbewusstsein, das Irrationale und die Macht der Traumwelt konzentrierten. Obwohl sich die surrealistische Kunst in der ganzen Welt zu verbreiten begann, wurde ihre Popularität durch den Ausbruch des Zweiten Weltkriegs unterbrochen.

 

 

Eine Einführung in die surrealistische Kunst

Die surrealistische Bewegung wurde 1924 von dem Dichter André Breton in Paris gegründet und galt sowohl als künstlerische als auch als literarische Bewegung. Bretons Surrealistisches Manifest, das im selben Jahr verfasst wurde, dokumentierte das erste Mal, dass das Konzept des Surrealismus in der Literatur erforscht wurde, was zur weiteren Entwicklung der Bewegung nach dem Ersten Weltkrieg führte.

Aufgrund des Traumas, das die Gesellschaft nach dem Krieg erlebte, wollten die Künstler mit ihrer Kunst eine neue Art von Realität schaffen. Durch die absurden und seltsamen Darstellungen in ihren Kunstwerken versuchten sie, die Welt zu verstehen, in der sich die Schrecken des Krieges abspielen konnten. Der Surrealismus förderte daher die Verwendung von Träumen und des Unterbewusstseins bei der Schaffung von Kunst, was es den Künstlern ermöglichte, sich auf ihre wahren, inneren Gefühle zu konzentrieren, die angesprochen werden mussten.

Die Wurzeln der surrealistischen Bewegung reichen bis zur Psychoanalyse und wurden stark von der Arbeit Sigmund Freuds beeinflusst, den Breton intensiv studiert hatte. Der Surrealismus ließ sich von der vorangegangenen Dada-Bewegung sowie von der modernen Einbeziehung avantgardistischer Ideen in die Kunst inspirieren, da er diese Begriffe neben der bildenden Kunst auch auf Musik, Theater und Philosophie ausdehnte.

surrealistische bilderThe Brain (Stoned) (1982) von Hanno Karlhuber, aus der Serie Energy of Space, „Der Sog in den Raum wird durch eine Lichtquelle erzeugt. In diesem Fall ist die Lichtquelle abgedeckt. Die schwebende Person kann als Ausgeliefertsein interpretiert werden, die kosmischen Steine als Hindernisse. Es ist eine naturalistische Beschreibung mentaler Zustände“; Hanno Karlhuber, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Der Surrealismus, der oft sowohl als kulturelle als auch als radikale Kunstbewegung angesehen wird, konzentrierte sich auf das Konzept der Unordnung, das Element der Überraschung, überraschende Nebeneinanderstellungen und unlogische Darstellungen der Realität. Die Künstlerinnen und Künstler wollten sich von Vernunft und Logik abwenden und hofften, in ihren Kunstwerken eine freie Form des Denkens zu erreichen. Das Ziel des Surrealismus war es, das Denken, die Sprache und die menschliche Erfahrung von den unterdrückenden Beschränkungen des Rationalismus zu befreien.

Das Konzept des Automatismus stand im Mittelpunkt der surrealistischen Bewegung, da es eine Praxis beschrieb, die der freien Assoziation ähnelte und die es den Künstlern ermöglichte, Werke zu schaffen, die sich auf ihre unbewussten Gedanken konzentrierten. Die Gemälde, die in der surrealistischen Bewegung entstanden, untersuchten den Dialog zwischen Traum und Wirklichkeit, da die Künstler die Bedeutung unterbewusster Bilder betonten.

Die Kunstwerke dieser Bewegung zeigten eine deutliche Abkehr von traditionellen Kunstformen, da die Künstler versuchten, die psychologische Wahrheit zu enthüllen. Dies führte dazu, dass abstrakte Bilder geschaffen wurden, um die Isolation darzustellen, die die Gesellschaft nach dem Krieg erlebte.

 

 

Die zehn berühmtesten surrealen Kunstwerke

Im Laufe der surrealistischen Bewegung wurden viele Kunstwerke geschaffen, die die Ideen, Ziele und Merkmale der Kunstepoche genau wiedergeben. Bei der Betrachtung dieser zahlreichen Werke stechen einige Gemälde als prägende Werke des Surrealismus hervor. Im Folgenden findest du eine Liste mit den zehn bekanntesten und berühmtesten surrealistischen Gemälden, über die noch heute gesprochen wird.

gemaelde surrealismusC… come condizionamento („C… für Conditioning“, 1976) des italienischen Malers William Girometti, im Besitz seiner Tochter; William Girometti, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

 

The Harlequin’s Carnival – Joan Miró (1925)

KünstlerJoan Miró (1893 – 1983)
Entstehungsjahr1925
MediumÖl auf Leinwand
Grösse66 cm x 90.5 cm
Lager/AusstellungsortAlbright-Knox Art Gallery, Buffalo

Eines der herausragendsten surrealistischen Gemälde des spanischen Künstlers Joan Miró und gleichzeitig sein bekanntestes Werk ist sein Werk aus dem Jahr 1925 mit dem Titel The Harlequin’s Carnival (Carnaval de Arlequín). Der Titel bezieht sich auf zwei wichtige Begriffe in der damaligen Gesellschaft. Der Begriff „Harlekin“ bezog sich auf die italienische Comic-Theaterfigur, die immer in einem karierten Kostüm dargestellt wurde, und „Karneval“ bezog sich auf ein Fest.

surrealismus bilderPorträt von Joan Miró in Barcelona, 1935; Carl Van Vechten, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Harlekin-Karneval zeigt ein ausgelassenes Fest des Lebens, wie die scheinbar umherschwebenden und hüpfenden Figuren beweisen. Es wird auch spekuliert, dass dieses Fest dem Karneval nachempfunden ist, bei dem die Christen fettige Speisen zu sich nahmen, bevor sie bis Ostern auf tierische Produkte verzichteten. Die karikaturhaften und biomorphen Formen, die Miró verstreut hat, stellen eine Überfülle an Informationen dar, die den Betrachter bei der ersten Begegnung mit diesem surrealistischen Gemälde überwältigt.

Egal, worum es bei der Feier geht, es wird eine sehr zufällige und chaotische Szene dargestellt, denn es scheint, als ob Miró es geschafft hat, seine gesamten unterbewussten Gedanken auf die Leinwand zu bringen. Wenn man sich die Figuren jedoch genauer ansieht, scheint es eine gewisse Symbolik in ihnen zu geben.

Der Harlekin, der sich links von der Bildmitte befindet, hat einen länglichen weißen Körper mit einer blau-roten Kugel als Kopf. Er scheint sehr traurig zu sein und hat ein Loch im Bauch, das Mirós Armut und Hunger symbolisieren soll. Als erfolgloser Künstler konnte Miró es sich manchmal kaum leisten, Essen zu kaufen und beschrieb, wie er am Ende des Tages wie in Trance nach Hause kam, ohne etwas zu essen. In diesem halluzinatorischen Zustand begann er, die abstrakten Formen zu zeichnen, aus denen dieses Gemälde besteht.

Auf der linken Seite lehnt eine lange Leiter an der Wand, ein Motiv, das Miró später in vielen seiner surrealen Gemälde verwenden sollte. Die Leiter symbolisierte seine Angst vor dem Eingesperrtsein und sollte ihm die Freiheit geben, nach der er sich sehnte. Außerdem soll das schwarze Dreieck im Fenster oben rechts auf dem Gemälde dem Eiffelturm ähneln, was Mirós großen Traum unterstreicht, mit seiner Kunst die Welt zu erobern und der Armut zu entkommen, in der er lebte.

Was den Karneval des Harlekins so einzigartig macht, ist die Tatsache, dass die dargestellten Formen aus dem Hunger entstanden, den Miró verspürte, wenn er sich in einen tranceähnlichen Zustand begab, im Gegensatz zu den Bildern, die er wie andere surrealistische Künstler in seinen Träumen erlebte. Dieses Gemälde ist ein Bericht aus Mirós Unterbewusstsein, der aufgrund seiner wirtschaftlichen Schwierigkeiten entstand und es ihm ermöglichte, den dargestellten Formen eine gewisse Emotion beizumessen. Es ist ein bedeutendes Beispiel für ein surrealistisches Gemälde, da Miró in diesem Gemälde Pionierarbeit bei der Verwendung anthropomorpher Formen geleistet hat.

 

 

Battle of Fishes – André Masson (1926)

KünstlerAndré Masson (1896 – 1987)
Entstehungsjahr1926
MediumSand, Gesso, Öl, Bleistift und Holzkohle auf Leinwand
Grösse36.2 cm x 73 cm
Lager/AusstellungsortThe Museum of Modern Art, New York

Der französische Künstler André Masson praktizierte in einigen seiner surrealistischen Kunstwerke mit Begeisterung das automatische Zeichnen und experimentierte häufig mit veränderten Bewusstseinszuständen. Sein bekanntestes Gemälde aus der Surrealismus-Bewegung ist sein Werk aus dem Jahr 1926 mit dem Titel Battle of Fishes.

In diesem Kunstwerk gelang es Masson, eine kraftvolle allegorische Sicht auf das menschliche Dasein und die nicht enden wollenden Konflikte zu schaffen, die durch die Zerstörungen des Ersten Weltkriegs verursacht wurden. Durch die Darstellung einer surrealen Unterwasserlandschaft zeichnete Masson Fische mit scharfen Zähnen, die sich gegenseitig brutal angriffen, um seine Gedanken über die aktuelle Gesellschaft nach dem Krieg darzustellen.

Obwohl Masson die gesamte Leinwand für seine Fischschlacht nutzte, gelang es ihm, eine geschlossene Komposition zu schaffen, die der Abgeschlossenheit der Tiefen des Ozeans sehr ähnlich ist. Masson hat auch die energiegeladenen und fließenden Linien gekonnt in seinem Werk platziert, die dem Betrachter eine gewisse Richtung geben und als Orientierungspunkte dienen. Diese Striche wirken sehr solide und sicher an ihrem Platz, was das Selbstvertrauen Massons in den Stil zeigt, den er darzustellen versucht.

Was dieses surreale Kunstwerk so faszinierend machte, war die ungewöhnliche Methode, die Masson anwandte, denn seine auffällige Herangehensweise an das Kunstmachen ließ das Element des Zufalls in seine Werke einfließen.

In „Battle of Fishes“ hat Masson Sand in sein Werk eingearbeitet, Gesso auf die Leinwand aufgetragen, um eine Struktur zu schaffen, auf der der Rest des Werks steht, und kräftig direkt aus der Farbtube gezeichnet und gemalt.

Während die Sandflächen zu markanten Schwerpunkten wurden, trug auch die gewählte Farbpalette dazu bei, bestimmte Bereiche des Kunstwerks zu betonen. Masson verwendete kühle Töne, die den Betrachter in die düstere Szene hineinziehen, sowie einige kontrastierende warme Töne um die Bereiche, die er hervorheben wollte. Diese unterschiedlichen Farben und die organischen Formen, die Masson verwendete, trugen dazu bei, den Fluss und den Rhythmus des Werks aufrechtzuerhalten und ein interessantes und fesselndes Werk zu schaffen, das aus unbegrenzten Unterbrechungen besteht.

Die dunkleren Farben, wie Blau- und Grüntöne, trugen dazu bei, in der Komposition eine depressive und reumütige Stimmung zu erzeugen, die die Stimmung in der Realität nach dem Ende des Krieges widerspiegelt. Die wärmeren Farben trugen dazu bei, die Aufmerksamkeit der Betrachter zu wecken, und die verwendeten Rottöne erinnerten an das wahre Grauen, das in der Gesellschaft stattgefunden hatte.

Das Stück ist ein Symbol für das Leben in der europäischen Gesellschaft nach dem Ersten Weltkrieg, denn die isolierten und wilden Fische stehen für die verzweifelten und zerrissenen Gemeinschaften, die wieder aufgebaut werden müssen. Einige Fische sind auch tot dargestellt, was die Menschen symbolisieren soll, die in den Kämpfen oder in den Wirren der Nachkriegszeit ihr Leben verloren haben.

So ist dieses Werk ein sehr selbstbewusstes Kunstwerk, denn die Symbole, die Masson in seiner Komposition platzierte, wurden bewusst ausgewählt und verwendet, um eine Botschaft zu vermitteln.

Dieses Kunstwerk gilt als unglaublich einflussreich für die surrealistische Bewegung, da Masson auf sein Unterbewusstsein zugriff, um eine irrationale Komposition zu schaffen, die das Chaos und die Angst, die in der Gesellschaft nach dem Ersten Weltkrieg herrschten, genau wiedergab.

 

The Great Masturbator – Salvador Dalí (1929)

KünstlerSalvador Dalí (1904 – 1989)
Entstehungsjahr1929
MediumÖl auf Leinwand
Grösse110 cm x 150 cm (43.3 in x 59.1 in)
Lager/AusstellungsortMuseo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid

Einer der bekanntesten Vertreter des Surrealismus war der spanische Künstler Salvador Dalí, der einige der ikonischsten Werke malte, die die Bewegung mitprägten. Eines von Dalís ersten surrealistischen Gemälden, das er 1929 malte, war Der große Masturbator.

Zu der Zeit, als Dalí den Großen Masturbator malte, war er sehr fasziniert von Sigmund Freuds psychoanalytischer Theorie und interessierte sich sehr für die Untersuchung der unbewussten Aspekte des Selbst, einschließlich der sexuell unterdrückten Mechanismen und der Ich-Struktur. Daher wird dieses Gemälde als ein Selbstporträt von Dalís eigenen sexuellen Obsessionen und seinem übergroßen Ego betrachtet, das er im Laufe seiner Karriere immer wieder kommentierte.

dali surrealismusPorträt von Salvador Dali, aufgenommen im Hôtel Meurice, Paris, 1972; Allan warren, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

In einer unglaublich surrealen Landschaft malte Dalí diese traumhafte Szene, nachdem er ein paar Tage mit seiner zukünftigen Frau Gala verbracht hatte. Das Kunstwerk enthält noch weitere Objekte der Begierde, wie z. B. Hinweise auf Gala selbst und auf die Wüstenoase. Es wurde vermutet, dass Dalí mit den unbekannten gesichtslosen Figuren und Insekten in diesem Gemälde seine eigenen paranoiden Ängste symbolisieren wollte.

Der große, verzerrte Kopf, der das Gemälde dominiert, soll der Masturbator und eine der Personifikationen von Dalí selbst sein, der in diesem Gemälde noch mehrere Male in verschiedenen Situationen auftaucht.

Der Kopf, der nur im Profil zu sehen ist, spiegelt die spirituelle und erotische Veränderung wider, die Dalí durch die plötzliche Anwesenheit von Gala in seinem Leben erfahren hatte.

Der große Masturbator gilt als sehr beunruhigendes Selbstporträt und zeigt eine Fantasie, die auf dem Höhepunkt ist. Das zeigte sich in der seltsamen Darstellung einer Heuschrecke, die an dem Felsen saugt, der sich gerade in die Darstellung von Dalí verwandelt.

Es gibt viele Spekulationen, dass das zentrale Bild auf der bekannten Felsformation Cullero am Cap de Creus in Spanien basiert. Dalí verglich den Felsen mit einem Kopf, dessen Nase in den Boden gepresst ist, und er nahm in seinen späteren surrealistischen Werken mehrfach Bezug auf diesen Felsen. Dies zeigt Dalís obsessive Natur, denn dieser Felsen wurde zum fesselndsten und allgegenwärtigsten Objekt in vielen seiner surrealistischen Kunstwerke

In diesem Kunstwerk legte Dalí seine inneren Ängste, seine persönlichen Sorgen und seine ständigen Obsessionen offen. Der große Masturbator ist ein einflussreiches surrealistisches Kunstwerk, da es die Idee der Realitätsflucht repräsentiert, die in den meisten von Dalís Werken präsent war. Diese paranoide Darstellung zeigt die zentralen Merkmale, die auch in anderen surrealistischen Kunstwerken zu finden sind, wobei Dalí ein wichtiger Anführer der Bewegung ist.

 

 

The Treachery of Images – René Magritte (1929)

KünstlerRené Magritte (1898 – 1967)
Entstehungsjahr1929
MediumÖl auf Leinwand
Grösse60.3 cm x 81.1 cm
Lager/AusstellungsortLos Angeles County Museum of Art

Ein weiterer wichtiger Künstler, der die surrealistische Bewegung vorantrieb, war der belgische Künstler René Magritte. Seine Erkundungen innerhalb des Surrealismus waren stark von der Nachkriegsatmosphäre, die die Gesellschaft erfasst hatte, den strukturalistischen Sprachtheorien und der vermeintlichen Kluft zwischen Sprache und Bedeutung beeinflusst. Eines von Magrittes bekanntesten Werken, das er 1929 malte, ist Der Verrat der Bilder.

Auf diesem Gemälde ist das einfache Bild einer Pfeife zu sehen, zusammen mit einer französischen Aussage, die übersetzt „Das ist keine Pfeife“ bedeutet. Der von Magritte geschaffene Kontrast demonstriert seine Vorstellung von der Widersprüchlichkeit zwischen Sprache und Bedeutung, da ein Unterschied zwischen Signifikant und signifiziertem Objekt gezeigt wird.

surrealistische kunstGraffiti von Magrittes „Ceci n’est pas une pipe“ in Bukarest; bixentro, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Dieses humorvolle Gemälde zeigte die Disharmonie zwischen Sprache und Bedeutung in der Gesellschaft nach dem Ersten Weltkrieg, als Magritte feststellte, dass Worte nicht mehr das ausdrückten, was sie wirklich bedeuteten. Aufgrund der kriegsbedingten Disharmonie konnten die Surrealisten die Dekonstruktion der Sprache erforschen, wobei Magrittes surrealistische Bilder schockierende Gedanken bei den Betrachtern auslösten.

Der Verrat der Bilder verdeutlichte Magrittes Überzeugung, dass Kunst nicht die Realität ist, sondern eine einfache Darstellung derselben. Die Aussage in diesem Kunstwerk war also wahr, denn die Betrachter sahen keine Pfeife, sondern ein Bild der Wirklichkeit. Auf diese Weise schuf Magritte ein dreifaches Paradoxon aus der traditionellen Vorstellung, dass Objekte mit Worten und Bildern übereinstimmen sollten.

Wie andere Künstler der surrealistischen Bewegung versuchte Magritte, die Rationalisierung und Logik in der Kunst zu überwinden, die den Künstlern von der bürgerlichen Gesellschaft aufgezwungen wurde. Der Surrealismus ermöglichte es Magritte, die ursprüngliche Bedeutung von Zeichen und Symbolen aufzuheben, was viele Künstler dazu inspirierte, das Gleiche zu tun. Außerdem wurden Magrittes Werke als einflussreicher Ausgangspunkt für den Konzeptualismus angesehen.

Magritte wandte häufig Methoden an, die das tatsächliche Aussehen seiner Kunstwerke in Frage stellen, da sie nicht in das Bild oder die Realität selbst zu passen scheinen.

Die Spannung, die Magritte zwischen Wahrheit und Fiktion sowie Realität und Surrealismus erzeugte, wurde in seinen Werken gekonnt dargestellt. Dadurch wurde „Der Verrat der Bilder“ zusammen mit seinen anderen surrealen Gemälden zu einem der bekanntesten surrealistischen Kunstwerke überhaupt.

 

The Persistence of Memory – Salvador Dalí (1931)

KünstlerSalvador Dalí (1904 – 1989)
Entstehungsjahr1931
MediumÖl auf Leinwand
Grösse24 cm x 33 cm
Lager/AusstellungsortThe Museum of Modern Art, New York

Ein weiteres bedeutendes Kunstwerk, das Salvador Dalí während der surrealistischen Bewegung malte, war sein Gemälde Die Beständigkeit der Erinnerung aus dem Jahr 1931. Dieses Kunstwerk ist zweifellos eines der berühmtesten surrealistischen Gemälde der gesamten Bewegung.

In Die Beständigkeit der Erinnerung huldigte Dalí dem Konzept der Zeit durch die schmelzenden Uhren, die er darstellte. Diese Uhren sollten das Innenleben von Dalís Unterbewusstsein widerspiegeln und die einfache und zugleich komplexe Botschaft vermitteln, dass die Zeit, wie sie von der Gesellschaft wahrgenommen wird, im Grunde bedeutungslos ist.

In dieser abstrakten und traumhaften Szene sind die tropfenden Uhren das zentrale Motiv, das vor den goldenen Klippen Kataloniens, wo Dalí geboren wurde, dargestellt ist. Die riesige Nase, auf der eine Uhr schmilzt, ist eine Anspielung auf Dalís früheres Gemälde Der große Masturbator (1929).

Durch die Integration dieser Figur in seine beiden Kunstwerke, die als eine Art Selbstreferenz angesehen wurde, demonstrierte Dalí seine obsessive Natur, die in seinen surrealen Gemälden deutlich wurde.

Dalí zeigte großes Interesse an der Idee des Unterbewusstseins in der Kunst und versetzte sich beim Malen oft in einen selbst herbeigeführten halluzinatorischen Zustand. Das kann man an bestimmten Objekten erkennen, die er in seine Malerei einbezog, da sie tief aus seiner Psyche zu kommen schienen. Ein Beispiel für eine scheinbar abstrakte Einbindung ist die Darstellung von Ameisen in seinem Werk, die auch in seinen anderen surrealistischen Gemälden immer wieder vorkommt. Es wird angenommen, dass die Ameisen Dalís Faszination für das Konzept des Verfalls darstellen und dass nichts getan werden kann, um diesen Prozess aufzuhalten.

Die tropfenden Uhren und das deformierte Gesicht scheinen völlig losgelöst von der Realität zu sein, was die Tiefe verdeutlicht, die Dalí in seinem Unterbewusstsein erforschte. Auf die Frage nach der Bedeutung der Uhren im Gemälde erklärte Dalí häufig, dass er keine Ahnung habe, weigerte sich aber, die Darstellung seiner Uhren mit dem Begriff der Zeit in Verbindung zu bringen. Auf diese Weise gelang es Dalí, vertraute Objekte auf ungewohnte Weise darzustellen, wodurch sie jeglicher Bedeutung beraubt wurden.

Dieses Kunstwerk war ein sehr wichtiges Gemälde für Dalí, denn er kehrte immer wieder zu diesem Thema zurück, indem er verschiedene Stile, Medien und Variationen in seinen anderen Werken verwendete.

Sein Einfluss breitete sich in der gesamten surrealistischen Bewegung aus, da Dalí in der Lage war, vertraute Gegenstände so zu verzerren, dass sie Teil einer abstrakten und phantasmagorischen Welt zu sein schienen, was die Irrationalität, für die der Surrealismus stand, mühelos einfing.

 

 

Egg in the Church or the Snake – André Breton (1932)

KünstlerAndré Breton (1896 – 1966)
Entstehungsjahr1932
MediumCollage auf Papier
Grösseunbekannt
Lager/Ausstellungsortunbekannt

Der französische Schriftsteller und Dichter André Breton gilt als Begründer des Surrealismus. Er verfasste das erste Manifest des Surrealismus, das die Bewegung als Kunstform entwickelte und definierte. Während er sich in der Zeit des Surrealismus auf das Schreiben konzentrierte, schuf Breton 1932 ein bemerkenswertes Kunstwerk mit dem Titel Ei in der Kirche oder die Schlange.

Da dies eines von Bretons einzigen visuellen Kunstwerken ist, ist nicht viel über die Papiercollage bekannt, die er erstellte. Obwohl das Ei in der Kirche oder die Schlange eine Collage und kein Gemälde ist, gibt es einen Grund, warum dieses Kunstwerk auf der Liste der berühmten surrealistischen Gemälde steht. Der Grund dafür ist, dass es die Funktion des Autors im Wesentlichen in Frage stellt, indem es die Medien erweitert und den bahnbrechenden Einsatz von Fotomontagen für ein visuelles Experiment vorsieht. Durch die Kombination dieser Aspekte entstand eine stark kryptische und surreale Traumszene.

 

surrealismus fotografieAndré Breton auf einem Dada-Festival in Paris, 1920, mit einem von Francis Picabia entworfenen Schild; Unknown authorUnknown author, Public domain, via Wikimedia Commons

Der von Breton gewählte Titel ist sowohl allegorisch als auch rätselhaft, da er sich auf die Religion bezieht. Das gewählte Thema verdeutlicht das Interesse der Surrealisten am weiblichen Körper und an der Unterdrückung des sexuellen Verlangens durch das Christentum. Breton strebte danach, alle sexuellen Unterdrückungen auf bloße Symbole und eine Sprache zu reduzieren, die ihm die Freiheit des Ausdrucks ermöglicht, wie er in seinen Collagen und Schriften zeigt.

Obwohl Breton nicht so viel malte und zeichnete wie andere surrealistische Künstler, war sein Beitrag zur Bewegung von unschätzbarem Wert, da seine Schriften und Gedanken den Kern der Avantgarde-Bewegung beeinflusst haben sollen.

 

The Barbarians – Max Ernst (1937)

KünstlerMax Ernst (1891 – 1976)
Entstehungsjahr1937
MediumÖl auf Karton
Grösse24.1 cm x 33 cm (9.5 in x 13 in)
Lager/AusstellungsortMetropolitan Museum of Art, New York

Der deutsche Künstler Max Ernst war sowohl als einflussreicher Dadaist als auch als Surrealist bekannt. Während seiner Karriere im Surrealismus entwickelte Ernst die als „Frottage“ bekannte Technik, bei der Bleistiftabdrücke von Gegenständen als Bildquelle verwendet wurden. Ernsts bekanntestes Kunstwerk, das aus der surrealistischen Bewegung hervorging, wurde 1937 gemalt und trägt den Titel Die Barbaren.

Ernsts Gemälde war stark von Sigmund Freuds Theorie des Unterbewusstseins beeinflusst. Die Barbaren sind eine Erkundung seines Unterbewusstseins, seiner eigenen Kindheitserinnerungen sowie heidnischer mythologischer und sexueller Symbole. Ernst betrachtete die Barbaren nach den Freudschen Konzepten der Persönlichkeit, wie dem Ich, dem Über-Ich und dem Es, und platzierte sie daher als Kreaturen in einer surrealen Landschaft.

surrealistische malereiEin Foto von Max Ernst im Jahr 1968; Unknown authorUnknown author, CC0, via Wikimedia Commons

In Die Barbaren sind riesige und bösartig aussehende Gestalten abgebildet, die die Form von Vögeln anzunehmen scheinen. Der dunkle Vogel scheint den Weg anzuführen, während der andere Vogel sich umdreht und ein seltsames Tier anstarrt, das an seinem Arm hängt. In der Ferne ist eine kleine Frau abgebildet, die sich an einem unbekannten geflügelten Tier festzuhalten scheint. Ernst bezog das Thema Vögel oft in seine Werke ein, da er der Meinung war, dass sie einige menschliche Elemente verkörpern.

Die seltsamen Muster auf den Körpern der Figuren waren ziemlich kantig und rau, da sie an Gesteins- und Fossilienbildung erinnern sollten. Ernst erreichte dieses Aussehen, indem er Farbe auf ein Stück Pappe auftrug und sie gegen Gegenstände drückte, während sie noch nass war, um einen Abdruck zu hinterlassen. Anschließend bearbeitete er die Figuren mit einem Pinsel, der die zusätzlichen Farbschichten abkratzte.

Die beiden gemalten Figuren, die Ernst für Barbaren hielt, verkörperten die Mythologie in diesem Kunstwerk. Die zum Himmel erhobene Hand des dunklen Vogels stellte dar, dass die Barbaren immer glaubten, sie seien die Insel des Atlas, die den Himmel vor dem Fall bewahrt. Der andere Vogel sollte sich darauf vorbereiten, militärisch in das Land der Menschen vorzudringen.

Damit vertrat Ernst den Gedanken, dass die Demokratie die Fähigkeit hat, sich in Barbarei zu verwandeln, wie der Ausbruch des Krieges zeigt.

 

Indefinite Divisibility – Yves Tanguy (1942)

KünstlerYves Tanguy (1900 – 1955)
Entstehungsjahr1942
MediumÖl auf Leinwand
Grösse101.6 cm x 89 cm
Lager/AusstellungsortAlbert-Knox Art Gallery, Buffalo

Der französische Künstler Yves Tanguy war ein wichtiger Einfluss innerhalb der Surrealismus-Bewegung, da seine Kunstwerke aus einem ungewöhnlichen, sofort erkennbaren Stil des ungegenständlichen Surrealismus bestanden. Sein wohl bekanntestes Werk aus dieser Zeit, das 1942 entstand, ist das Gemälde „Unendliche Teilbarkeit“.

In seinen Werken nutzte Tanguy das Konzept des Bewusstseinsstroms, so dass seine surrealen Gemälde beim Betrachter Emotionen auslösten und keine spezifischen Erklärungen für das Gemälde lieferten.

Tanguy wurde auch vom Unterbewusstsein und von Träumen beeinflusst. Diese Elemente tauchen in den meisten seiner Kunstwerke unter verschiedenen Umständen auf.

Unbestimmte Teilbarkeit zeigte gewöhnliche Gegenstände, die zusammen mit einer scheinbaren Staffelei die Form eines Mannes bildeten. Tanguy entlieh ein visuelles Symbol von seinem Mentor, als er eine obskure und rätselhafte Struktur schuf, die den unbestimmten Raum einnahm. Außerdem schien die Form der Struktur undeutlich und vage zu sein, was das Geheimnis dieses Bildes noch verstärkte.

 

 

An einem scheinbaren Strand oder einer blauen Version des Fegefeuers platziert, stellte Tanguy die Formen, die aus verschiedenen Objekten bestehen, einander gegenüber. Damit wollte er ein Gefühl der Unsicherheit hervorrufen, da die Betrachter nicht erkennen konnten, woraus die von ihm geschaffene Welt wirklich bestand. Damit hat Tanguy eine wichtige philosophische Debatte angestoßen, denn er fragte sich, ob menschliche Formen und von Menschen geschaffene Objekte einfach dasselbe sind, oder ob sie stattdessen imaginär sind.

In Indefinite Divisibility verschmelzen Träume und Realitäten durch die widersprüchlichen Formen, die den Betrachter konfrontieren und seine Aufmerksamkeit fordern. Was dieses Kunstwerk zu einem einflussreichen surrealistischen Werk macht, ist, dass Tanguy sich darauf konzentrierte, Empfindungen auszudrücken und auszulösen, anstatt zu erklären, was sein Bild bedeutet.

1950 stellte die Psychologische Anstalt in Wien Tanguys Bilder neben denen von schizophrenen Patienten aus, um zu sehen, ob die Öffentlichkeit die beiden Bilder unterscheiden konnte. Als dies nicht der Fall war, waren die Surrealisten begeistert, denn das bedeutete, dass die Abstraktion in ihren Werken wirklich keine Ähnlichkeit mit der Realität hatte.

 

I Saw Three Cities – Kay Sage (1944)

KünstlerKay Sage (1898 – 1963)
Entstehungsjahr1944
MediumÖl auf Leinwand
Grösse92 cm x 71 cm (36 ¼ in x 27 15/16 in)
Lager/AusstellungsortPrinceton University Art Museum, New Jersey

Die amerikanische Künstlerin Kay Sage, die Ehefrau ihres Künstlerkollegen Yves Tanguy, war eine der wenigen Künstlerinnen des Surrealismus, die einen großen Einfluss auf die Bewegung hatten. Ihr bedeutendstes Kunstwerk, das sie 1944 malte, ist I Saw Three Cities.

bekannte surrealistischbekannte surrealistische kunste-kunstPassfoto von Kay Sage (1922); US Government, Public domain, via Wikimedia Commons

Sages Werke unterschieden sich stark von denen anderer Frauen des Surrealismus, denn die Universen, die sie in ihren Gemälden schuf, waren unklar, undurchdringlich und nihilistisch. In I Saw Three Cities schildert Sage eine unheimliche Atmosphäre, die dem Kunstwerk einen gespenstischen Charakter verleiht. Außerdem kontrastierte sie die fließenden Stoffe, die sie in Anlehnung an die altgriechische Ästhetik einfügte, mit scharfen geometrischen Formen, die in ihrem Bild eine Spannung zwischen Moderne und klassischer Kunst erzeugten.

Die trostlose Landschaft wird scheinbar von einer großen, verborgenen, menschlich wirkenden Figur beherrscht, die im Vordergrund des Werks steht und unbekannt bleibt. Der wirbelnde Vorhang, der unglaublich gut gerendert wurde, scheint in dieser abstrakten und verlassenen Umgebung fehl am Platz zu sein, wobei die von Sage entwickelte Gegenüberstellung eine sehr verwirrende Wirkung auf den Betrachter hat.

Die von Sage verwendeten Farben sind sehr gedämpft und ahnungsvoll, denn man hat das Gefühl, dass in dieser düsteren und trostlosen Landschaft etwas Unheimliches passieren könnte. Die einzige auffällige Farbe, die zu sehen ist, ist der rote Pfahl, der an manchen Stellen aus dem Material zu ragen scheint. Er soll Sages inneren Kern darstellen und zeigen, dass trotz ihrer elenden Bilder noch eine Form von Leben in ihr steckt.

Gegen Ende des Zweiten Weltkriegs gemalt, fragt man sich unweigerlich, ob Sages Gemälde eine Darstellung des Elends und der Verwüstung ist, die sie in der Gesellschaft sah. Der Titel, der besagt, dass Sage drei Städte betrachtete, legt nahe, dass es sich um ein Gemälde handeln könnte, das in Trauer um die Städte entstand, die durch den Krieg zerstört wurden.

 

The Son of Man – René Magritte (1964)

KünstlerRené Magritte (1898 – 1967)
Entstehungsjahr1964
MediumÖl auf Leinwand
Grösse116 cm x 89 cm (45.6 in x 35 in)
Lager/AusstellungsortPrivate Sammlung

Ein weiteres bedeutendes Gemälde von René Magritte gegen Ende der surrealistischen Periode war sein 1964 entstandenes Kunstwerk mit dem Titel Der Menschensohn. Zwischen diesem Gemälde und seinem 1929 entstandenen Werk Der Verrat der Bilder wird der Menschensohn als das bedeutendere Kunstwerk und als eines der ikonischsten surrealistischen Gemälde aller Zeiten angesehen.

Der Menschensohn besteht aus einem Mann mit Mantel und Melone und ist ein Selbstporträt Magrittes, das wichtige Botschaften über die eigene Person vermitteln soll. Magritte bedeckte sein Gesicht mit einem grünen Apfel, der in der Luft schwebt, was die unvorhersehbare Beziehung zwischen dem Sichtbaren und dem Verborgenen sowie dem Bewusstsein und dem Unterbewusstsein in der menschlichen Persönlichkeit kommentierte.

surrealismus malereiRené Magritte, fotografiert von Lothar Wolleh; Lothar Wolleh, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Indem Magritte sein Gesicht vor der Öffentlichkeit verbarg, wies er auf den menschlichen Wunsch hin, ständig zu sehen, was hinter dem Sichtbaren verborgen ist. Dies wurde durch seine Augen demonstriert, die durch die Blätter des Apfels hindurchschauen. Das macht die Betrachter/innen neugierig und ärgert sie zugleich, weil sie das Gesicht nicht sehen können und sich selbst vorstellen müssen, wie Magritte sich dargestellt hat. Außerdem erzeugen die Teile seiner Augen, die über dem Apfel zu sehen sind, ein leicht beunruhigendes Gefühl, beobachtet zu werden.

Der Titel des Gemäldes soll sich auch auf Jesus beziehen, was dazu beiträgt, die Spannung im Kunstwerk zu erhöhen. Diese religiöse Anspielung wird auch durch den Apfel deutlich, denn einige Kunstkritiker sind der Meinung, dass er den christlichen Glauben an Adams Versuchung im Garten Eden und die Zerstörung der Menschheit darstellt.

Was den Menschensohn jedoch so interessant macht, ist die Tatsache, dass sich das Gemälde, obwohl es ein Selbstporträt von Magritte ist, im Grunde auf jeden beziehen kann, wie es die gesichtslose Figur darstellt. So ist der Menschensohn ein einflussreiches Kunstwerk gegen Ende des Surrealismus, denn die hellen und leicht extremen Farben, die Magritte verwendete, inspirierten den Beginn des abstrakten Expressionismus und der Postmoderne.

 

 

Obwohl hier nur zehn Kunstwerke aufgelistet sind, gibt es noch viele weitere berühmte surreale Kunstwerke, die es wert sind, entdeckt zu werden. Du wirst feststellen, dass viele Künstler oft mehr als ein bekanntes Werk geschaffen haben, wie die Wiederholung von zwei Künstlern in diesem Artikel zeigt. Der Surrealismus ist eine unglaublich interessante Bewegung, wie man an den kreativen und tagträumerischen Gemälden sieht, die entstanden sind.

 

Diesen Beitrag zitieren

du Plessis, A. (2021, 15 Oktober). Surrealismus Bilder – Die 10 bekanntesten surrealistischen Gemälde. Dein Ratgeber rund ums Malen und Zeichnen. https://malen-lernen.org/surrealismus-bilder/

Alicia, du Plessis, “Surrealismus Bilder – Die 10 bekanntesten surrealistischen Gemälde.” Dein Ratgeber rund ums Malen und Zeichnen. Oktober 15, 2021. URL: https://malen-lernen.org/surrealismus-bilder/

du Plessis, Alicia. “Surrealismus Bilder – Die 10 bekanntesten surrealistischen Gemälde.” Dein Ratgeber rund ums Malen und Zeichnen, Oktober 15, 2021. https://malen-lernen.org/surrealismus-bilder/.

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