Edward Hopper – Einblick in das Schaffen des amerikanischen Malers

Edward Hopper stammte aus Nyack in New York und wurde am 22. Juli 1882 geboren. Der Künstler Hopper war vor allem für seine Ölgemälde im realistischen Stil bekannt, aber er war auch ein sehr fähiger Radierer und Aquarellmaler. Edward Hoppers Gemälde waren bekannt für ihre Darstellungen von Alltagssituationen, die subtil mit Dramatik und Metaphern überlagert waren, was zu vielen unterschiedlichen Interpretationen führte, was oft nicht in der Absicht des Künstlers lag.

Edward Hopper’s Biografie

Bevor wir einen Einblick in Edward Hoppers Kunstwerke und den Einfluss des Künstlers Hopper gewinnen können, müssen wir zunächst die Geschichte des Menschen Hopper verstehen. Wir beginnen mit der frühen Kindheit des Künstlers und entdecken dann die Schlüsselmomente, die zum Aufstieg seiner Popularität und Bewunderung führten, indem wir die Biografie von Edward Hopper erkunden.

Edward Hopper’s frühes Leben

Nördlich der Stadt New York fließt der Hudson River, an dessen Ufern Nyack liegt, ein kleines Dorf, das vor allem für seinen Yachtbau bekannt ist. Hopper wurde 1882 als Sohn von Elizabeth und Garret Hooper geboren und war eines von zwei Geschwistern. Die beiden Kinder wuchsen in einem disziplinierten religiösen Umfeld auf und der Haushalt war ein Matriarchat, in dem die vier Frauen, darunter die Mutter, die Schwester, die Großmutter und sogar das Hausmädchen, den Haushalt führten, da sein Vater ein eher milder Charakter war, der die Familie nicht sehr dominierte.

Edward Hopper war ein hervorragender Schüler in der Grundschule und ein hervorragender Illustrator, als er erst fünf Jahre alt war. Er übernahm schnell die akademischen Neigungen seines Vaters sowie dessen Wertschätzung der russischen und französischen Traditionen.

Ein Foto von Edward Hopper im Jahr 1937, im Alter von etwa 55 Jahren; Harris & Ewing, Fotograf, Public domain, via Wikimedia Commons

Er zeigte auch das kreative Talent seiner Mutter. Hoppers Familie unterstützte seine künstlerische Tätigkeit und stattete ihn mit einer Fülle von Ressourcen, lehrreichen Zeitschriften und grafischer Literatur aus. Im Alter von zehn Jahren begann er, seine Werke zu signieren und zu datieren. Die ältesten Edward Hopper-Zeichnungen sind Skizzen geometrischer Formen mit Kohle, wie z. B. ein Krug, eine Schüssel, ein Becher und Behälter. Die sorgfältige Untersuchung von Schattierung und Beleuchtung, die sich durch sein ganzes Leben ziehen sollte, ist in diesen frühen Zeichnungen zu erkennen.

Als er das Jugendalter erreicht hatte, arbeitete er bereits mit Feder, Kohle, Aquarell und Öl, skizzierte seine Umgebung und schuf politische Satire.

Rowboat in Rocky Cove, sein erstes charakteristisches Ölgemälde, wurde 1895 fertiggestellt, nachdem er es nach einem Druck in The Art Interchange, einer bekannten Zeitschrift für Malanfänger, vervielfältigt hatte. Andere frühe Ölgemälde von Edward Hopper, wie zum Beispiel Ships (1898), wurden als Reproduktionen von Werken von Malern wie Edward Moran und Bruce Crane erkannt.

Unterschrift des amerikanischen Malers Edward Hopper, gefunden in einem Brief von 1951; E. Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

In seinen frühen Selbstporträts stellte sich Hopper als dünn, ungepflegt und unattraktiv dar. Obwohl er ein großer und introvertierter Jugendlicher war, kam sein ausgeprägter Sinn für Humor in seinen Werken zum Ausdruck, meist in Darstellungen von Fremden oder Frauen, die Männer in komischen Situationen überwältigen. Später im Leben porträtierte er in seinen Werken hauptsächlich Damen. In der High School wollte er Schiffsarchitekt werden, aber nach seinem Abschluss verkündete er seine Entscheidung, einen künstlerischen Beruf zu ergreifen. Hoppers Familie drängte ihn dazu, kommerzielle Kunst zu betreiben, um eine ständige Einnahmequelle zu haben.

Ralph Waldo Emersons Ideen inspirierten Hopper bei der Entwicklung seines Selbstverständnisses und seiner unabhängigen Lebensphilosophie.

1899 begann Hopper seine Ausbildung zum Maler mit einem Postprogramm. Bald wechselte er an die School of Art and Design in New York. Dort studierte er sechs Jahre lang bei Professoren wie William Merritt Chase, der ihn in der Ölmalerei unterrichtete. Hoppers frühe Herangehensweise wurde sowohl von seinem Professor als auch von  französischen Impressionisten wie Edgar Degas und Édouard Manet beeinflusst.

Edward Hopper in Paris, 1907; Unbekannt, Public domain, via Wikimedia Commons

Das Zeichnen nach lebenden Modellen war für den religiös erzogenen Hopper schwierig und überraschend. Der Künstler Robert Henri, ein weiterer seiner Professoren, gab ihm Unterricht in Lebenskunde. Henri drängte seine Schüler dazu, mit ihrer Arbeit „einen Aufruhr in der Welt zu erzeugen“. „Es kommt nicht auf das Thema an, sondern darauf, wie du dich dabei fühlst“, sagte er seinen Schülern, „ignoriere die Kunst und schaffe Bilder von dem, was dich im Leben fasziniert.“ Auf diese Weise inspirierte Henri Hopper und drängte ihn dazu, seine Kunst mit einer zeitgenössischen Haltung zu versehen.

Während seiner Collegezeit schuf er außerdem zahlreiche Nacktbilder, Stillleben, Panoramen und Porträts, darunter auch Selbstporträts.

Hopper fand eine Teilzeitbeschäftigung bei einer Marketingfirma, wo er 1905 die Titelseiten von Fachzeitschriften entwarf. Hopper wuchs eine Abneigung gegen Illustrationen. Bis Mitte der 1920er Jahre war er aus finanziellen Gründen gezwungen, sie zu machen. Er flüchtete kurzzeitig, indem er dreimal nach Europa reiste, jedes Mal nach Paris, angeblich, um die dortige Künstlergemeinschaft zu studieren.

In Wirklichkeit arbeitete er allein und schien von den neuen künstlerischen Strömungen weitgehend unberührt zu sein. Später sagte er, er könne sich nicht erinnern, jemals von Picasso gehört zu haben. Er war ein großer Fan von Rembrandt, vor allem von seiner Nachtwache (1642), die er als „das Erstaunlichste“ bezeichnete, was er je gesehen hatte – „es ist in seinem Realismus unbegreiflich.“

Die Nachtwache (1642) von Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, via Wikimedia Commons

Hopper arbeitete zunächst mit einer dunklen Farbpalette und schuf urbane und architektonische Themen. Dann wechselte er zur helleren Farbpalette der Impressionisten, bevor er wieder zu seiner bevorzugten dunklen Farbpalette zurückkehrte. „Ich bin darüber hinweggekommen, und spätere Werke, die in Paris entstanden sind, entsprechen eher der Art von Sachen, die ich jetzt mache“, sagte Hopper später.

Hopper verbrachte viel Zeit damit, Straßen- und Bistroszenen zu malen und in die Oper und ins Theater zu gehen.

Anders als viele seiner Altersgenossen fühlte sich Hopper eher zur realistischen Malerei hingezogen als zu abstrakten kubistischen Versuchen. Später gab er zu, dass er sich in Europa nur von dem französischen Graveur Charles Meryon inspirieren ließ, dessen melancholische Pariser Landschaften er kopierte.

Periode der Entbehrungen

Nach seiner letzten Europatournee mietete Hopper einen Arbeitsplatz in New York City, wo er darum kämpfte, seinen eigenen Stil zu finden. Um seinen Lebensunterhalt zu bestreiten, griff er zähneknirschend auf das Zeichnen zurück. Als Freiberufler war er gezwungen, sich um Aufträge zu bewerben und an den Türen von Publikationen und Firmenbüros zu klingeln, um Arbeit zu bekommen.

Seine künstlerische Arbeit lag brach: „Es ist schwierig für mich, zu entscheiden, was ich schaffen soll. Manchmal habe ich Monate damit verbracht, es nicht zu entdecken. Es braucht Zeit.“

Edward Hopper ging 1912 auf der Suche nach Ideen nach Massachusetts und schuf seine ersten Landschaftsbilder in den Vereinigten Staaten. Squam Light war das erste von mehreren Leuchtturmbildern, die er schuf. Für sein Erstlingswerk, Sailing (1911), das er über ein älteres Selbstporträt gemalt hatte, erhielt Hopper 1913 bei der Armory Show 250 Dollar.

Edward Hoppers Atelier an der NYU; Razvan Dinu, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Hopper war 31 Jahre alt, und obwohl er davon ausging, dass sein erstes Geschäft in naher Zukunft weitere Geschäfte nach sich ziehen würde, dauerte es noch einige Jahre, bis sein Beruf in Schwung kam. Er beteiligte sich an Gruppenausstellungen an bescheidenen Orten, wie dem MacDowell Club in New York. Im nächsten Jahr wurde er eingestellt, um Kinoplakate zu entwerfen und die PR für das Filmgeschäft zu betreuen. Obwohl er die Illustration nicht mochte, war Hopper ein leidenschaftlicher Fan von Film und Theater, die er als Themen für seine Werke nutzte. Seine kompositorischen Ansätze wurden von beiden Formen inspiriert.

Im Jahr 1915 war Edward Hoppers Kunstwerk in eine Sackgasse geraten, und so begann die Produktion von Edward Hoppers Grafiken.

Nachdem er 1915 mit seinen Ölgemälden in eine Sackgasse geraten war, wandte sich Hopper der Radierung zu. Bis 1923 hatte er die meisten seiner rund 70 Werke in diesem Format fertiggestellt, von denen viele Großstadtansichten aus New York und Paris zeigten. Außerdem schuf er mehrere Banner für das Militär und arbeitete auch an seltenen kommerziellen Aufträgen. Auf Reisen nach Neuengland malte Hopper, wenn es die Zeit erlaubte, einige Ölgemälde im Freien, insbesondere in der Kunstkolonie auf Monhegan Island. Edwards Hoppers Grafiken erlangten in den frühen 1920er Jahren große Anerkennung.

Night on the El Train (1918) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Viele ähnliche Themen, die in seinem späteren Werk zu beobachten sind, finden sich auch hier wieder, wie z.B. die Darstellung von schweigenden Paaren (Night on the El Train), einfache maritime Szenen (The Catboat) und die Darstellung einer einsamen Frau, wie sie in Evening Wind zu sehen ist. Obwohl es harte Jahre für den Künstler waren, erhielt er einige Anerkennung für seine Arbeit, wie zum Beispiel 1918 einen Preis für sein Plakat für den Krieg mit dem Titel Smash the Hun.

Um diese Zeit herum begann er auch, seine Kunstwerke auf Ausstellungen zu zeigen, z.B. 1917 auf einer Ausstellung der Society of Independent Artists und 1920 und 1922 auf zwei Ausstellungen im Whitney Studio Club.

Edward Hoppers Kunstwerk bricht sich Bahn

1923 hatte der stetige Aufstieg des Künstlers Hopper zu einem Durchbruch geführt. Bei einem sommerlichen Kunstausflug in Massachusetts lernte er Josephine Nivison kennen, eine Malerin und frühere Schülerin von Robert Henri. Er war groß, zurückhaltend, schüchtern, introvertiert, kontemplativ und traditionell, während sie klein, extrovertiert, gesellig, aufgeschlossen und fortschrittlich war. Ein Jahr später heirateten sie.

„Mit Eddie zu reden ist oft so, als ob man einen Kieselstein in einen Brunnen wirft, nur dass er nicht auf den Boden aufschlägt“, bemerkte sie.

Sie zog ihren Beruf dem seinen vor und nahm seine zurückgezogenen Gewohnheiten an. Der Rest ihres Lebens drehte sich um ihr bescheidenes Haus in der Metropole und ihre Ferien auf Cape Cod’s South Truro. Sie kümmerte sich um seine Geschäfte und Auftritte, war sein großes Vorbild und seine lebenslange Partnerin.

The Art Student (1906) von Robert Henri, das Miss Josephine Nivison, später bekannt als Jo Hopper, darstellt; Robert Henri, Public domain, via Wikimedia Commons

Sechs von Edward Hoppers Gemälden aus Massachusetts wurden 1923 dank Nivisons Hilfe in eine Ausstellung im Brooklyn Museum aufgenommen. Eines davon, The Mansard Roof, wurde vom Museum für 100 Dollar für seinen ständigen Bestand erworben. Seine Arbeit wurde von den Kritikern allgemein gelobt; einer sagte: „Welcher Elan, welche Kraft und welche Unverblümtheit! Man bedenke, was man aus dem alltäglichsten Thema machen kann.“

Im nächsten Jahr versteigerte Hopper alle seine Aquarelle in einer Einzelausstellung und zog sich aus der Illustration zurück. Im Alter von 41 Jahren erntete Hopper mehr Anerkennung für seine Kunst. Er blieb seinem Beruf gegenüber nachtragend und lehnte später Auftritte und Preise ab.

Da seine finanzielle Sicherheit durch beständige Verkäufe gewährleistet war, konnte Hopper ein bescheidenes, stabiles Leben führen, während er in den nächsten vier Jahrzehnten weiterhin Werke auf seine eigene einzigartige Weise schuf.

Nighthawks (1942) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Während der Weltwirtschaftskrise ging es Hopper besser als vielen anderen Malern. Seine Popularität stieg 1931 sprunghaft an, als prominente Institutionen wie das Whitney Museum of American Art Tausende von Dollar für seine Bilder boten. 1930 mieteten die Hoppers ein Haus in South Truro, Cape Cod. Für den Rest ihres Lebens besuchten sie es jeden Sommer und errichteten schließlich 1934 dort ein Sommerhaus.

In den 1930er und frühen 1940er Jahren war Hopper sehr aktiv und veröffentlichte einige bemerkenswerte Werke wie Girlie Show (1941) und Nighthawks (1943). Am 15. Mai 1967 starb Hopper eines natürlichen Todes in seinem Atelier in New York City.

Edward Hoppers Kunstwerke und Stil

Wir haben nun die Anfänge von Edward Hoppers Zeichnungen als Kind sowie die ersten Entwicklungsstadien von Edward Hoppers Grafiken, Ölgemälden und Aquarellen behandelt. Jetzt werden wir einen tieferen Blick auf Edward Hoppers Kunstwerke und seinen Stil werfen.

Wir werden einen Blick auf die Vision und den Charakter von Edward Hoppers Gemälden werfen, die Methoden, die er verwendete, die Themen, die er erforschte, und den Einfluss seiner Kunstwerke.

Edward Hoppers Vision und Charakter

Hopper, der immer zögerte, sich selbst oder seine Kunst zu beschreiben, sagte einfach: „Die vollständige Erklärung ist in dem Gemälde enthalten.“ Hopper war ein strenger und nihilistischer Mann mit einem milden Sinn für Humor und einem geradlinigen Auftreten. Hopper wurde zu anti-narrativen Metaphern getrieben und „schuf kurze einsame Momente des Arrangements, die mit Andeutungen aufgeladen waren.“ Seine unbequemen Interaktionen und stillen Einstellungen „treffen uns dort, wo wir am empfänglichsten sind“, mit „einem Hauch von Traurigkeit, die dargestellt wird.“

Als er „den Puritaner in den Reinsten verwandelte, in seinen ruhigen Gemälden, in denen Makel und Anmut harmonieren“, zeigte sich sein Verständnis von Farbe als ein unverfälschter Künstler.

Gas (1940) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Er war ein authentischer lokaler Künstler, der mehr als jeder andere den Charakter Amerikas auf der Leinwand festhielt. In der Politik und im Zeitgeschehen traditionell (Hopper behauptete zum Beispiel, dass „die Biografien von Künstlern von denen diktiert werden sollten, die ihnen sehr nahe stehen“), tolerierte er die Dinge, wie sie waren, und hatte keinen Idealismus. Er war sehr belesen und gebildet, und viele seiner Werke zeigen Menschen, die lesen. In der Regel war er ein angenehmer Zeitgenosse und störte sich nicht an Zeiten des Schweigens, obwohl er manchmal mürrisch, reizbar oder distanziert sein konnte.

Er war sehr aufrichtig, was seine Arbeit und die Kunstwerke anderer anging, und wenn er gefragt wurde, gab er seine ehrliche Meinung ab.

In einem Statement für die Kunstzeitschrift Reality im Jahr 1953 schrieb Hopper: „Große Kunst ist die äußere Manifestation der inneren Existenz des Künstlers, die zu seiner persönlichen Sichtweise der Welt führt. Kein noch so geschicktes Maß an Erfindungsreichtum kann das entscheidende Element der Kreativität ersetzen. Einer der Fehler vieler abstrakter Kunstwerke ist der Versuch, die Innovationen der menschlichen Intelligenz durch eine private kreative Vorstellung zu ersetzen. Das Innenleben eines Menschen ist ein weites und vielfältiges Gebiet, in dem es um mehr geht als nur um aufregende Kombinationen von Farbtönen, Formen und Gestalten. Der Begriff ‚Leben‘ in der Kunst sollte nicht abgetan werden, denn er umfasst das ganze Leben, und die Aufgabe der Kunst ist es, darauf zu reagieren, anstatt es zu vermeiden.“

Hoppers künstlerische Methoden

Obwohl er vor allem für seine Ölgemälde bekannt ist, erlangte Hopper zunächst mit seinen Aquarellen Popularität, und er fertigte auch einige kommerziell lukrative Radierungen an. In seinen Tagebüchern finden sich auch hochwertige Bleistift- und Federzeichnungen, die nie für die Öffentlichkeit bestimmt waren. Hopper beschäftigte sich vor allem mit geometrischen Mustern und der akribischen Anordnung menschlicher Formen in angemessener Proportion zu ihrer Umgebung.

Er war ein systematischer und geduldiger Künstler; er sagte: „Es dauert lange, bis ein Konzept entsteht. Dann muss ich eine lange Zeit darüber nachdenken. Ich fange erst an zu arbeiten, wenn ich alles in meinem Kopf geplant habe. Wenn ich auf der Leinwand ankomme, geht es mir gut.“

Hoppers Ansätze verlassen sich stark auf den effizienten Einsatz von Schattierungen, um eine Stimmung zu erzeugen. Der helle Sonnenschein (als Zeichen der Erleuchtung) und die Schatten, die er erzeugt, spielen in Edward Hoppers Gemälden wie Summertime (1943), Sun in an Empty Room (1948) und Second-Story Sunlight (1960) auch eine allegorische Rolle. Sein Einsatz von Lichtern und Schatten wurde mit der Beleuchtung des Film Noir verglichen. Hopper war ein realistischer Künstler, aber sein „weicher“ Realismus reduzierte Formen und Nuancen. Er verwendete kräftige Farben, um Atmosphäre und Intensität zu erzeugen.

Second-Story Sunlight (1960) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Themen und Sujets

Hopper ließ sich für seine Motive vor allem von zwei Quellen inspirieren: zum einen von den allgegenwärtigen Aspekten des modernen Amerikas (Tankstellen, Lodges, Cafés, Theater, Eisenbahnen und Straßenbilder) und ihren Bewohnern und zum anderen von Meereslandschaften und Landschaften. Was seinen eigenen Stil angeht, so beschrieb sich Hopper selbst als „eine Mischung aus verschiedenen Kulturen“, der keine Methode, insbesondere nicht die „Ashcan School“, verfolgte. Trotz der verschiedenen Kunstmoden, die im Laufe von Hoppers langer Karriere kamen und gingen, blieb seine Malerei konstant und eigenständig.

Hoppers Seestücke lassen sich in drei Kategorien einteilen: reine Aussichten mit Klippen, Meer und Strandgräsern; Leuchttürme und Landhäuser; und Boote.

Ground Swell (1939) von Edward Hopper; Edward Hopper, CC0, via Wikimedia Commons

Gelegentlich mischte er diese Komponenten. Die meisten dieser Bilder zeigen helles Licht und angenehmes Wetter; Winter- oder Regenlandschaften oder periodische Farbveränderungen interessierten ihn nicht. Hopper interessierte sich auch für urbane Architektur und Stadtlandschaften.

„Unser nationales Design mit seiner schrecklichen Pracht, seinen seltsamen Dächern, pseudo-gotisch, Franco-Mansard, Imperial, Hybrid oder was auch immer, mit augenzwinkernden Farbtönen oder subtilen Harmonien verblassender Farbe, die sich gegenseitig in endlose Alleen tragen, die in Sümpfe oder Müllhalden abfallen“, sagte er.

1925 schuf er das House by the Railroad. Dieses berühmte Gemälde zeigt ein einsames viktorianisches Holzhaus, das teilweise von einer Bahnschranke verdeckt wird. Es war ein Wendepunkt in Hoppers kreativer Entwicklung. Lloyd Goodrich nannte das Bild „eines der herzzerreißendsten und deprimierendsten Werke des Realismus“.

Das Werk ist das erste in einer Reihe von rauen Landschafts- und Großstadtbildern, die mit scharfen Linien und großen Formen, die durch eine seltsame Beleuchtung hervorgehoben werden, die einsame Atmosphäre seiner Motive darstellen. Obwohl Kritiker und Betrachter in diesen Stadtlandschaften Bedeutung und Emotionen erkennen, behauptete Hopper: „Mir ging es mehr um den Sonnenschein auf der Architektur und auf den Personen als um irgendeine Bedeutung.“

House by the Railroad (1925) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Die meisten von Hoppers Figurenbildern konzentrieren sich auf das delikate Zusammenspiel von Menschen und ihrer Umgebung, egal ob es sich um einzelne Personen, Paare oder Gruppen handelt. Zu seinen wichtigsten emotionalen Motiven gehören Isolation, Einsamkeit, Gewissensbisse, Langeweile und Hingabe. Er vermittelt seine Gefühle in einer Vielzahl von Situationen, darunter am Arbeitsplatz, an öffentlichen Orten, in Wohnungen, auf der Straße und im Urlaub.

Hopper rahmt seine Figuren so ein, als ob sie kurz vor oder unmittelbar nach dem Höhepunkt eines Dramas aufgenommen wurden, als ob er Screenshots für einen Film oder Vignetten in einem Drama machen würde.

Cape Cod Evening (1939) ist eines seiner „Paar“-Kunstwerke. Auf dem ersten Bild ist ein junges Paar zu sehen, das sich entfremdet und ungesellig ist: Er liest die Zeitung und sie sitzt am Klavier. Der Betrachter nimmt die Position eines Voyeurs ein, der mit einem Fernrohr durch das Wohnungsfenster blickt, um die fehlende Verbindung des Paares zu beobachten. Im zweiten Bild beschäftigt sich ein älteres Paar, das sich wenig zu sagen hat, mit seinem Haustier, dessen Aufmerksamkeit von seinen Besitzern abgelenkt wird. Mit Excursion into Philosophy hebt Hopper das Beziehungskonzept auf eine neue Ebene. Ein Mann mittleren Alters lässt sich niedergeschlagen auf die Seite eines Bettes fallen.

Cape Cod Evening (1939) von Edward Hopper; National Gallery of Art, CC0, via Wikimedia Commons

Edward Hoppers Stellung in der amerikanischen Kunst

Hopper bediente sich einer Art von Realismus, die ein anderer berühmter amerikanischer Realist, Andrew Wyeth, übernommen hatte, indem er sich weitgehend auf ruhige Momente konzentrierte und nur sehr selten Bewegungen darstellte, aber Hoppers Ansatz unterschied sich völlig von Wyeths hyper-detaillierter Art. Hopper arbeitete mit einigen seiner Kollegen wie George Bellows und John Sloan zusammen, mied aber deren krasse Bewegung und Brutalität.

Während Georgia O’Keeffe und Joseph Stella die gigantische Architektur der Stadt romantisierten, reduzierte Hopper sie auf banale Geometrien, und er stellte den Rhythmus der Stadt als düster und gefährlich dar, statt als „schön oder verlockend“.

„Er erreicht eine so perfekte Wahrhaftigkeit, dass man in seine Darstellungen von Häusern und Ideen des New Yorker Lebens jede beliebige humanistische Konnotation hineininterpretieren kann“, bemerkte Charles Burchfield, den Hopper verehrte und mit dem er verglichen wurde. Er führte Hoppers Popularität auch auf seine „starke Individualität zurück; in ihm haben wir die robuste amerikanische Autonomie wiedergefunden, die uns Thomas Eakins gegeben hat, die wir aber eine Zeit lang verloren hatten“. Für Hopper war das ein großes Lob, denn er hielt Eakins für den besten amerikanischen Künstler.

Chop Suey (1929) von Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

Deborah Lyons meint: „Unsere persönlichen Erlebnisse finden häufig ein transzendentes Echo in seiner Kunst. Einmal betrachtet, koexistieren Hoppers Wahrnehmungen in unserem Bewusstsein mit unserer eigenen Realität. Wir werden einen bestimmten Gebäudestil immer als ein Hopper-Gebäude wiedererkennen, das vielleicht von einem Zauber durchdrungen ist, den Hopper in unserer eigenen Vorstellung verankert hat.“ Edward  Hoppers Kunstwerke bringen die scheinbar alltäglichen und routinemäßigen Ereignisse unseres Lebens ans Licht und geben ihnen eine neue Bedeutung.

Auf diese Weise verwandelt Hoppers Werk das raue amerikanische Terrain und einsame Tankstellen in ein Gefühl der exquisiten Erwartung.

Ausstellungen von Edward Hoppers Drucken und Gemälden

• Edward Hopper: The Art and the Artist wurde 1980 erstmals im Whitney Museum of American Art gezeigt und wanderte nach Amsterdam, Düsseldorf und London sowie nach Chicago und San Francisco. In dieser Ausstellung wurden zum ersten Mal seine Ölgemälde zusammen mit vorläufigen Edward Hopper-Zeichnungen gezeigt. Dies war der Beginn von Hoppers Ruhm in Europa und seiner internationalen Bekanntheit.
• Eine große Sammlung von Hoppers Gemälden wurde 2004 in ganz Europa gezeigt, unter anderem in der Tate Modern in London und im Museum Ludwig in Köln. In den drei Monaten, in denen die Ausstellung zugänglich war, wurden 420.000 Besucher gezählt; die Ausstellung in der Tate wurde die zweitgrößte in der Geschichte der Galerie.
• Das Museum of Fine Arts, Boston, zeigte 2007 eine Ausstellung, die sich auf Hoppers beste Werke (ca. 1925 bis Mitte des 20. Jahrhunderts) konzentrierte. Zu sehen waren dreißig Aquarelle, fünfzig Ölgemälde und zwölf Drucke, darunter die Fan-Favoriten Chop Suey, Nighthawks, und Lighthouse und Buildings. Die National Gallery of Art in Washington, das Museum of Fine Arts in Boston und das Art Institute of Chicago organisierten die Ausstellung.

Edward Hoppers Kunstwerke werden weiterhin regelmäßig auf der ganzen Welt ausgestellt und bewundert. Erst 2020 fand eine Ausstellung in der Fondation Beyeler statt. Von Edward Hoppers Zeichnungen als Kind über seine Aquarelle und Ölfarben bis hin zu Edward Hoppers Druckgrafiken – seine meisterhaften und doch traurigen Kunstwerke sind ein ehrlicher und einzigartiger Blick auf das amerikanische Leben.

Häufig gestellte Fragen

Wofür waren Edward Hoppers Gemälde berühmt?

Der Künstler Hopper wird oft als der wichtigste realistische Maler des 20. Obwohl Hopper auch mit Druckgrafik und Aquarellfarben arbeitete, sind seine Ölgemälde vor allem dafür bekannt, dass sie ein Gefühl von Trauer oder Einsamkeit vermitteln. Seine Wahrnehmung der Realität war jedoch subjektiv, da er seine eigene Stimmung in den trostlosen Stadtlandschaften wiedergab.

Litt der Künstler Hopper an Depressionen?

Edward Hopper war ein sehr kontemplativer Mensch. Gerüchten zufolge kämpfte Hopper mit Depressionen und die Isolation der Menschen in vielen seiner Werke (auch wenn sie sich in Menschenmengen befanden) stellte seine eigene Melancholie dar. Edward Hoppers Ausgangsmaterial und seine Arbeitsweise blieben im Laufe seines 60-jährigen Wirkens ähnlich. Er starb jedoch eines natürlichen Todes.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.