Keith Haring – Übersicht über Leben und Schaffen des Pop Art Künstlers

Keith Haring ist aus der amerikanischen Pop-Art-Szene in den 1900er Jahren hervorgegangen. Keith Harings Kunstwerke repräsentieren die Graffiti-Subkultur in New York, und ein Großteil seines Werks wurde als Mittel zur Kommunikation von sexuellem sozialem Aktivismus genutzt. Die Bilder von Keith Haring wurden zu einer allgemein anerkannten künstlerischen Sprache.

Biografie des Pop-Künstlers Keith Haring

Wer ist Keith Haring und wo wurde Keith Haring geboren? Wie ist Keith Haring gestorben und warum war sein Werk so wichtig für die Underground-Künstlergemeinde und Aktivisten gleichermaßen? In diesem Artikel wollen wir uns mit dem Leben des Künstlers Keith Haring und der Geschichte hinter seinen Werken beschäftigen.

Frühes Leben und Ausbildung

Keith Haring wurde am 4. Mai 1958 in Reading, Pennsylvania, geboren. Sein Vater, Allen Haring, ein Hobby-Cartoonist und Ingenieur, und seine Mutter, Joan Haring, zogen ihn in Kutztown, Pennsylvania, auf. Karen, Kristen und Kay waren seine drei jüngeren Schwestern. Haring entwickelte schon früh eine Leidenschaft für die Malerei und verbrachte viel Zeit mit seinem Vater, um innovative Skizzen zu entwerfen.

Dr. Seuss, Walt Disney Zeichentrickfilme, die Looney Tunes und Charles Schulz gehörten zu seinen frühen Favoriten.

Haring wuchs in der United Church of Christ auf. In seiner frühen Jugend war er Mitglied der Jesus-Bewegung. Später reiste er durch das ganze Land und verkaufte von ihm entworfene Anti-Nixon- und Grateful Dead-T-Shirts. 1976 schloss er sein Studium an der Kutztown Area High School ab.

Keith Haring auf einer Party bei Gonzales y Gonzales, ca. 1988; dmax3270, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Er besuchte die Ivy School of Professional Art in Pittsburgh von 1976 bis 1978, brach das Studium aber schließlich ab. Nachdem er Robert Henris The Painting Spirit (1923) gelesen hatte, wurde er ermutigt, sich auf seine Kunst zu konzentrieren. Das hatte Auswirkungen auf seine Entscheidung, die Ivy School zu verlassen. Haring arbeitete als Reparaturarbeiter im Pittsburgh Center for the Arts, wo er mit den Werken von Jackson Pollock, Jean Dubuffet und Mark Tobey in Berührung kam. In dieser Zeit wurde er stark von einem Vortrag des Künstlers Christo (1978) und einer Ausstellung von Pierre Alechinsky (1977) beeinflusst. Alechinskys Kunst inspirierte ihn dazu, riesige Gemälde mit Wörtern und Zeichen zu schaffen.

Von Christo lernte Haring, wie er die Gemeinschaft in seine Kunst einbeziehen konnte. Im Jahr 1978 hatte er seine erste große Einzelausstellung im Center for the Arts in Pittsburgh. 1978 zog er in die Lower East Side von New York, um an der School of Visual Arts Kunst zu studieren. Während dieser Zeit arbeitete er auch als Hilfskellner im Club Danceteria. Während seines Studiums beschäftigte er sich mit der Semiotik bei Bill Beckley und beschäftigte sich mit Film und Performance-Kunst. Der Schriftsteller William Burroughs hatte ebenfalls einen großen Einfluss auf Harings Bilder.

Haring schrieb 1978 in sein Notizbuch: „Ich werde mir der Bewegung immer mehr bewusst. Wenn ein Kunstwerk in die Produktion übergeht, wird die Bedeutung der Bewegung noch verstärkt. Der Entstehungsprozess (die Präsentation) wird genauso wichtig wie das fertige Kunstwerk.“

Frühes Werk

Haring wurde ursprünglich durch seine Graffiti-Kunst in U-Bahn-Stationen bekannt, wo er weiße Kreidebilder auf eine schwarze, ausgediente Werbetafel malte. Er betrachtete die U-Bahn als sein „Labor“, einen Ort, an dem er seine Kreativität erforschen und ausleben konnte, und sah das dunkle Werbepapier als leere Leinwand und „den perfekten Ort zum Skizzieren“.

Das Radiant Baby, ein krabbelndes Neugeborenes, das Lichtstrahlen erzeugt, wurde zu seinem bekanntesten Symbol. Als er als U-Bahn-Maler arbeitete, benutzte er es als Label, um seine Arbeiten zu kennzeichnen. In Keith Harings Kunstwerken und seiner Ikonografie wurden Symbolik und Bildsprache (wie heulende Hunde, fliegende Raumschiffe und riesige Herzen) vorherrschend. Infolgedessen sprachen sich Keith Harings Bilder schnell herum und er erlangte einen hohen Bekanntheitsgrad.

Keith Haring bei der Arbeit im Stedelijk Museum in Amsterdam, 1986; Rob Bogaerts, CC0, via Wikimedia Commons

Die Arbeiten von Brion Gysin und Burroughs beeinflussten Harings Umgang mit Buchstaben und Wörtern. Im Jahr 1980 machte er aus der Gegenüberstellung von Wörtern Schlagzeilen und hängte Hunderte davon an Laternenpfähle in ganz Manhattan. Im selben Jahr, als er mit einer seiner ersten öffentlichen Installationen an der Times Square Show teilnahm, veränderte Haring ein Plakat über dem Eingang einer U-Bahn-Station am Times Square, auf dem eine Frau abgebildet war, die die Beine eines Mannes umfasste, und löschte den ersten Buchstaben aus, so dass es im Grunde genommen „Hardón“ und nicht „Chardón“, ein europäisches Bekleidungsunternehmen, heißt.

Später setzte er andere Firmenmaterialien ein, um seine Werke und Überzeugungen zu verbreiten.

Dazu gehört die Massenproduktion von Ansteckern und Magneten zum Verteilen, aber auch die Arbeit auf U-Bahn-Werbung. Der Künstler Keith Haring begann 1980, Ausstellungen im Club 57 zu organisieren, die von Tseng Kwong Chi, einem Fotografen und engen Bekannten von Haring, dokumentiert wurden. Ende 1981 stellte Haring seine erste Einzelausstellung in der Hal Bromm Gallery in Tribeca aus.

Aufstieg zum Ruhm

Haring war der erste von 12 Malern, die vom Public Art Fund ausgewählt wurden, um ihre Kunstwerke auf der Spectacolor-Anzeige am Times Square im Januar 1982 zu zeigen. Im Sommer desselben Jahres stellte Haring sein erstes großes Kunstwerk im Freien auf der Houston Bowery Wall in der Lower East Side fertig. Keith Haring verwendete in seinen Bildern häufig Linien, um Lebendigkeit und Bewegung zu vermitteln. Haring arbeitete oft sehr schnell und versuchte, so viele Werke wie möglich an einem einzigen Tag zu schaffen – manchmal waren es bis zu 40 an einem einzigen Tag.

Untitled (1982) ist eines seiner Gemälde, das zwei Figuren mit einem schillernden Herz-Liebe-Thema zeigt, das von Kritikern als gewagte Darstellung homosexueller Liebe und wichtiger sozialer Kommentar gesehen wird. Elio Fiorucci bat Haring 1983, die Wände seines Fiorucci-Ladens in Mailand zu dekorieren. Im Februar 1983 hatte er eine Einzelausstellung in der Fun Gallery in Manhattans East Village. Haring lernte den Choreografen Bill T. Jones kennen und begann 1983 mit ihm zusammenzuarbeiten, als er zur Premiere seiner Ausstellung in der Robert Fraser Gallery in London war. Haring malte von Kopf bis Fuß auf Jones‘ Torso als Leinwand.

Haring war auch auf der Biennale in Venedig 1984 vertreten. Haring wurde beauftragt, unvergängliche Gemälde für die Art Gallery of New South Wales sowie für die National Gallery of Victoria zu entwerfen.

Er schuf auch das ikonische Keith-Haring-Fresko am Collingwood Technical College in Melbourne. Die Medien berichteten von Harings kometenhaftem Aufstieg zu einer weltweiten Berühmtheit. Seine Kunstwerke wurden in der Februar-Ausgabe 1984 von Vanity Fair und in der Oktober-Ausgabe 1984 von Newsweek veröffentlicht. Die Vereinten Nationen beauftragten Haring, die Illustration des ersten Tages für eine Briefmarke der Vereinten Nationen und eine damit verbundene lithografische Sonderausgabe zur Feier des Internationalen Jahres der Jugend 1985 zu entwerfen.

Er entwarf Dekorationen für MTV-Sets und schuf Gemälde für verschiedene kulturelle Organisationen und Nachtclubs, darunter das Palladium in Manhattan. Er schuf ein Kunstwerk für den Live Aid-Auftritt im J.F.K. Stadium in Philadelphia im Juli 1985. Außerdem verzierte er ein Auto des Kunsthändlers Max Protetch, das versteigert wurde und dessen Erlös der afrikanischen Hungerhilfe zugute kam;

Im Frühjahr 1986 hatte der Künstler Keith Haring seine erste Einzelausstellung im Amsterdamer Stedelijk Museum, wo er auch ein Wandbild gestaltete. Dann tat er sich mit der Organisation The CityKids Foundation zusammen, um im Juni 1986 ein 90 Fuß langes Banner zum 100. Jahrestag der Ankunft der Freiheitsstatue an den amerikanischen Ufern zu gestalten.

Keith Harings Wandbild We Are The Youth an der 22nd und Ellsworth Street in Philadelphia. Es wurde 1987 in Zusammenarbeit mit der CityKids Foundation, einer Jugendorganisation mit Sitz in New York, fertiggestellt. Das Wandbild wurde 2013 vom Philadelphia Mural Arts Program restauriert und mit dem Zusatz „The Haring Garden“ versehen; Keith Haring, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Im Oktober 1986 schuf Haring ein Fresko an der Berliner Mauer für das Checkpoint Charlie Museum. Das Gemälde war 300 Meter lang und zeigte ineinandergreifende schwarze und rote Figuren auf einem gelben Hintergrund. Die Farben stellten die deutsche Flagge dar und repräsentierten den Traum von der Wiedervereinigung zwischen West- und Ostdeutschland.

In jenem Jahr malte Haring auch im Foyer und in der Ambulanz des Mental Health Center und des Woodhull Medical öffentlich. Haring arbeitete mit Grace Jones zusammen, die er dank Andy Warhol kennenlernte. Jones‘ Körper wurde von Haring sowohl für ihr Musikvideo „I’m Not Perfect“ als auch für die Live-Bühnenshows in der Paradise Garage bemalt. Jones wurde von Haring auch für ihre Rolle als Königin der Vampire in dem Film Vamp von 1986 koloriert.

Haring arbeitete mit dem Schmuckdesigner David Spada zusammen, um die skulpturalen Ornamente für Jones zu entwerfen. Der Künstler schuf dann 1986 sein Crack is Wack Gemälde in East Harlem, das vom New Yorker FDR Drive aus zu sehen ist. Die New Yorker Polizei stufte es zunächst als Graffiti ein, und Haring wurde festgenommen. Haring wurde zu einer reduzierten Strafe freigelassen, nachdem die lokalen Medien der Sache nachgegangen waren. Das Kunstwerk von Keith Haring wurde während seiner Haftzeit beschädigt.

Dieses Wandbild ist ein Beispiel dafür, dass Haring eher auf sozialen Aktivismus als auf Kommerzialisierung setzte: „Crack is Wack“ statt „Coke is it.“

An der gleichen Wand schuf er später eine verbesserte Version des Bildes. Der Pop Shop eröffnete im April 1986 in Soho und bot T-Shirts, Poster und andere Dinge mit Harings Gemälden an. Dadurch wurde die Kunst von Haring zu moderaten Preisen weithin verfügbar. Einige Leute warfen Haring vor, seine Kunst zu kommerzialisieren. Als er darauf angesprochen wurde, sagte Haring: „Ich könnte mehr Geld verdienen, wenn ich nur ein paar Sachen malen und den Preis erhöhen würde.“ Mein Geschäft ist eine Fortsetzung dessen, was ich in den U-Bahn-Stationen gemacht habe, nämlich die Grenzen zwischen hoher und niedriger Kunst niederzureißen.“

Der Pop Shop blieb auch nach Harings Tod geöffnet, wobei alle Einnahmen der Keith Haring Foundation zugute kamen. Harings Pop Shop war bei weitem nicht sein einziger Versuch, seine Kunst der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Während seiner gesamten Karriere schuf Haring Kunst in U-Bahnen und auf Plakatwänden. Sein Bestreben, seine Kunst zugänglich zu machen, lässt sich auch daran erkennen, dass seine Figuren weder ein bestimmtes Alter noch eine bestimmte Ethnie oder Identität haben.

Als der Pop Shop aufkam, begannen Keith Harings Bilder, mehr gesellschaftspolitische Themen wie die AIDS-Aufklärung, die Crack-Krise und Anti-Apartheid-Ideologien darzustellen.

Endliche Jahre

Von 1982 bis 1989 nahm Haring an über 100 Einzel- und Gruppenausstellungen teil und schuf über 50 öffentliche Kunstwerke für Dutzende von Organisationen, Kliniken, Kindertagesstätten und Waisenhäusern. Haring war ein geouteter Homosexueller, der seine Kunst nutzte, um für Safer Sex zu werben. Im Herbst 1988 wurde bestätigt, dass er an AIDS erkrankt war. In seinen letzten Lebensjahren nutzte er seine Kunst, um über seine Krankheit zu informieren und das Bewusstsein für AIDS zu schärfen und Aufklärung zu betreiben.

Keith Haring bei der Arbeit im Stedelijk Museum in Amsterdam, 1986; Rob Bogaerts (Anefo), CC0, via Wikimedia Commons

Haring hatte 1987 Ausstellungen in Helsinki, Paris und anderen Städten. Während seines Besuchs in Paris anlässlich der Ausstellung amerikanischer Maler schufen Haring und sein Partner Juan Rivera das Gemälde Tower auf einer Außentreppe des Necker-Kinderkrankenhauses, das 27 Meter lang ist. Während seines Aufenthalts in Belgien für seine Ausstellung in der Galerie 121 schuf Haring ein Gemälde im Museum für Zeitgenössische Kunst in Antwerpen. Außerdem wurde er von seinem Künstlerkollegen Roger Nellis gebeten, ein Wandgemälde im Casino Knokke auszuführen. Von Juni bis August 1987 baute Haring ein Karussell für André Hellers Luna Luna, einen vorübergehenden Themenpark in Deutschland, dessen Attraktionen von namhaften modernen Künstlern entworfen wurden.

Im August 1987 vollendete Haring ein großes Gemälde am Freibad des Carmine Street Recreation Center im West Village.

Das Cover von Harings Kompilationsalbum A Very Special Christmas zeigt eine charakteristische Haring-Figur, die ein Baby im Arm hält. Seine „Jesus-Symbolik“ ist einzigartig unter den aktuellen Rock-Weihnachtsalben. Keith Haring wurde 1988 einer der wenigen Maler, deren Werke auf der Flasche des Weins Chateau Mouton Rothschild abgebildet sind.  Im Januar 1988 flog er nach Japan, um den Pop Shop Tokyo zu eröffnen, der jedoch scheiterte und im Sommer 1988 geschlossen wurde.

Im April 1988 malte Haring ein Wandbild für den traditionellen White House Easter Egg Roll.  Aufgrund seiner gesundheitlichen Probleme und des Verlusts seiner Kollegen Jean-Michel Basquiat und Andy Warhol glaubte er, etwas erreichen zu müssen. Um auf die HIV-Pandemie aufmerksam zu machen, schuf Haring im Februar 1989 das Fresko Todos Juntos Podemos Parar el SIDA in Barcelonas gefährlichem Viertel Barrio Chino.

Todos Juntos Podemos Parar el SIDA („Gemeinsam können wir AIDS stoppen“) (1989) von Keith Haring; Keith Haring, Public domain, via Wikimedia Commons

Im Mai 1989 reiste Haring auf Bitten eines Lehrers namens Irving Zucker nach Chicago, um mit etwa 500 Kindern ein 480 Fuß langes Gemälde im Grant Park zu schaffen. Etwa zur gleichen Zeit entstanden drei weitere Haring-Wandbilder in Chicago: zwei im Rush University Medical Center und eines in der Wells Community Academy High School. Letzteres wurde als eine Art Gruß an Harings Ankunft in Chicago errichtet.

Nach Angaben von Zucker bot Haring der Schule eine Vorlage für das Gemälde an, das von einem Lehrer, dem abstrakten Maler Tony Abboreno, und den Kunstschülern der Wells High School fertiggestellt wurde, obwohl Haring die endgültige Freigabe erteilte und es persönlich unterschrieb.

Haring wurde vom Gay and Lesbian Community Services Center in New York beauftragt, ein ortsspezifisches Werk für The Center Show zu schaffen, eine Installation zum Gedenken an den 20. Im Mai 1989 wählte er die Männertoilette im zweiten Stock, um sein Kunstwerk Once Upon a Time zu schaffen. Anschließend schuf er das Tuttomondo Gemälde, das im Juni 1989 an der Rückwand des Klosters der Kirche Sant’Antonio Abate in Pisa angebracht wurde.

Tuttomondo (1989) von Keith Haring; Guglielmo Giambartolomei, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Das Ausweichen vor sozialen Problemen wie AIDS thematisierte Haring in einem Werk mit dem Titel Rebel with Many Causes (1989), das auf dem Gedanken „See no evil, hear no evil, say no evil“ basiert. In der letzten Novemberwoche 1989 schuf Keith Haring ein Gemälde für „A Day Without Art“ am ArtCenter College of Design in Pasadena. Am 1. Dezember, dem jährlichen HIV Awareness Day, wurde das Kunstwerk geehrt. Er zollte dem Gemälde gegenüber der Los Angeles Times Anerkennung:

„Mein Leben ist mit meiner Arbeit verbunden. Als HIV zu einer Realität in meinem Leben wurde, fing es an, als Thema in meinen Werken aufzutauchen. Je mehr es sich in mein Leben einmischte, desto mehr störte es meine Karriere.“

Im Januar 1990 ging Haring für seine letzte Ausstellung in der Galerie de Poche nach Paris. Der Künstler Keith Haring starb am 16. Februar 1990 in seinem Haus in Greenwich Village an den Folgen von AIDS. Seine Asche wurde auf einem Feld außerhalb von Bowers, südlich seines Geburtsortes Kutztown, verstreut.

Keith Haring’s Kunststil und Einflüsse

Keith Haring trat in die Fußstapfen einer langen, aber unregelmäßigen Reihe von Malern des 20. Jahrhunderts, die Aspekte der Popkultur, der „niedrigen Kunst“ und der Nicht-Kunst in die einst privilegierten Räume der „hohen Kunst“ in Galerien und Museen einführten. Er griff auf die Methoden und Orte der Straßenkunst wie Wandmalereien und Graffiti zurück, verwendete leuchtende und unnatürliche Farben und machte Bilder zugänglich, um die Augen und Gedanken der Betrachter zu fesseln und sie dazu zu bringen, sich zu amüsieren und sich gleichzeitig mit ernsten Themen auseinanderzusetzen.

Großes Wandbild des amerikanischen Künstlers Keith Haring im Freien in Collingwood, einem Vorort von Melbourne, Australien. Das Wandbild wurde 1984 auf eine Zementplatte über einer Wand der ehemaligen Collingwood Technical School gemalt; Keith Haring, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Keith Haring, der Künstler, hat zusammen mit seinen Kollegen Kenny Scharf und Jean-Michel Basquiat den Weg dafür geebnet, wie scheinbar einfache und sogar cartoonhafte Aspekte von Autodidakten geschätzt werden können. Harings scheinbar einfache Kunstwerke und Worte lieferten sensible und scharfe Kulturkritik zu Themen wie HIV, Drogenabhängigkeit, uneheliche Liebe und Rassentrennung.

Als Maler und Aktivist bewies er, dass die Äußerung wichtiger Anliegen amüsant oder zumindest lebendig sein kann, wenn sie durch extrem cartoonhafte Bilder und leuchtende Farbpaletten dargestellt wird.

Im Gegensatz zu den eher abstrakten und intellektuellen Methoden der vorangegangenen Generation und der ausdrucksstarken Malerei seiner Kollegen hauchte Harings Festhalten an scharfen Linien und unkomplizierten Motiven der Figuration in der Kunst neues Leben ein. Haring zeigte, wie man öffentliche Räume, die normalerweise nicht der Kunst gewidmet sind, nutzen kann, um einem breiten Publikum politische und soziale Ideen zu vermitteln. Er verschaffte der Straßenkunst Anerkennung und Legitimität, indem er sie in Museen und Kunstgalerien einführte und so eine jüngere Generation von Straßenmalern ermutigte, in Galerien zu arbeiten. Harings Kunst ist sowohl von persönlichen als auch von politischen Faktoren beeinflusst. Seine sexuelle Vorliebe zieht sich durch alle seine Werke, und seine Tagebücher belegen, dass sie sich auf seine Arbeit auswirkt.

Untitled (The Boxers) (1987) Skulptur von Keith Haring in Berlin; Luis Alvaz, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Einige seiner späteren Kunstwerke, darunter Unbetitelt (Kat. Nr. 27) und seine Zeichnung Weinende Frau (1986), enthalten metaphorische Parallelen zur Aids-Krise. Die Konnotation in einigen seiner Gemälde ist unklar, aber er hat auch einige offen aktivistische Werke geschaffen. Silence=Death (1989), ein Werk der HIV/Aids-Kampagne, das die Botschaft des ACT UP-Plakats aufgreift und aufgreift, ist fast international anerkannt.

In einigen seiner Kunstwerke zieht er Parallelen zwischen dem Ende der Zeiten und der HIV-Epidemie.

In einem Werk, das er zusammen mit William Burroughs schuf, stellt er die Krankheit als dämonenähnliche Wesen und eine gewaltige Explosion dar. Harings Nähe zur Nuklearkatastrophe von Three Mile Island hatte einen großen Einfluss auf ihn. Seine Furcht vor einer nuklearen Katastrophe begann sich in seinen Kunstwerken zu manifestieren. Eine weiß-schwarz gestreifte Flagge zum Beispiel, die seiner Meinung nach die Bedrohung durch eine nukleare Katastrophe darstellt.

Haring wurde als Kind stark von der Jesus-Bewegung beeinflusst, die sich während seiner gesamten Karriere auf seine Kunst auswirkte. Die Organisation bestand aus einer sehr evangelikalen, locker strukturierten und heterogenen Gruppe von Christen. Sie waren bekannt für ihre Anti-Establishment-Ideen, ihr Engagement für das Jüngste Gericht und ihr Mitgefühl für die Armen. Haring interessierte sich schon als Jugendlicher sehr für diese Sache. In dieser Zeit begannen religiöse Elemente und die Emotionen der Jesus-Bewegung in seinen Werken aufzutauchen. Dies führte zu einer antikirchlichen Haltung, die in einigen seiner späteren Werke deutlich wird.

Trotz der Tatsache, dass seine Zeit als „Jesus-Person“ nicht über seine Jugendzeit hinausging, tauchen religiöse Bilder, Symbolik und Anspielungen weiterhin in Keith Harings Kunstwerken auf.

Untitled (Head through belly) (1987-1989) von Keith Haring im Kaisergarten in Oberhausen; Frank Vincentz, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

In einem Gespräch am Ende seines Lebens sagte er: „All das ist bei mir geblieben, und es gibt auch jetzt noch viele religiöse Elemente in meinen Werken. Manche Leute glauben, meine Kunst sei das Produkt eines religiösen Fanatikers oder Verrückten.“ Haring benutzte ein Schild, um seine Werke zu signieren, während er in der U-Bahn Graffiti skizzierte. „The Radiant Baby“, sein Slogan, zeigt ein Baby, von dem Linien ausgehen, die auf das Christkind hinweisen.

Während seiner Zeit als U-Bahn-Maler schuf er weiterhin Werke, die das Christkind, insbesondere Krippen, in seiner unverwechselbaren Art darstellen. Seine letzten Werke waren zwei sakrale Triptychen, die beide den bischöflichen Kathedralen gestiftet wurden. Auf ihnen stellt er das Jüngste Gericht dar, doch wer in den Werken gerettet wird, ist ungewiss.

Ausstellungen

Der Künstler Keith Haring hatte im Laufe seiner Karriere über 50 Einzelausstellungen und wurde von bekannten Institutionen wie der Leo Castelli Gallery und der Tony Shafrazi Gallery gefördert.  Seit seinem Tod wurde er weltweit in über 150 Ausstellungen gezeigt. Ihm zu Ehren wurden auch mehrere weltweite Retrospektiven veranstaltet. 1981 nahm Haring an der Ausstellung New York/New Wave im MoMA PS1 teil. Harings erste Einzelausstellung fand 1981 in der Hal Bromm Gallery statt, gefolgt von seiner Durchbruchsshow in der Tony Shafrazi Gallery 1982.

Im selben Jahr nahm er an der Documenta 7 in Kassel sowie am Public Art Fund Programm teil, für das er Kunstwerke für ein Spectacolor-Banner am Times Square schuf. Harings Kunst wurde auf der So Paulo Biennale, der Whitney Biennale und 1983 ausgestellt. Er hatte Einzelausstellungen in der Fun Gallery und der Galerie Watari in Tokio sowie seine zweite Ausstellung in der Tony Shafrazi Gallery. Die allererste bedeutende Ausstellung seiner Werke in Australien war eine Ausstellung im Museum of Contemporary Art Australia im Jahr 1996. Seine Arbeiten standen 1997 im Mittelpunkt einer Ausstellung im Whitney Museum of American Art in New York, die von Elisabeth Sussman organisiert wurde.

Der Public Art Fund produzierte in Zusammenarbeit mit der Family of Keith Haring eine Ausstellung von Keith Harings öffentlichen Kunstwerken im Central Park auf der Doris C. Freedman Plaza und entlang der Park Avenue Malls.

Diese öffentliche Ausstellung fand zeitgleich mit der Whitney-Ausstellung statt. Das Grace House Mural, das 13 Tafeln eines Freskos zeigt, das Haring entweder im März 1983 oder 1984 in einer katholischen Jugendeinrichtung an der Upper West Side in Manhattan schuf, wurde im Februar 2021 im Museum of Contemporary Art Denver uraufgeführt. Das Gemälde erstreckte sich über drei Stockwerke und 85 Fuß und enthielt Harings leuchtendes Kleinkind, bellende Hunde und tanzende Männerfiguren.

Als das Grace House gekauft wurde, kämpfte die Church of Ascension gegen die Ziele der Keith Haring Foundation, um einen Käufer zu finden, der die Kunstwerke an Ort und Stelle erhalten würde. Stattdessen wurden Teile des Kunstwerks herausgerissen und 2019 für 3,86 Millionen Dollar an einen unbekannten privaten Sammler versteigert. Die Tafeln wurden an die Institution ausgeliehen und waren bis zum 22. August 2021 zu sehen.

Wichtige Gemälde von Keith Haring

Keith Harings Kunstwerke verkörpern die New Yorker Graffiti-Szene, und die meisten seiner Werke dienten dazu, sexuellen sozialen Aktivismus zu kommunizieren. Die Gemälde von Keith Haring haben ein bekanntes kreatives Vokabular geschaffen. Hier sind ein paar seiner wichtigsten Werke:

• Montreux (1983)
• Free South Africa (1985)
• Crack is Whack (1986)
• Andy Mouse(1986)
• Safe Sex (1988)
• Tuttomondo (1989)
• Radiant Baby (1990)

Ein Keith Haring-Gemälde im Zentrale Markthalle in Amsterdam; Eriksw, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Wir hoffen, dass dir dieser Leitfaden über das Leben und die Kunst von Keith Haring gefallen hat. Er nutzte die Methoden und Schauplätze der Straßenkunst wie Wandmalereien und Graffiti, verwendete schillernde und künstliche Farben und machte Bilder zugänglich, um die Augen und Gedanken der Betrachter zu fesseln und sie zum Genießen zu bringen, während er sich gleichzeitig mit ernsten Themen beschäftigte. Keith Haring, der Künstler, und seine Freunde Kenny Scharf und Jean-Michel Basquiat waren Wegbereiter dafür, wie scheinbar einfache und sogar aberwitzige Merkmale von Autodidakten respektiert werden können. Harings täuschend einfache Kunstwerke und Worte vermittelten einen sensiblen und scharfen kulturellen Kommentar zu Themen wie HIV, Drogensucht, unerlaubte Liebe und Segregation.

Häufig gestellte Fragen

Wo wurde Keith Haring geboren und wie starb Keith Haring?

Der Künstler Keith Haring wurde 1958 in Reading, einem kleinen Dorf in Pennsylvania, geboren. Er verstarb am 16. Februar 1990 an AIDS. Schon vor seinem Tod beschäftigten sich viele seiner Werke mit dem Thema HIV-Krise.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.