Psychedelic Art – Einblick in die psychedelische Kunstform

Die Mitte der 1960er Jahre entstandene Psychedelic Art war eine grafische Kunstform, die visuelle Darstellungen schuf, die von der Erfahrung psychedelischer Drogen und Halluzinationen inspiriert waren. Die auch als Psychedelia bezeichneten Kunstwerke enthielten in der Regel ein breites Spektrum lebendiger Farben sowie Cartoons und Animationen, um beim Betrachten des Werks eine Art psychedelische Erfahrung hervorzurufen. Die Entwicklung der psychedelischen Kunst gilt als direkter Vorläufer für die Entwicklung und anschließende Popularität der gesamten heute existierenden phantasievollen Kunst.

Was ist psychedelic Art?

Psychedelische Kunst bezieht sich auf alle künstlerischen Kreationen der späten 1960er Jahre, die versuchten, die innere Welt der Psyche durch unglaublich grafische und visuelle Darstellungen darzustellen. Als „psychedelisch“ wurden dabei Kunstwerke bezeichnet, die scheinbar Erfahrungen und Halluzinationen nachstellten, die nach der Einnahme von psychedelischen Drogen wie LSD und Psilocybin üblich waren.

Der Begriff „psychedelisch“ wurde von dem britischen Psychologen Humphry Osmond nach seiner umfangreichen Arbeit mit psychedelischen Drogen erfunden. Osmond erklärte, dass das Wort für eine Art „Bewusstseinsmanifestation“ verwendet wurde, die nach dem Konsum von Drogen auftrat, und bezeichnete damit die Gefühle, die nach dem Betrachten psychedelischer Kunstwerke empfunden wurden. Psychedelisch ist auch ein Begriff, der sich von den altgriechischen Wörtern „psychē“ für „Seele“ und „dēloun“ für „offenbaren“ ableitet.

Das Gehirn (Stoned) (1982) von Hanno Karlhuber, aus der Serie „Energie des Raumes“. Der Sog in den Raum wird durch eine Lichtquelle erzeugt. In diesem Fall ist die Lichtquelle abgedeckt. Die schwebende Person kann als Ausgeliefertsein interpretiert werden, die kosmischen Steine als Hindernisse. Es handelt sich um eine naturalistische Beschreibung von Geisteszuständen; Hanno Karlhuber, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Neben der Erfahrung, die man beim Betrachten psychedelischer Kunst macht, bezieht sich der Name des Genres auf die Drogen, die in der Jugendkultur zur Zeit des Höhepunkts der Bewegung beliebt waren. Kunstwerke, die durch übermäßige Farbgebung unglaublich verzerrte und fast surreale Qualitäten betonten, wurden als psychedelisch angesehen, da man glaubte, dass sie die inneren Abläufe des Geistes darstellen würden.

In der Zeit der psychedelischen Kunst wurden neben Kunstwerken auch eine Reihe anderer kreativer Medien berücksichtigt. Dazu gehörten Rockmusik, Plattencover, Konzertplakate, Wandbilder, Comics und Liquid Light Shows, um nur einige zu nennen. Obwohl sie alle der kreativen Welt angehörten, waren diese Kunstwerke durch ihren gemeinsamen Versuch verbunden, kaleidoskopisch wirbelnde Farbmuster zu schaffen, die LSD-ähnliche Illusionen hervorriefen.

Diese trippige Kunst vermittelte die Idee, dass die veränderten Bewusstseinszustände, die durch psychedelische Drogen hervorgerufen werden, eine Quelle der künstlerischen Inspiration sind. Außerdem wurde die Entwicklung der psychedelischen Kunst als radikal fortschrittlich angesehen, da die Kunstwerke viele relevante politische, soziale und spirituelle Themen der 1960er Jahre berührten.

Die Geschichte der psychedelischen Kunst

Die Ursprünge der Psychedelischen Kunst sollen auf die Entdeckung von LSD durch Albert Hofmann im Jahr 1943 zurückgehen. Hofmann forschte nach möglichen Derivaten der Lysergsäure und begann, LSD zu synthetisieren, um ein Atem- und Kreislaufstimulans zu erhalten, das keinerlei Auswirkungen auf die Gebärmutter hat. Nachdem er die Droge eine Zeit lang beiseite gelegt hatte, begann Hofmann erneut mit ihr zu experimentieren und nahm versehentlich eine kleine Menge davon zu sich, woraufhin er ihre starke Wirkung entdeckte.

Die Entwicklung von Psychedelika ermöglichte es Künstlern und Dichtern, diese neue Form der trippigen Kunst zu erforschen, die schnell und vollständig von den Kunstgemeinschaften akzeptiert wurde. Das lag daran, dass die Kunstwerke mehr als nur eine visuelle Darstellung der halluzinatorischen Erfahrungen der Künstler darstellten, denn die Kunstwerke experimentierten mit zahlreichen visuellen Stilen und Werbetechniken, die für die 1960er Jahre typisch waren. Während viele Psychedelic Art mit Drogen und Rockmusik in Verbindung bringen, gab es diese Kunstform schon, bevor der Psychedelic Rock in der Musikszene auftauchte.

Die Psychedelic Art unterstützte also die Idee, Werke zu schaffen, die sich über die traditionellen Grenzen der formalen Kunst hinwegsetzen, was viele Künstler/innen in früheren Bewegungen ausprobiert hatten. Stark inspiriert von der vorangegangenen Bewegung des Jugendstils, die gegen die revolutionären Veränderungen im Zuge der industriellen Revolution protestierte, übernahm die psychedelische Ästhetik das Konzept der Rebellion in ihre Kunstwerke und stellte den militärisch-industriellen Komplex der 1960er Jahre in Frage.

Peace Now print (poster format), zwischen 1965 und 1975; Gemini Enterprises, publisher, Public domain, via Wikimedia Commons

Als Alternative zum Mainstream-Design griffen die Künstler Elemente aus anderen Stilen auf und fügten psychedelische Muster und Zeichnungen hinzu, so dass sich eine völlig neue Kunstform entwickelte. Kunstwerke, die in dieser psychedelischen Ästhetik entstanden, bevorzugten stark kontrastierende Farben, die die Augen der Betrachter zum Vibrieren brachten, was eine klare Anspielung auf einen LSD-Trip war. Die rahmenlose Technik der psychedelischen Zeichnungen imitierte auch die Erfahrung und den bewusstseinsverändernden Zustand, der mit einem Rausch verbunden ist.

Künstlerinnen und Künstler begrüßten die Entstehung der psychedelischen Kunst, da sie eine der ersten wirklich befreienden Bewegungen war, die den Künstlerinnen und Künstlern die ersehnte Befreiung von der traditionellen Kunstgesellschaft ermöglichte. Die Kunstwerke, die in dieser Zeit entstanden, spiegelten die Art von Freiheit wider, die nur Drogen bieten konnten, was den Künstlern die Möglichkeit gab, offen verschiedene Wege zu gehen, um ihre Inspiration zu finden.

Diese Verbindung zwischen Trippy-Kunst und halluzinogenen Drogen kam jedoch nicht immer gut an und führte zu heftiger Kritik an dem Kunststil selbst. Einige Kritiker waren der Meinung, dass die Künstlerinnen und Künstler lediglich ihre eigenen visuellen Erfahrungen beim Drogenkonsum nachstellten, was ihrer Kunst nur wenig ästhetischen Wert verlieh.

Trotz dieser Kritik waren einige Menschen viel weniger voreingenommen gegenüber der psychedelischen Ästhetik als Ganzes, was es ihnen ermöglichte, die Verbindung zwischen psychedelischer Kunst und anderen ikonischen Genres wie Jugendstil, Op-Art und Surrealismus zu erkennen.

Die Op-Art erwies sich als großer Einfluss auf die Entwicklung der Psychedelic Art, da der Stil durch die Nutzung der Prinzipien von Optik und Illusion, die Kunstwerke vibrieren und sich bewegen zu lassen, große Erfolge erzielte. Ein weiterer großer Einfluss war die Pop Art-Bewegung, die die sich ausbreitende Warenkultur förderte und Massenreproduktionen von identischen und bekannten Bildern schuf. Diese beiden Kunstgattungen waren wichtige Vorläufer der aufkeimenden Psychedelic Art-Szene, da sie deren Stil maßgeblich beeinflussten.

Die Psychedelic Art-Bewegung der 1960er Jahre hatte einen starken Einfluss auf die Comic-Künstler, die eine alternative und revolutionäre Art von Comic-Kunst schufen, die als „Underground Comix“ bekannt wurde. Die Entstehung der Comic-Kunst führte auch zur Entstehung von Konzertpostern und Plattencovern für Bands und Künstler wie The Who und Jimi Hendrix, wobei die Psychedelic Art als ein wichtiger Einfluss für die Entwicklung dieser künstlerischen Ausdrucksformen angesehen wird.

Abbildung aus der Underground Comix Story „Remembering Be-Ins“, American Splendor #1, 1976. Geschichte von Harvey Pekar, Kunst von Brian Bram; Brian Bram, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Sowohl die Comic-Kunst als auch die musikbezogene Kunst bedienten sich der ikonischen Merkmale, die typischerweise mit berühmten psychedelischen Werken in Verbindung gebracht werden, die einen sehr satirischen Charakter hatten. Psychedelische Kunst wurde als visuell fesselnd beschrieben, obwohl einige Menschen glaubten, dass die Kunst scheinbar den Konsum illegaler Substanzen förderte. Da Psychedelic Art mit der Drogenkultur in Verbindung gebracht wurde, wurden Musikfestivals wie Woodstock zu einem typischen Beispiel für die Art von psychedelischen Zeichnungen und Plakaten, die in diesem trippigen Kunststil erstellt wurden.

Die frühen Beispiele psychedelischer Kunst waren eher literarisch als visuell, aber nach Bewegungen wie dem Surrealismus wandelte sich das Genre langsam zu einem visuellen Medium. Mit der Entwicklung der Psychedelic Art im digitalen Zeitalter hat sich diese Ästhetik der 1960er Jahre in der Populärkultur, im Design und in der Werbung von Unternehmen durchgesetzt.

Die Vorstellung von einem veränderten Bewusstseinszustand ist der Hauptgrund für die psychedelische Kunstbewegung, da eine Vielzahl von visuellen Stilen genutzt wurde, um kaleidoskopartige Halluzinationen zu erzeugen.

Die psychedelische Kunst beeinflusste im Laufe ihrer Dominanz zahlreiche Aspekte der Populärkultur wie Lebensstil, Sprache, Literatur, Philosophie, Kunst, Musik und Kleidung und gilt als einer der visuell am meisten genutzten Stile im Design.

Gemälde, das ein Wandgemälde berühmter Sänger aus den Siebzigern im Winter darstellt; Alain Bertrand, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Psychedelische Kunst der Gegenkultur der 1960er Jahre

Die Gegenkultur-Bewegung in den 1960er Jahren war eine kulturelle Sensation gegen das Establishment, die sich in der gesamten westlichen Welt etwa 10 Jahre lang entwickelte. Die Bewegung gewann während der Bürgerrechtsbewegung in Amerika an Fahrt und entwickelte sich als Reaktion auf die radikale Ausweitung des militärischen Engagements während des Vietnamkriegs. Als die Gedanken und Ideen als Reaktion auf die zunehmenden Experimente mit psychoaktiven Drogen wuchsen, entwickelte sich die psychedelische Kunst zu einem wichtigen Ergebnis der Gegenkultur.

Die Entwicklung der psychedelischen Kunst der 1960er Jahre befasste sich mit den politischen und sozialen Werten, die im Amerika der Nachkriegszeit deutlich wurden. Die Baby-Boom-Generation wurde für die Entstehung der Psychedelic Art und der breiteren psychedelischen Bewegung verantwortlich gemacht, die sich auch in anderen künstlerischen Medien niederschlug. Diese Gruppe von Menschen begann, gegen die kulturellen Werte zu protestieren, die von den älteren Generationen hochgehalten wurden, wie z. B. die vollständige Akzeptanz von Rassentrennung, Krieg und den gesellschaftlichen Codes des kapitalistischen und materialistischen Amerikas der 1950er Jahre.

Die Gegenkultur lehnte die Mainstream-Kultur schnell ab, um eine neuere und auffälligere Kultur zu etablieren. Dies geschah, indem die Aufmerksamkeit auf die östliche Spiritualität gelenkt und die neu entdeckte sexuelle Befreiung zu Beginn der 1960er Jahre offen erkundet wurde. Der Beitrag neuer Musikgenres erwies sich als bemerkenswert für die Entwicklung der Ära der Gegenkultur. Der psychedelische Rock wurde schnell zum führenden Musikgenre, begleitet von unzähligen Konzertplakaten und Plattencovern, die im einzigartigen psychedelischen Illustrationsstil gestaltet wurden.

Postage stamp commemorating Expo 1974; USPS, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Gegenkultur-Bewegung der Psychedelic Art der 1960er Jahre führte zur Entwicklung der besten Plakatkünstler dieser Ära, zu denen die Künstler Peter Max, Wes Wilson und Victor Moscoso aus San Francisco gehörten. Diese und viele andere Künstler schufen einige der wichtigsten und ikonischsten Beispiele für psychedelische Zeichnungen aus dieser künstlerischen Schaffensperiode. Die Zeichnungen und Illustrationen dieser Künstlerinnen und Künstler prägten eine ganz neue Generation von aufstrebenden Musikerinnen und Musikern und deren Cover-Art.

Während die Gegenkultur automatisch mit der Hippie-Gemeinschaft der 1960er und 1970er Jahre in Verbindung gebracht wurde, konnte die Psychedelic Art-Szene wachsen und sich ausbreiten, bis sie sich international entwickelte. Während San Francisco in den 1970er Jahren das Zentrum der psychedelischen Kunst blieb, hatte der Stil auch Großbritannien erreicht und begann, Op-Art-Künstler zu beeinflussen, die begannen, psychedelische Designs, die optische Täuschungen erzeugten, in ihre Kunstwerke aufzunehmen.

Obwohl die Kritiker die Bewegung hinsichtlich ihres ästhetischen Wertes schnell verwarfen, war die psychedelische Kunst nicht so unbedeutend, wie sie zunächst dargestellt wurde. Die Bewegung spielte eine herausragende Rolle bei der Entstehung und Beherrschung der Gegenkultur in dieser Zeit, was zu ihrer breiten Akzeptanz und ihrem späteren Erfolg beitrug.

Psychedelische Kunst in der Unternehmenswerbung

In den späten 1960er Jahren waren die kommerziellen Möglichkeiten, die mit der psychedelischen Kunst verbunden waren, kaum zu übersehen. Die Werbung der Unternehmen in dieser Zeit enthielt in der Regel psychedelische Zeichnungen und Themen, die eine Vielzahl von Farben enthielten, um mit der sich entwickelnden Kultur der Zeit Schritt zu halten. Allerdings wurde eine klare Trennung zwischen den Produkten und dem Image des Unternehmens vorgenommen, wobei die psychedelischen Elemente oft eine Armlänge von der professionellen Darstellung entfernt gehalten wurden, um die Unterscheidung deutlich zu machen.

Dies geschah, um zu betonen, dass nicht alle Unternehmen die Merkmale der neuen psychedelischen Ära annahmen, wobei ein großer Kontrast zwischen bestimmten Werbungen und den jeweiligen Unternehmen deutlich wurde. Werbespots mit Farbwirbeln, die einen LSD-Trip imitieren sollten, wurden von den neutral strukturierten und geschäftsmäßigen Logos der Unternehmen getrennt, um zu verdeutlichen, dass nicht jedes Unternehmen mit den Vorstellungen der psychedelischen Ästhetik übereinstimmte.

Trotz der gemischten Gefühle, die mit dem Aufkommen der psychedelischen Kunst verbunden sind, haben sich einige Unternehmen ausdrücklich mit dieser Ästhetik verbunden. Zu den Unternehmen, die Psychedelia in ihrer Werbung zu befürworten schienen, gehörten das Kaufhaus Neiman Marcus und die Rundfunkanstalten CBS und NBC, die alle zwischen 1968 und 1969 Werbespots mit psychedelischen Elementen schalteten.

Einen noch offenkundigeren Hinweis gab es 1968 von Campbell’s, die ein Plakat mit der Aufschrift „Turn your wall souper-delic! Auf dem Plakat waren zwei Personen in bunten Kleidern zu sehen, die wirbelnde und verrückte Muster zeigten, während der Hintergrund in leuchtenden psychedelischen Farben gehalten war.

Beim Betrachten der Werbung wurde sie aufgrund der enthaltenen Elemente automatisch mit der Ära der Psychedelic Art in Verbindung gebracht und zeigte, dass einige Unternehmen begonnen hatten, ihre Einstellung zu diesem Stil zu ändern.

Anfang der 1970er-Jahre begannen immer mehr Werbetreibende, Merkmale der psychedelischen Kunst zu nutzen, um unzählige Konsumgüter zu verkaufen. Artikel wie Autos, Zigaretten, Haarprodukte und Strumpfhosen wurden in der Werbung mit kaleidoskopischen Darstellungen versehen, die die Rebellion verhöhnten. Durch all die Werke, die von Künstlern, Designern und Schriftstellern während der Entwicklung dieser Ära geschaffen wurden, hatte die Psychedelic Art eine große semantische Veränderung erfahren und wurde plötzlich zum Symbol für alles, was in der Jugendkultur cool, einzigartig und unglaublich modisch war.

Der Begriff „psychedelisch“ selbst wurde so stark verzerrt, dass zahlreiche Unternehmen auf den Zug aufsprangen, um ihre Produkte so zu vermarkten, dass sie für ihre psychedelisch verrückten Zielgruppen am besten geeignet waren. Dies führte dazu, dass die Psychedelic-Art-Bewegung Mitte der 1970er Jahre von den kommerziellen Mächten des Mainstreams übernommen wurde, die genau das kapitalistische System integrierten, gegen das die Hippie-Bewegung so unermüdlich gekämpft hatte, um es zu überwinden.

Dass wir psychedelische Kunst heute als so kitschig und schrill empfinden, liegt daran, dass sie in der Unternehmenswerbung sehr präsent ist.

In den 1960er und 1970er Jahren erfuhr das Konzept der psychedelischen Kunst einen großen Wandel in seinem Verständnis und seiner Vermarktbarkeit, bis zu dem Punkt, an dem es sich von einer völlig unerhörten Bewegung zu etwas wandelte, das in fast jeder Werbung zu sehen war. Die Merkmale der psychedelischen Kunst wurden so bearbeitet, dass sie in das konsumorientierte Amerika passten, was der Bewegung das nahm, wofür sie ursprünglich stand.

Was sind die Merkmale der psychedelischen Kunst?

Die psychedelische Kunst, die zwischen 1966 und 1972 ihren Höhepunkt erreichte, wies viele grundlegende Merkmale auf, die schnell mit dem Stil in Verbindung gebracht wurden. Die meisten Kunstwerke zeigen eine lebhafte, kräftige Farbpalette, die typischerweise aus kontrastierenden Farben besteht, sowie extravagante Schriftzüge und mehrfarbige Wirbel. Das Nebeneinanderstellen von Farben wurde zu einem Hauptmerkmal der psychedelischen Kunst, da es zur Entstehung anderer optischer Täuschungen und etwas illusorischer geometrischer Linien führte.

Andere wichtige Merkmale der psychedelischen Ästhetik waren kaleidoskopisch anmutende Spiralen, konzentrische Kreise, Paisleymuster und Wiederholungen von Motiven oder Symbolen, bis ein Muster entstand. Auch die Collage war ein wichtiger Bestandteil der psychedelischen Kunst, da viele Kunstwerke aufgrund ihres Stils auch dem Genre der Collage zugeordnet werden konnten.

Psychotic Cat (1875) von Louis Wain; Louis Wain, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Themen, die in der Psychedelic Art der 1960er Jahre verwendet wurden, tendierten eher zur fantastischen, abstrakten und surrealistischen Seite des künstlerischen Ausdrucks. Die Kunstwerke wurden extrem detailliert gestaltet, was zu einer unglaublich innovativen und groovigen Typografie und Handlettering-Stilen führte. Die Künstlerinnen und Künstler nutzten in der Psychedelic Art häufig positive und negative Räume, was sich zu einem weiteren Hauptmerkmal der Bewegung entwickelte.

Die Psychedelic Art-Bewegung ließ sich in ihrer Entwicklung von einer Vielzahl anderer Genres und Stile inspirieren. Es ist kein Zufall, dass die Kunstwerke der Psychedelic Art Elemente des Jugendstils, der viktorianischen Sezession und des Surrealismus aufgriffen, denn diese Stile hatten großen Einfluss auf die sich entwickelnden Merkmale der Psychedelic Art.

Berühmte psychedelische Künstler und ihre Kunstwerke

Die Psychedelic Art-Bewegung war ein populärer Stil, der sich im Zusammenhang mit der Ära der Gegenkultur in Amerika entwickelte. Diese Ära führte dazu, dass viele Künstlerinnen und Künstler diese aufregende neue Bewegung praktizierten und damit experimentierten. Einigen Künstlern gelang es jedoch, sich von den anderen abzuheben, indem sie unglaublich bedeutende Kunstwerke schufen, die wir im Folgenden besprechen werden.

Victor Moscoso (geboren 1936)

Der spanische Künstler Victor Moscoso ist ein professioneller Grafikdesigner, der vor allem für die Gestaltung von psychedelischen Rockpostern und Werbeanzeigen sowie für seine Beteiligung an „Underground Comix“ in San Francisco in den 1960er und 1970er Jahren bekannt ist. Moscoso war der erste Psychedelic-Künstler, der sich auf die Gestaltung von Rockpostern verlegte und dabei mehrere Fotocollagen verwendete, um einen eigenen Stil zu schaffen. Zu seinen bekanntesten Werken gehören Big Brother and the Holding Company (1967) und The Chambers Brothers (1967).

Moscosos beruflicher Erfolg als Künstler kam durch seine psychedelischen Rockposter. Bei der Gestaltung seiner Plakate griff er schnell auf Elemente aus Comics und Werbespots zurück und erlangte mit seinen Kunstwerken beim „Summer of Love“ 1967 internationale Aufmerksamkeit.

Was Moscosos Werke so einzigartig macht, ist seine Verwendung von vibrierenden Farben, die von einem seiner Kunstlehrer an der Yale University beeinflusst wurden. Moscoso versucht, durch seine Farbwahl die Erfahrung eines halluzinogenen Trips nachzubilden, und verwendet leuchtende psychedelische Farben, um die spezifische psychedelische Ästhetik zu erreichen, die die Bewegung auszeichnet.

Wenn du seine Werke heute betrachtest, kannst du durch die kontrastreichen und doch lebendigen Farben einen pulsierenden Effekt spüren.

Wes Wilson (1937 – 2020)

Ein weiterer einflussreicher psychedelischer Künstler, der als führender Designer psychedelischer Plakate galt, war der amerikanische Künstler Wes Wilson. Am bekanntesten ist er für seine Konzeption der „psychedelischen Schriftart“ um 1966, mit der er Buchstaben schuf, die sich zu bewegen und zu verschmelzen schienen. Wilson gilt auch als einer der Big Five-Plakatkünstler, die auf dem Höhepunkt der psychedelischen Kunst experimentierten. Er gilt auch als der Vater der Rockposter.

Gemeinsam mit den anderen Mitgliedern der Big Five-Plakatgruppe, bestehend aus Alton Kelley, Rick Griffin, Victor Moscoso und Stanley Mouse, entwarf Wilson einige der bekanntesten Plakate der Psychedelic Art-Bewegung. In seinen Werken verwendete Wilson einen charakteristischen Stil mit knalligen Farben, auffälligen Bildern, lebendiger Typografie und fließenden Blockbuchstaben. Diese Elemente sind auf seinen Konzertplakaten von 1966 zu sehen, die er für Grateful Dead, James Cotton und Moby Grape gestaltete.

Als der bekannteste Designer psychedelischer Plakate schuf Wilson Kunstwerke, die die Leute zum Stehenbleiben und Anstarren brachten. Seine Blockschrift war unglaublich schwer zu lesen, und Wilson meinte, dass nur diejenigen, die wirklich zum psychedelischen „Stamm“ gehörten, sie verstehen konnten.

Seine Kunstwerke untermauerten den Gemeinschaftsgedanken der Psychedelic-Ära, denn seine Plakate dienten als eine Art Eintrittskarte in die trippige Kunstwelt, die in der Szene explodiert war.

Peter Max (Geboren 1937)

Der deutsch-amerikanische Künstler Peter Max war in den 1960er Jahren eng mit der Psychedelic Art- und Pop Art-Bewegung verbunden und gilt aufgrund seines Engagements in der Kunstszene als Ikone der Popkultur. Max ist vor allem für seine regenbogenfarbenen Drucke und Gemälde bekannt, denn sein einzigartiger Stil verbindet leuchtende psychedelische Farben mit verschiedenen kosmischen Figuren und skurrilen Formen.

Max experimentierte während der Psychedelic-Art-Ära mit einer Vielzahl von Kunstmedien und schuf Kunstwerke in Form von Gemälden, Postern, Kunstbüchern, Kleidung, Haushaltsgegenständen und sogar Schuhen. Die psychedelischen Zeichnungen von Max sind heute noch genauso ikonisch wie damals, als er sie zum ersten Mal enthüllte, denn Social-Media-Plattformen wie Instagram machen seine Kunstwerke zunehmend auch einem jüngeren Publikum zugänglich, das Max erst jetzt zum ersten Mal entdeckt.

Durch die Verwendung psychedelischer Illustrationen integriert Max ein breites Spektrum an Farben und Mustern in seine Kunstwerke, wie Psychedelic Man (1971) und Motion (1983) zeigen. Max nutzte auch Symbole aus den Massenmedien und schuf ikonische Werke mit bekannten Persönlichkeiten, wie sein Gemälde 100 Clintons (1993) zeigt, das mehrere Porträts von Präsident Bill Clinton zeigt. Außerdem porträtierte er beliebte Zeichentrickfiguren in farbenfrohen, fast Pop-Art-artigen Szenen, wie in Mickey Mouse Suite (1995).

Bonnie MacLean (1939 – 2020)

Eine ikonische weibliche Psychedelic-Künstlerin, die innerhalb der Bewegung experimentierte, war die amerikanische Künstlerin Bonnie MacLean, die für ihre Vintage-Psychedelic-Rock-Poster weithin bekannt war. Da die psychedelische Kunstszene der 1960er Jahre überwiegend von Männern dominiert wurde, gelang es MacLean, sich in die Bewegung einzubringen und das Rampenlicht zu teilen. Ihre Werke gehören zu den wichtigsten psychedelischen Postern des Genres.

MacLean wurde die Hauptplakatgestalterin des Musiklokals The Fillmore in San Francisco, als ihr Künstlerkollege Wes Wilson aufhörte, Plakate zu gestalten. Im Jahr 1967 entwarf MacLean mehr als 30 Plakate für den Veranstaltungsort, wobei einige ihrer bemerkenswertesten psychedelischen Zeichnungen aus diesem Jahr stammen. Zu diesen bedeutenden Kunstwerken gehören Konzertplakate für die Rockbands The Yardbirds, The Doors und The Who aus dem Jahr 1967.

Ihre Plakate werden auf dem Sammlermarkt hoch gehandelt, einige wurden für mehr als 10 000 Dollar verkauft. MacLeans Plakate waren typischerweise in einem sehr lebendigen Stil gehalten und ahmten Merkmale des Jugendstils nach. Im Laufe der Zeit entwickelte sie ihren eigenen Stil und Motive wie geschwungene Buchstaben, apathische Gesichter und detaillierte Federn, die auf allen ihren Plakaten zu sehen sind.

Einige der legendären Rockbands, für die MacLean im Fillmore Plakate gestaltete, waren Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Pink Floyd, Grateful Dead und Santana.

Stanley „Maus“ Miller (geboren 1940)

Einer der psychedelischen Künstler, die zu den Big Five gezählt werden, war der amerikanische Künstler Stanley Miller, besser bekannt als Stanley Mouse oder einfach Mouse. Nachdem er nach seinem Studium in San Francisco angekommen war, schloss sich Miller einer Gruppe namens The Family Dog an und begann, psychedelische Rockposter zu produzieren. Seine Werke waren stark von der Jugendstilbewegung inspiriert und Miller nahm in seinen Rockpostern häufig Bezug auf diesen Kunststil.

1967 gründete Miller zusammen mit seinen Künstlerkollegen Alton Kelley, Wes Wilson, Rick Griffith und Victor Moscoso die Berkeley Bonaparte Distribution Agency, die psychedelische Poster für Bands und Musiker produzierte. Von all seinen Werken ist Miller wahrscheinlich am bekanntesten für seine Plattencover für Grateful Dead und Journey. Ein Beispiel für sein ikonisches Werk ist sein Entwurf von 1966 mit dem Titel Grateful Dead für diese Band.

Zu den anderen bedeutenden Musikern, für die Miller Plattencover und Poster gestalten durfte, gehören Janis Joplin, Jimi Hendrix, die Rolling Stones und die Beatles. Diese Plakate festigten Millers Status als Künstler in der Psychedelic-Ära. Im Laufe der Zeit wurden Millers einzigartige Werke immer wieder mit denen der Werbung verglichen. Einige Kritiker hielten seine Kunstwerke und Plakate für so makellos, dass sie tatsächlich als Werbekunst verwendet werden könnten.

Rick Griffith (1944 – 1991)

Ein weiterer führender Psychedelic-Künstler, der in den 1960er Jahren Poster entwarf, war der amerikanische Künstler Rick Griffith. Mit seinen Werken, die regelmäßig in den Ausgaben zwei bis drei, fünf bis sieben und elf bis zwölf von Zap Comix erschienen, war Griffith einer der Hauptakteure der Underground Comix Bewegung. Griffiths Arbeiten waren auch eng mit den Grateful Dead verbunden, da er viele psychedelische Illustrationen und Poster für die Band schuf. Sein ikonischstes Albumcover, das er für die Grateful Dead entwarf, war ihr Aoxomoxoa-Album.

Als gefragter Psychedelic-Illustrator begann Griffith mit Surf-bezogenen, kommerziellen Zeichnungen zu experimentieren, die er in seine Werke integrierte. Außerdem fühlte er sich von der aufkommenden Gegenkultur angezogen. Die meisten seiner Kunstwerke, Poster und Illustrationen zeigen eine revolutionäre Haltung.

Gary Grimshaw (1946 – 2014)

Der amerikanische Grafiker Gary Grimshaw spezialisierte sich ausschließlich auf die Gestaltung von Rockkonzertplakaten und arbeitete sowohl in Detroit als auch in San Francisco. Grimshaw galt als radikaler politischer Aktivist, und diese Ideen und Themen wurden in seinen Werken oft unbewusst angedeutet. Grimshaw war aktives Mitglied der White Panther Party, einer antirassistischen politischen Partei in der Ära der Gegenkultur, der auch Weiße beitreten konnten, um die Revolution zu bekämpfen.

Wenn es um seine Kunstwerke geht, nannte Grimshaw Stanley Mouse, Victor Moscoso und Rick Griffith als seine größten Einflüsse. Grimshaw war ab Mitte der 1960er Jahre der Plakatdesigner für den Grande Ballroom in Detroit, wo er einige der bekanntesten Plakate für die dort auftretenden Bands entwarf. Dazu gehörten Plakate für die Jimi Hendrix Experience, The Who, Cream, Canned Heat und viele andere.

Alex Gray (Born 1953)

Der letzte psychedelische Künstler, über den wir sprechen werden, ist der amerikanische bildende Künstler Alex Gray, der für seine psychedelischen und spirituellen Bilder bekannt ist. Gray schafft Kunstwerke in einer Vielzahl verschiedener Medien, wie Performancekunst, Installationskunst, Prozesskunst, visionäre Kunst, Skulpturen und Malerei.

Zu den ikonischen Kunstwerken von Alex Gray gehören Darstellungen des Skeletts, des Nervensystems, des Lymphsystems und des Herz-Kreislauf-Systems in lebendigen und leuchtenden psychedelischen Farben, die seinen anatomischen Darstellungen eine ganz neue Tiefe verleihen. Da seine psychedelischen Kunstwerke auch spirituelle Elemente enthielten, bezog Gray oft Chakren, Auren und andere wichtige Symbole ein, um die Präsenz des Geistes in seinen Kunstwerken zu demonstrieren.

Obwohl seine Kunstwerke aufgrund ihrer leuchtenden Farben, groovigen Symbole und abstrakten Motive psychedelisch anmuten, haben sie bei näherer Betrachtung einen großen spirituellen Einfluss. Einige der bemerkenswertesten Kunstwerke von Alex Gray, die seine Kombination aus psychedelischen und spirituellen Elementen zeigen, sind sein Gemälde von 1984 mit dem Titel New Man, New Woman und sein Gemälde von 2002 mit dem Titel BardoBeing.

Das Erbe der psychedelischen Kunst

In den 1960er Jahren war die psychedelische Kunst eine wichtige Kunstbewegung, die Amerika beherrschte. Psychedelische Kunst war eine unglaublich subversive und befreiende Bewegung, die sich in die Gegenkultur-Kampagne einreihte, aus der sie hervorgegangen war. Das Hauptziel der Psychedelischen Kunst war es, die bewusste Abkehr von der traditionellen Kunst und der kapitalistischen Kultur Amerikas zu betonen. Zu Beginn der 1970er Jahre begannen die großen Konzerne jedoch, das kommerzielle Potenzial der psychedelischen Ästhetik zu erkennen, wogegen sich die gesamte Bewegung richtete.

Der rebellische Charakter der psychedelischen Kunst ging zurück und wurde abgeschwächt, da die gesamte Bewegung von der Kulturindustrie vereinnahmt und assimiliert wurde. Die psychedelische Kunst der 1970er Jahre war eher ironisch als revolutionär, denn ihre berüchtigten kaleidoskopischen Farbpaletten und trippigen Bilder wurden langsam zu Repräsentanten der Waren, die die Werbung zu verkaufen versuchte.

Dadurch wurde die psychedelische Kunst im Wesentlichen ihrer konzeptionellen Eigenschaften beraubt, und ihr revolutionäres Potenzial wurde stark eingeschränkt und behindert. Was einst als ikonische und innovative Kunstwerke und Konzertplakate galt, verwandelte sich bald in Werbung für Vorhänge, Wandteppiche, Kleidung, Möbel, gedruckte Artefakte und andere alltägliche Gegenstände.

So veränderte sich das Erbe der Psychedelic Art in den 1960er und 1970er Jahren dramatisch, als das gesamte Genre auf den Kopf gestellt wurde, um kommerziellen Idealen zu dienen. Langsam beginnt sich dies jedoch wieder zu ändern und einige Elemente der Psychedelic Art finden als revolutionäres Medium ihren Weg zurück in die Kunstgesellschaft.

Psychedelische Kunst im digitalen Zeitalter

Psychedelische Kunst erlebte im digitalen Zeitalter ein großes Revival, vor allem in der Rave-Kultur der 1990er Jahre. Die rasante Entwicklung von Grafiksoftware machte die digitale Nachbildung psychedelischer Erfahrungen möglich. Heute steht den Künstlern, die psychedelische Kunstwerke digital wiedergeben, nichts mehr im Wege, denn die Möglichkeiten der Bildbearbeitung sind im 21.

Diese digitale Revolution wurde als der „neue LSD“-Trip bezeichnet, der sich in der Gesellschaft vollzog, als Computer begannen, die halluzinatorischen Erfahrungen von Künstlerinnen und Künstlern genauso genau zu reproduzieren, wie diese es selbst taten. Die Wiedereinführung der Rave-Bewegung in den 1990er Jahren befeuerte die psychedelische Bewegung durch die Entwicklung eines neuen digitalen Kunststils, der sich an der psychedelischen Post Art der 1960er Jahre orientierte.

Digital Supernova, ein generatives Virtual-Reality-Werk von Miguel Chevalier, das 2019 produziert wird. Die generative Virtual-Reality-Installation wird auf die gotischen Gewölbe des Kirchenschiffs (80 m lang), die Vierung des Querschiffs (30 m lang) und den Chor der Kathedrale Notre-Dame de Rodez projiziert; Miguel Chevalier, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Das Aufkommen der Computerkunst ermöglichte einen noch größeren und reichhaltigeren Ausdruck psychedelischer Visionen in den digitalen Kunstwerken, die seitdem entstanden sind. Die Entwicklung von zwei- und dreidimensionalen Grafiken ermöglichte eine beispiellose Gestaltungsfreiheit, wenn es um digital gerenderte Versionen von Psychedelic Art ging, da Künstlerinnen und Künstlern scheinbar keine Grenzen mehr gesetzt waren. Plötzlich hatten sogar Amateurkünstler/innen Zugang zu der Technologie, die für die Erstellung digitaler Psychedelic Art benötigt wurde, was die Zugänglichkeit der Bewegung völlig veränderte.

Trotz dieser Entwicklung wurde argumentiert, dass die Psychedelic Art nicht zu einem so drastischen Stadium der künstlerischen Entwicklung hätte kommen müssen. Während gesellschaftliche Veränderungen, wie die Einführung von Drogen wie MDMA, die Künstler dazu ermutigten, mitzuhalten, ist die Drogenkultur heute viel gefährlicher als in den 1960er und 1970er Jahren. Die Einführung neuerer Drogen und der Computerkunst hat die gesamte Psychedelic Art-Bewegung auf eine Reise geführt, die sie nie antreten wollte, und viele echte Psychedelic-Künstler versuchen, dem Genre wieder zu seinem früheren Glanz zu verhelfen.

Psychedelic Art ist eine unglaublich interessante Bewegung, über die man viel lernen kann. Die Kunstwerke mit ihren fesselnden psychedelischen Mustern, Farben, Designs und Motiven sind heute noch genauso beliebt wie zu ihrer Entstehungszeit. Durch die Überschneidung mit der ebenso faszinierenden Pop-Art-Bewegung bleibt die psychedelische Kunst in der Kunstgeschichte weiterhin relevant, da viele moderne Kunstwerke und Stile auch heute noch Merkmale dieses ikonischen Genres aufgreifen.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.