Berühmte Landschaftsgemälde – Die besten Bilder

Landschaften sind das perfekte Thema für Künstler. Die lebendigen Farben und Strukturen der Natur bieten Landschaftsmalern eine unendliche Palette an Ideen, mit denen sie spielen können. Kunst hat die Fähigkeit, den Betrachter in eine andere Zeit und an einen anderen Ort zu versetzen, nicht nur um die Landschaften zu sehen, die berühmte Landschaftsmaler gesehen haben, sondern um die Welt durch ihre Augen und ihre stilistischen Interpretationen der Natur zu sehen.

Warum Künstler Landschaften malten

Viele berühmte Landschaftsmaler waren eher zurückgezogen lebende Menschen und hielten sich in ländlichen Gegenden auf, andere arbeiteten in den Städten und verbrachten ihre Sommer in Seehäusern und Ferienhäusern. Umgeben von diesen wunderschönen Naturszenen ließen sich viele Künstler zu einigen der berühmten Landschaften inspirieren, die wir heute lieben. Andere Künstler wurden beauftragt, berühmte Landschaften von Städten und Ortschaften zu malen.

Viele dieser Landschaftsmaler kamen aus ganz unterschiedlichen Bewegungen und Stilen. Das Ergebnis sind gemalte Landschaften, die von impressionistischen Interpretationen bis zu naturalistischen und realistischen Landschaftsbildern reichen.

Unsere Top 15 der berühmtesten Landschaftsgemälde

Heute schauen wir uns fünfzehn Beispiele für berühmte Landschaftsgemälde und die Landschaftsmaler an, die sie geschaffen haben. Jeder Künstler hat Landschaften mit seiner ganz persönlichen Interpretation von Kunst gemalt, die viel über seinen Stil und seine Sicht auf die Welt verrät.

Die Jäger im Schnee (1565) von Pieter Bruegel dem Älteren

Pieter Bruegel der Ältere war ein flämischer Landschaftsmaler, der um 1525 in Breugel geboren wurde. Bekannt für seine Malerei und Druckgrafik, wird Bruegel von Gelehrten als die bedeutendste Figur der flämischen und niederländischen Renaissance angesehen. Bruegel gehörte zur ersten Generation von Künstlern, die sich nicht darauf beschränkten, ausschließlich religiöse Themen zu malen, und die von ihm gewählten Themen wurden als innovativ bezeichnet.

Es war Pieter Bruegel der Ältere, der dazu beitrug, das Goldene Zeitalter der niederländischen Malerei einzuleiten.

Die Jäger im Schnee (Winter) (1565) von Pieter Bruegel dem Älteren; Pieter Brueghel der Ältere, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Jäger im Schnee wurde mit Öl auf eine Holztafel gemalt und im Jahr 1565 fertiggestellt. Die Szene des Gemäldes spielt mitten im Winter und gehört zu einer Reihe von Werken, die verschiedene Jahreszeiten darstellen und von denen noch fünf erhalten sind. Zu Bruegels Zeit wurde jede Jahreszeit durch die Arbeit dargestellt, die die Menschen in dieser Zeit verrichteten, eine Tradition aus der Frührenaissance, die als „Arbeit der Monate“ bekannt ist.

Auf diesem Gemälde sehen wir, dass es Winter ist und drei Jäger mit ihren Hunden von einer Jagd zurückkehren. Das abgenutzte Aussehen von Hund und Jäger sowie der Körper des einzelnen Fuchses deuten darauf hin, dass die Jagd nicht besonders erfolgreich war und symbolisieren die Mühen der Jahreszeit.

Ansicht von Toledo (um 1600) von El Greco

El Greco wurde 1541 auf Kreta geboren und war als Künstler vor allem in Spanien aktiv. Er wird von Wissenschaftlern oft als einer der führenden und bedeutendsten Vertreter der spanischen Renaissance des 15. und 16. Jahrhunderts bezeichnet. Vor der Veränderung der Thematik, die sein Werk mit sich brachte, war die Landschaftsmalerei unter den Künstlern im westlichen Teil der Welt nicht üblich. Landschaften, Flora und Fauna wurden meist nur als Hintergrund für menschliche Aktivitäten verwendet.

Ansicht von Toledo (c. 1600) von El Greco; El Greco, Public domain, via Wikimedia Commons

Einige haben spekuliert, dass dieses Werk aufgrund der Seltenheit der Landschaftsmalerei vor El Greco ursprünglich Teil eines größeren Gemäldes gewesen sein könnte, obwohl es bisher keine soliden Beweise für diese Theorie gibt. Andere haben die Ansicht von Toledo als das erste Landschaftsgemälde seiner Zeit bezeichnet, das aus Spanien stammt.

Auch wenn es lächerlich erscheinen mag, dass es vor dieser Zeit keine Landschaftsmaler gab, so gab es doch ein Verbot der Landschaftsmalerei durch das Konzil von Trient, was der wahrscheinlichste Grund dafür ist, dass El Greco der erste spanische Künstler war, der dies tat.

Frühling (Das irdische Paradies) (1660- 1664) von Nicolas Poussin

Nicolas Poussin wurde 1594 in der Nähe von Les Andelys in der Normandie geboren und war ein klassischer französischer Maler des Barockstils, der hauptsächlich von Rom aus in Italien arbeitete. Er arbeitete eine Zeit lang in Paris und malte für Kardinal Richelieu und König Ludwig XIII. bevor er nach Rom zurückkehrte. Poussins Werk zeichnet sich durch Ordnung, Vernunft und Klarheit aus, und er bevorzugte in seinen Landschaftsbildern die Linie gegenüber der Farbe. Poussin gilt als Schöpfer des Konzepts der idealen und perfekten Landschaft, in der der Mensch eng mit der ihn umgebenden natürlichen Welt verbunden ist.

Er stellte den Menschen in einer erhabenen und glorreichen Weise dar, mit dem gewünschten Effekt, den Betrachter dazu zu bringen, über die Beziehung der Kinder von Adam und Eva mit dem göttlichen Aspekt des Universums nachzudenken.

Frühling (c. 1660-1664) von Nicolas Poussin; Nicolas Poussin, Public domain, via Wikimedia Commons

Poussin schuf zwischen 1660 und 1664 eine Reihe berühmter Landschaftsgemälde mit dem Namen Zyklus der vier Jahreszeiten. Eines davon heißt Frühling und wurde in den späteren Jahren des Landschaftsmalers für den Herzog von Richelieu gemalt. Jede Szene stellt eine Geschichte aus dem Alten Testament dar, wobei der Schwerpunkt auf der Landschaft und der Jahreszeit liegt. Adam und Eva sind nackt dargestellt und umgeben von der herrlichen Natur Edens, einschließlich des berüchtigten Apfelbaums, der die Menschen in Versuchung führte. In der oberen rechten Ecke des Gemäldes ist Gott zu sehen, der zum Himmel eilt, um die Strafe für ihre Übertretungen zu planen.

Der Canal Grande an der Kirche La Salute(um 1730) von Giovanni Antonio Canal

Giovanni Antonio Canal war ein italienischer Landschaftsmaler aus Venedig. Allgemein bekannt als Canaletto, war er ein hoch angesehener Vertreter der venezianischen Schule im 18. Jahrhundert. Er malte Landschaften mit Stadtansichten wie London, Rom und Venedig. Neben realistischen Landschaftsbildern malte er auch Ansichten aus seiner Fantasie, wobei einige seiner Werke eine subtile Mischung aus beidem sind. Canalettos Der Canal Grande an der Kirche von La Salute ist ein Paradebeispiel für eine Vedute, das ist ein Stil der realistische Landschaftsbilder darstellt.

Um dies zu erreichen, benutzten die Künstler oft mehrere visuelle Messwerkzeuge und Instrumente, um die Winkel und Proportionen der Ansicht richtig anzulegen.

Eingang zum Canal Grande und der Kirche La Salute (ca. 1730) von Giovanni Antonio Canal (Canaletto); Schule von Bernardo Bellotto, Public domain, via Wikimedia Commons

Trotz der akkuraten Darstellung topografischer Elemente schafft es das Gemälde dennoch, ein Gefühl von Pracht und poetischer Schönheit zu vermitteln. Das durchscheinende Licht wirft einen warmen Schein auf die Szene und erweckt den Eindruck einer Stadt, die in den späten Nachmittagsstunden arbeitet. Die Venezianer gehen ihren täglichen Pflichten nach, Händler mischen sich unter die Reisenden aus dem Osten und Gondoliere verlassen den Hafen und machen sich auf den Weg in andere Teile der Stadt, während in der Ferne die Sonne rosa untergeht.

Der Mönch am Meer (1808-1810) von Caspar David Friedrich

Caspar David Friedrich war ein deutscher Landschaftsmaler der Romantik, der 1774 in Greifswald geboren wurde. Er wird von vielen Gelehrten als der bedeutendste deutsche Maler seiner Generation angesehen. Seine berühmten Landschaften waren größtenteils von philosophischer und allegorischer Bedeutung, wobei viele seiner gemalten Landschaften menschliche Figuren als Silhouetten vor dramatischen Naturszenen zeigen.

Landschaftsmaler wie Friedrich waren Teil der romantischen Bewegung, die versuchte, die metaphysischen und emotionalen Aspekte einer Szene darzustellen, um beim Betrachter eine tiefe Reaktion hervorzurufen.

Der Mönch am Meer (1808-1810) von Caspar David Friedrich; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Mönch auf diesem Gemälde steht am Rande des Meeres und blickt auf eine weite und bedrohliche Szene an einem kalten und nebligen Morgen. Der Mönch blickt nachdenklich auf die gewaltige Landschaft und ist sich seiner geringen Größe im Vergleich zu einer so gewaltigen und mächtigen Kraft wie dem Meer bewusst. Mit seinen spärlichen Details wird der Betrachter in den elementaren Aufruhr und das Ausmaß des Gemäldes hineingezogen und aufgefordert, über seine eigene Rolle im unendlichen Universum nachzudenken. Es fordert uns auf, uns zu fragen, wie wir das Unvorhersehbare und Unbekannte wahrnehmen.

The Hay Wain (1821) von John Constable

John Constable wurde 1776 in Suffolk, England, geboren. Er war ein englischer Landschaftsmaler, der in einem Stil malte, der als Romantik bekannt ist. Er wurde berühmt, indem er die Naturszenen in der Umgebung seiner Heimat malte. Kunsthistoriker sehen in ihm den Wegbereiter für die Landschaftsmalerei als Genre.

Sein Werk wurde so sehr zum Synonym für die Gegend, die als Dedham Vale bekannt ist, dass sie den neuen Titel „Constable Country“ erhielt. Allerdings gelang es Constable nie, zu Lebzeiten einen finanziellen Erfolg mit seiner Kunst zu erzielen, obwohl er posthum viel öffentliche Anerkennung und kritischen Beifall erhielt.

The Hay Wain (1800) von John Constable; ERNST LUDWIG KIRCHNER, CC0, via Wikimedia Commons

Wie andere englische Künstler, die der Romantik angehörten, bevorzugte er das Landschaftsgenre, und The Hay Wain ist eines der bekanntesten seiner Landschaftsgemälde. Es zeigt einen Bauernhof am Fluss Stour, der zwischen den Städten Essex und Suffolk in England verläuft. In der Mitte des Bildes steht ein großer Holzkarren, der von drei Pferden über den Fluss gezogen wird. Die Landschaft zeigt ein Gebiet in der Nähe einer Mühle namens Flatford Mill, die dem Vater von Constable gehörte.

Das Gemälde gilt als eines der größten romantischen Landschaftsgemälde der Geschichte.

The Oxbow (1836) von Thomas Cole

Thomas Cole war ein berühmter Landschaftsmaler, der 1801 in Lancashire, England, geboren wurde. Cole war das Gründungsmitglied der Hudson River Bewegung, einer amerikanischen Bewegung, die stark von den Werken der romantischen Künstler inspiriert war, und er gilt als einer der größten Künstler des 19.

Coles Werke sind für ihre Darstellung der Wildnis in Amerika bekannt. 

Zwischen 1833 und 1836 arbeitete Cole an seiner Auftragsserie für Luman Reed namens The Course of Empire. Die Serie sollte aus fünf Gemälden bestehen, von denen jedes eine andere historische Komposition darstellte. Anfangs war Cole begeistert von der Aussicht, aber gegen Ende des langen und langsamen Prozesses wurde er zunehmend deprimiert von der Aufgabe. Deshalb schlug Reed ihm vor, eine Pause von der Serie einzulegen und etwas zu schaffen, das ihm mehr Spaß machte, wie zum Beispiel seine pastoralen Landschaftsbilder für die kommende Jahresausstellung der National Academy of Design.

Blick vom Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, nach einem Gewitter – The Oxbow (1836) von Thomas Cole; Thomas Cole, Public domain, via Wikimedia Commons

Cole antwortete, dass er das letzte Bild der Serie fertigstellen und ausstellen würde, aber Reed wollte lieber warten, bis alle Bilder gleichzeitig ausgestellt werden konnten, und drängte Cole, stattdessen The Oxbow zu malen. Dieses Gemälde zeigt einen Altarm am Ufer des Connecticut River in der Nähe von Northampton, Massachusetts. Die Szene ist als Blick vom Mount Holyoke nach einem Gewitter gemalt.

Der kämpfende Temeraire (1839) von J.M.W. Turner

J.M.W. Turner war ein englischer Künstler, der 1775 in Covent Garden in London geboren wurde. Er war ein Maler und Grafiker der romantischen Bewegung und wurde vor allem für seine fantasievollen und manchmal gewalttätigen Darstellungen von Schiffen und Meeresbewohnern bekannt.

Sein Landschaftsgemälde „Die kämpfende Temeraire“ basiert auf einem tatsächlichen Kriegsschiff, das durch die heldenhafte Schlacht zwischen den Seestreitkräften Großbritanniens und denen Frankreichs und Spaniens berühmt wurde.

The Fighting Temeraire tugged to her last berth to be broken up, 1838 (1839) von J. M. W. Turner; J. M. W. Turner, Public domain, via Wikimedia Commons

Die HMS Temeraire gehörte zur englischen Royal Navy und war ein zweitklassiges Kriegsschiff mit 98 Kanonen. Trotz seiner ruhmreichen Vergangenheit wird das Schiff auf den Gemälden so dargestellt, wie es von einem Schlepper gezogen wird, um verschrottet zu werden. Dieses Landschaftsgemälde ist eine Hommage an die letzten Tage der prächtigen Segelschiffe von damals, die den neuen und verbesserten dampfgetriebenen Modellen Platz machten. Das Ende der Reise des Schiffes spiegelt sich in der untergehenden Sonne wider und markiert sowohl das Ende des Tages als auch das Ende der langen und farbenfrohen Reise des Schiffes.

Pflügen im Nivernais (1849) von Rosa Bonheur

Rosa Bonheur wurde in eine Familie mit sozialistischer Gesinnung hineingeboren, die der Meinung war, dass die Unterschiede zwischen den Geschlechtern und den Klassen beseitigt werden sollten. Dank dieser Einstellung wuchs Bonheur mit einer trotzigen und liberalen Lebenseinstellung in einer Zeit auf, in der von Frauen erwartet wurde, dass sie sich um häusliche Pflichten kümmerten und nicht einmal an Kunstinstituten studieren durften.

Doch vor allem dank der Ermutigung und Unterstützung ihres Vaters malte sie schon im frühen Teenageralter zahlreiche Werke und erhielt viele Auszeichnungen, die zuvor ausschließlich Männern zuteil geworden waren, als sie erst die Hälfte ihrer künstlerischen Karriere hinter sich hatte.

Pflügen im Nivernais (1849) von Rosa Bonheur; Rosa Bonheur, Public domain, via Wikimedia Commons

Pflügen im Nivernais war Bonheurs erstes bahnbrechendes Kunstwerk und wurde 1849 von der französischen Regierung in Auftrag gegeben. In den meisten ihrer Landschaftsbilder stellte sie Bauernhof- und Arbeitstiere dar. Auf diesem großen Ölgemälde wird das Land von zwölf Ochsen gepflügt.

Ihre Landschaften fangen die bescheidenen und zeitlosen Aspekte des Landlebens ein und spiegeln die jahrhundertealten Traditionen der Bauern wider, ohne den Realismus zu vernachlässigen.

Bonheur verwendet eine Reihe diagonaler Linien, um den Betrachter in das gepflügte Feld hineinzuziehen, und schafft mit ihrem meisterhaften Einsatz der Perspektive ein Gefühl epischen Ausmaßes, das an die Werke der großen Künstler der Romantik erinnert. Mit ihrer subtilen und eleganten Farbpalette kann man auch einen Einfluss der niederländischen Künstler erkennen.

Der Strand von Trouville (1865) von Eugène Boudin

Eugène Boudin wurde in Honfleur in Frankreich geboren und war einer der ersten französischen Maler, die en plein air, also im Freien malten. Er malte Landschaften von Ozeanen und Meeresküsten und schuf meisterhaft gemalte Landschaften voller wunderschöner Himmel und Meeresspiegelungen in der Normandie. Als Liebhaber der Natur und des Meeres fühlte sich Boudin nicht wohl in der erdrückenden Umgebung der akademischen Kunst und zog es vor, draußen zu malen.

Seine Werke weisen viele ähnliche Stilelemente auf wie die der Impressionisten, obwohl er der Bewegung chronologisch vorausgeht. Seine Werke fangen die gleiche flüchtige Essenz einer Szene und die Vergänglichkeit des Lichts auf ihr ein.

Der Strand bei Trouville (1865) von Eugène Boudin; Eugène Louis Boudin, Public domain, via Wikimedia Commons

In Der Strand von Trouville gelang es ihm, das Gefühl für die schiere Größe des Himmels über der Normandie einzufangen. Er beobachtete geduldig die wechselnden atmosphärischen Bedingungen und veranschaulichte das Gefühl der natürlichen Elemente mit ausdrucksstarken Pinselstrichen. Seine suggestiven Pinselstriche vermitteln ein Gefühl für die Bewegung und die Textur seiner Kompositionen, ohne dass er beschreibende Details hinzufügen muss. Die Szene in Der Strand von Trouville zeigt die Bourgeoisie am Strand in ihren feinen Anzügen und Kleidern. Sie sind warm gekleidet und wir können in der Bewegung ihrer Kleidung eine Andeutung einer steifen Brise erkennen.

Sonnenlicht und Schatten: Die Newbury Marshes (um 1875) von Martin Johnson Heade

Martin Johnson Heade war ein amerikanischer Landschaftsmaler, der 1819 in Lumberville, Pennsylvania, geboren wurde. Zu den Themen seiner hoch angesehenen Werke gehörten Seestücke, Landschaften, Lotusblüten, tropische Vögel und Stillleben. Seine ersten Gemälde schuf er mit Anfang 20, vor allem Porträts, aber nachdem er sich mit einigen Künstlern der Hudson River School angefreundet hatte, interessierte er sich bald mehr für die Landschaftsmalerei.

Das erste Mal begegnete Heade den Newbury Marshes um 1859, und bis zum Ende seiner künstlerischen Laufbahn schuf er mehr als 100 Gemälde, die das Sumpfgebiet zum Thema hatten.

Sonnenlicht und Schatten: Die Newbury Sümpfe (ca. 1875) von Martin Johnson Heade; Martin Johnson Heade, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese Sumpfbilder machen etwa ein Fünftel seines gesamten künstlerischen Schaffens aus. In diesen 100 Gemälden stellte er den Sumpf in verschiedenen Jahreszeiten und Klimazonen dar, wie diese Elemente den Sumpf im Laufe der Zeit nährten und formten und wie der Sumpf von Tieren und Menschen gleichermaßen zum Fischen und Jagen genutzt wurde. Es heißt, er war der Einzige, der sich dem Sumpf widmete und detaillierte Bewertungen und visuelle Darstellungen des Sumpfes hinterließ.

Die sternenklare Nacht(1889) von Vincent van Gogh

Vincent van Gogh wurde in Zundert in den Niederlanden geboren und war ein niederländischer Maler des Postimpressionismus. Er malte zu Lebzeiten viele Porträts, Stillleben und Landschaftsbilder, erlangte aber erst nach seinem Selbstmord im Jahr 1890 Ruhm und kritische Anerkennung. Van Gogh schuf über 2.100 Kunstwerke, viele davon in den letzten zehn Jahren seines Lebens. Sein Stil hat den Grundstein für die moderne Kunst gelegt und ist durch seinen dramatischen Farbauftrag und seine ausdrucksstarken, spontanen Pinselstriche sofort erkennbar.

Obwohl er heute auf der ganzen Welt anerkannt und bejubelt wird, verbrachte er sein Leben in Armut und litt schwer unter Wahnvorstellungen und Psychosen. Bei einem Streit mit seinem Künstlerkollegen Paul Gauguin schnitt er sich sogar ein Ohr ab und wies sich 1889 selbst in eine Anstalt ein.

Die Sternennacht (1889) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Sternennacht wurde 1889 während van Goghs Aufenthalt in der Irrenanstalt Saint-Paul in der Nähe von Saint-Rémy in Südfrankreich, nahe der Provence, gemalt. Es soll den Blick aus dem Fenster seines Zimmers darstellen, der kurz vor Sonnenaufgang zu sehen ist.

Obwohl diese Landschaft eine brillant beleuchtete Szene mit fließenden Sternbildern und blauen Wellen darstellt, deuten die seltsam zerklüfteten Züge und deplatzierten Spiralen auf den höllischen Aufruhr hin, den der Landschaftsmaler zu dieser Zeit erlebte. Die Komposition enthält ein imaginäres Dorf, das außerhalb der Anstalt nicht existierte, aber die Sterne sollen reale Konstellationen darstellen, die sichtbar gewesen wären.

Der Berg Sainte-Victoire vom Steinbruch Bibémus aus gesehen (1897) von Paul Cézanne

Paul Cézanne, geboren 1839, war ein französischer Künstler, der für seine postimpressionistischen Gemälde bekannt ist. Mit seinen Werken aus dem 19. Jahrhundert legte er den Grundstein für die modernen Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts, insbesondere für den Kubismus.

Es war während seiner Zeit in der Region Provence-Alpes-Côte d’Azur, als der berühmte französische Landschaftsmaler sich zur Ruhe setzen wollte. In dieser wunderschönen Umgebung, umgeben von Bergen, Bäumen und Sonnenschein, fand der Künstler große Inspiration für seine berühmten Landschaften. Die Berge von Sainte-Victoire sind in rund 80 seiner Landschaftsbilder zu sehen.

Im Gegensatz zu anderen berühmten Landschaftsmalern, die im Stil des Impressionismus malten, verwischte er die Linien zwischen den Objekten in seinen Kompositionen nicht, sondern stellte sie mit schwarzen Umrissen deutlich dar.

Der Berg Sainte-Victoire vom Steinbruch Bibémus aus gesehen (1897) von Paul Cézanne; Paul Cézanne, Public domain, via Wikimedia Commons

Er malte keine realistischen Landschaftsbilder, sondern zog es vor, sie stilistisch durch seine einzigartige Darstellung unregelmäßiger, aus geometrischen Formen gebildeter Objekte darzustellen, ganz ähnlich wie im Kubismus. Er trug die Pinselstriche in dicken Schichten auf, um die Oberflächen des Gemäldes hervorzuheben, eine Technik, die als Impasto bekannt ist. Man sagt, dass ihn die Berge wegen ihrer Majestät und Größe sehr faszinierten. Viele betrachten sie als seine Muse, die Cézanne unaufhörlich mit Kreativität und Inspiration versorgte.

L’Estaque (1906) von André Derain

André Derain war ein französischer Landschaftsmaler, der 1880 geboren wurde und zusammen mit Henri Matisse ein Mitbegründer des Fauvismus war. Fauvistische Landschaftsmaler schufen farbenfrohe Szenen, die sich mehr auf den gefühlsbetonten Einsatz von Farben konzentrierten, als auf realistische Landschaftsbilder. Sie ließen die Beschränkungen der konventionellen Kunst beiseite und malten stattdessen Landschaften, die die eigene emotionale Reaktion des Künstlers in dieser Umgebung darstellten.

Dieses Landschaftsgemälde macht kreativen Gebrauch von kontrastierenden Farben, indem es sie in der Komposition zusammenbringt, wie z.B. die satten Rottöne gepaart mit den lebhaften Grüntönen und die tiefen Blautöne gepaart mit den leuchtenden Orangen.

Das Dorf L’Estaque soll eine bekannte Quelle kreativer Inspiration für viele besuchende Künstler sein, so wie es die Berge von Sainte-Victoire für Paul Cézanne waren. Die herrlich leuchtenden Farben der Gegend sollen ein kreativer Zufluchtsort für angesehene Künstler wie Derain, Raoul Duffy, Henri Matisse und Georges Braque gewesen sein. Ähnlich wie andere fauvistische Landschaftsmaler verwendete Derain extrem kühle und warme Farben, die er den gedämpften Tönen der Natur vorzog, und er war ein überzeugter Anhänger des Konzepts, die Farbe in den Mittelpunkt der Komposition zu stellen.

Der Traum (1910) von Henri Rousseau

Henri Rousseau war ein post-impressionistischer Maler, der 1844 in Frankreich geboren wurde. Er war ein Autodidakt, der in einem Stil malte, der dem der Primitivismus-Bewegung und dem Native Style ähnelte. Er war von Beruf Steuereintreiber und begann erst mit Anfang vierzig ernsthaft zu malen. Mit 49 Jahren zog er sich schließlich zurück, um sich ganz auf die Malerei zu konzentrieren.

Obwohl sein Werk zu Lebzeiten von den Kritikern nicht gerade wohlwollend betrachtet wurde, galt er schließlich als autodidaktischer Meister, dessen Kunstwerke von großer Qualität zu einer Inspirationsquelle für viele spätere Generationen von Künstlern der Avantgarde-Bewegung wurden.

La Rêve (Der Traum) (1910) von Henri Rousseau; Henri Rousseau, Public domain, via Wikimedia Commons

Rousseaus Werke verkörperten viele der künstlerischen Konzepte des Primitivismus, und der Künstler galt als prominentes Mitglied der Native-Bewegung, die zwischen 1885 und 1930 populär war. Er schuf eine farbenfrohe Welt, die durch die Augen eines Kindes oder eines primitiven Menschen gesehen zu werden scheint. Der Stil ist gekennzeichnet durch eine gezielte Verweigerung der Dimensionen und Perspektiven der realen Welt.

In Rousseaus Der Traum liegt eine Frau nackt in einem üppigen Wald und lauscht dem Spiel eines Flötenspielers. In der Vegetation sind verschiedene Tiere zu sehen, wie Elefanten, Vögel und Löwen. Die Pose der Frau ist auf rätselhaft erotische Weise gemalt, während um sie herum Lotusblumen in vielen Farben blühen.

Heute haben wir etwas über einige der berühmtesten Landschaftsmaler der Kunstgeschichte erfahren. Künstlerinnen und Künstler aus fast allen Strömungen haben monumentale Kunstwerke geschaffen, die uns auch in der heutigen Zeit noch beeindrucken und inspirieren. Durch ihre Fähigkeiten und Techniken haben uns diese Landschaftskünstler einen Einblick in die Art und Weise gegeben, wie sie die Welt um sich herum auf die gefühlvollste und schönste Art und Weise betrachten – durch Kunst.

Häufig gestellte Fragen

Sind die gemalten Landschaften berühmter Landschaftskünstler echt oder erfunden?

Einige berühmte Landschaftsmaler haben versucht, ihre Lieblingsorte genau so einzufangen, wie sie existieren, während andere versucht haben, das Gefühl oder die Essenz eines Ortes anhand des Eindrucks, den er bei ihnen hinterlassen hat, einzufangen. Andere ziehen es vor, Landschaften aus ihrer Fantasie heraus zu erschaffen, während manche sogar faszinierende Mischbilder schaffen, die sowohl real als auch erfunden sind. Unabhängig von der ursprünglichen Inspiration oder dem Ausgangsmaterial können wir diese Orte durch ihre Kunstwerke so wahrnehmen, wie sie von den Landschaftskünstlern, die sie geschaffen haben, erlebt wurden – ob real oder nicht.

Gibt es Landschaftsmaler außerhalb von Europa und Amerika?

Ja, es gibt berühmte Landschaftsmalereien aus vielen Ecken der Welt. Vor allem in Asien, genauer gesagt in Japan und China, gibt es eine lange und farbenfrohe Tradition der Landschaftsmalerei. Interessanterweise gab es in China und Japan kein traditionelles Wort für Landschaft, sondern man nannte sie einfach „Berg und Wasser“. Es gibt zwei Arten der traditionellen asiatischen Landschaftsmalerei: zum einen die monochromen Darstellungen von beschnittenen Bäumen und wirbelndem Nebel aus der chinesischen Song-Dynastie und zum anderen eine farbenfrohere und modernere Version. Letztere war weniger topografisch als die traditionelle Version, sondern eher ornamental und verwendete oft Blattgold für die kunstvollen Designs der gemalten Landschaften.

Haben alle Landschaftsmaler nur Landschaften gemalt?

Es gibt zwar einige Künstler, deren Nische die Landschaftsmalerei war, aber viele von ihnen konnten neben Landschaften auch alles andere malen, von Porträts bis zu Stillleben. Manche mussten für ihre Auftraggeber religiöse oder bürgerliche Themen malen, und die Landschaftsmalerei war für sie eine persönliche Möglichkeit, sich zu entspannen und sich auszudrücken.