Pablo Picasso Bilder

Pablo Picasso Bilder – Seine 10 Wichtigstens Gemälde

Pablo Picasso ist wohl der wichtigste Künstler der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Picassos Kunst zeigt ein vielfältiges Spektrum, das das Ergebnis seiner Entschlossenheit ist, für jedes künstlerische Werk kritisch zu prüfen, welche Form und Methodik am besten geeignet ist, um die größte Wirkung zu erzielen, und nicht, weil er seinen Stil im Laufe seiner Karriere stark verändert hat. Von den frühen Picasso-Werken bis zu Pablo Picassos letztem Gemälde waren seine Kreationen dazu bestimmt, als einige der größten Kunstwerke, die je geschaffen wurden, in das Patchwork der Menschheit eingewoben zu werden.

 

 

Eine Einführung in Pablo Picasso

 

NationalitätSpanisch
Geburtsdatum25. Oktober 1881
Todesdatum8. April 1973
GeburtsortMalaga, Spanien

Pablo Picasso schuf im Laufe seiner langen Karriere etwa 20.000 Skizzen, Gemälde und Skulpturen, aber auch Kostüme und Theaterkulissen. Dank der berühmten Gemälde von Picasso hatte sich der legendäre Maler bereits vor seinem 50. Lebensjahr als die bekannteste Person der modernen Kunst mit dem erkennbarsten Stil und Geschmack für künstlerische Kreativität hervorgetan.

Sehr wenige Maler hatten einen so massiven Einfluss auf die Kunstwelt oder genossen einen so guten Ruf bei Liebhabern und Gegnern wie Picasso.

picasso gemaeldePortraitfoto von Pablo Picasso vor seinem Gemälde Der Aficionado (Kunstmuseum Basel) in der Villa les Clochettes, Sorgues, Frankreich, Sommer 1912; Anonymer unbekannter Autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Doch bevor wir uns näher mit den Zeichnungen und Gemälden von Pablo Picasso befassen, wollen wir dir zunächst den Künstler vorstellen. Er wird oft als einer der bedeutendsten und berühmtesten Maler des 20. Jahrhunderts genannt. Er gilt als Mitbegründer der kubistischen Bewegung und neben Georges Braque als ästhetischer Vorreiter. Der Kubismus war eine populäre Bewegung, die das Gesicht der europäischen Malerei und Bildhauerei, aber auch der Architektur, Musik und Schriftstellerei zum Positiven veränderte. Kubistische Motive und Objekte werden abstrakt demontiert und rekonstruiert.

Paul Cézanne und Vincent van Gogh sowie antike und einheimische Kunst gehören zu den Inspirationen, die Picasso um 1907 dazu brachten, seinen Figuren mehr Schwere und Form zu geben.

Sie führten ihn schließlich zum Kubismus, in dem er die perspektivischen Regeln der Renaissancemalerei untergrub. Picasso und Braques schufen in dieser Zeit einen Stil, der weitgehend neutrale Töne verwendete und sich darauf konzentrierte, Objekte zu „zerlegen“ und sie in Bezug auf ihre Formen zu „bewerten“. Der Kubismus hatte einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der westlichen Kunst, vor allem die zweite Version, die als Synthetischer Kubismus bekannt ist.

Pablo Picasso BilderBesucher bewundern Picassos Femme nue devant le jardin („Nackte Frau vor dem Garten“, 1956) im Stedelijk Museum, 1981; Hans van Dijk für Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Zwischen 1910 und 1920, als Picasso und Braque in Frankreich den Grundstein für den Kubismus legten, war ihr Einfluss so groß, dass er in anderen Ländern Ableger wie Dada, Konstruktivismus und Futurismus hervorbrachte.

Picasso ist auch als Miterfinder der Collagekunst und als Erfinder der konstruierten Skulptur bekannt.

Dieser revolutionäre Kunststil brachte die Zivilisation zu gesellschaftlichen Fortschritten in den Bereichen Druck, Malerei, Bildhauerei und Keramik, indem er Dinge aktiv manipulierte, die zuvor noch nie geschnitten oder geformt worden waren. Es handelte sich dabei nicht einfach um Kunststoffe, sondern um Dinge, die auf vielfältige Weise geformt werden konnten. Gips, Metalle und Holz wurden von Künstlern verwendet, um einzigartige Skulpturen zu schaffen, die es vorher noch nie gegeben hatte.

pablo picasso kunstwerkeMann mit Lamm (1943-1944) von Pablo Picasso, Philadelphia Museum of Art; Regan Vercruysse aus Stewartsville, New Jersey, USA, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

 

 

Berühmte Picasso-Gemälde

Pablo Picassos Auseinandersetzung mit dem Kubismus führte zur Erfindung der Assemblage, in der er die Idee des Sichtbaren als Fenster zu den Dingen der Welt aufgab und sie stattdessen als eine Organisation von Symbolen betrachtete, die verschiedene, oft allegorische Techniken verwendeten, um sich auf diese Dinge zu beziehen. Das hatte weitreichende Folgen für die kommenden Jahre.

Picasso hatte einen facettenreichen Zugang zur Form, und während berühmte Picasso-Gemälde zu jeder Zeit durch eine einzige dominante Technik gekennzeichnet waren, wechselte er regelmäßig zwischen verschiedenen Ansätzen, manchmal sogar innerhalb desselben Werks.

Der Surrealismus wirkte sich nicht nur auf die zarten Konturen und die subtile Sinnlichkeit der Bilder seiner Freundin aus, sondern auch auf die aggressiv fragmentierte Ikonografie seiner Kunstwerke aus der Kriegszeit. Picasso war immer bestrebt, sich in der Zeit zu profilieren, und einige seiner bekanntesten Werke verweisen auf eine Vielzahl von Vorläufern aus der Vergangenheit – selbst wenn sie unterlaufen werden. Je älter er wurde, desto mehr war er darauf bedacht, sein Erbe zu bewahren, und spätere berühmte Picasso-Gemälde waren von einem offenen Dialog mit alten Meistern geprägt.

pablo picasso werkePablo Picasso, 1962; Argentinien. Revista Vea y Lea, Public domain, via Wikimedia Commons

 

Die Suppe(1903)

Datum der Fertigstellung1903
MediumÖl auf Leinwand
Abmessungen38 cm x 46 cm
OrtArt Institute of Chicago

Dies ist eines der frühen Picasso-Werke auf unserer Liste. Dieses Gemälde zeigt Picassos tiefe Verzweiflung während seiner Blauen Periode. Es entstand zur gleichen Zeit wie eine Reihe anderer Werke, die sich mit den Themen Entbehrung, Alter und Behinderung beschäftigen. Picassos Kunstwerk drückt seine Besorgnis über die schrecklichen Ereignisse aus, die er als Kind in Spanien miterlebt hat, und ist eindeutig von der religiösen Kunst beeinflusst, mit der er aufgewachsen ist, vor allem von der Kunst El Grecos. Nichtsdestotrotz ist das Gemälde repräsentativ für die größere Symbolismus-Bewegung der damaligen Zeit.

Ungeachtet der Tatsache, dass viele dieser Bilder berühmt und natürlich auch sehr teuer sind, beschrieb Picasso seine Werke der Blauen Periode schließlich als „nichts als Gefühl“. Die Kritiker stimmten ihm im Allgemeinen zu.

 

Porträt von Gertrude Stein (1905)

Datum der Fertigstellung1905
MediumÖl auf Leinwand
Abmessungen100 cm x 83 cm
StandortMetropolitan Museum of Art

Gertrude Stein, Picassos Autorin, enge Mitarbeiterin und sogar Wohltäterin, war wichtig für seine künstlerische Entwicklung. Dieses Gemälde, auf dem Stein die von ihr bevorzugte bräunliche Samtjacke trägt, markiert einen Wendepunkt in seiner Technik. Die Konturen dieses Bildes wirken im Vergleich zu dem flachen Aussehen anderer Gemälde der Blue and Rose Periode geradezu gemeißelt und wurden durch das Studium alter iberischer Skulpturen durch den Schöpfer beeinflusst.

Picassos wachsende Faszination für das Gesicht eines Menschen, das als eine Abfolge von flachen Flächen dargestellt wird, ist offensichtlich.

Stein behauptete, 90 Mal vor Picasso gesessen zu haben, und obwohl das übertrieben sein mag, kämpfte Picasso eindeutig lange mit der Darstellung ihres Kopfes. Eines Tages stellte er ihn komplett her und erklärte: „Ich kann dich nicht mehr erkennen, wenn ich dich anschaue“, und gab das Bild schließlich auf, nachdem er es mehrmals versucht hatte und gescheitert war. Er vollendete den Kopf lange Zeit nicht, aber er tat es ohne die Person, die vor ihm stand.

 

Les Demoiselles d’Avignon (1907)

Datum der Fertigstellung1907
MediumÖl auf Leinwand
Abmessungen243 cm x 233 cm
StandortMuseum für Moderne Kunst

Selbst Picassos engste künstlerische Zeitgenossen waren von diesem Werk schockiert, sowohl was das Thema als auch was die Technik angeht. Das Konzept der nackten Frauen war nicht ungewöhnlich, aber Picassos Darstellung der Mädchen als Prostituierte in offenkundig sexuellen Posen war einzigartig. Die maskenartigen Gesichter von drei der Figuren verraten Picassos Vorliebe für die iberische und indigene Kunst und implizieren, dass ihre Sinnlichkeit nicht nur aggressiv, sondern auch primitiv ist.

Pablo Picasso ging mit seinen räumlichen Studien sogar noch weiter, indem er die Renaissance-Illusion der Dreidimensionalität zugunsten einer stark abgeflachten, in geometrische Teile zerlegten Bildebene aufgab, eine Technik, die Picasso von Paul Cézannes Pinselführung entlieh.

Der Oberschenkel der Frau auf der linken Seite ist zum Beispiel so dargestellt, als würde man ihn aus mehreren Blickwinkeln gleichzeitig sehen; es ist unmöglich, das Bein von dem leeren Raum drumherum zu unterscheiden, so dass der Eindruck entsteht, beide stünden im Vordergrund. Als das Foto schließlich 1916 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde, galt es weithin als unmoralisch. Braque ist einer der wenigen Maler, die es 1907 gründlich studierten, was zu seinen kubistischen Werken mit Picasso führte.

Es wird als Proto- oder Prä-Kubismus anerkannt, da es einige der Merkmale des Kubismus vorwegnahm.

 

Stillleben mit Stuhlkanone (1912)

Datum der Fertigstellung1912
MediumÖl auf Leinwand
Abmessungen29 cm x 37 cm
OrtNational Gallery, London

Dieses bekannte Werk wird oft als die erste Collage in der modernen Kunst angesehen. Picasso hatte schon vorher Objekte in seine Werke eingebaut, aber hier tat er es zum ersten Mal mit einer so komödiantischen und dramatischen Absicht. Wie der Name des Werks schon andeutet, ist der Stuhl in dem Gemälde in Wirklichkeit ein bedruckter Stoff und kein echter Rohrstock. Das Seil, das sich um das Gemälde wickelt, ist dagegen ganz echt und dient dazu, die geschnitzte Umrandung eines Cafétisches zu imitieren. Das Gemälde kann auch als eine Glasscheibe betrachtet werden und der Stuhl als die tatsächliche Sitzgelegenheit, die man durch den Tisch hindurch sehen kann.

Als Ergebnis verzerrt das Kunstwerk nicht nur den visuellen Raum radikal, wie es für Picassos Experimente charakteristisch ist, sondern verwirrt auch unser Verständnis von dem, was wir betrachten.

 

Schale mit Obst, Geige und Flasche (1914)

Datum der Fertigstellung1914
MediumÖl auf Leinwand
Abmessungen92 cm x 73 cm
OrtNational Gallery, London

Dieses Gemälde ist ein Beispiel für den Synthetischen Kubismus, bei dem er verschiedene Methoden anwendet, um auf die dargestellten Objekte anzuspielen, z. B. gemalte Punkte, Schatten und Sandkörner. Picasso „synthetisierte“ Texturen in diesem Gemälde, indem er die vorhandenen Materialien geistig dekonstruierte und so ein Ganzes schuf.

Picasso schränkte während seiner analytisch-kubistischen Periode die Farbe ein, um sich mehr auf die Formen und Dimensionen der Dinge zu konzentrieren, was sich auf die Wahl seiner Stillleben in dieser Zeit auswirkte.

Das Caféleben fasste für den Maler eindeutig das aktuelle Pariser Leben zusammen – er verbrachte dort viel Zeit damit, mit Malern zu sprechen -, aber die grundlegende Auswahl an Gegenständen sorgte auch dafür, dass metaphorische Sorgen vermieden werden konnten.

 

Ma Jolie (1912)

Datum der Fertigstellung1912
MediumÖl auf Leinwand
Abmessungen100 cm x 64 cm
StandortMuseum für Moderne Kunst

Ein weiteres der berühmtesten Picasso-Gemälde, Ma Jolie, treibt die Experimente des Künstlers in neue Bereiche, indem es die Grenze zwischen hoher Kunst und Populärkultur überschreitet. Indem er die Farbe reduziert und die Anmutung von Flachreliefs verstärkt, nähert sich Picasso der Abstraktion und baut auf den geometrischen Konturen früherer Werke auf. Picasso hingegen verwendete gemalte Worte als Teil seiner Leinwand. Durch die Wahl einer Werbeschriftart verdichtet das Wort „ma Jolie“ auf der Vorderseite nicht nur das Feld, sondern setzt das Kunstwerk auch in Beziehung zu einer Werbetafel.

Es ist das erste Mal, dass ein Maler Aspekte der Populärkultur offen in die bildende Kunst einfließen lässt.

Es wurde auch als Name eines damals bekannten Liedes und als Picassos Pseudonym für seine Verlobte verwendet, was das Bild noch enger mit der Populärkultur verband. Die Figur der Ma Jolie besteht aus wechselnden Ebenen. Der analytische Kubismus ist dadurch gekennzeichnet.

Picasso und Georges Braque haben eine ähnliche künstlerische Handschrift. Beide Künstler verwendeten gleichzeitig eine Vielzahl von gegenständlichen Techniken.

Eine markante dreieckige Masse in dem Kunstwerk bezeichnet ihren Kopf und Körper. Picasso stellte die Saiten einer Gitarre dar, indem er vertikale Linien in der unteren Mitte gruppierte. Die Frau, die dieses Instrument zupft, schafft ein Bild, mit dem sich viele Menschen identifizieren können.

 

 Die drei Musikanten(1921)

Datum der Fertigstellung1921
MediumÖl auf Leinwand
Abmessungen204 cm x 188 cm
StandortPhiladelphia Museum of Art

Die Musiker-Gemälde von Pablo Picasso gab es in zwei Varianten. Diese kleinere Version ist im Museum of Art in Philadelphia zu sehen, obwohl beide für Picassos kubistische Phase gigantisch sind. Möglicherweise entschied er sich dafür, in so großem Maßstab zu malen, um an das Ende seines Synthetischen Kubismus zu erinnern, der ihn über zehn Jahre lang beschäftigt hatte. Es entstand in der gleichen Jahreszeit wie das klassische Werk Drei Frauen im Frühling (1921), das ganz anders ist.

Picasso sitzt in der Mitte, wie immer der Harlekin, mit Max Jacob und Guillaume Apollinaire auf jeder Seite, von denen er sich entfremdet hatte.

In einer kleinen, kastenförmigen Kammer stellt Picasso drei Musiker dar, die aus flachen, farbenfrohen abstrakten Formen bestehen. Links steht ein Klarinettist, in der Mitte ein Gitarrist und rechts eine Sängerin mit Notenblättern in der Hand. Sie sind als bekannte Figuren kostümiert, darunter Pierrot in einem blau-weißen Outfit, der Harlekin in einem gelb-orange gemusterten Kostüm und ein Mönch auf der rechten Seite. Vor Pierrot liegt eine Tischplatte mit einer Pfeife und anderen Gegenständen, und unter ihm befindet sich ein Hund, dessen Bauch, Beine und Hinterteil unter den Beinen des Darstellers hervorlugt.

Alles in diesem Bild besteht aus flachen Formen, genau wie die Bühne, auf der die drei Darsteller spielen.

Der braune Boden hinter den Musikern befindet sich an einer bestimmten Stelle und erstreckt sich deutlich mehr nach links als nach rechts. Der schiefe Raum entsteht durch den Boden und die flachen Wände, die die Aufnahme einrahmen, aber die Musiker scheinen stabil zu sein. Weil sich die Formen, aus denen sie bestehen, überkreuzen und überlappen, als wären sie Papierausschnitte, ist es schwer zu bestimmen, wo ein Musiker beginnt und ein anderer aufhört.

 

Drei Frauen an der Quelle (1921)

Datum der Fertigstellung1921
MediumÖl auf Leinwand
Abmessungen204 cm x 174 cm
StandortMuseum für Moderne Kunst

Um diese, seine komplexeste Darstellung eines antiken klassischen Themas zu malen, führte Picasso eine bedeutende Studie durch. Es zollt früheren Werken von Poussin und Ingres, zwei Titanen der traditionellen Malerei, Respekt, nimmt aber auch Elemente aus griechischen Skulpturen auf, und das massive Gewicht der Figuren ist extrem skulptural. Kritikern zufolge zog ihn das Thema wegen der Geburt seines ersten Sohnes an, und die melancholische Stimmung der Figuren lässt sich durch die aktuelle Faszination Frankreichs für das Gedenken an die Gefallenen des Ersten Weltkriegs erklären.

Die ursprüngliche, frühmediterrane Stimmung dieses schönen Gemäldes ist ein weiteres farbenfrohes Beispiel für Picassos riesige neoklassische Figuren.

Die drei Damen erscheinen aus der felsigen Landschaft wie massive Reliefskulpturen, deren gemeißelte Züge und übertrieben statuarische Umrisse an späte oder provinzielle hellenistische Formen erinnern. Die stark behauenen Gesichtszüge und die tief eingegrabenen Linien, die die Falten der Kleider andeuten sollen, stehen im Kontrast zu den ungewöhnlichen Rundungen der Körper.

Das verstärkte Relief, das durch die vergrößerte Breite dieser Falten und den dramatischen Farbauftrag entsteht – silbrig im Kontrast zum hellen Blau – kontrastiert mit dem braun-orangenen Hintergrund der Felsen.

 

Guernica (1937)

Datum der Fertigstellung1937
MediumÖl auf Leinwand
Abmessungen250 cm x 777 cm
StandortMuseo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Picasso schuf dieses Gemälde aus Protest gegen die Bombardierung der baskischen Stadt Guernica am 26. April 1937, während des Spanischen Bürgerkriegs. Es entstand in weniger als einem Monat und war der Mittelpunkt der Ausstellung für Spanien auf der Pariser Weltausstellung 1937. Danach wurde es in Spanien bis zum Sturz des Militärtyrannen Francisco Franco im Jahr 1975 verboten, obwohl es während der Ausstellung für viel Aufsehen sorgte. Viele Stunden wurden damit verbracht, die Bedeutung des Gemäldes zu verstehen, und einige glauben, dass das leidende Pferd in der Mitte des Bildes die Spanier darstellt.

Dieses Werk gilt als eine Mischung aus pastoralen und epischen Genres. Das Fehlen von Farbe verstärkt die Dramatik und verleiht dem Bild eine journalistische Anmutung, die der einer Fotografie ähnelt.

Die Interpretationen von Guernica sind vielfältig und oft widersprüchlich. Das gilt auch für die beiden prominentesten Teile des Wandgemäldes, den Stier und das Pferd. Patricia Failing, eine Kunsthistorikerin, erklärt: „In der spanischen Kultur sind der Stier und das Pferd prominente Figuren. Picasso hat diese Figuren zu seinen Lebzeiten sicherlich in verschiedenen Rollen eingesetzt. Das macht es äußerst schwierig, die genaue Bedeutung des Stiers und des Pferdes zu entschlüsseln.

Ihre Verbindung ist ein Ballett, das sich Picasso im Laufe seiner Karriere in verschiedenen Formen vorgestellt hat.“ Einige Gegner raten davon ab, die politische Botschaft von Guernica zu glauben. Der tobende Stier zum Beispiel, der in diesem Werk ein bedeutendes Symbol der Verwüstung ist, ist schon früher als Picassos Alter Ego aufgetreten, sei es als Stier oder als Minotaurus. In diesem Fall steht der Stier jedoch höchstwahrscheinlich für den Angriff des Faschismus.

Picasso erklärte, dass es Grausamkeit und Dunkelheit symbolisiert, was offenbar ein Hinweis auf sein prophetisches Werk ist.

Er sagte auch, das Pferd symbolisiere das Volk von Guernica. Picassos Geist des Patriotismus und der Gerechtigkeit triumphierte über seinen tatsächlichen Standort. Als die Nazis 1937 das spanische Dorf Guernica angriffen, hatte er sein eigenes Land seit mehreren Jahren nicht mehr besucht. Zu dieser Zeit hielt er sich in Paris auf und kehrte nie in seine Heimatstadt zurück. Trotzdem erschütterte der Angriff, dem vor allem Frauen und Kinder zum Opfer fielen, den Künstler bis ins Mark.

 

Selbstporträt im Angesicht des Todes (1972)

Datum der Fertigstellung1972
MediumKreide
Abmessungen65 cm x 50 cm
StandortMuseo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Dies ist nicht nur eines von Picassos Porträts, sondern auch eines der allerletzten Gemälde von Picasso. Picasso hat bis zu seinem Tod im Alter von 91 Jahren gemalt, und die Jahre davor waren geprägt von seiner ungeheuren Produktion. Pablo Picassos letztes Gemälde war ein Buntstiftgemälde auf Papier, dessen Entstehung mehrere Monate dauerte und das zu den berühmtesten Werken seiner späten Karriere gehört.

Picasso „hielt die Zeichnung neben sein Gesicht, um zu betonen, dass der Ausdruck des Schreckens eine Erfindung war“, so Picassos Weggefährte Pierre Daix, der hinzufügte, dass die Zeichnung, als er Monate später in Picassos Werkstatt zurückkehrte, noch gröbere Linien bekommen hatte.

Daix schrieb: „Er hat nicht geblinzelt. Ich hatte das verblüffende Gefühl, dass er, wie ein guter Spanier, seiner eigenen Sterblichkeit ins Gesicht blickte.“ Die ultimative Wiedergabe von Picassos Porträts, die in mulmigem Grün und milchigem Rosa gehalten sind, ist wie eine Maske der Angst. Die großen Augen der Person durchbohren den Betrachter, was bedeutet, dass er seinen bevorstehenden Tod nicht akzeptiert.

 

Damit ist unser Blick auf die Zeichnungen und Gemälde von Pablo Picasso beendet. Um 1907 trieb eine Reihe von Einflüssen, von Van Gogh bis hin zur Stammeskunst, Picasso dazu, seinen Figuren mehr Gewicht und Struktur zu verleihen. Das alles führte ihn schließlich zum Kubismus, mit dem er sich über die perspektivischen Konventionen der Renaissance in der Kunst hinwegsetzte.

 

 

 

Häufig gestellte Fragen

 

Wer ist Pablo Picasso?

Pablo Picasso gilt gemeinhin als einer der bedeutendsten und bekanntesten Künstler des 20. Jahrhunderts. Er gilt als kreativer Trendsetter und als Mitbegründer der kubistischen Ästhetik. Der Kubismus war eine bedeutende Bewegung in Europa, die die Malerei und die Bildhauerei, aber auch die Architektur, die Musik und die Poesie verbesserte. Kubistische Ideen und Objekte werden abstrakt seziert und rekonstruiert.

 

Was war bedeutsam an Pablo Picassos Kunst?

Die berühmtesten Gemälde Picassos erforschten eine Technik, die meist neutrale Töne verwendete und sich darauf konzentrierte, die Dinge auseinander zu nehmen und sie im Hinblick auf ihre Formen zu bewerten. Der Kubismus hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung der Kunst in der westlichen Welt, insbesondere auf die zweite Version, die als Synthetischer Kubismus bezeichnet wird. Als Picasso 1910 den Kubismus begründete, war sein Einfluss so groß, dass er Ableger wie die Dada-Bewegung hervorbrachte.

 

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