Claes Oldenburg – Ein Blick auf Oldenburg’s Leben und Kunst

Der amerikanische Künstler Claes Oldenburg ist vor allem für seine monumentalen Skulpturen bekannt, die meist Alltagsgegenstände darstellen. Claes Oldenburgs Skulpturen waren zunächst vom abstrakten Expressionismus beeinflusst, aber dann begann er, alltägliche Gegenstände wie Hamburger, Schreibmaschinen und Toiletten zu modellieren. Claes Oldenburgs Kunstwerke werden typischerweise mit der Pop-Art-Bewegung der 1960er Jahre in Verbindung gebracht, die den Konsumismus und die Massenproduktion von Konsumgütern sowohl begrüßte als auch kritisierte. Wir wollen Claes Oldenburgs Skulpturen und sein Leben genauer unter die Lupe nehmen.

Erkundung des Lebens und der Kunst von Claes Oldenburg

Claes Oldenburg ist mit seinen ausgefallenen Skulpturen seit den frühen 1960er Jahren, als New York City noch wirklich kantig und rau war, der regierende Monarch der Pop Art. 1961 mietete er ein Ladenlokal und stattete es mit gefüllten, grob dekorierten Formen aus, die billige Kleidung, Imbissbuden und andere Massenprodukte darstellten und die Betrachter verblüfften, die an die schmucklosen, ungegenständlichen Formen der Skulpturen des Abstrakten Expressionismus gewöhnt waren.

Diese „weichen Skulpturen“ gelten heute als die ersten bildhauerischen Manifestationen der Pop Art.

Claes Oldenburg im Jahr 2012; Foto:Raimond Spekking, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

Aber welche Materialien verwendet Claes Oldenburg für seine Skulpturen? Seine Werke bestehen in der Regel aus weichen Materialien wie Stoff oder Vinyl, um ihre Flexibilität und Zugänglichkeit zu betonen. Auch wenn Claes Oldenburgs Skulpturen immer umfangreicher und ehrgeiziger wurden, blieb sein Fokus stets derselbe: Alltägliche Objekte wurden in einem vergrößerten Maßstab dargestellt, wodurch die typische Interaktion zwischen Betrachter und Objekt umgekehrt wurde.

Kindheit und Ausbildung

Claes Oldenburg wurde am 28. Januar 1929 in Stockholm, Schweden, als Sohn eines Diplomaten geboren. Einen großen Teil seiner Kindheit verbrachte er in den Vereinigten Staaten, wo sein Vater schwedischer Konsul in New York City war. In den frühen 1950er Jahren besuchte Oldenburg die Yale University, wo er Kunstgeschichte und Literatur studierte. Zu dieser Zeit begann Oldenburg mit dem Skizzieren und Malen zu experimentieren und probierte verschiedene Stile und Methoden aus.

Besonders beeinflusst wurde er von den Werken abstrakter Expressionisten wie Franz Kline und Willem de Kooning, und er begann, seinen eigenen abstrakten Stil zu entwickeln.

Flying Pins von Claes Oldenburg und Coosje van Bruggen; Maurizio Pesce aus Mailand, Italia, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

1950 besuchte Oldenburg Mexiko-Stadt und lernte die Wandmaler David Alfaro Siqueiros und Diego Rivera kennen. Diese Begegnung ermutigte ihn, großformatige öffentliche Kunst mit sozialen und politischen Implikationen zu schaffen. Nach Abschluss seines Studiums in Yale reiste Oldenburg 1952 nach Chicago, wo er als Reporter arbeitete und sich am Art Institute of Chicago einschrieb.

Zu dieser Zeit verfeinerte er seinen künstlerischen Ansatz, indem er mit einer Reihe von Medien wie Skulptur und Performance-Kunst arbeitete.

Frühe Ausbildung

1953 wurde Oldenburg als amerikanischer Staatsbürger eingebürgert und zog nach New York City mit der Absicht, eine Karriere als Maler zu beginnen. Laut Oldenburg war das Milieu der Lower East Side, wo sich die Fluxus-, Beats- und Pop-Art-Gruppen in Galerien und Performance-Räumen am Washington Square trafen, die innovativste und belebendste Quelle der Inspiration.

Er traf hier Stammgäste wie Yoko Ono, Allan Kaprow, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Andy Warhol und Jim Dine.

Künstler Claes Oldenburg und Fay Peck mit Museumsdirektor Jan van der Marck im Jahr 1968; Siehe Seite für Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Die meisten in dieser Gemeinschaft glaubten, dass der Abstrakte Expressionismus im Sterben lag, aber niemand wusste, was als Nächstes folgte, und es folgten gewagte Experimente in der Multimedia- und Performance-Kunst, bei denen Generationen, Sensibilitäten und Techniken verschmolzen. Ein weiteres reiches Reservoir für Oldenburgs Fantasie war die Cooper Union Bibliothek, in der er einige Jahre lang arbeitete und 1959 seine erste Einzelausstellung mit figurativen Zeichnungen ausstellte.

Dort begegnete er der phantastischen Architektur der Romantiker des 18. Jahrhunderts sowie der Entstehung und Errichtung der Freiheitsstatue, die beide seine eigenen humorvollen Ideen für Denkmäler und spätere öffentliche Kunst inspirierten.

Reifezeit

1960 war ein entscheidender Moment für Oldenburg. Seine Performance Snapshots from the City wurde an der Seite von Patty Mucha in der Judson Memorial Church aufgeführt, wo der Yale-Absolvent mit Müll bedeckt war. Oldenburg arbeitete mit Mucha an weiteren Performances und schuf seine ersten weichen Skulpturen, die von der Fülle der Geräusche und Sehenswürdigkeiten des täglichen Lebens und der Kunst in Lower Manhattan beeinflusst waren. Diese waren eine ehrliche, bodenständige Perspektive auf das Viertel, die auf seinen persönlichen Ansichten basierte, und sie wurden in The Street, seinem Atelier in der Lower East Side, ausgestellt.

Diese Ausstellung verkaufte viele Stücke, und seine anschließende Atelierausstellung, die von den Feinkostläden und Einwandererläden in der weitgehend heruntergekommenen und vernachlässigten Gegend in der Nähe inspiriert war, war wirtschaftlich viel erfolgreicher.

1960 schuf Oldenburg riesige „Ray Guns“, Nachbildungen von Science-Fiction-Waffen, die er in seinem angemieteten Laden ausstellte. Außerdem sammelte er Spielzeug und Kitschartikel, die er neben seinen Skulpturen ausstellte. 1962 erregte The Shop das Interesse der renommierten Green Gallery, wo Oldenburg drei riesige Kunstwerke aus gefüllter, bemalter und genähter Leinwand präsentierte.

In den folgenden Jahren stellte er eine breite Palette von „weichen“ Lebensmitteln und Haushaltsgegenständen her, darunter Pommes Frites, Sandwiches, eine Wärmflasche, Toiletten, Telefone und andere Küchengeräte und Massenprodukte für den Haushalt. Seine Arbeiten auf Papier, die sich durch eine fließende Hand auszeichnen, waren ein wesentlicher und kontinuierlicher Bestandteil seiner Karriere. In der zweiten Hälfte der 1960er Jahre schuf er eine große Serie von Skizzen von Fantasiegebäuden, die in Drucke und schließlich in öffentliche Skulpturen mündeten.

In den späten 1960er Jahren hatte er auch eine solide Partnerschaft mit dem renommierten Kunsthändler Leo Castelli, der ihn ermutigte, Werke im großen Stil zu schaffen. Um einige seiner größeren Ideen zu verwirklichen, nahm Oldenburg 1967 an einem „Kunst und Technologie“-Programm des Los Angeles County Museum of Art teil, das zu einem Aufenthalt in einer Abteilung der Walt Disney Companies führte. Dies trug dazu bei, dass er eine Cartoon-Maus schuf, ein Symbol, das er bereits in seinen frühen Skizzen erforscht hatte und in das er das Design einer Filmkamera einbaute.

Oldenburg übernahm es als sein eigenes Emblem, und es war der Anlass für die stählernen Maus-Skulpturen in allen Größen und Farben, die in seiner Ausstellung „Mouse Museum“ auf der Documenta 1972 zu sehen waren.

Ein paar Jahre später entwickelte er eine ähnliche museumsähnliche Ausstellung seiner stilisierten „Strahlenpistolen“. Lipstick (Ascending) on Caterpillar Tracks, seine erste große Außenskulptur, wurde 1976 fertiggestellt, ein weiteres Wendejahr für ihn. Seitdem konzentrierte er sich fast ausschließlich auf großformatige Skulpturen im öffentlichen Raum.

Spätphase

1977 heiratete Oldenburg die niederländische Kunsthistorikerin Coosje van Bruggen, mit der er von Ende 1976 bis zu ihrem Tod im Jahr 2009 an seinen riesigen, polychromen Skulpturen arbeitete. Van Bruggen kümmerte sich um die Baustellenlogistik und die Belange von Oldenburgs Entwürfen, damit er sich auf die Konzepte für die öffentlichen Skulpturen konzentrieren konnte. Diese Rollen waren jedoch nie festgelegt, und Van Bruggen brachte auch kreative Ideen für die Werke ein.

Ihre professionelle Arbeitspartnerschaft wurde mit der von Christo und Jean-Claude verglichen.

Schraubbogen von Claes Oldenburg; Wikifrits, CC0, via Wikimedia Commons

Zu ihren bekanntesten Kreationen gehören Dropped Cone (2001), eine gigantische Eistüte, die an der Ecke des Daches eines Einkaufszentrums aufschlägt, Shuttlecocks (1994), die von einem riesigen Federballspiel heruntergefallen zu sein scheinen, und Spoonbridge and Cherry (1988), eine begehbare Brücke über einen Fluss in Form eines Teelöffels, der eine Kirsche hält.

Oldenburg, der 93 Jahre alt war, starb am 18. Juli 2022 in seinem Haus in Manhattan an den Verletzungen, die er sich bei einem Sturz zugezogen hatte.

Das Vermächtnis von Claes Oldenburg

Aufgrund der Komplexität und der vielschichtigen Bedeutung seiner Arbeit verzweigen sich Oldenburgs Einflüsse in viele verschiedene Richtungen und wirken sich auf eine Vielzahl von Künstlern und Bewegungen aus, die scheinbar nicht miteinander verbunden sind. Oldenburg ist gleichermaßen zynisch und fröhlich. Seine lebenslange Fixierung auf Trostessen ist vielleicht die ultimative Darstellung von herzzerreißender Einsamkeit. Feministinnen der ersten Generation bemerkten dies und zu den ersten Künstlerinnen, die von seinen flexiblen, ausdrucksstarken Formen angezogen wurden, die sie in ihren frühen Werken teilweise nachahmten, gehörten Lynda Benglis und Niki de Saint-Phalle.

Außerdem nahm Oldenburg den Grundsatz des Minimalismus, „es ist, was es ist“, vorweg, indem er den Prozess der Lebensmittelzubereitung nachahmte, wie Donald Judd in seinem bahnbrechenden Werk Specific Objects (1965) feststellte, das mit Eiscremekartons vollgestopft, mit eisähnlichen Farben bespachtelt und in Schichten angelegt ist.

Oldenburg im Stedelijk Museum in Amsterdam, 1970; Bert Verhoeff, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Es ist nicht nötig, die vielen Anspielungen auf Kunst und Kunstgeschichte zu verstehen, um Oldenburgs Werk zu schätzen. Seine leuchtenden Farben, seine übertriebene Größe und sein offenkundiger Appell an das Publikum beeinflussten eine Generation anderer moderner Bildhauer wie Damien Hirst und Jeff Koons, die mit dem Maßstab, der Lage und der Beschaffenheit alltäglicher Gegenstände arbeiteten. Als fehlendes Bindeglied zwischen Jeff Koons und Andy Warhol leistete Oldenburg Pionierarbeit, indem er die Wünsche der Konsumenten akzeptierte, indem er sie tatsächlich „den Kuchen essen ließ“ und dem Publikum gab, was es sich wünschte.

Persönliches Leben

Nachdem sie 1957 in New York City angekommen war, um ihre Karriere als Künstlerin zu verfolgen, lernte Patty Mucha Claes Oldenburg kennen, mit dem sie von 1960 bis 1970 verheiratet war. Bevor sie Muchas erste Frau wurde, diente Mucha als eines von Oldenburgs Nacktmodellen, als dieser Porträts anfertigte.

Das Whitney Museum of American Art hat eine Oldenburger Skizze von Mucha mit dem Titel Pat Reading in Bed, Lenox, 1959 in seiner Sammlung. Sie war Partnerin in Oldenburgs Installationen, entwickelte Konzepte, stellte Kostüme her und trat in den Arbeiten auf.

Sie trug nicht nur zu seinen Happenings bei, sondern nähte auch sein berühmtes Eis, seine Bodenhamburger und seinen Kuchen. Mucha war die Leadsängerin der Band The Druds, zu der auch LaMonte Young, Andy Warhol, Lucas Samaras und Walter DeMaria gehörten. Von 1969 bis 1977 hatte Oldenburg eine Romanze mit Hannah Wilke, einer feministischen Bildhauerin und Künstlerin, die 1993 verstarb. Wilke fotografierte ihn häufig und sie teilten zahlreiche Atelierräume und reisten oft zusammen.

Der Gartenschlauch von Claes Oldenburg; joergens.mi, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Coosje van Bruggen, Oldenburgs zweite Frau, lernte Oldenburg 1970 kennen, als er seine erste große Retrospektive im Stedelijk Museum in Amsterdam zeigte, wo van Bruggen Kuratorin war. Im Jahr 1977 heirateten die beiden. 1992 kauften Oldenburg und van Bruggen das Château de la Borde, ein kleines Anwesen im Loire-Tal. Sie renovierten das Haus und statteten es mit modernistischen Möbeln aus. Van Bruggen starb am 10. Januar 2009 an den Folgen von Brustkrebs.

Claes Oldenburgs Kunststil

Der Kunststil von Claes Oldenburg zeichnet sich dadurch aus, dass er alltägliche Dinge als Grundlage für seine Arbeit verwendet. Am bekanntesten ist er für seine lebensgroßen Skulpturen von Alltagsgegenständen wie Schreibmaschinen, Hamburgern und Sicherheitsnadeln, die er aus Materialien wie Schaumstoff, Vinyl und Stahl herstellte. Pop Art, ein Stil, der in den 1950er und 1960er Jahren entstand und massenproduzierte Konsumgüter und die Populärkultur verherrlichte, wird gemeinhin verwendet, um Oldenburgs Ansatz in der Kunst zu charakterisieren.

Jedoch unterscheidet sich Oldenburgs Werk von dem anderer Pop-Art-Künstler dadurch, dass es sich auf dreidimensionale Objekte konzentriert und nicht auf die zweidimensionalen Bilder, die man im Allgemeinen mit Pop-Art verbindet.

Oldenburgs Skulpturen sind oft verspielt und skurril, sie stellen die Vorurteile der Betrachter/innen auf die Probe und laden sie ein, alltägliche Gegenstände auf neue Weise wahrzunehmen. Viele von Claes Oldenburgs Kunstwerken haben eine soziale oder politische Botschaft, die sich mit Themen wie Krieg, Konsum und Umweltzerstörung befasst. Neben seinen Skulpturen schuf Claes Oldenburg auch Gemälde, Drucke und Performance-Kunstwerke. Er arbeitete häufig mit seiner Frau, der Künstlerin Coosje van Bruggen, zusammen und gemeinsam schufen sie eine Reihe von großen öffentlichen Skulpturen, die in Städten auf der ganzen Welt zu Denkmälern geworden sind.

Claes Oldenburgs Ausstellungen

Claes Oldenburgs Ausstellungen zeichneten sich durch seinen ausgeprägten und zukunftsweisenden Ansatz für Skulpturen und Installationskunst aus. In seinen frühen Ausstellungen baute er eine immersive Umgebung auf, die einem normalen Kaufhaus der 1960er Jahre ähnelte, komplett mit handgefertigten Kopien kommerzieller Objekte. Die Skulpturen waren dazu gedacht, von den Besuchern berührt zu werden und mit ihnen zu interagieren, wodurch die Grenzen zwischen Kunst und Alltag verwischt wurden. In seinen Ausstellungen stellte Oldenburg häufig großformatige Skulpturen an öffentlichen Plätzen auf. Diese Skulpturen wurden geschaffen, um mit ihrer Umgebung zu interagieren und den Menschen humorvolle und amüsante Reaktionen zu entlocken. Hier ist eine Liste mit einigen seiner bemerkenswertesten Ausstellungen:

• The Store, New York City, 1961
• Ray Gun Show, Judson Gallery, New York City, 1962
• The Street, The Store, and The Silver Spoon, Green Gallery, New York City, 1962
• Fagends, Green Gallery, New York City, 1962
• Der Laden, Galerie Lawrence, Paris, 1963
• Zeichnungen und Collagen, Richard Feigen Gallery, New York City, 1963
• Mouse Museum/Ray Gun Wing, Walker Art Center, Minneapolis, 1977
• Claes Oldenburg, Museum of Modern Art, New York City, 1969

Bottle O‘ Notes von Claes Oldenburg; Lee Bunce, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

• Claes Oldenburg, Stedelijk Museum, Amsterdam, 1970
• Claes Oldenburg: An Anthology, Museum of Contemporary Art, Chicago, 1995
• Claes Oldenburg: The Sixties, Walker Art Center, Minneapolis, 1995
• Claes Oldenburg: Multiples in Retrospect 1964-1990, Walker Art Center, Minneapolis, 1991
• Claes Oldenburg: Early Work, Pace Gallery, New York City, 2010
• The Street and The Store, Museum of Modern Art, New York City, 2013
• Claes Oldenburg: The Sixties, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen, Deutschland, 2016

Berühmte Kunstwerke von Claes Oldenburg

Während frühere Pop-Künstler die flache Sprache von Magazinen, Plakatwänden und Fernsehen nachgeahmt hatten, indem sie versuchten, in zweidimensionalen Medien zu arbeiten, hob Claes Oldenburg mit seinen dreidimensionalen Gipsmodellen, Pappmaché-Arbeiten und weichen Stoffformen die Pop-Kunst in den Bereich der Bildhauerei, was zu dieser Zeit eine bedeutende Innovation war.

Oldenburgs Gegenstände, egal wie winzig sie erscheinen, verwandeln sich in ausdrucksstarke Individuen, fast wie Darsteller in einem Bühnenstück.

Das liegt zum einen an ihrem deutlich überdimensionierten Maßstab und zum anderen an den weichen Formen, die er verwendet, wie Stoff oder Latex. Das unterscheidet Oldenburg von Warhols oder Lichtensteins eisiger Abgeklärtheit, und Claes Oldenburgs Skulpturen illustrieren, ähnlich wie Porträts, die Absurdität des amerikanischen Lebens mit einem milderen zynischen Blick als seine Pop-Art-Zeitgenossen. Hier sind ein paar bemerkenswerte Kunstwerke:

Damit ist dieser Artikel über Claes Oldenburgs Kunstwerke und sein Leben abgeschlossen. Oldenburgs erste weiche Skulptur, ein frei hängender, mit Zeitungspapier gefüllter Frauenstrumpf, wurde 1957 hergestellt. Danach wurden seine Werke immer größer, angefangen mit The Store (1961), einer interaktiven Installation in einem angemieteten Laden in der Lower East Side, in dem er Lebensmittel und Ladenprodukte verkaufte, die er als Gipsskulpturen nachbaute. In den 1970er Jahren verlagerte Oldenburg seinen Schwerpunkt auf großformatige Skulpturen von alltäglichen Dingen im öffentlichen Raum.

Häufig gestellte Fragen

Wer war Claes Oldenburg?

Der in Schweden geborene Claes Oldenburg war ein Bildhauer, der in Amerika lebte und vor allem für seine einfallsreichen und witzigen Rekonstruktionen von alltäglichen Dingen in großen öffentlichen Installationen sowie von weichen Materialien bekannt war. Oldenburg wird mit der Pop Art-Bewegung in Verbindung gebracht, mit Jasper Johns, Tom Wesselmann und Allan Kaprow. Seine frühen Ausstellungen umfassten Dinge aus Pappmaché, Bildern und Gips.

Welche Materialien verwendet Claes Oldenburg für seine Skulpturen?

Einige von Oldenburgs Skulpturen wurden aus Vinyl hergestellt, vor allem seine Soft Sculptures Serie, die riesige Reproduktionen von alltäglichen Dingen aus weichen und formbaren Materialien zeigt. Neben Vinyl verwendet Oldenburg auch Stoff, um seine Skulpturen zu konstruieren. Einige von Oldenburgs größeren Skulpturen wurden auch aus Stahl gefertigt. Einige von Oldenburgs Skulpturen, vor allem die komplizierteren und detaillierteren, wurden auch aus Holz gefertigt.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.