Symbolismus in der Kunst – Geschichte und Merkmale

In diesem Artikel werden wir der Frage nachgehen: „Was ist Symbolismus in der Kunst?“ Künstler, die sich des Symbolismus bedienten, vermittelten Konzepte durch Symbole und betonten die Bedeutung, die den Formen, Linien, Mustern und Tönen zugrunde liegt, im Gegensatz zu den Künstlern des Impressionismus, die sich auf die Aktualität des gemalten Objekts selbst konzentrierten. Die Kunstwerke bestimmter symbolistischer Malerinnen und Maler stehen für den Niedergang der klassischen Traditionen der bildenden Kunst. Die Kunstdefinition des Symbolismus besagt, dass die Bewegung an der Spitze der Moderne stand, da sie neue und manchmal abstrakte Techniken einführte, um kognitive Wahrheiten und den Glauben an eine spirituelle Existenz jenseits der physischen Welt darzustellen.

Was ist Symbolismus in der Kunst?

Der Fokus auf Gefühle, Empfindungen, Konzepte und Individualität statt auf die Realität ist das, was die zahlreichen Maler und Formen, die mit der symbolistischen Bewegung verbunden sind, verbindet. Viele Beispiele symbolistischer Kunst enthalten persönliche Informationen und vermitteln ihre eigenen Philosophien, insbesondere das Vertrauen des Künstlers in seine Fähigkeit, die Wahrheit zu enthüllen.

Der Tod des Totengräbers (1895 – 1900) von Carlos Schwabe; Carlos Schwabe, Public domain, via Wikimedia Commons

Symbole in der Kunst waren eine Mischung aus religiöser Mystik, dem Grotesken, dem Sexuellen und dem Entarteten in Bezug auf das jeweilige Thema. Das Übernatürliche, das Makabre, das Reich der Träume, Traurigkeit, Bosheit und Sterblichkeit sind häufige Themen bei Künstlern, die sich der Symbolik bedienten.

Symbolistische Maler strebten nach Komplexität und Andeutung der intimen, halbdeutlichen und kryptischen Anspielungen, die von ihren intellektuell und musikalisch veranlagten Äquivalenten gefordert wurden, statt nach eins-zu-eins, unmittelbarer Symbolik, wie sie in früheren Formen der kommerziellen Ikonografie zu finden war.

Die Symbolismus-Bewegung diente als Brücke zwischen der Romantik des frühen 19. Jahrhunderts und der Moderne des 20. Jahrhunderts. Darüber hinaus stellt die Globalität des Symbolismus die allgemein angenommene historische Richtung der zeitgenössischen Kunst in Frankreich von der Ära des Impressionismus bis zum Kubismus in Frage.

Die Konzepte und Stile der symbolistischen Kunst

Die Bewegung des Symbolismus entwickelte sich in einer Zeit des Aufruhrs in Bezug auf ethische, gesellschaftliche, theologische und akademische Ansichten. Der Globus wuchs über die europäischen Konventionen hinaus, und der Sozialismus umfasste nicht mehr die guten Ziele, mit denen er begann.

Der Glaube sowie die Verbindung zwischen Liebe und Beziehungen wurden in Frage gestellt.

Vor allem Künstler, die sich des Symbolismus bedienten, fühlten sich einsam und abseits der Eliten. Das Konzept des Mystischen war jedoch entscheidend für die Entstehung von Symbolen in der Kunst und drückte antimaterialistische Ideen aus, die sich mit der Mystik beschäftigten.

The Crying Spider (1881) von Odilon Redon; Odilon Redon, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese Vorstellung war verbunden mit einer Neugier auf die Geisterwelt und einer Vorliebe für das Makabre und Verderbte, denn diese Epoche wird oft als eine Epoche des „Genusses“ definiert, eine Epoche des kreativen oder ethischen Verfalls, der sich in der Sehnsucht nach dem Unrealistischen gegenüber dem Organischen zeigt – und damit auch in der Vorstellung, dass die Zivilisation im Niedergang begriffen war. Symbolistische Maler (und Autoren) betonten die Idee der Kunst um der Kunst willen, da sie im Allgemeinen gegen den praktischen Nutzen der Kunst waren (im Gegensatz zu Art Nouveau Malern), und sie waren auch der Meinung, dass die Malerei keinen Bezug zur täglichen Realität haben muss.

Synthetismus und Symbolismus

Um die symbolistische Ästhetik zu begreifen, muss man vor allem den Synthetismus verstehen. Die Künstler des Synthetismus vermischten Aspekte aus der realen Welt mit Komponenten, die aus früheren Kunstwerken oder Kunstarten stammen, um alternative Realitäten zu konstruieren. Zu den Neigungen der Symbolisten gehörte die Betonung der Aufnahme von Klang in die Kunst; dieses Konzept wurde von Arthur Schopenhauer angeregt, der den Klang als künstlerisches Medium ansah, das seine Bedeutung direkt übermittelt.

Porträtfoto von Arthur Schopenhauer (1859); Schäfer, Johann, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese Eigenschaft der Musik wurde von visuellen Kreativen übernommen. Sie nutzten auch musikalische Ansätze, um ihre Werke zu gliedern, z. B. Leitmotive, d. h. wiederkehrende Teile, die das Werk zusammenhalten. Symbolistische Maler fühlten sich besonders von Richard Wagners Musik angezogen, die seiner Meinung nach spirituelle Energien enthielt und eine umfassende Vereinigung der Künste anstrebte.

Die Künstler, die sich des Symbolismus bedienten, strebten danach, stumpfe Erfahrungen in eine Art sinnlicher Darstellung zu übersetzen, sei es durch optische oder auditive Reize.

Jugendstil und Symbolismus

Der Jugendstil gilt als eine Unterart des Symbolismus. Es gibt viele Gemeinsamkeiten zwischen dem Symbolismus und dem Jugendstil, wie z.B. die schwelgerischen Themen von Aubrey Beardsley, aber der Jugendstil ist viel präziser eine ornamentale Ästhetik, die auf natürlichen Formen basiert und in allen Kunstformen umgesetzt wird, wie z.B. in allen Gegenständen, die „ausdrucksstark“ gemacht werden können, wie Broschen, Möbel und so weiter.

Isolde (1899) von Aubrey Beardsley; Aubrey Beardsley, Public domain, via Wikimedia Commons

Es ist unmöglich, seine Ursprünge genau zu bestimmen, obwohl die meisten Experten glauben, dass er mit den Werken von Victor Horta in Belgien entstanden ist. Dennoch erlangte der Stil sofort internationale Bekanntheit. Das Ziel des Creative Nouveau war es, einen Stil zu schaffen, der auf alle Kunstformen ausgedehnt werden konnte und so mit den Notwendigkeiten des Maschinenzeitalters und der zeitgenössischen Welt koexistierte.

Globale Symbolik

In der bildenden Kunst definieren die meisten Akademiker den Symbolismus als eine Herangehensweise an ein Thema und nicht als einen Stil, wie es in der Literatur offensichtlicher war. Die meisten symbolistischen Maler des späten 19. Jahrhunderts waren von den sozialen und moralischen Unruhen der Zeit betroffen, was in intimen, metaphysischen, esoterischen und manchmal kryptischen Symbolen und Themen gipfelte, die mit der offensichtlichen Verderbtheit der Zeit zu tun hatten. Die Kunstwerke von Malern aus vielen Ländern waren in unterschiedlichem Maße und aus verschiedenen grafischen Quellen an diesem Konzept beteiligt.

Wir beginnen in Frankreich, wo das Wort „Symbolismus“ zum ersten Mal verwendet wurde, um dieses Ereignis zu charakterisieren und die Ästhetik standardisiert wurde.

Französischer Symbolismus

Odilon Redon und Gustave Moreau waren zwei der bekanntesten symbolistischen Maler Frankreichs. Moreau wurde von romantischen Malern wie Eugène Delacroix und dem Fremden im Allgemeinen beeinflusst. Bei der Konstruktion fantastischer Traumlandschaften ließ sich Redon von den Romantikern und Francisco Goya inspirieren, was die beunruhigende Qualität seiner Werke erklärt.

Maja und Celestina (1808 – 1812) von Francisco Goya; Francisco de Goya, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Nabis

Die Nabis waren eine Gruppe von Künstlern, die sich des Symbolismus bedienten. Sie wurden 1889 von Paul Sérusier gegründet und ließen sich von seinem Kunstwerk Der Talisman (1888) inspirieren. Obwohl sie nicht dieselben politischen oder religiösen Überzeugungen teilten wie andere Symbolisten, wollten die Nabis mit einer höheren Macht in Verbindung treten; sie waren der Meinung, dass der Künstler die Rolle eines heiligen Mannes spielt, der die Fähigkeit hat, das Unsichtbare zu enthüllen.

Ihre Technik entwickelte sich weiter aus Paul Gauguins Werk, das sich in Verflachung und Stilisierung zeigt.

Die Themen unterschieden sich jedoch, da sie sich auf Wohnräume konzentrierten, wie bei Pierre Bonnard und Édouard Vuillard. Viele der Nabis-Maler wurden zusammen mit ihren akademischen Pendants in der symbolistischen Zeitschrift La Revue Blanche. veröffentlicht.

Rosenkreuzertum und Symbolismus

Die Rosenkreuzer waren eine vom Schriftsteller Sar Joséphin Péladan angeführte Gruppe von Künstlern, die den esoterischen Lehren des angeblichen Hellsehers Christian Rosenkreuz aus dem 15. Sie prangerten den Konsumismus der Zeit an und ließen den Katholizismus und die Renaissancekunst wieder aufleben, allerdings mit spirituellen, okkulten Konnotationen. Für diese Gemeinschaft war die Kunst ein Mittel, um zur religiösen Erleuchtung zu gelangen.

Karikatur von Joséphin Péladan (1890) von Alfred Le Petit; Alfred Le Petit, Public domain, via Wikimedia Commons

Ihre Werke griffen die Art der mystischen Metapher auf, waren aber eher konventionell im Stil. Zu dieser symbolistischen Gruppe gehörten die Künstler Armand Point, Charles Filiger und Marcellin Desboutin, die ab 1892 fünf Jahre lang in den Salons Rose und Croix in Paris ausstellten. Diese Salons zeichneten sich dadurch aus, dass sie die Werke einer Vielzahl von Malern aus anderen Ländern als Frankreich präsentierten.

Symbolismus in Belgien und England

Fernand Khnopff, dessen Werke ein gewisses Maß an Verderbtheit bewahren, und der exzentrischere James Ensor, der die Bedeutung von Masken untersuchte, waren die beiden bemerkenswertesten Maler in Belgien. Der Symbolismus lässt sich in den 1890er Jahren in der Kunst von Aubrey Beardsley und Oscar Wilde beobachten, die als „schwelgerisch“ bezeichnet werden kann, mit einem Schwerpunkt auf dem Sinnlichen. Beardsley untersuchte symbolistische Themen wie das Konzept der Femme fatale, das mittelalterliche Fantasiereich von König Artus und die Musik von Richard Wagner.

Beardsleys Ansatz hingegen ist eher dem Jugendstil zuzuordnen, mit dem er ebenfalls in Verbindung gebracht wird.

Symbolik im Rest der Welt

Arnold Böcklin stellte seine „Stimmungslandschaften“ in der Schweiz her, indem er Bilder aus seinem Kopf kombinierte. Sein Landsmann Ferdinand Hodler schuf Werke wie Nacht (1889 – 1890) und Tag (1899 – 1900), die sich durch expressionistischere und stilisiertere Figuren sowie die Verwendung von Darstellungen und Analogien anstelle von Ikonen als solchen auszeichnen – obwohl die Haltungen und Ausdrücke seiner Figuren verschiedene Seinszustände darzustellen scheinen.

Nacht (1889 – 1890) von Ferdinand Hodler; Ferdinand Hodler, Public domain, via Wikimedia Commons

Giovanni Segantini, ein italienischer Künstler, entwickelte magische Ansichten der Schweizer Alpen. Eine bedeutende, wenn auch kurze Gruppe von symbolistischen Malern kam aus Holland, vor allem Johan Thorn Prikker und Jan Toorop, die beide ganz wesentliche symbolistische Bilder entwickelten. Die Bühnenbilder wurden von russischen symbolistischen Malern wie Leon Bakst gestiftet.

Day (1899 – 1900) von Ferdinand Hodler; Ferdinand Hodler, Public domain, via Wikimedia Commons

Bedeutende Symbolismus-Künstler und ihre Kunstwerke

Jetzt schauen wir uns ein paar ausgewählte Beispiele der Symbolismus-Kunst an. Diese Künstler und ihre Kunstwerke repräsentieren und verkörpern die Definition der Symbolismus-Kunst genau. Ihre Verwendung von Symbolen in der Kunst ist weltberühmt.

Gustav Moreau (1826 – 1898)

Gustave Moreaus mystische Werke knüpfen an die zeitgenössische Beschäftigung mit dem Unheimlichen, Morbiden und dem Leben des Geistes an und machen ihn für das heutige Publikum zu einem der interessantesten Künstler des 19. Jahrhunderts. Moreau brachte die Schöpfungen seines Geistes mit präzisem Realismus auf die Leinwand, teilweise inspiriert von seiner besonderen theologischen Philosophie, die als neuplatonisch bezeichnet wird und die Fehler und Zerbrechlichkeit der physischen Welt betont.

Er glaubte, dass er auf diese Weise die himmlische Vision über seinen Pinsel kommunizieren ließ. Moreaus Werke, die in der Regel Szenen aus biblischen oder legendären Themen zeigen, sind voll von verwirrender Symbolik, die er als Ausdruck bestimmter Wünsche und Gefühle in abstrakten Formen, heiligen und sterblichen Kreaturen im Kampf und seltsamen Bildern von Sex und Elend verstand.

Selbstporträt (1850) von Gustave Moreau; Gustave Moreau, Public domain, via Wikimedia Commons

Seine Kunst ist nicht nur ein Vorbote von Strömungen wie dem Symbolismus (dessen Vorläufer er war) und dem Surrealismus, sondern auch ein Vorbote der spezifischen Probleme unserer Zeit, von denen man annimmt, dass sie den tiefsten und verborgensten Trieben der menschlichen Psyche freien Lauf gelassen haben.

Jupiter und Semele (1895)

Dieses Kunstwerk stellt die Geschichte von Jupiter, dem himmlischen Herrscher der Götter, und Semele dar, die auf Anraten von Jupiters Gattin Juno Jupiter bittet, sie in seiner herrlichen Pracht zu lieben. Jupiter kann der Verlockung ihrer Attraktivität nicht widerstehen, obwohl er weiß, dass sie von seinem Glanz und dem Feuer seiner Majestät verschlungen wird. Damit steht das Bild für die Verbindung des Menschen mit dem Göttlichen, die im Tod gipfelt.

Jupiter und Semele (1895) von Gustave Moreau; Gustave Moreau, Public domain, via Wikimedia Commons

Dennoch, wie der Künstler betonte: „Alles wurde verändert, gereinigt und verherrlicht. Die Unsterblichkeit beginnt, und das Göttliche durchdringt alles.“ Tod, Verfall und Regeneration sind Themen, die immer wieder auftauchen.

Moreau trat wie Wagner in dessen Fußstapfen und schuf Bilder in der Art der symphonischen Poesie in ihrem Reichtum an Farben und Erscheinungen, auch wenn ihn genau diese Eigenschaft davon abhielt, die zeitgenössischen Teile des Symbolismus hervorzuheben. Der Maler benutzte eine eher orthodoxe Technik, um zu kommunizieren, aber wie beim Symbolismus ergibt sich die Bedeutung aus den Formen selbst; die Menschheit ist kleinteilig und zerbrechlich in ihrer viszeralen Köstlichkeit.

Jupiters zweideutige Erscheinung spielt auf die Einsamkeit des tagträumenden Künstlers und die Existenz von Gedanken an.

Moreau, der für das Studium des Symbolismus unverzichtbar ist, ergänzte die eher literarischen Komponenten des Symbolismus, indem er seine Themen aus der Heiligen Schrift oder, wie in diesem Fall, aus der Mythologie entnahm – und dabei auch auf einige der Ängste und Sorgen der Moderne hinwies.

Odilon Redon (1840 – 1916)

Odilon Redon gilt als einer der bedeutendsten und einzigartigsten Maler des Symbolismus. Seine fantasievollen Werke sind inspiriert von den Welten der Träume, der Vorstellungskraft und der Fantasie. Bekannt wurde er mit seiner Serie Noirs, einer Sammlung monochromer Werke, die die gefühlsbetonten und provokativen Möglichkeiten der Farbe Schwarz ausnutzen.

Porträtfoto von Odilon Redon (c. 1880); Guy et Mockel (Pierre Mockel), Public domain, via Wikimedia Commons

Seine Lithografien, die oft frühere Illustrationen umgestalteten, wurden für ihn zu einer Möglichkeit, seinen Betrachterkreis zu erweitern und verschiedene Themen oder literarische Werke in Serien zu entdecken – besonders angetan war er von den romantischen und symbolistischen Werken von Poe, Flaubert und Mallarmé. Später begann Redon allmählich, eine lebhaftere Farbpalette zu verwenden, und seine Pastell- und Ölbilder sind überschwänglich farbig, vor allem Porträts und Blumenstillleben.

Durch seine Begegnung mit den Nabis lernte er einen ornamentalen Stil kennen, und in seinen späteren Werken finden sich der Japonismus und die Betonung von flachen, abstrakten Mustern und ornamentalen Gruppierungen. Redon hatte einen großen Einfluss auf die Kunst seiner Kollegen, wie Paul Gauguin, und auch auf spätere zeitgenössische Maler wie Marcel Duchamp.

Seine Lithografien wurden von den symbolistischen Schriftstellern der Zeit und auch von den späteren Surrealisten für ihre manchmal seltsamen und magischen Themen bewundert, von denen viele wissenschaftliche Untersuchungen mit fantasievollen Visionen verbanden.

Das Auge steigt wie ein seltsamer Ballon in die Unendlichkeit(1882)

Obwohl Edgar Allan Poe zum Zeitpunkt von Redons Lithografie bereits seit 33 Jahren tot war, handelt es sich hier nicht um eine Wiedergabe von Poes Werk, sondern um eine Beschwörung des grausigen Universums des Schriftstellers, die damit konkurriert. Das einzelne Auge ist ein altes Emblem, aber hier ist es verändert. Die enorme Größe des Auges steht für den Geist, der dem leblosen Körper des Sumpfes entsteigt. 

To Edgar Poe (The Eye, Like a Strange Balloon, Mounts towards Infinity) (1882) von Odilon Redon; Los Angeles County Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

Es ist ein physisches Instrument, das himmelwärts zum Allmächtigen blickt und den Totenschädel mit sich trägt. Der ätherische Bereich sowie der Lichtschein um das Hauptbild tragen zur Vorstellung des Übernatürlichen bei. In einer Fantasiewelt erweckt das Werk ein Gefühl der Verwunderung. Redons Gemälde sind jedoch nicht mit dem Surrealismus zu verwechseln, da sie auf eine zusammenhängende, präzise Vorstellung abzielen – der Kopf als Ursprung der Kreativität und die in die Materie eingebettete Seele.

Außerdem unterscheiden sich Redons Bilder vom Surrealismus dadurch, dass die Idee konstruiert werden kann. Redons Bilder sind ätherisch und grotesk, und doch sind sie die ultimative Realität. „Ich habe das Unwahrscheinliche durch das Ungewöhnliche angesprochen und so den von mir wahrgenommenen imaginativen Aspekten eine visuelle Kohärenz verliehen“, erklärte der Maler. Redon war ein Anhänger der Moderne, mehr als andere Symbolisten.

Obwohl er ein Symbolist war, faszinierte ihn auch der Materialismus der damaligen Zeit, wie Charles Darwins Forschungen zur Anpassung, die Untersuchung zoologischer Arten und, wie in diesem Werk gezeigt, die Konstruktion von Heißluftballons.

Seine Kunst war eine Darstellung seines eigenen inneren Universums, das er in persönlichen Symbolen darstellte – was die Barrierefreiheit erhöhte – und es dem Publikum ermöglichte, zu verstehen, welche verborgenen Wahrheiten in den Formen liegen.

James Ensor (1860 – 1949)

Obwohl er in konventioneller Malerei ausgebildet wurde, gab Ensor diese sofort auf, um einen neuen Stil zu entwickeln, der seine eigene Perspektive auf das aktuelle Leben zum Ausdruck bringt. Er fühlte sich besonders von der populären Karnevalskultur angezogen, die sich um die jährlichen Faschingsfeiern in ganz Belgien rankte, was wahrscheinlich dadurch inspiriert wurde, dass das Geschäft seiner Familie in Ostende ein wichtiger Händler für Karnevalswaren war.

Selbstporträt mit geblümtem Hut (1883 – 1888) von James Ensor; James Ensor, Public domain, via Wikimedia Commons

Seine Kunstwerke sind durchgehend sardonisch und spöttisch und zeigen eine fast groteske Version des Realismus, der die Spannungen aufzeigt, die den modernen gesellschaftlichen Moralvorstellungen seiner Zeit – und wahrscheinlich aller Zeiten – zugrunde liegen. Ensor entwickelte eine bahnbrechende Maltechnik, die für seine Zwecke besser geeignet war. Er begann damit, Volumen zu erzeugen, indem er Farbflecken über die Oberfläche des Gemäldes legte, und verzichtete auf den Einsatz von Illusionismus und Ein-Punkt-Ansicht, um das dargestellte Bild zu ordnen. Infolgedessen verblassten die Bilder nicht mehr, sondern drohten in den Bereich des Betrachters einzudringen.

Die Figuren in Ensors Gemälden ziehen die Aufmerksamkeit auf sich, obwohl sie bis zum Rand vollgestopft sind und keinen Raum zum Atmen haben.

Der Tod und die Masken (1897)

Ensor stellt den Totenkopf mit seinem finsteren Lächeln in die Mitte und die Masken mit den realistischen Gesichtszügen des Einzelnen. Die Maske ist zum Gesicht geworden, aber sie ist immer noch eine Verkleidung, die die innere Leere der Elite und die Verkommenheit der Zeit verbergen soll. Die dicht gedrängte Komposition deutet an, dass es sich um ein weit verbreitetes Problem handelt und dass das Bild die Anklage des Künstlers gegen die aktuelle Gesellschaft widerspiegelt.

Death and the Masks (1897) von James Ensor; James Ensor, Public domain, via Wikimedia Commons

Ensor interessierte sich für Masken, da seine Mutter einen Tourismusladen hatte, der Artikel wie diese Pappmaschee-Masken verkaufte, die beim Karneval in Belgien getragen wurden. Ensor wünschte sich eine Rückkehr zu den „rohen und organischen“ lokalen Festen und Feiern seiner belgischen Heimat, um die Einigung zu fördern, aber er wusste, dass Touristen, Kapitalismus und Industrialisierung dies verhindern würden.

Außerdem war Ensor der Nachfolger des gesamten nordischen Erbes der Übertreibung, des Bizarren und des Fantastischen, das sich in den Werken von Hieronymus Bosch beobachten lässt. Im Gegensatz zu den realistischen Wurzeln der Kunst von Bosch und Bruegel wählt Ensor jedoch eine helle, leuchtende Palette, die Verspieltheit und Torheit vermittelt, während er gleichzeitig eine raue und taktile Farbverteilung verwendet, die auf die Tiefe und Tragik der Zeit hinweist.

Schon lange vor den Expressionisten nutzte Ensor ursprüngliche Farben und gewalttätige Texturen, um die Ebenen der menschlichen Psyche zu entkleiden und ihre Abgründe aufzuspalten – und bereicherte sein symbolisches Lexikon mit nuancierten politischen Konnotationen.

Und damit schließen wir unsere Erkundung der symbolistischen Kunst ab. Wir haben die Frage beantwortet: „Was ist Symbolismus in der Kunst? Wir haben uns verschiedene Beispiele für Symbolismus in der Kunst angesehen und die Definition von Symbolismus in der Kunst erforscht. Wir haben gelernt, dass Symbole in der Kunst von Künstlern verwendet werden, um Ideen und Vorstellungen auszudrücken, die durch die alltägliche Realität und die darin existierenden Objekte nicht vermittelt werden können.

Häufig gestellte Fragen

Was ist Symbolismus in der Kunst?

Die verschiedenen Maler und Genres der symbolistischen Bewegung sind durch die Betonung von Gefühlen, Empfindungen, Vorstellungen und der Persönlichkeit anstelle von Tatsachen verbunden. Viele symbolistische Werke enthalten persönliche Informationen und drücken ihre eigenen Ideologien aus, vor allem den Glauben des Künstlers an seine Fähigkeit, die Wahrheit zu entdecken. Was die Thematik angeht, so waren Symbole in der Kunst eine Mischung aus religiösem Mysterium, Groteskem, Sexuellem und Verdorbenem. Das Okkulte, das Makabre, das Reich der Träume, die Trauer, das Böse und die Sterblichkeit sind allesamt wichtige Themen der symbolistischen Maler.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.