Surrealismus Künstler – Die berühmtesten surrealistischen Maler

Der Surrealismus entstand in den späten 1910er Jahren, als der Erste Weltkrieg ausbrach. Die Schrecken des Krieges hinterließen einen tiefen Eindruck in der Gesellschaft, und die Künstler versuchten, die Verwirrung und Angst, die sie empfanden, in ihren Kunstwerken auszudrücken. Ursprünglich nur als literarische Bewegung angesehen, wurde der Surrealismus 1924 als eine vorwiegend visuelle Kunstbewegung bekannt.

Eine kurze Geschichte der Surrealismus-Bewegung

Die Zeit des Surrealismus hat einige der bekanntesten und meistbeachteten Gemälde des 20. Jahrhunderts hervorgebracht, und die betreffenden Künstlerinnen und Künstler wurden zu bemerkenswerten Pionieren der Kunstgeschichte. Ursprünglich war die surrealistische Bewegung nur eine literarische Bewegung, doch nachdem der französische Schriftsteller André Breton 1924 sein bahnbrechendes Surrealistisches Manifest verfasst hatte, wurde auch die bildende Kunst einbezogen.

Der Surrealismus entwickelte sich aus der vorangegangenen Dada-Bewegung, die eine Anti-Kunst-Bewegung war, die absichtlich Kunstwerke produzierte, die sich der Vernunft widersetzten. Dank dieser progressiven Bewegung wurden Experimente mit der Avantgarde in der Kunstgesellschaft alltäglich. Die surrealistischen Künstlerinnen und Künstler waren begeistert von der potenziellen Wirkung, die ihre Kunst auf die Demobilisierung mächtiger Kräfte in der Gesellschaft haben könnte, denn die Auswirkungen des Ersten Weltkriegs auf die Gesellschaft waren tief spürbar.

La esfinge (‚The Sphinx‘, 1988) von Davegore; Davegore, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Die wichtigsten Merkmale des Surrealismus

Das wichtigste Prinzip des Surrealismus war das Bestreben, das Unbewusste als Medium freizusetzen, um verborgene Aspekte der Vorstellungskraft zu untersuchen. Dadurch waren die Künstler in der Lage, eine subjektive und tiefere Form der Wahrheit in ihren Gemälden darzustellen. Die Kunstwerke, die in dieser Periode entstanden, hatten eine anhaltende Anziehungskraft, da die Betrachter von den kreativen und erfinderischen Qualitäten, die in den Bildern zum Ausdruck kamen, sofort angezogen wurden.

Der Surrealismus orientierte sich stark an der psychoanalytischen Theorie von Sigmund Freud. Die Künstlerinnen und Künstler versuchten, ihr Unbewusstes zu kanalisieren, um ihre innere Kreativität, ihre Fantasie, ihre Wünsche und Träume freizusetzen. Die Psychoanalyse besagt, dass der rationale Verstand die Ausdruckskraft unterdrückt, und die surrealistischen Künstler arbeiteten daran, Logik und Rationalität zu umgehen. Damit wollten sie Kunstwerke schaffen, die die Bedeutung des Ausdrucks durch Träume und das Unbewusste betonen.

Die Macht des Surrealismus in der bildenden Kunst ermöglichte es den Künstlern, die Kraft ihres Unterbewusstseins zu entfesseln, um Kunstwerke mit absurden Bildern zu schaffen, die gleichzeitig amüsant und bedrohlich waren. So konnten die Künstler des Surrealismus in ihren Gemälden Widersprüche schaffen, die es in der Kunstwelt bisher nicht gab. Was die Bewegung so revolutionär machte, war, dass sie sich nicht auf ein bestimmtes Medium oder einen bestimmten Stil beschränkte, sondern alle Disziplinen umfasste, die in der Lage waren, die unheimliche Seite der Realität zu zeigen.

Hi-Diddle the Cat’s the Fiddle (1943) von Frank Marsden London; The Johnson Collection, Public domain, via Wikimedia Commons

Unsere Top Ten der berühmtesten surrealistischen Künstler

Aufgrund der langen Zeitspanne, in der die surrealistische Bewegung existierte, gibt es viele bemerkenswerte Künstler. Wenn man sich jedoch die Liste derjenigen ansieht, die Kunstwerke geschaffen haben, die innerhalb des Surrealismus weithin bekannt sind, stechen einige wenige Künstlerinnen und Künstler besonders hervor. Im Folgenden findest du eine Liste der zehn wichtigsten surrealistischen Künstler, die dazu beigetragen haben, die Bewegung zu dem zu machen, was sie heute ist.

Pablo Picasso (1881 – 1973)

Im Gegensatz zu anderen Künstlern, die nur innerhalb der surrealistischen Bewegung tätig waren, war der spanische Künstler Pablo Picasso sowohl als Kubist als auch als Surrealist bekannt. Picasso war ein revolutionärer Experimentator und ständig auf der Suche nach neuen visuellen Ausdrucksformen, um Szenen in verschiedenen Stilen darzustellen. Aus diesem Grund kann er nicht ausschließlich als surrealistischer Künstler betrachtet werden, aber seine Beteiligung an der Bewegung wird als bedeutend angesehen. Zu den bekanntesten surrealistischen Gemälden Picassos gehören Der Bildhauer (1931), Frau mit Blume (1932) und Guernica (1937).

Der in Málaga, Spanien, geborene Picasso arbeitete in verschiedenen Rollen innerhalb der Künstlergemeinschaft. Er experimentierte mit Bildhauerei, Druckgrafik, Keramik und Theaterdesign, aber er war auch als Maler tätig, was sein bevorzugter Stil war.

Picasso gilt als einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts, denn er ist vor allem als Mitbegründer der kubistischen Bewegung bekannt, aus der viele seiner Kunstwerke stammen. Darüber hinaus schuf Picasso auch die konstruierte Skulptur, war Miterfinder der Collage und wird für seine Beteiligung an einer Vielzahl von Kunststilen, die er mitentwickelt hat, hoch geschätzt.

Es heißt, dass Picasso nicht aktiv versucht hat, sich der surrealistischen Bewegung anzuschließen, sondern dass die Pioniere ihn aufgrund seiner Kunst in ihre Reihen aufgenommen haben.

Nach den Wirren des Ersten Weltkriegs begann Picasso, Werke im neoklassischen Stil zu schaffen, bis diese Periode von der surrealistischen Bewegung abgelöst wurde. Ab 1925 begann Picasso mit dem Stil des Surrealismus zu experimentieren. Seine Kunstwerke zeichnen sich häufig durch träumerische Darstellungen von Figuren mit zufälligen Gesichtszügen und deformierten Körpern aus. Außerdem verwendete er unnatürliche Farben, die oft lebhaft und schrill waren, was den surrealen Charakter seiner Kunstwerke noch verstärkte,

In seinen surrealen Gemälden verwendete Picasso einen verzerrten Sinn für Perspektive und eine scharfe Unterscheidung zwischen organischen und geometrischen Formen. Obwohl er sich einiger Elemente des Surrealismus bediente, wurde Picasso nie als surrealistischer Maler angesehen. Vielmehr wurde gesagt, dass seine Gemälde einen großen Beitrag zu dieser Bewegung leisteten und aufgrund ihrer fantasievollen und provokativen Qualitäten dem Surrealismus zugerechnet wurden.

L’Aubade (1942) von Picasso, eine „Aubade“ ist ein Lied oder Gedicht des Erwachens; Wisi eu, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Max Ernst (1891 – 1976)

Der deutsche Maler Max Ernst war zunächst ein wichtiges Mitglied der Dada-Bewegung, bevor er begann, mit dem Surrealismus zu experimentieren. Er sagte, dass er aus seiner inneren Psyche heraus malte und sich darauf konzentrierte, schockierende und traumartige Szenen zu schaffen, die sich über gesellschaftliche Konventionen lustig machten. Seine Gemälde wurden bekannt für seine Erforschung der Illusion und des Irrationalen, was ihn zu einem Schlüsselmitglied der Anwendung des Automatismus machte. Zu seinen bekanntesten surrealistischen Werken gehören Der Elefant Celebes (1921) und Die Barbaren (1937).

Obwohl Ernst keine formale Kunstausbildung hatte, beweist sein Engagement im Dadaismus und Surrealismus, dass er ein phänomenaler Künstler war. Seine einflussreiche Kreativität zeigte sich auch darin, dass er eine Technik entwickelte, die er „Frottage“ nannte. Dabei wird Papier auf eine raue Oberfläche gelegt und dann mit einem Bleistift darüber gerieben, um die Umrisse und Konturen der Oberfläche zu kopieren. Diese Technik ist in einigen seiner Gemälde zu sehen, zum Beispiel auf den Körpern der vogelähnlichen Figuren in Die Barbaren.

Aufgrund der Folgen des Ersten Weltkriegs in der Gesellschaft und der Entwicklung des Zweiten Weltkriegs sah Ernst die moderne Welt als einen irrationalen Ort an und machte diesen Gedanken zur Grundlage seiner Gemälde. Ernst war einer der ersten Künstler, der sich die psychoanalytischen Traumtheorien von Sigmund Freud zu Nutze machte, denn er malte frei aus seinem Inneren heraus, um die Wurzel seiner Kreativität zu finden und seine kardinalen Emotionen zu befreien.

Ernsts Werke waren für spätere Generationen von Künstlern unglaublich einflussreich, da er die Idee des Unterbewusstseins mit den üblichen Traumbildern in seinen Gemälden frei erforschte. In seinen Werken wurde oft ausgiebig experimentiert, um soziale Kommentare zum Zustand der Welt abzugeben.

Joan Miró (1893 – 1983)

Ein weiterer einflussreicher spanischer Künstler war Joan Miró, dessen Werke vor allem der surrealistischen Bewegung zuzuordnen sind. Miró experimentierte jedoch auch mit den Merkmalen des Fauvismus und des Expressionismus, wobei es in seinen Gemälden manchmal zu leichten Überschneidungen kam. Zu Mirós bekanntesten surrealistischen Werken gehören Der Jäger (Katalanische Landschaft) (1923 – 1924), Das bestellte Feld (1924) und Der Karneval des Harlekins (1925).

Das Atelier oder Studio von Joan Miró; Pensierarte, CC0, via Wikimedia Commons

Nachdem er mit einigen Elementen herumgespielt hatte, schloss sich Miró 1924 offiziell der surrealistischen Bewegung an und zog nach Paris, wo er sich ein Atelier mit seinen Künstlerkollegen André Mason und Max Ernst teilte. Miró war als sehr avantgardistischer surrealistischer Maler bekannt, was sich in seinem exzessiven Gebrauch von leuchtenden Farben, den unzähligen geometrischen Formen und der Vielfalt an unterschiedlichen Perspektiven in seinen Kunstwerken zeigte.

Diese Elemente wurden zum Standardstil in seinen unzähligen Gemälden, da Miró sie auf verschiedene Weise kombinierte und kontrastierte, um vereinfachte und dennoch eindrucksvolle abstrakte Werke zu schaffen. Miró war auch für seine Faszination für die Idee des Unterbewusstseins bekannt. Er forderte dieses Interesse heraus, indem er kindliche und naive Objekte in seinen Gemälden schuf, da er glaubte, dass dies der einzige Weg sei, um die verborgene Wahrheit des Unterbewusstseins zu verstehen.

Miró war eine wahrhaft rätselhafte Figur, die in seinen Gemälden ihr ganz persönliches visuelles Vokabular aus abstrahierten und verspielten Formen einführte und oft als Inbegriff des Surrealismus interpretiert wurde. Heute gibt es zwei Museen, die seinem Werk gewidmet sind: die Fundació Joan Miró in Barcelona und die Fundació Pilar I Joan Miró auf Mallorca.

Der Eingang zu Mirós Ausstellung L’escala de l’evasió („Die Leiter des Ausweichens“) im Jahr 2011; Kippelboy, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

André Masson (1896 – 1987)

Einer der frühesten surrealistischen Maler war der französische Künstler André Masson, der die surrealistische Technik des automatischen Zeichnens mit Begeisterung anwandte. Masson schuf Kunst, die sich aufgrund der stilistischen Übergänge, die er in seinen Gemälden vollzog, jeder Form von Klassifizierung widersetzte. Zu seinen berühmtesten surrealistischen Gemälden gehören Automatic Drawing (1924), Battle of Fishes (1926) und Gradiva (1939).

Durch die Erforschung des automatischen Zeichnens lernte Masson, seine Hand frei über die Leinwand gleiten zu lassen, ohne einen vorher festgelegten Plan im Kopf zu haben. Diese Technik drückte die schöpferische Kraft aus, die in seinem Unterbewusstsein vorhanden war, was Masson dazu brachte, unter strengen Bedingungen zu arbeiten. Er malte oft über längere Zeiträume ohne Essen und Trinken und stand häufig unter dem Einfluss von Drogen.

Masson glaubte, dass dieser halluzinatorische Zustand ihn in einen verminderten Bewusstseinszustand zwang, der frei von jeglicher Form rationaler Kontrolle war.

Die Gewalt und das Chaos des Ersten Weltkriegs haben Masson stark beeinflusst. Er begann, grausame Darstellungen von körperlosen Figuren in seine Werke einzubauen, um die Brutalität, die er sah, zu unterstreichen. Durch diese bizarren Techniken wurden Massons Kunstwerke für ihre Darstellungen von bösartigen Konfrontationen und seltsamen Kämpfen bekannt.

Als der Zweite Weltkrieg ausbrach, zog Masson nach Amerika, wo seine Werke einen großen Einfluss auf die New York School hatten. Massons einflussreiche Gemälde werden oft als Brücke zwischen dem Surrealismus und dem abstrakten Expressionismus bezeichnet, die andere Künstlerinnen und Künstler dazu inspirierte, diese neue Kunstrichtung zu erforschen.

René Magritte (1898 – 1967)

Einer der bekanntesten und berühmtesten Surrealisten war der belgische Künstler René Magritte. Er erlangte große Anerkennung für seine eigenwillige Herangehensweise an den Surrealismus, denn in den meisten seiner Kunstwerke ist eine gewisse Exzentrik zu erkennen. Zu Magrittes bekanntesten surrealistischen Gemälden, die auch heute noch leicht zu erkennen sind, gehören Der Verrat der Bilder (1929), Golconda (1953) und Der Menschensohn (1964).

Einmal in der surrealistischen Bewegung angekommen, wich Magrittes ikonischer Stil nie mehr vom Kurs ab. Seine Bilder konzentrierten sich in der Regel auf eine vertraute Anordnung von Gegenständen in genau definierten und oft seltsamen Umgebungen. Zu diesen Gegenständen gehörten die häufig abgebildeten Äpfel, Pfeifen und Melonenhüte, die Magritte vor einen Hintergrund stellte, der gleichzeitig Tag und Nacht war. Die Männer mit den Bowlerhüten, ein beliebtes Symbol Magrittes, die häufig in seinen Werken zu sehen waren, wurden auch als Selbstporträts des Künstlers interpretiert.

Graffiti-Kunst von Magrittes „Ceci n’est pas une pipe“ in Bukarest;bixentro, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Magrittes Arbeiten waren oft textbasiert und sehr intellektuell. Die von ihm geschaffenen Wechselwirkungen zwischen den semiotischen Abweichungen der Darstellung eines Objekts und seinem Wesen riefen meist Rätsel und Neugier hervor. Der Verrat der Bilder ist ein Paradebeispiel für dieses Abgleiten zwischen Bedeutung und Darstellung, da Magritte eine Pfeife mit dem Slogan „Das ist keine Pfeife“ darstellte.

Der illustrative Charakter von Magrittes Gemälden führte oft zu einem starken Paradoxon. Seine Bilder galten aufgrund ihrer Klarheit und Einfachheit als schön, riefen aber auch verstörende und schockierende Gedanken hervor. So wurden Magrittes Werke als klare Bilder beschrieben, die nichts zu verbergen versuchten, aber gleichzeitig Geheimnisse hervorriefen.

Yves Tanguy (1900 – 1955)

Der französische Künstler Yves Tanguy gilt als einer der wichtigsten surrealistischen Maler und war ein einflussreicher Vertreter des Surrealismus. Als Autodidakt, aber unglaublich geschickter Maler, war Tanguy vor allem für seine deformierten Felsen und geschmolzenen Oberflächen bekannt, die sich mühelos in die surrealistische Ästhetik einfügen. Seine Werke wurden oft mit denen von Salvador Dalí verwechselt, was sein Talent beweist und wie gut sie in die surrealistische Form passen. Zu seinen bekanntesten Werken gehören Mama, Papa ist verwundet (1927) und Unbestimmte Teilbarkeit (1942).

Tanguy bediente sich in seinen Gemälden einer unglaublich persönlichen Symbolik, die sein Interesse an Kindheitserinnerungen, Halluzinationen, Träumen und psychotischen Episoden widerspiegeln sollte. Als Naturliebhaber stellte Tanguy oft abstrahierte Landschaften dar, die zu seinen bekanntesten Kunstwerken gehören. In diesen unklaren und pastellfarbenen Umgebungen stellte Tanguy biomorphe und felsenartige Gebilde sowie sich bewegende und scheinbar verflüssigte Oberflächen dar, die einer kosmischen Siedlung zu ähneln schienen.

Seine Landschaften, die ein Gleichgewicht zwischen Realismus und Fantasie schaffen, zeichnen sich oft durch eine halluzinatorische Wirkung aus, denn Tanguy war dafür bekannt, dass er sich häufig mit Träumen und dem Unterbewusstsein auseinandersetzt. Tanguy stellte den Geist und seine Inhalte mit einer so lebensechten Präzision dar, dass seine Bilder eine Reihe von Verbindungen hervorriefen, da sie in der Lage waren, die eigene Vorstellungskraft und die Gefühle des Betrachters anzusprechen. Wie kein anderer Künstler vor ihm war Tanguy in der Lage, sich das Unbewusste genau vorzustellen und es als Ort darzustellen.

Seine Gemälde galten als so faszinierend anschaulich, dass der Psychiater und Psychoanalytiker Carl Jung Tanguys Leinwände benutzte, um seine Vorstellung vom kollektiven Unbewussten zu illustrieren. Aufgrund der Bekanntheit von Tanguy schien es, als ob seine einflussreichen Kunstwerke keine Grenzen kannten. Allerdings wurde ihm auch nachgesagt, er verkörpere die Eigenschaften, die man mit den Künstlern des Surrealismus verband, da er unglaublich exzentrische Verhaltenstendenzen zeigte.

Salvador Dalí (1904 – 1989)

Ein weiterer Künstler, der am leichtesten mit dem Surrealismus in Verbindung zu bringen ist, war der spanische Künstler Salvador Dalí. Bekannt für seine unglaublichen Darstellungen von Träumen und Halluzinationen in seinen Gemälden, war Dalí einer der einflussreichsten Künstler des 20.

Zu seinen bekanntesten surrealistischen Werken gehören Der große Masturbator (1929), Die Beständigkeit der Erinnerung (1931) und Der Traum, der durch den Flug einer Biene um einen Granatapfel eine Sekunde vor dem Erwachen (1944) verursacht wurde. Dalí wurde erst gegen Ende der 1920er Jahre voll in den Surrealismus einbezogen, als er mit Die Beständigkeit der Erinnerung das wichtigste Kunstwerk der gesamten Bewegung schuf.

Nachdem er sich mit den Theorien von Sigmund Freud über Sexualität und das Unterbewusstsein vertraut gemacht hatte, begann Dalí, diese Ideen in seinen Werken umzusetzen.

Dalí, der für seine extravagante Persönlichkeit und sein technisches Geschick bekannt war, wollte in seinen Kunstwerken eine Bildsprache schaffen, die seine Träume und Halluzinationen sowie seine Besessenheit von Erotik, Tod und Verfall genau wiedergibt. Diese Konzepte spiegelten eine Synthese mit Freuds psychoanalytischer Theorie wider, denn Dalí schöpfte aus verdrängten Kindheitserinnerungen, um Kunstwerke voller Fetische, religiöser Symbole und Tierbilder zu schaffen.

Um diese Kunstwerke zu schaffen, die seine traumhaften Szenen wiedergeben, versetzte sich Dalí in einen selbst herbeigeführten halluzinatorischen Zustand, den er als „kritische Paranoia“ bezeichnete, um die inneren Abläufe seines Geistes darzustellen. Durch seine exzentrischen und ausgefallenen Kunstwerke erlangte Dalí schon zu Lebzeiten enormen Ruhm, der bis heute anhält.

Trotz seiner Berühmtheit wurde Dalí 1934 wegen seiner konservativen politischen Ansichten aus der Surrealistengruppe verbannt. Das schien ihm nichts auszumachen, denn er war und ist immer noch der Künstler, der am meisten mit dieser Bewegung in Verbindung gebracht wird. Seine Darstellung der schmelzenden Uhren in Die Beständigkeit der Erinnerung gilt als Markenzeichen des Surrealismus und ist eines der bekanntesten Bilder aller Zeiten.

Frida Kahlo (1907 – 1954)

Eine der einflussreichsten Frauen innerhalb der surrealistischen Bewegung war die mexikanische Künstlerin Frida Kahlo. Kahlo, die vor allem für ihre zahlreichen Selbstporträts bekannt ist, hat sich selbst nie als surrealistische Malerin betrachtet, da sie ihrer Meinung nach einfach nur ihre eigene Realität und keine Träume malte. Zu ihren bedeutendsten surrealistischen Werken gehören das Henry Ford Hospital (1932) und The Wounded Deer (1946).

Kahlos persönliche Geschichte hatte großen Einfluss auf ihre Kunstwerke, denn viele der Themen in ihren Gemälden handelten von ihrem schwierigen Privatleben, ihrer Beziehung zu dem Revolutionär Diego Riviera und ihrer ständigen Krankheit. Diese unglaublich persönlichen Themen unterschieden sie von anderen surrealistischen Künstlerinnen und Künstlern, da sie eher Aspekte ihrer Realität als traumartige Halluzinationen darstellte.

Mit Motiven aus ihrer mexikanischen Kultur stellte Kahlo ihre Bilder über persönliches Leid in einem volkstümlichen und naiven Stil dar, was den mythischen und surrealen Charakter ihrer Werke noch verstärkte. Obwohl sie sich der surrealistischen Bewegung aus verschiedenen geografischen und psychologischen Blickwinkeln näherte, blieb Kahlos Beitrag zu dieser Bewegung von unschätzbarem Wert.

Ein wichtiges Konzept, mit dem sich viele surrealistische Künstler beschäftigten, insbesondere Kahlo, war die Frage: „Was ist die Frau?“ Im Gegensatz zu anderen Künstlerinnen und Künstlern gelang es Kahlo jedoch, dieses Konzept tiefgründig zu erforschen, da sie eine der wenigen Frauen war, die den Surrealismus praktizierten. Durch die Darstellung ihrer Fehlgeburten veränderte sie die Bedeutung der mütterlichen Subjektivität in ihren Werken, da sie sich fragte, wie sich die Abwesenheit von Mutterschaft auf die weibliche Identität auswirkt.

Kahlo war ein wichtiges weibliches Vorbild nicht nur innerhalb der surrealistischen Bewegung, sondern in der modernen Kunst im Allgemeinen. Ihre Darstellungen von Schmerz und Frustration trugen entscheidend dazu bei, das Bewusstsein anderer Künstlerinnen und Künstler zu öffnen, da Frauen, die vor Kahlo versuchten, wilde und tiefe Emotionen zu zeigen, als hysterisch oder verrückt abgestempelt wurden, während man Männer nur für melancholisch hielt.

Zusammen mit ihren Ideen ist Kahlos ikonisches Gesicht in der Kunstwelt unvergänglich und zeigt, dass sie ein nicht zu unterschätzender Einfluss ist.

Dorothea Tanning (1910 – 2012)

Eine weitere Künstlerin, die in der surrealistischen Bewegung tätig war, war die Amerikanerin Dorothea Tanning. 1936 lernte sie den Surrealismus durch eine Ausstellung im Museum of Modern Art in New York kennen und begann kurz darauf, innerhalb dieser Bewegung zu experimentieren. Zu ihren bekanntesten surrealistischen Gemälden gehören Birthday (1942) und Eine Kleine Nachtmusik (1943).

Tannings Gemälde bezogen sich in der Regel auf ihre Träume, die sie als Hinweis auf tiefere Wahrheiten ansah, die eine mögliche psychologische Wiedergeburt ermöglichten. Wie andere surrealistische Künstlerinnen und Künstler auch, stellte Tanning Träume so dar, dass sie direkt die Psychologie dahinter ansprachen. Denn Tanning interessierte sich besonders für das Unbewusste eines Menschen innerhalb eines einzelnen Traums. So stellte sie in ihren Bildern mindestens eine Figur mit geschlossenen Augen dar, um auf dieses Konzept hinzuweisen.

Was Tannings Werke so bemerkenswert machte, war, dass sie als Autodidaktin zu den großen surrealistischen Künstlern aller Zeiten gehörte.

Im Laufe ihrer langen Karriere, die sich über mehr als sechs Jahrzehnte erstreckte, hatte Tanning ihren ganz eigenen Stil gefunden. Dies ermöglichte es ihr schließlich, den Surrealismus hinter sich zu lassen und abstraktere und plastischere Werke zu schaffen.

Tanning heiratete den surrealistischen Maler Max Ernst, nachdem er von ihrem ikonischen Selbstporträt „Geburtstag“ fasziniert war. Nach Ernsts Tod wandte sich Tanning von der Kunst ab und konzentrierte sich auf das Schreiben und Veröffentlichen, was sie bis zu ihrem Tod im Alter von 101 Jahren tat.

(From left to right) A photograph of Max Ernst, Dorothea Tanning, Rolande Mucha, and Willy Mucha in Collioure, 1968; willy mucha, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Leonora Carrington (1917 – 2011)

Die letzte surrealistische Künstlerin auf unserer Liste ist die in Großbritannien geborene mexikanische Künstlerin Leonora Carrington, die eine weitere wichtige Künstlerin der surrealistischen Bewegung war. Bis 2011 war Carrington eine der letzten überlebenden Teilnehmerinnen der surrealistischen Bewegung der 1930er Jahre. Zu ihren einflussreichsten surrealistischen Kunstwerken gehören Selbstporträt (Gasthaus zum Morgengrauen) (1937 – 1938) und Ulus Hose (1952).

Als Künstlerin von bemerkenswerter Individualität war Carrington dafür bekannt, dass sie in ihren surrealistischen Kunstwerken die weibliche Sensibilität und Aspekte der weiblichen Sexualität erforschte. Obwohl sie eine eigenständige Künstlerin war, wurde ihre Verbindung zum Surrealismus oft von ihrer Affäre mit Max Ernst überschattet, die Carrington den Respekt raubte, der anderen surrealistischen Künstlern entgegengebracht wurde.

Carrington interessierte sich immer noch für das Unbewusste und Traumbilder, aber sie ließ die Frauen als Inspirationsquelle hinter sich und beschäftigte sich in ihren Werken mit dem Übernatürlichen. Carrington begann, in ihren Werken phantastische Kreaturen darzustellen, die sich mit dem Okkulten, Metamorphosen, Identität und Magie beschäftigen.

Was ihre Werke so interessant machte, war, dass sie sich im Gegensatz zu anderen surrealistischen Künstlern nie mit den Schriften und Theorien von Sigmund Freud beschäftigte. Doch trotz dieses Unterschieds wurden Carringtons Werke mit anderen Werken des Surrealismus identifiziert und verglichen, was ihre Gemälde zu einem wichtigen Beitrag zur Bewegung machte.

Der Surrealismus war eine lange Periode in der Kunstwelt, in der sich zahlreiche Künstlerinnen und Künstler diesem Kunststil verschrieben haben. Wir haben zwar nur die 10 berühmtesten surrealistischen Künstler aufgelistet, aber es gibt noch viele andere berühmte Surrealisten. Wenn du mehr über die anderen Künstlerinnen und Künstler erfahren möchtest, die den Surrealismus mit geprägt haben, empfehlen wir dir, weiter zu recherchieren.

Modern Day Surrealism Künstler

Leider ist nach dem Tod von Leonora Carrington keiner der surrealistischen Künstler, die auf dem Höhepunkt ihres Ruhmes so hoch angesehen waren, übrig geblieben. Es gibt jedoch zahlreiche zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler, die immer noch innerhalb des Surrealismus arbeiten und sich seiner Merkmale bedienen. Im Folgenden haben wir zwei Künstlerinnen und Künstler aufgelistet, deren Werke wir heute verfolgen können.

Khan Nova

Der französische Künstler Mathieu Saunier, der unter dem Pseudonym „Kahn Nova“ auftritt, erstellt digitale Collagen, die von surrealistischen Collagen inspiriert sind. Kahn kombiniert Elemente vergangener Erzählungen mit aktuellen Gesprächen, um die Vergangenheit und die Zukunft durch ein zeitgenössisches Modell zu erkunden.

Zu den Gegenüberstellungen in seinen Kunstwerken gehören Männer und Frauen in alten Skiklamotten, die vor den Großen Pyramiden Ägyptens posieren.

Mark Ryden

Der Künstler Mark Ryden aus Los Angeles schafft Kunstwerke, die Elemente aus der Pop Art und dem Surrealismus aufgreifen. Ryden schafft in seinen subversiven Kunstwerken einen schmalen Grat zwischen bildender Kunst und Popkultur.

Durch diese Mischung von Techniken hat Ryden einen interessanten Stil geschaffen, der die Grenzen zwischen hoher und niedriger Kunst verwischt.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.