Max Beckmann – Der Deutsche Maler im Überblick
Max Beckmanns Zeichnungen verwandelten seine Beobachtungen der modernen Gesellschaft in aufrüttelnde Bilder, die den Betrachter durch ihre emotionale Komplexität und Bedeutung verstören. Max Beckmanns Gemälde waren mit der Bewegung der Neuen Sachlichkeit verbunden und dienten als ätzende visuelle Kritik an den turbulenten Zwischenkriegsjahren. In späteren Jahren strebte Max Beckmann in seinen Werken nach offenen Erzählungen, die Szenen aus dem Leben, Fantasien, Mythologie und Träume vermischten. Zeit seines Lebens widersetzte er sich dem Trend zu abstrakten Kunstwerken und blieb dem Ziel verpflichtet, den Zauber der Realität einzufangen und auf die Leinwand zu übertragen.
Inhaltsverzeichnis
Max Beckmann’s Biographie
Nationalität | Deutsche |
Geburtsdatum | 21. Februar 1884 |
Todesdatum | 27. Dezember 1950 |
Geburtsort | Leipzig, Deutschland |
Max Beckmann verstand es meisterhaft, Menschen und Symbole sowie Farbtöne und Schatten behutsam übereinander zu schichten und so seine Erfahrungen während seiner langen Karriere geschickt in fesselnde, dramatische Gemälde zu verwandeln. Während des Ersten Weltkriegs diente der zukünftige Künstler als Sanitätsoffizier, ein Ereignis, das einen bedeutenden Wandel in seinem kreativen Ansatz von einer konventionellen, akademischen Art zu einem sozialeren und gefühlsbetonten Malstil bewirkte.
Im Laufe seiner Karriere mischte er gekonnt allegorische Figuren und Szenen aus dem wirklichen Leben in semiotisch aufgeladenen Kunstwerken, die seine eigene Sicht auf die kulturelle, gesellschaftliche und politische Situation zum Ausdruck brachten.
Kindheit und frühe Ausbildung
Max Beckmann interessierte sich schon immer für die Malerei und störte häufig den Unterricht, indem er Skizzen anfertigte und sie herumreichte. Beckmanns ältestes Selbstporträt stammt etwa aus dem Jahr 1898, als er noch ein Teenager war, und es zeigt sein frühes Engagement für die bildende Kunst.
Er war fest entschlossen, eine Karriere als Maler einzuschlagen und bewarb sich 1898 gegen den Widerstand seiner Familie an der Dresdner Akademie der Bildenden Künste, wurde aber nicht zugelassen.
Ungeachtet des anfänglichen Stillstands in Dresden schrieb sich Beckmann 1900 an der Großherzoglichen Kunstakademie ein. Carl Frithjof Smith, ein norwegischer Realismuskünstler, der in Beckmann eine Leidenschaft für die genaue Darstellung der Wahrheit weckte, war sein wichtigster Lehrer. Im Jahr 1902 erhielt er ein Ehrendiplom der Akademie und im darauffolgenden Jahr unternahm er die erste von vielen Reisen nach Paris. Dort lernte er die Kunst der Impressionisten und Postimpressionisten persönlich kennen. Vor allem die Werke von Paul Cézanne hinterließen einen unauslöschlichen Einfluss auf ihn.
Porträt des deutschen Malers Max Beckmann von Hugo Erfurth, aufgenommen in Dresden im Jahr 1928; Hugo Erfurth, Public domain, via Wikimedia Commons
1904 kehrte er nach Deutschland zurück und ließ sich in Berlin nieder, wo er bis zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs blieb. Die helle Farbpalette und die präzise Platzierung der Figuren innerhalb der Bildebene in Werken aus dieser frühen Zeit spiegeln die Auswirkungen seiner Parisreise auf seine Kunst wider. Beckmann erhielt dank eines Stipendiums des Deutschen Künstlerbundes einen sechsmonatigen Aufenthalt in Florenz. In Übersee lernte Beckmann die Philosophie von Friedrich Nietzsche und die dramatischen Techniken von Edvard Munch kennen, und sein Werk entwickelte sich zu einem expressionistischen Stil.
Im Jahr 1906 stellte er zum ersten Mal mit der Berliner Sezession aus, einer Gruppe junger Maler, die sich gegen den eher traditionellen staatlichen Kunstbetrieb formierte.
Im Herbst 1906 heiratete Beckmann Minna Tube, eine Künstlerin, der er während seines Studiums an der Weimarer Akademie nachgegangen war. Im selben Jahr knüpfte Beckmann auch einen Arbeitskontakt mit Paul Cassirer, einem berühmten zeitgenössischen Kunsthändler in Berlin. Cassirer organisierte 1913 eine bedeutende Einzelausstellung von Beckmanns Kunst und veröffentlichte die erste Monografie über ihn. Große narrative Sequenzen prägten seine Kunst in dieser Zeit.
Selbstporträt mit Horn (1938) von Max Beckmann, in der Neuen Galerie New York in New York City, Vereinigte Staaten; Max Beckmann, Public domain, via Wikimedia Commons
Beckmann setzte sich bewusst von der Abstraktion ab, die von Malern des Blauen Reiters wie Franz Marc propagiert wurde, indem er die äußere Realität so darstellte, wie er sie sah. Bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs im Jahr 1914 meldete sich Beckmann zum Militär. Er diente als Assistenzarzt in zahlreichen Krankenhäusern, bis er 1915 wegen eines psychischen Zusammenbruchs an der belgischen Front entlassen wurde. Er zog nach Frankfurt und setzte seine kreativen Bemühungen fort.
Wie in den unbeholfenen, verdrehten Figuren von Adam und Eva (1917), einem der ersten Werke, die er nach seiner Rehabilitierung nach dem Dienst anfertigte, zeigt, hatten seine Erinnerungen an den Tod und die Brutalität während des Krieges einen enormen Einfluss auf sein Werk.
Kritiker bemängelten Beckmanns neuen Stil, der sich durch schwere, ausgedehnte Linien und einen engen Raum auszeichnete.
Reifezeit
Im August 1918 verfasste Beckmann ein Manifest, in dem er seine Ansichten zu den aktuellen Umwälzungen darlegte und seinen Entschluss erklärte, „Teil der kommenden Agonie zu sein“. Er nutzte seine Arbeit regelmäßig, um sich mit den sozialen, politischen und wirtschaftlichen Herausforderungen der Nachkriegszeit auseinanderzusetzen, vor allem im Rahmen der Bewegung der Neuen Sachlichkeit, die die Schwäche Deutschlands nach dem Ersten Weltkrieg deutlich hervorhob.
Beckmann wurde weithin als einer der Pioniere der Gruppe angesehen und war 1925 in Gustav Hartlaubs Überblicksschau in der Kunsthalle Mannheim ausführlich vertreten.
Nach dem Krieg trennten sich Beckmann und Tube und ließen sich schließlich 1925 friedlich scheiden. Im selben Jahr heiratete er Mathilde von Kaulbach, eine junge Opernsopranistin, und erhielt einen Lehrauftrag an der Frankfurter Kunstschule Stadel. Max Beckmanns Kunstwerke wurden in den 1920er Jahren häufig in Ausstellungen in ganz Europa gezeigt, unter anderem 1928 in einer großen Retrospektive in der Städtischen Kunsthalle. Zu dieser Zeit hatte er seine Herangehensweise verfeinert und verwendete Aspekte aus früheren Werken, aber in lebendigeren, ausdrucksstarken Farbtönen.
Großes Varieté mit Zauberer und Tänzerin (1942) von Max Beckmann, zu finden im Von der Heydt-Museum in Deutschland; Max Beckmann, Public domain, via Wikimedia Commons
1926 finanzierte Neumann seine erste Ausstellung in den Vereinigten Staaten, und 1931 wurden sechs Gemälde von Max Beckmann in einer neuen Ausstellung in New York gezeigt, die von Alfred Barr organisiert wurde. Nach Hitlers Amtsantritt als Reichskanzler 1933 wurde Beckmann aus der Stadel-Schule entlassen, und seine Werke wurden in deutschen Institutionen beschlagnahmt. Noch im selben Jahr verließ er Frankfurt und zog nach Berlin.
„Aufbruch“ (1937), das erste von Beckmanns berühmten Triptychen, entstand inmitten eines eskalierenden Konfliktklimas gegenüber der zeitgenössischen Kunst in Deutschland.
Beckmann und seine Frau kamen im selben Jahr in Amsterdam an, am selben Tag wie die von den Nazis geförderte Ausstellung Entartete Kunst in München, die die zeitgenössische Kunst verunglimpfte. Er kehrte nie mehr nach Deutschland zurück und verbrachte den Rest seines Lebens im Ausland.
Spätere Jahre und Tod
Beckmann blieb während des Krieges in Amsterdam und schuf trotz seiner Umsiedlung eine große Anzahl von Gemälden, Grafiken und Skizzen. Im August 1947 wurde ihm ein Lehrauftrag an der School of Fine Arts der Washington University in St. Louis angeboten. Beckmann kam noch im selben Jahr in St. Louis an, nachdem er mit seiner Frau den Atlantik überquert hatte.
Selbstbildnis als Clown (1921) von Max Beckmann, das sich im Von der Heydt Museum in Deutschland befindet; Max Beckmann, Public domain, via Wikimedia Commons
In den Sommern hielt er Vorlesungen in Oakland, Boulder, Kalifornien, und Colorado und nutzte die Gelegenheit, das amerikanische Land zu besuchen. Als er 1949 eine Stelle an der Kunstschule des Brooklyn Museums erhielt, verließ er St. Louis. Im September dieses Jahres zogen er und seine Frau nach New York City.
Max Beckmann starb an einem Herzinfarkt, als er im Dezember 1950 auf dem Weg zum Metropolitan Museum of Art war, um seine Werke in einer Ausstellung zu sehen.
Das Vermächtnis von Max Beckmann
Beckmanns bemerkenswerter kreativer Fortschritt während zweier Weltkriege hat unauslöschliche Spuren hinterlassen. Seine Betonung der Relevanz seiner eigenen Erfahrungen als Lehrer war eine bleibende Botschaft für seine Schüler in Europa und Amerika. Beckmanns enge Verbindung zu vielen verschiedenen Künstlern während seiner Karriere sorgte für den Austausch von Ideen unter Gleichgesinnten außerhalb des Unterrichts im Klassenzimmer.
Einige von Beckmanns frühen Zeitgenossen, wie Otto Dix und George Grosz, wurden von seiner Arbeit beeinflusst.
Traum von Monte Carlo (1939 – 1943) von Max Beckmann, zu finden in der Staatsgalerie Stuttgart in Deutschland; Max Beckmann, Public domain, via Wikimedia Commons
Diese Künstler tauschten politische und künstlerische Ideen aus und beeinflussten sich gegenseitig nachhaltig. Beckmann hatte eine lange und weitreichende Wirkung als Lehrer für junge Maler in Amerika. Ellsworth Kelly war einer seiner Schüler und erkannte Jahrzehnte später in einem Katalogartikel trotz stilistischer Unterschiede eine ästhetische Verpflichtung gegenüber seinem Professor. Auch wenn Beckmann als Kunstprofessor an der Washington University die Nachfolge von Philip Guston antrat, profitierte Guston sehr von der sinnlichen Verwendung von Farben und dem starken erzählerischen Ansatz des deutschen Auswanderers.
Der Ruf von Beckmanns Gemälden in amerikanischen Museumssammlungen verstärkte seinen Einfluss auf nachfolgende Generationen von Malern. Porträtmaler des späten 20. Jahrhunderts, wie Alice Neel, wurden von Beckmanns schonungslosen Darstellungen der Porträtierten beeinflusst, vor allem in Bezug auf die Verwendung harter Kanten, leuchtender Farben und offener Porträts seiner Personen.
Der ausdrucksstarke Stil von Max Beckmanns Gemälden sowie sein Anliegen, die Realitäten seiner Zeit in der Malerei kritisch darzustellen, verdanken sich sozial engagierten Malern wie William Kentridge und Leon Golub.
Wichtige Beispiele für Max Beckmanns Kunstwerke
Beckmann war davon besessen, ein vollständiges Verständnis von sich selbst zu erlangen. Um dies zu erreichen, schuf er über 85 Selbstporträts in einer Reihe von Medien. Seine lebenslange Überzeugung vom Wert der Individualität und der Weltanschauung von Künstlern wurde durch seine kontinuierliche Entwicklung der Selbstdarstellung unterstrichen.
Beckmann beschäftigte sich mit dem Format des Triptychons oder der dreiteiligen Malerei. Er verwandelte das veraltete Format, das bis dahin nur für mittelalterliche religiöse Kunstwerke verwendet worden war, in den richtigen Hintergrund für seine modernen humanistischen Parabeln.
Junge Männer am Meer(1905)
Datum der Fertigstellung | 1905 |
Medium | Öl auf Leinwand |
Abmessungen | 148 cm x 235 cm |
Aktueller Standort | Schlossmuseum, Klasik Stiftung Weimar |
Dieses Kunstwerk, das er im Alter von 21 Jahren schuf, zeigt den starken intellektuellen Hintergrund des jungen Künstlers und sein tiefes visuelles Bewusstsein für die menschliche Form. Auf dieser großen Leinwand hat er mehrere Akte in verschiedenen Stellungen dargestellt, was dem Werk die Illusion einer ausgefeilten anatomischen Studie verleiht. Die Struktur und das Thema sind eine Hommage an Postimpressionisten wie Vincent van Gogh und Paul Cézanne, deren Werke Beckmann im Jahr zuvor in Frankreich gesehen hatte.
Die illusionistische Umgebung, das große Leinwandformat und die majestätischen Figuren verbinden das Kunstwerk mit dem akademischen Stil.
Junge Männer am Meer (1905) von Max Beckmann, das sich in der Klassik Stiftung Weimar in Deutschland befindet; Max Beckmann, Public domain, via Wikimedia Commons
Beckmanns reifer, unverwechselbarer Stil, der seine späteren Werke auszeichnet, war noch nicht zu entschlüsseln. Trotz der konventionellen Art der Arbeit konnte Beckmann seine Ausbildung mit seiner Leidenschaft für das Wasser verbinden. Die Weite des Wassers beeindruckte und beunruhigte ihn zugleich, und er setzte der grenzenlosen Leere des Horizonts eine Fülle von traditionellen Figuren im Vordergrund entgegen.
Dieses traditionelle Kunstwerk war an den deutschen Akademien und Institutionen hoch angesehen. Beckmann wurde für dieses Werk nicht nur mit dem Villa Romana-Preis ausgezeichnet, sondern es wurde im folgenden Jahr auch vom Weimarer Museum angekauft.
Trotz seines anfänglichen Erfolges ging Beckmann später zu einem expressiveren Stil über, der besser zu den dramatischen Themen passte, die er darstellen wollte.
Adam und Eva (1917)
Datum der Fertigstellung | 1917 |
Medium | Öl auf Leinwand |
Abmessungen | 57 cm x 80 cm |
Aktueller Standort | Staatliche Museen zu Berlin |
Es ist eines der frühesten Gemälde, die er nach dem Ersten Weltkrieg fertiggestellt hat, und es hat wenig Bezug zu seinen Vorkriegsbildern oder großformatigen Erzählungen. Das Gemälde ist größtenteils farblos und wird von einer Reihe von Grautönen eingenommen, die dem Werk einen traurigen Grundton verleihen und eine dünne räumliche Tiefe erzeugen.
Beckmanns Hinwendung zu moralisierenden Bildern, in denen jeder Aspekt, sogar die Farbe der Farbe, eine tiefere Bedeutung hat, spiegelt sich auch in den schlammigen Tönen wider.
Die gelbe Lilie und das karmesinrote Auge der Schlange kontrastieren dramatisch mit Beckmanns düsterer Palette für das flache Gelände und die skelettierten Menschen und ziehen das Auge des Betrachters sofort auf sich. Beckmanns Vorliebe für Symbolik und Metaphern wird in diesen Bildern deutlich: Die Lilie deutet auf Unschuld und Erlösung hin, während das flammende Rot des Schlangenauges die launische Natur des Teufels hervorhebt. Die beiden Symbole veranschaulichen die Folgen des Sündenfalls und den Weg von der Sündhaftigkeit zur Erlösung.
Adam und Eva (1917) von Max Beckmann, zu finden in den Staatlichen Museen Zu Berlin in Deutschland; Max Beckmann, Public domain, via Wikimedia Commons
Abgesehen von der tonal-symbolischen Struktur des Kunstwerks hat Beckmann eine Reihe von Elementen integriert, die zu gezackten Konturen, flachen Farbflächen und einem kleinen Raum führen. Die grausamen, verdrehten Formen verdanken ihre Existenz den mittelalterlichen deutschen Malern, die Qualen und Elend auf ähnliche Weise darstellten. Der Wunsch der Neuen Sachlichkeit, das deutsche Erbe im Angesicht der Moderne wieder aufleben zu lassen, wird durch die Verwendung mittelalterlicher Techniken und Themen deutlich.
Im Gegensatz zum mittelalterlichen Einfluss wirken sich die verdichteten Kompositionen der Kubisten auf die Anordnung des Raums auf der Leinwand aus, während der bissige Ton der Darstellung mit dem sozialen Kommentar der Expressionisten verbunden ist.
Beckmanns Vermischung dieser vielen Tendenzen führte zur Entwicklung eines individuellen Stils und zum Beginn seiner blühendsten Zeit.
Abreise(1935)
Datum der Fertigstellung | 1935 |
Medium | Öl auf Leinwand |
Abmessungen | 215 cm x 314 cm |
Aktueller Standort | Museum of Modern Art, New York |
Beckmann begann mit der Arbeit an diesem Werk lange bevor die Nazis an die Macht kamen und beendete sie kurz nachdem sie ihn aus seinem Frankfurter Lehramt entfernt hatten. Obwohl Max Beckmann in seinen Vorlesungen behauptete, unpolitisch zu sein, zeigen seine Zeichnungen sein wachsendes Unbehagen angesichts der Grausamkeiten, die das Aufkommen der Nazis mit sich brachte. In den 1920er Jahren entwickelte er eine Vorliebe für großformatige Gemälde, die in diesem, seinem ersten Triptychon, gipfelte.
Beckmann nutzte das erweiterte Format der geteilten Leinwand, um Schlüsselepisoden innerhalb einer größeren Erzählung hervorzuheben und die Wirkung seiner anhaltenden Geschichte zu verstärken.
Abschied (1935) von Max Beckmann, im Museum of Modern Art in New York City, Vereinigte Staaten; Allie_Caulfield, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Obwohl das dreiteilige Format vor Jahrhunderten für christliche religiöse Kunstwerke geschaffen wurde, glaubte Beckmann, dass es das richtige Muster für seine moderne Art von persönlichen und gesellschaftlichen allegorischen Bildern sei. Die schwach beleuchtete rechte Tafel des Triptychons zeigt eine Frau, die an einen umgedrehten Mann gefesselt ist und nach einem Ausweg aus ihrer misslichen Lage sucht, aber von einem Trommler vor ihr und einem unheimlichen Pagen hinter ihr daran gehindert wird. Beckmann hat auf dem linken Panel zahlreiche Personen in einer Folterzelle dargestellt, deren Handgelenke angekettet sind und die grausame Handlungen befolgen müssen.
Max Beckmann etablierte nach dem Krieg eine unverwechselbare Bildtechnik, die expressionistische Farben und Bewegungen, mythische und mystische Anspielungen und den nüchternen neuen Realismus seiner Darstellung des täglichen Lebens während der Terrorkampagne der Nazis verband. Max Beckmann schuf kryptische Bilder und reichhaltige Tableaus von beispielloser Tiefe und Komplexität während einer Reise, die ihn von seiner Heimat in Deutschland zu den Häfen der Welt führte. Er war ein hervorragender Künstler in der Malerei, Druckgrafik und Skizze sowie ein großer Bildhauer.
Häufig gestellte Fragen
Wer ist Max Beckmann?
Max Beckmann begründete seinen visuellen Stil, indem er eine realistische, an symbolischen Bezügen reiche Bildsprache einsetzte, um die Umwälzungen des zwanzigsten Jahrhunderts und ihre Folgen dramatisch darzustellen. Reisen spielten im Leben des deutschen Malers eine entscheidende Rolle. Die Verurteilung durch das Nazi-Regime als sogenannter entarteter Künstler veranlasste ihn jedoch zur Flucht.
Für welchen Kunststil ist Max Beckmann bekannt?
Während seiner langen Karriere hat Max Beckmann mit seinem Talent, Menschen und Symbole sowie Farben und Schatten feinfühlig zu schichten, seine Erfahrungen meisterhaft in fesselnde, dramatische Gemälde umgesetzt. Während des Ersten Weltkriegs arbeitete der spätere Künstler als Sanitätsoffizier, was einen grundlegenden Wandel seiner künstlerischen Herangehensweise von einem traditionellen, akademischen Ansatz hin zu einem sozialeren und einfühlsameren Malstil bewirkte. Während seiner gesamten Karriere kombinierte er meisterhaft allegorische Figuren und reale Ereignisse in semiotisch aufgeladenen Kunstwerken, die seine Sicht auf den kulturellen, sozialen und politischen Kontext darstellten.
Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.
Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.
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du Plessis, A. (2022, 25 September). Max Beckmann – Der Deutsche Maler im Überblick. Dein Ratgeber rund ums Malen und Zeichnen. https://malen-lernen.org/max-beckmann/
Alicia, du Plessis, “Max Beckmann – Der Deutsche Maler im Überblick.” Dein Ratgeber rund ums Malen und Zeichnen. September 25, 2022. URL: https://malen-lernen.org/max-beckmann/
du Plessis, Alicia. “Max Beckmann – Der Deutsche Maler im Überblick.” Dein Ratgeber rund ums Malen und Zeichnen, September 25, 2022. https://malen-lernen.org/max-beckmann/.