Frida Kahlo Gemälde und Werke – Ihre 14 bekanntesten Bilder

Frida Kahlo gilt aufgrund ihres ausgeprägten Charakters und ihres vielfältigen Hintergrunds als Volksheldin. Sie ist zu einem Symbol für weibliche Willenskraft, eine Leidenschaft für Mexiko und seine Geschichte und Hartnäckigkeit im Angesicht von Widrigkeiten geworden. Vor allem aber war sie eine authentische Frau, die fest zu ihren Überzeugungen stand. Frida Kahlos originelle Gemälde hatten meist sehr persönliche Themen und vermischten Realität und Fantasie. Wenn du dich schon einmal gefragt hast: „Wofür ist Frida Kahlo bekannt?“, dann bist du hier genau richtig. Wir werfen einen kurzen Blick auf ihr Leben und Frida Kahlos berühmteste Gemälde.

Wer ist Frida Kahlo?

Frida Kahlo war eine mexikanische Künstlerin, die in ihren Gemälden verschiedene Themen wie Rasse, Geschlecht und Sexualität erforschte. Sie ist bekannt für ihre provokativen und oft autobiografischen Werke und gilt heute als feministische Ikone und berühmte Künstlerin.

Ein Druck von Frida Kahlo, 1932; Guillermo Kahlo, Public domain, via Wikimedia Commons

Sie wurde 1907 im Blauen Haus in Coyoacan, einem Dorf am Rande von Mexiko-Stadt, geboren. Ihr Vater, Wilhelm, stammte aus Deutschland und war in seiner Jugend nach Mexiko ausgewandert, wo er für den Rest seines Lebens lebte und schließlich das Fotounternehmen seiner Familie übernahm. Matilde, Frida Kahlos Mutter, war eine Mischung aus mexikanischer und spanischer Abstammung und zog Frida und ihre jüngeren Geschwister in einem disziplinierten und frommen Elternhaus auf.

Kahlo behauptete immer, 1910 geboren zu sein, im selben Jahr wie die Revolution in Mexiko, damit andere sie mit dem heutigen Mexiko in Verbindung bringen konnten.

Diese Einsicht enthüllt uns eine einzigartige Persönlichkeit, die seit ihrer Kindheit von einem tiefen Gefühl der Autonomie und des Trotzes gegen die üblichen moralischen und sozialen Praktiken geprägt war, die von Hingabe und Leidenschaft bewegt wurde, die ihre „Mexicanidad“ und ihre traditionellen Überzeugungen gegen die herrschende Amerikanisierung verteidigte und dabei einen ausgeprägten Sinn für Humor bewahrte.

Matilde, Adriana, Frida und Cristina Kahlo (1916); Guillermo Kahlo, Public domain, via Wikimedia Commons

Ihr Leben war von schweren Schmerzen geprägt, beginnend mit Kinderlähmung im Alter von fünf Jahren und später gefolgt von einem Busunfall, der zu erheblichen Schäden an ihrem Körper führte. Viele ihrer Meisterwerke entstanden, als sie sich im Bett ausruhte. Kahlos Gemälde sind typischerweise von Qualen geprägt, die sie aufgrund ihrer persönlichen Traumata, Verluste und zahlreichen Operationen erlitt. 55 der 143 Kunstwerke sind Selbstporträts von Frida Kahlo, die häufig allegorische Darstellungen von körperlichen und seelischen Narben enthalten.

Als jugendliche Malerin nahm Kahlo Kontakt mit dem legendären mexikanischen Künstler Diego Rivera auf, der anerkannte, dass Frida Kahlos Kunststil wirklich originell und unverwechselbar mexikanisch war.

Sie heirateten 1929, gegen den Unmut von Kahlos Familie, trennten sich und heirateten 1940 erneut. Sie hatte mehrere Partner, sowohl männliche als auch weibliche, darunter Leo Trotzki und die Frau von André Breton. Nur wenige Tage vor ihrem Tod am 13. Juli 1954 notierte sie in ihrem Tagebuch: „Ich hoffe, der Abschied ist angenehm – und ich wünsche mir, nie wieder zurückzukommen – Frida.“ Im offiziellen Bericht der Gerichtsmedizin wurde eine Lungenembolie als Todesursache angegeben, obwohl einige spekulierten, dass sie an einer versehentlichen Überdosis starb.

Selbstporträt (1941) von Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Ein Blick auf die wichtigsten Frida-Kahlo-Gemälde

Nachdem wir nun ein besseres Verständnis für die Person haben, ist es an der Zeit, in Frida Kahlos berühmte Gemälde einzutauchen. Sie geben uns einen Einblick in die Bedeutung von Frida Kahlos Kunststil und ihre Beweggründe. Diese Gemälde von Frida Kahlo geben auch einen noch tieferen Einblick in ihre Psyche und Gedanken als ihre Biografie.

Frieda und Diego Rivera (1931)

Es ist, als würde Kahlo in diesem Bild die Rolle der Hausfrau ausprobieren, um zu sehen, wie sie ihr steht. Sie kümmert sich nicht um ihren Status als Künstlerin, sondern spielt lieber eine unterwürfige und unterstützende Rolle, indem sie die Hand ihres kreativen und berühmten Ehemanns ergreift. Es stimmt, dass Kahlo die meiste Zeit ihres künstlerischen Schaffens im Schatten von Rivera stand, und erst später in ihrem Leben wurde sie weithin berühmt. Dieses frühe Doppelporträt wurde hauptsächlich zur Erinnerung an Kahlos Hochzeit mit Rivera geschaffen.

Während Rivera eine Palette und einen Pinsel hält, Symbole seines kreativen Könnens, beschränkt sich Kahlo auf die Position ihres Ehepartners, indem sie sich selbst in einem kleinen Rahmen und ohne ihr kreatives Zubehör darstellt.

Kahlo erscheint auch in der üblichen mexikanischen Frauenkleidung, mit dem typischen purpurroten Mantel, dem Rebozo, und Jadeschmuck. Die Haltung der Figuren ähnelt der von üblichen Eheporträts, bei denen die Frau links von ihrem Gatten steht, um ihre niedrigere soziale Stellung als Frau zu symbolisieren. In einer Skizze aus dem nächsten Jahr mit dem Titel Frida und die Fehlgeburt greift die Malerin zu ihrer persönlichen Palette, als ob das Trauma, ein Kind zu verlieren und keine Familie gründen zu können, ihren Fokus ganz auf die Produktion von Kunst lenkt.

Henry Ford Hospital(1932)

Eine große Anzahl von Frida Kahlos Gemälden aus den 1930er Jahren ist vor allem im Maßstab, im Format, in der strukturellen Lage und in der räumlichen Konfiguration mit theologischen Ex-voto-Kunstwerken verwandt, von denen sie und Rivera über viele hundert Jahre hinweg eine bedeutende Bibliothek besaßen. Ex-Votos werden in Tempeln oder Denkmälern als Zeichen des Dankes für eine Erlösung, eine erhörte Bitte oder ein abgewendetes Unglück hinterlegt.

Ex-Votos werden oft auf winzigen metallischen Oberflächen angefertigt und zeigen sowohl das Ereignis als auch die Jungfrau oder die Heiligen, denen sie überreicht werden.

Kahlo wendet die Ex-Voto-Methode an, unterläuft sie aber, indem sie sich selbst in den Mittelpunkt stellt, anstatt die wundersamen Taten der Märtyrer im Henry Ford Hospital zu dokumentieren. Stattdessen schildert sie ihre eigene Geschichte, als wäre sie eine Märtyrerin, und das Kunstwerk entsteht nicht aus Dankbarkeit gegenüber dem Allmächtigen, sondern aus Rebellion, weil sie sich fragt, warum er ihre Qualen verursacht.

In diesem Kunstwerk liegt Kahlo nach einer Fehlgeburt blutend auf einer Matratze. Aus dem nackten, nackten Oberkörper laufen sechs venenartige Bänder, die jeweils mit einem Symbol verbunden sind. Einer der sechs Gegenstände ist ein Fötus, was darauf hindeutet, dass die Bänder eine Analogie für Nabelschnüre sind. Die übrigen Objekte, die Kahlo umkreisen, sind Gegenstände, an die sie sich erinnert oder die sie in der Klinik gesehen hat. Die Schnecke zum Beispiel bezieht sich auf die Zeit, die es dauerte, bis die Fehlgeburt zu Ende war, aber die Blüte war ein echter Gegenstand, den Diego ihr geschenkt hatte.

Die Malerin zeigt ihren Drang, mit allem um sie herum verbunden zu sein, sowohl mit dem Alltäglichen und Symbolischen als auch mit dem Greifbaren und Realen. Vielleicht ist es dieses Streben nach Verbundenheit, mit dem Kahlo versucht, mütterlich zu sein, obwohl sie kein eigenes Kind haben kann.

Meine Geburt(1932)

Dies ist ein beunruhigendes Kunstwerk, bei dem sowohl die Gebärende als auch der geborene Säugling verstorben zu sein scheinen. Die gebärende Mutter hat ihren Kopf in weißes Leinen gewickelt, und der Säugling, der aus dem Bauch kommt, scheint tot zu sein. Da Kahlos Mutter zu dem Zeitpunkt, als sie dieses Werk schuf, gerade verstorben war, erscheint es plausibel, dass es sich bei der verschleierten Leichenfigur um ihre Mutter und bei dem Säugling um Kahlo handelt. Sie hatte vor kurzem ihr eigenes Kind verloren und hat erklärt, dass sie die unbemerkte Mutterfigur ist. Die Jungfrau der Schmerzen, die über dem Bett hängt, deutet an, dass es sich um eine Darstellung des elterlichen Schmerzes und der Trauer handelt. 

Neben zahlreichen kleinen Skizzen von sich selbst schrieb Kahlo in ihr Tagebuch: „Diejenige, die sich selbst geboren hat, ist auch diejenige, die die exquisiteste Poesie ihres Lebens verfasst hat.“

Ähnlich wie einige andere Originalgemälde von Frida Kahlo zeigt dieses Kunstwerk, wie Kahlo den Tod eines Kindes betrauert und gleichzeitig die Kraft hat, aus dieser Trauer heraus ein großes Werk zu schaffen. Das Kunstwerk ist in einem andächtigen Stil gemalt, ein kleines indigenes mexikanisches Bild, das von der Ikonographie der katholischen Kirche inspiriert ist) mit Dankbarkeit gegenüber der Jungfrau unter dem Bild.

Eher hat Kahlo diesen Teil leer gelassen, als ob sie weder für ihre eigene Empfängnis noch für den Umstand, dass sie nun keine Kinder mehr gebären kann, Dankbarkeit zeigen will.

Das Bild scheint die Vorstellung zu vermitteln, dass es wichtig ist, zu erkennen, dass Empfängnis und Sterblichkeit untrennbar miteinander verbunden sind. Viele Menschen glauben, dass Meine Geburt stark von einer aztekischen Skulptur beeinflusst wurde, die Kahlo zu Hause aufbewahrte und die Tlazolteotl, die Gottheit der Fruchtbarkeit und der Hebammen, darstellt.

Meine Großeltern, meine Eltern und ich(1936)

Dieser verträumte Stammbaum wurde auf Zink statt auf Leinwand gemalt und unterstreicht das Interesse der Künstlerin an mexikanischen Retablos aus dem 18. Kahlo wollte mit diesem Werk sowohl ihre europäisch-jüdischen Vorfahren als auch ihre mexikanische Herkunft hervorheben. Die deutsch-jüdische Seite ihres Vaters wird auf der rechten Seite des Gemäldes durch das Meer dargestellt (was die Reise ihres Vaters nach Mexiko widerspiegelt), während die mexikanische Hälfte ihrer Mutter auf der linken Seite durch eine Karte dargestellt wird, die die Geografie Mexikos sanft umreißt.

Während Frida Kahlos berühmte Bilder unverkennbar persönlich sind, nutzte sie sie häufig, um subversive oder geopolitische Ideen zu vermitteln.

Dieses Bild entstand, kurz nachdem Hitler die Nürnberger Gesetze zum Verbot von Mischehen erlassen hatte. Hier bekennt sich Kahlo zu ihrer gemischten Herkunft und setzt sich gleichzeitig mit der Nazi-Ideologie auseinander, indem sie eine Struktur verwendet, die das Naziregime zur Beurteilung der ethnischen Überlegenheit einsetzte – den Stammbaum. Abgesehen von der Geopolitik erinnert der rote Faden, mit dem die Verwandten verbunden sind, an die Nabelschnur, die die kleine Kahlo mit ihrer Mutter verbindet – ein Thema, das in vielen Gemälden von Frida Kahlo auftaucht.

Fulang-Chang und ich(1937)

Dieses Kunstwerk gehörte zu den Werken, die André Breton, den Begründer der surrealistischen Bewegung, am meisten faszinierten, als es 1938 während Kahlos Ausstellung in der Galerie von Julien Levy in New York uraufgeführt wurde. Das Gemälde in der New Yorker Ausstellung ist ein Selbstporträt der Malerin mit ihrem Hausaffen Fulang-Chang, der stellvertretend für die Babys steht, die sie und Rivera nicht bekommen konnten. Die Gestaltung des Porträts spiegelt ihre Faszination für die Kunstwerke der Renaissance mit der Madonna und dem Kind wider. Nach der Ausstellung in New York wurde ein zweiter Rahmen mit einem Spiegel angebracht.

Das nachträgliche Einfügen des Spiegels ist ein Statement, das den Betrachter im Inneren des Kunstwerks willkommen heißt: Es war während der Monate, die sie nach ihrem Unfall zu Hause verbrachte, als sie zum ersten Mal begann, Porträts anzufertigen, indem sie sich selbst genau in ihrem Spiegelbild betrachtete.

Aus diesem Blickwinkel betrachtet, bietet der hinzugefügte Spiegel einen überraschend persönlichen Einblick sowohl in die künstlerischen Prozesse der Malerin als auch in ihr inneres Spiegelbild. Auf mehreren Selbstporträts von Frida Kahlo sind Primaten, Hunde und Vögel zu sehen, die sie alle als Begleiter besaß.

Kleine Klammeraffen, wie sie Kahlo besaß, gelten seit dem Mittelalter als Sinnbild für Satan, Blasphemie und Götzendienst und wurden schließlich zum Symbol für den Untergang der Menschheit, für Verderbtheit und den Inbegriff der Lust. In der Vergangenheit wurden diese Primaten als Warnung vor den Gefahren der obsessiven Zuneigung und den grundlegenden Neigungen der Menschen dargestellt.

Auf Kunstwerken aus den Jahren 1939 und 1940 ist Kahlo mit ihrem Affen zu sehen. Auf einem zweiten Bild, das 1945 fertiggestellt wurde, zeigt Kahlo neben ihrem Affen auch ihren Hund. Der kleine Hund, der die Malerin häufig begleitet, ist nach einem legendären aztekischen Gott benannt, der Donner und Zerstörung symbolisieren soll, sowie nach dem Zwilling von Quetzalcoatl, die beide die Unterwelt erforscht hatten. Alle diese Bilder, insbesondere Fulang-Chang und ich, haben „Nabelschnüre“, die um Kahlos und der Kreaturen Kehle gewickelt sind.

Kahlo ist die Madonna, und ihre Hunde nehmen die Rolle des heiligen (aber zutiefst allegorischen) Kindes ein, nach dem sie sich sehnt.

Der Selbstmord von Dorothy Hale (1938)

Dorothy Hale war ein Showgirl aus den Vereinigten Staaten. Sie hatte ein paar gescheiterte Romanzen und ihr Geschäft geriet ins Stocken, als ihr Ehemann bei einem Autounfall ums Leben kam. Am 21. Oktober 1938 nahm sie sich das Leben, weil sie in großen Geldnöten steckte und auf die Großzügigkeit ihrer wohlhabenden Bekannten angewiesen war. Sie sprang vom obersten Balkon ihrer luxuriösen Eigentumswohnung in New York, trug ihr schwarzes Lieblingskleid und einen Strauß kleiner gelber Blumen.

Clare Boothe Luce, Dorothys enge, persönliche Freundin und Geliebte von Frida Kahlo sowie Gründerin der Zeitschrift „Vanity Fair“, beauftragte Kahlo, für 400 Dollar ein Erinnerungsbild ihrer verstorbenen gemeinsamen Freundin zu malen.

Clare wollte dieses Gemälde als Tribut an Dorothys trauernde Mutter präsentieren. Sie nahm an, dass Frida Kahlo ein Standardbild von Dorothy schaffen würde, das sie über den Mantel hängen würde.

Der Selbstmord von Dorothy Hale (1938) von Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Clare war entsetzt, als das Bild im August 1939 ankam und geöffnet wurde. Sie erwog, es zu verbrennen, aber ihre Gefährten überredeten sie, es nicht zu tun. Das Bild ist eines der erschreckendsten Gemälde von Frida Kahlo und eines ihrer umstrittensten Werke, da es jede Phase von Hales Tod darstellt.

Es zeigt Hale, wie sie auf dem Sims steht, in die Tiefe stürzt und dann auf dem blutverschmierten Bürgersteig liegt. Clare schenkte das Bild Frank Crowninshield, dessen Kind es nach Franks Tod an seine Familie zurückgab. Danach wurde das Gemälde jahrelang aufbewahrt. Es wurde privat dem Phoenix Art Museum geschenkt und ist jetzt dort ausgestellt.

Kahlo war zu der Zeit, als sie dieses Werk anfertigte, zutiefst traurig und dachte über Selbstmord nach, nachdem sie sich kürzlich von Diego getrennt hatte. Kahlos Mitgefühl für Frauen, die durch die Verlassenheit des Mannes in die Verzweiflung getrieben werden, zeigt sich vielleicht in diesem Kunstwerk.

Was das Wasser mir gegeben hat (1938)

Der Großteil von Kahlos Figur ist in diesem Kunstwerk verborgen. Wir sehen die Stöpselseite der Wanne und auch die Zehen der Schöpferin, was ungewöhnlich ist. Außerdem blickt Kahlo aus der Vogelperspektive und von oben auf das Wasser. Im Inneren des Wassers erstellt Kahlo ein weiteres Selbstporträt, in dem das typische Gesichtsbild durch eine Fülle von Symbolen und wiederkehrenden Themen ersetzt wird. Bilder ihrer Familie, der einheimischen Tehuana-Kleidung, einer durchbohrten Muschel, eines leblosen Vogels, zweier weiblicher Partner, einer Leiche, eines einstürzenden Turms, eines Schiffes, das in See sticht, und einer Dame, die untergeht, sind in diesem Kunstwerk zu sehen.

Dieses Werk wurde in Bretons Publikation über Surrealismus und Malerei veröffentlicht, und Hayden Herrera schreibt in ihrem Buch über Kahlo, dass die Malerin selbst dieses Werk für außergewöhnlich hielt.

Die Figuren und Dinge, die im Meer des Gemäldes von Frida Kahlo schwimmen, bilden eine wunderbare und zugleich reale Erinnerungswelt, die an die Kunstwerke im Stil der Wandteppiche von  dem Renaissancekünstler Pieter Bruegel dem Älteren erinnert. Kahlo sagte, es sei ein trauriges Gemälde, das das Fehlen ihrer Jugend beklagt. Vielleicht steht die erstickte Person in der Mitte für Kahlos inneres Leid. Die Malerin war sich der psychologischen Auswirkungen ihrer Werke bewusst.

In einem Gespräch mit Herrera drückte Kahlo „die Sichtweise auf sich selbst, die in diesem Bild dargestellt wird“ in einem „langen metaphysischen Dialog“ aus.  Ihr Konzept handelte von dem Bild, das man von sich selbst hat, da man seinen Verstand nicht sieht.

Das Gehirn ist etwas, das aussieht, aber beobachtet werden kann. Es ist das, was man mitnimmt, um das Leben zu betrachten.

In diesem Gemälde wird der Kopf der Schöpferin so richtig durch die inneren Gedanken ersetzt, die ihr Gehirn beherrschen. Eine schamlippenähnliche Blüte und ein Büschel Körperhaare sind zwischen Kahlos Schenkeln abgebildet, dazu eine Darstellung des Todes durch Erwürgen in der Mitte des Wassers.

Die Kunst ist äußerst sinnlich, aber sie zeigt auch eine Besessenheit von Tod und Elend. Das Badewannenthema in der Kunst ist seit Jacques-Louis Davids Der Tod von Marat bekannt und wurde von einer Vielzahl von Künstlern verwendet, darunter Tracey Emin und Francesca Woodman.

Die zwei Fridas (1939)

Dieses doppelte Selbstporträt ist eines der berühmtesten Gemälde von Frida Kahlo. Es stellt die innere Qual der Malerin nach der Trennung von Rivera dar. Die Malerin ist auf der Seite in zeitgenössischer europäischer Kleidung zu sehen, die sie bei ihrer Hochzeit mit Rivera trug. Angesichts von Riveras ausgeprägtem Patriotismus während ihrer Beziehung interessierte sich Kahlo zunehmend für ihr indigenes Erbe und beschloss, die indigene mexikanische Kleidung zu studieren, die sie auf dem Bild auf der rechten Seite zeigt. Es ist die mexikanische Version von Kahlo, die einen Anhänger mit einem Bild von Rivera hält.

Der stürmische Himmel in der Ferne sowie das verwundete Herz der Illustratorin – ein zentrales Symbol des Christentums und eine aztekische Opfergabe – betonen Kahlos innere Qualen und körperliches Leiden.

Bedeutungsvolle Motive in Kahlos Gemälden haben in der Regel mehrere Bedeutungsebenen; das wiederkehrende Thema des Blutens steht sowohl für seelische als auch für körperliche Qualen sowie für die widersprüchliche Haltung der Malerin gegenüber konventionellen Vorstellungen von Geschlecht und Fortpflanzung.

Obwohl die Herzen beider Figuren sichtbar sind, scheint der Frau in der weißen europäischen Tracht das Herz herausgetrennt worden zu sein, und die Ader, die aus ihrem Herzen fließt, ist durchtrennt und blutet. Die Vene, die aus der Brust der Frau im Tehuana-Kostüm fließt, ist noch intakt, da sie mit einem kleinen Bild von Diego als Kind verbunden ist. Während Kahlos Herz unverändert in dem mexikanischen Kleidungsstück bleibt, ergießt sich die kontinentale Kahlo, die sich von ihrem Geliebten Diego entfremdet hat, frei über ihr Kleidungsstück.

Dies ist nicht nur eines der berühmtesten Gemälde von Kahlo, sondern auch ihr größtes Werk.

Selbstporträt mit abgeschnittenem Haar (1940)

Auf diesem Selbstporträt ist der Künstler in einer zweideutigen Form dargestellt. Historiker interpretieren diese Aktion als eine kämpferische Reaktion auf Riveras Trennungswunsch, die ihr verletztes Gefühl von weiblicher Ehre und Identität für das Scheitern ihrer Beziehung widerspiegelt. Ihre männliche Kleidung erinnert auch an frühe Familienfotos, auf denen Kahlo sich entschied, einen Blazer zu tragen. Kahlos Individualität zeigt sich auch in ihrem abgeschnittenen Haar.

Sie trägt einen abgeschnittenen Zopf in ihrer linken Hand und mehrere Haarsträhnen auf dem Boden. Das Abschneiden eines Zopfes steht für den Verzicht auf Kindheit und Reinheit, kann aber auch als Durchtrennen eines Verbindungsbandes (vielleicht der Nabelschnur) interpretiert werden, das zwei Personen oder zwei Lebensstile miteinander verbindet. Auf jeden Fall waren die Zöpfe ein wichtiger Teil von Kahlos Persönlichkeit als die übliche La Mexicana, und indem sie sie abschneidet, entledigt sie sich eines Teils ihres alten Selbst.

Die über den Boden verstreuten Locken erinnern an ein früheres Selbstbildnis der mexikanischen Sagengestalt La Llorona, die heute ihrer weiblichen Züge beraubt ist.

Als die verlassenen Fäden der Locken an ihren Zehen aktiv werden, hält Kahlo eine Schere in der Hand. Die Locken scheinen einen eigenen Willen zu haben, während sie sich über den Teppich und über die Füße ihres Sitzes winden. Über ihr düsteres Bild hat Kahlo den Text und die Melodie einer Ballade geschrieben, in der es brutal heißt: „Schau, wenn ich dich liebte, dann wegen deiner Locken, aber jetzt, wo du kahl bist, will ich dich nicht mehr“, was Kahlos eigene Verurteilung und den Verzicht auf ihre weiblichen Pflichten bekräftigt.

1997 hielt die Fotografin Elina Brotherus Hochzeitsbilder fest, wahrscheinlich als Hommage an Kahlos Kunstwerk. Brotherus schnitt ihr für ihre Hochzeit die Haare kurz, deren Überreste ihr zukünftiger Ehemann in seinen Händen hält.

Die Geste des Abschneidens der eigenen Locken als Zeichen eines Wendepunkts kommt auch in den Werken anderer Malerinnen vor, darunter Rebecca Horn und Francesca Woodman.

Selbstporträt mit Dornenhalskette und Kolibri (1940)

Kahlos nach vorne gerichtete Haltung und ihr Blick nach außen in diesem Selbstporträt sprechen den Betrachter an und konfrontieren ihn. Die Malerin zeigt die sich auflösende Christusgirlande als Anhänger, der sich in ihren Hals bohrt und ihre Identität als christliche Heilige und die anhaltende Angst, die sie nach ihrer gescheiterten Hochzeit empfand, darstellt. In der Mitte ihres Anhängers schwingt ein verstorbener Vogel, ein Zeichen, das in der mexikanischen Folklore als Glücksbringer für die romantische Liebe üblich ist.

Eine schwarze Katze, die für Unglück und Tragödie steht, kniet unter ihrer Schulter, und ein Affe, ein Geschenk von Rivera, ist an ihrer Seite platziert.

Selbstporträt mit Dornenkette und Kolibri (1940) von Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Kahlo verwendete regelmäßig Pflanzen und wilde Tiere im Hintergrund ihres Brustbildes, um eine kleine, beengte Umgebung zu schaffen. Sie nutzte wilde Tiere als Motiv, um die Beziehung zwischen weiblicher Fruchtbarkeit und der trostlosen und makabren Ikonografie der Vorderfront zu bewerten und zu vergleichen. Die Symbolik eines „verstorbenen“ Kolibris, die oft ein Zeichen für großen Wohlstand ist, soll ins Gegenteil verkehrt werden. Kahlo, die sich nach Freiheit sehnt, ist beunruhigt und besorgt über die Tatsache, dass die Insekten in ihren Locken zu zerbrechlich sind, um weit zu kommen, und dass das tote Tier um ihren Hals zu einem Hindernis geworden ist, das von der benachbarten Katze in Beschlag genommen wurde.

Es scheint, dass das Kunstwerk die Enttäuschungen des Künstlers darstellt, weil er nicht in der Lage ist, komplizierte innere Gefühle direkt zu vermitteln.

Die zerbrochene Säule (1944)

Dieses Gemälde ist eine besonders ergreifende Darstellung der seelischen und körperlichen Qualen von Kahlo. Hayden Herrera, der Biograf der Künstlerin, sagt über dieses Werk: „Ein Riss wie ein Beben bricht sie entzwei.“ Der entblößte Körper spielt auf Operationen und Fridas Angst an, dass sie zusammenbrechen könnte, wenn sie ihren Stahlgürtel nicht tragen würde.

Die sich auflösende Wirbelsäule der Künstlerin wurde durch eine zerbrochene ionische Säule ersetzt, und gezackte Metallnägel durchbohren ihren Oberkörper. Die harte Kälte dieser implantierten Säule erinnert an den Metallstab, der bei ihrem Unfall in ihren Bauch und ihre Gebärmutter eingedrungen ist. Darüber hinaus beschwört das nun zerstörte architektonische Element Bilder von der Stärke und Zerbrechlichkeit des weiblichen Körpers herauf. Abgesehen von den physischen Proportionen erinnert der Stoff, der über Kahlos Hüften drapiert ist, an den Lendenschurz Christi.

Außerdem zeigt Kahlo ihre Narben, als ob sie ein christlicher Heiliger wäre; indem sie sich mit dem Heiligen Sebastian identifiziert, kombiniert sie körperliche Qualen, Offenheit und Erotik, um die Idee der psychischen Qualen zu vermitteln.

Die zerbrochene Säule (1944) von Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Wie in vielen mexikanischen Madonnendarstellungen fließen auch hier Tränen über die Wangen der Künstlerin; ihre Augen blicken über das Bild hinaus, als ob sie den Körper aufgeben und die Seele anrufen würde. Aufgrund von Darstellungen wie dieser wird Kahlo heute als Magischer Realist angesehen. Ihre Augen bleiben konstant und echt, während der Rest des Bildes phantasievoll ist.

Das Kunstwerk beschäftigt sich nicht sonderlich mit dem Funktionieren des Unbewussten oder unlogischen Dissonanzen, wie sie in surrealistischen Kunstwerken üblich sind. Die Schule des Magischen Realismus kam in Lateinamerika immer mehr in Mode (vor allem bei Autoren wie Gabriel Garcia Marquez), und Gelehrte haben Kahlo posthum in diese Schule aufgenommen.

Das Konzept, auf die Art und Weise verletzt zu werden, wie es in diesem Gemälde dargestellt ist, ist im Spanischen als „chingada“ bekannt.

Dieser Begriff hat eine Vielzahl von miteinander verbundenen Konnotationen und Vorstellungen, wie zum Beispiel verletzt, beschädigt, aufgerissen oder in die Irre geführt zu werden. Der Begriff leitet sich von dem Verb für durchdringen ab und bezeichnet die männliche Dominanz über die weibliche. Er bezieht sich auf die Position des Opfers. Rebecca Horns Konzert- und Skulpturenstück Unicorn aus dem Jahr 1970 wurde höchstwahrscheinlich durch das Kunstwerk ausgelöst.

Horn wandert in dem Werk nackt durch eine landwirtschaftliche Ebene, ihr Oberkörper ist in ein Stoffmieder gehüllt, das dem von Kahlo in The Broken Column sehr ähnlich sieht. Die aufrechte, in den Himmel ragende Säule in dem Werk der Performancekünstlerin ist jedoch an ihrem Schädel befestigt und nicht in ihren Busen eingepflanzt.

Die Darstellung hat etwas Mythologisches und Religiöses an sich, ähnlich wie Kahlos Bild, und doch ist die Säule wieder vollständig und kraftvoll, was möglicherweise Kahlos Hartnäckigkeit und kreativer Leistung Respekt zollt.

Ohne Hoffnung(1945)

Kahlo war die meiste Zeit ihres Lebens aufgrund chronischer Schmerzen und vieler Eingriffe als Folge schwerer Verletzungen, die sie sich bei einem schrecklichen Busunfall im Jahr 1925 zugezogen hatte, sowie zahlreicher Krankheiten bewegungsunfähig. Das Gemälde wurde 1945 fertiggestellt, nach ihrem letzten Krankheitsschub, der sie abgemagert und ausgemergelt zurückließ. Kahlo wurde alle zwei Stunden mit fettiger, pürierter Nahrung zwangsernährt.

Das Bild zeigt eine kränkliche Kahlo mit Tränen in den Augen, die in einem Bett inmitten der toten, kargen Wüste liegt, beleuchtet von Sonne und Mond. In der aztekischen Tradition steht die Sonne für Menschenopfer, und Kahlo fühlt sich, als sei sie geschlachtet worden. Der Mond steht für Frauen, vielleicht für die Weiblichkeit, die ihr durch ihre Fehlgeburt genommen wurde, eine weitere Auswirkung der tragischen Tragödie, die sie in ihrer Jugend erlebte. Sie liegt unter weißen medizinischen Decken, die mit winzigen Organismen übersät sind, die für die hartnäckigen Krankheiten stehen, die ihren Körper befallen haben.

In vielen Gemälden von Frida Kahlo ist ihr Blick ruhig, als ob sie mit dem Leiden versöhnt ist und es erträgt. Doch auf diesem Gemälde scheinen aller Optimismus und alle Geduld verloren zu sein.

Ihre Arme sind unter den Decken gefesselt, und sie hat kaum Kontrolle über ihre Situation. Ein gigantischer Trichter, der sich in ihre Lippen ergießt, erhebt sich über ihrem Oberkörper, ein grauenhaftes Gebräu aus Fischdärmen, leckenden Leichen und anderem grotesken Zeug, das von oben aufgehäuft und verschüttet wird. Die riesige Holztafel, die ihr Vater gebaut hatte, damit Kahlo in Ruhe malen konnte, hat sich zu dem Gerüst entwickelt, das die Trichter hält, die sie ernähren. Ein typisch mexikanischer Zuckerkopf mit Fridas Namen auf der Stirn sitzt auf dem Haufen mit den verfaulten Lebensmitteln, ganz nach dem mexikanischen Brauch am Tag der Toten, der die Verstorbenen ehrt. Dies ist nur ein weiteres eindrucksvolles Beispiel für Kahlos desolaten Zustand.

„Nicht die geringste Hoffnung besteht für mich…alles fließt im Rhythmus dessen, was der Magen trägt“, steht auf der Rückseite des Kunstwerks.

Das verwundete Reh(1946)

Das verwundete Reh, ein Kunstwerk aus dem Jahr 1946, erweitert sowohl das Konzept der chingada als auch das St. Sebastian-Sujet, das zuvor in Die zerbrochene Säule untersucht wurde. Auf einer Waldwiese wird die naive Kahlo, eine Kreuzung aus einem Hirsch und einer Hündin, verletzt und blutet, überfallen und verfolgt. Der Maler sichert ihr Überleben, indem er den Betrachter direkt anschaut, obwohl die Wellen sie nach und nach töten würden.

Die Malerin trug einen Perlenohrring, als wolle sie damit den Konflikt betonen, den sie zwischen ihrem Leben in der Gemeinschaft und ihrer Sehnsucht, freier in der Wildnis zu leben, erlebt.

The Wounded Deer (1946) von Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Kahlo porträtiert sich selbst nicht als zierliches und süßes Rehkitz, sondern als ausgewachsener Bock mit enormen Gestellen und Genitalien. Das würde nicht nur, wie ihr angepasstes Aussehen auf frühen Familienbildern, andeuten, dass Kahlo daran interessiert ist, die Geschlechter zu vermischen, um einen androgenen Charakter zu formen, sondern es zeigt auch, dass sie versuchte, sich mit den anderen großen Malern der Geschichte zu identifizieren, von denen die meisten männlich waren.

Das Glied unter den Beinen des Hirsches ist ein Symbol für die Palmwedel, die unter die Füße von Jesus gelegt wurden, als er in Jerusalem landete. Von diesem Moment an bis zu ihrem Tod identifizierte sich Kahlo mit der katholischen Figur des Heiligen Sebastian. 1953 vollendete sie ein Gemälde von sich selbst mit elf Pfeilen, die ihr Fleisch durchbohren. Auch die Künstlerin Louise Bourgeois, die sich in ähnlicher Weise mit der Darstellung von Qualen beschäftigte, nutzte den Heiligen Sebastian als wiederkehrende Figur in ihrem Werk.

Ursprünglich stellte sie das Motiv 1947 als idealisierte Abfolge von Formen dar, die kaum als Porträt zu erkennen war; sie schuf es mit Aquarellfarben und Bleistiften auf rosa Papier, fertigte aber später eine scheinbar rosafarbene Stoffskulptur der mit Pfeilen verwundeten, unter Angriffen leidenden und verängstigten Figur, ähnlich wie Kahlo.

Weinende Kokosnüsse (1951)

Frida Kahlos Gesundheitszustand verschlechterte sich am Ende ihres Lebens so sehr, dass sie sich nicht mehr mit Selbstporträts darstellen wollte und auch praktisch gezwungen war, in kleinerem Maßstab zu arbeiten. Sie verlagerte ihren Schwerpunkt auf Standbilder, da diese für das kleinere Format besser geeignet waren und weniger Genauigkeit erforderten. Trotz der Verlagerung des Themas von ihren bekannten figurativen Werken gelang es ihren Stillleben, eine Vielzahl von Emotionen zu vermitteln.

Weinende Kokosnüsse ist ein Stillleben, das aus Zitrusfrüchten, einem Stück Papaya und zwei Kokosnüssen vor einem schlichten grünen Hintergrund besteht. Außerdem gibt es ein kleines Fähnchen in Kalk, auf dem steht: „Mit viel Hingabe gemalt.“ Frida Kahlo fertigte dieses Bild als Geschenk für Elena Border an, aber sie gab es der Künstlerin zurück, weil ihr die leblosen, düsteren Farben nicht gefielen und sie es gegen ein anderes Bild austauschen wollte. Kahlo verschwieg jedoch Elenas Namen und verkaufte das Bild weiter, ohne ihr einen Ersatz zu liefern. Die beiden Kokosnüsse, die zu schluchzen scheinen, sind, wie der Titel schon sagt, der Mittelpunkt des Bildes.

Die Kokosnüsse werden zu Darstellungen der Melancholie, denn die Spuren auf ihrer Haut ähneln weinenden Augen.

Frida Kahlos Schönheit und ihre Fähigkeit zu malen verschlechterten sich, als sich ihr Gesundheitszustand verschlechterte, und sie wollte sich nicht mehr selbst abbilden. Die Farben sind flacher und kräftiger als in Fridas früheren Gemälden, und die Anordnung betont Einsamkeit und Kummer.

Die Pinselführung, der es an der für Kahlos Gemälde charakteristischen Genauigkeit und Subtilität fehlt, liefert weitere Hinweise auf ihren schwindenden Gesundheitszustand. Diese Gegenüberstellung ist besonders auffällig, wenn man sie mit anderen Gemälden aus demselben Jahr vergleicht. Letztendlich zeigt dieses Gemälde Kahlos enorme Wut und Trauer darüber, dass sie in ihrem krankheitsbedingten Rahmen gefangen war, den sie schließlich als kreative Inspiration für alltägliche Dinge wie die Früchte und Kokosnüsse in Weinende Kokosnüsse ablehnte.

Und damit sind wir am Ende unserer Liste der wichtigen Frida Kahlo-Gemälde angelangt. Wir haben gelernt, dass viele von Frida Kahlos Selbstporträts Symbole für ihre Kämpfe mit körperlichen Gebrechen und ihre unsichere Rolle als Frau und Mexikanerin enthalten. Frida Kahlos originelle Gemälde haben viel dazu beigetragen, Licht in die mexikanische Kultur und die Notlage der Frauen im Allgemeinen zu bringen.

Häufig gestellte Fragen

Wofür ist Frida Kahlo bekannt?

Frida Kahlo wird wegen ihrer einzigartigen Persönlichkeit und ihrer abwechslungsreichen Erziehung als Heldin gefeiert. Sie wurde zu einer Figur weiblicher Stärke, bekannt für ihre Liebe zu Mexiko und seiner Geschichte und ihre Beharrlichkeit im Angesicht von Widrigkeiten. Vor allem aber war sie eine aufrichtige Person, die an ihren Ansichten festhielt. Frida Kahlos ursprüngliche Gemälde waren oft sehr persönlich und vermischten Wahrheit und Fantasie.

Was war der Kunststil von Frida Kahlo?

Die Gemälde von Frida Kahlo zeigen sehr unterschiedliche Einflüsse. Frida Kahlos berühmte Gemälde vermischten Elemente der naiven Kunst mit Surrealismus und moderner Kunst. Sie wurde auch als eine der Künstlerinnen des Magischen Surrealismus angesehen;

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.