Wassily Kandinsky – Alles über den russischen abstrakten Maler

Der russische Künstler Wassily Kandinsky machte die abstrakte Malerei in den letzten Jahren des 19. und frühen Jahren des 20. Jahrhunderts populär. Kandinsky betonte die Integration des Visuellen und des Akustischen in seinem einzigartigen Blickwinkel auf die Form und den Zweck der Kunst. Er nahm Geräusche als Farben wahr, und diese seltsame Sichtweise beeinflusste die Entstehung von Kandinskys Kunstwerken. Er vertrat die Ansicht, dass das Ziel der Kunst darin besteht, die Einzigartigkeit und die innere Vision des Künstlers zu vermitteln, was die Überwindung der objektiven Realität voraussetzt. Mit seinen Gemälden wollte Kandinsky zeigen, dass die absolute Abstraktion eine tiefere, erhabene Erkenntnis ermöglicht und dass die Nachahmung der Natur dieses Bestreben nur behindert.

Wassily Kandinskys Biografie und Kunstwerke

Das Werk des Künstlers Kandinsky durchlief drei Phasen, angefangen bei seinen frühen, realistischen Gemälden und ihrer himmlischen Symbolik, über seine ekstatischen und theatralischen Kompositionen bis hin zu seinen späten, geometrischen und biomorphen flächigen Farbflächen. Kandinskys Werke und Ideen beeinflussten mehrere Generationen von Malern, von seinen Bauhaus-Schülern bis hin zu den abstrakten Expressionisten nach dem Zweiten Weltkrieg. Vor allem aber waren Kandinskys Werke zutiefst spirituell.

Fotografie von Wassily Kandinsky; 未知上傳者, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Maler Kandinsky strebte danach, tiefe Mystik und die Tiefe menschlicher Gefühle durch ein weltweites visuelles Medium aus geometrischen Formen und Farben zu vermitteln, das kulturelle Grenzen überschreitet. Kandinskys abstraktes Werk war der Höhepunkt einer langen Periode ernsthafter Kontemplation, die auf seinen kreativen Erfahrungen beruhte.

Diese Hingabe an die innere Anziehungskraft, den spirituellen Eifer und die seelische Sehnsucht bezeichnete er als „inneres Bedürfnis“, und sie war ein wesentlicher Bestandteil von Kandinskys Kunst.

Frühes Leben

Der russische abstrakte Künstler Kandinsky wurde in Moskau als Sohn des Teehändlers Wassili Silvestrowitsch Kandinsky und Lidia Ticheeva geboren.  Während seiner Zeit in Moskau wurde Kandinsky von einer Reihe von Einflüssen geprägt. Während seiner Schulzeit studierte er verschiedene Fächer, darunter Wirtschaft und Recht. Später erinnerte er sich daran, dass ihn schon als Jugendlicher die Farben faszinierten und motivierten. Als er älter wurde, beschäftigte er sich intensiver mit Symbolen und der Psychoanalyse. Er war Mitglied einer anthropologischen Studiengruppe, die 1889 in die Region Vologda nördlich von Moskau reiste.

Die Häuser und Kirchen waren mit so schillernden Farben bemalt, dass er dachte, er befände sich in einem Bild, als er sie betrat.

Porträt von Wassily Kandinsky, 1923; Hugo Erfurth, Public domain, via Wikimedia Commons

Diese Begegnung und seine Nachforschungen über die traditionelle Kunst der Region (insbesondere die Verwendung leuchtender Farben auf dunklem Hintergrund) beeinflussten einen Großteil seiner ersten Studien. Einige Jahre später verglich er erstmals Gemälde mit der Art von Musikkomposition, für die er berühmt werden sollte:

„Die Tastatur ist die Farbe, die Augen sind die Hämmer und das Herz ist ein Klavier mit mehreren Saiten. Der Musiker ist die Hand, die spielt und die eine oder andere Note fühlt, um die Seele zum Schwingen zu bringen.“

Im Alter von 30 Jahren gab Kandinsky einen Job als Dozent für Recht und Wirtschaft auf, um die Münchner Akademie zu besuchen, wo Franz von Stuck zu seinen Lehrern gehörte. Er wurde nicht sofort zugelassen und musste sich die Malerei selbst beibringen. Bevor er 1920 Moskau verließ, sah er sich eine Ausstellung mit Werken von Monet an. Vor allem die impressionistische Technik von Haystacks hatte es ihm angetan, da sie seiner Meinung nach praktisch unabhängig von den Dingen selbst einen lebendigen Sinn für Farben hatte.

Haystacks (1885) von Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Später dachte er über diese Begegnung nach: „In der Broschüre wurde mir gesagt, dass es ein Heuhaufen sei. Ich hatte keine Ahnung, was das war. Diese Unkenntnis war für mich unheimlich belastend. Der Maler hatte meiner Meinung nach kein Recht, inkohärent zu malen. Ich hatte den deutlichen Eindruck, dass das Thema des Bildes abwesend war. Und ich war überrascht und verwirrt, als ich feststellte, dass das Bild mich nicht nur in seinen Bann zog, sondern auch einen unauslöschlichen Eindruck in meinem Gedächtnis hinterließ. Das Gemälde gewann eine märchenhafte Kraft und Pracht.“

In dieser Zeit wurde Kandinsky auch von Richard Wagners Oper „Lohengrin“ (1850) beeinflusst, die seiner Meinung nach die Grenzen von Melodie und Gesang über das gewöhnliche Lyrische hinaus erweiterte.

Madame Blavatsky, die bekannteste Vertreterin der Theosophie, hatte ebenfalls einen spirituellen Einfluss auf ihn. Nach der theosophischen Philosophie ist die Existenz eine geometrische Abfolge, die mit einem einzigen Punkt beginnt. Eine fallende Folge von Kugeln, Quadraten und Dreiecken drückt die generative Natur der Form aus.

Emblem der Internationalen Theosophischen Gesellschaft, 1875; Adyar, Public domain, via Wikimedia Commons

Karriere

Kandinsky bat Gabriele Münter, ihn im Sommer 1902 zu seinen Kunstseminaren in den Alpen bei München zu begleiten. Sie stimmte zu, und ihre Verbindung wurde vom Geschäftlichen zum Persönlichen. Kandinsky empfand die Kunstschule, von der man normalerweise denkt, sie sei eine Herausforderung, als einfach.

In dieser Zeit begann er, sich als Theoretiker der Kunst und als Künstler zu etablieren.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts nahm die Zahl seiner verbliebenen Werke zu; von seinen Landschaften und Städten, die er mit großen Farbflächen und erkennbaren Merkmalen malte, ist viel erhalten geblieben. Auf den meisten Gemälden Kandinskys sind keine Menschen zu sehen; eine Ausnahme ist Sonntag, altes Russland (1904), in dem Kandinsky eine lebhafte Szene mit Dorfbewohnern und Adeligen vor den Mauern einer Stadt nachstellt.

Sonntag, altes Russland (1904) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Metamorphose

Paar auf dem Pferderücken (1907) zeigt einen Mann auf einem Pferd, der eine Dame zärtlich umarmt, während sie an einem russischen Dorf mit leuchtenden Mauern über einen türkisfarbenen Fluss reiten. Das Pferd ist gedämpft, aber das Laub der Bäume, das Dorf und die Spiegelung im Fluss glänzen in leuchtenden Farbtupfern. Die Art und Weise, wie das Sichtfeld in diesem Gemälde zu einer flachen, leuchtenden Oberfläche verdichtet wird, zeigt die Wirkung des Pointillismus. Auch der Fauvismus ist in diesen frühen Werken zu erkennen. Die Farben werden verwendet, um Kandinskys Sichtweise auf das Motiv darzustellen, und nicht, um die objektive Natur abzubilden.

Paar zu Pferd (1907) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Der Blaue Reiter (1903), der einen kleinen verhüllten Mann auf einem Rennpferd darstellt, der über eine felsige Landschaft reitet, ist eines seiner wichtigsten Werke aus dem ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Der Umhang des Reiters ist in einem gemäßigten Blau mit einem tieferen blauen Schatten gehalten. Das Gegenstück zu den herbstlichen Bäumen im Hintergrund sind eher dunstige blaue Schatten im Vordergrund. Der blaue Reiter ist auf dem Kunstwerk auffällig (wenn auch nicht vollständig definiert), und das Pferd bewegt sich auf ungewöhnliche Weise (was Kandinsky sicherlich bewusst war). Einige Kunstwissenschaftler sind sich einig, dass der Reiter eine zweite Person hält (möglicherweise ein Kind), aber das könnte auch ein Schatten sein, den der einsame Reiter wirft.

Diese bewusste Trennung, die es dem Betrachter ermöglichte, sich an der Konstruktion des Werks zu beteiligen, wurde in späteren Jahren zu einer bewussteren Methode, die Kandinsky in den abstrakten Werken von 1911 bis 1914 anwandte. 

Der Blaue Reiter (1903) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Kandinsky stellt die Reiter auf dem Pferd in Der blaue Reiter als einen Strom von Farben und nicht in besonderen Details dar. Im Vergleich zu zeitgenössischen Malern ist dieses Bild in dieser Hinsicht nicht einzigartig, aber es deutet den Weg an, den Kandinsky nur ein paar Jahre später einschlagen sollte. Von 1906 bis 1908 reiste der russische abstrakte Künstler Kandinsky ausgiebig durch Europa (er war Mitglied der symbolistischen Bewegung der Blauen Rose in Moskau), bevor er sich in der kleinen bayerischen Stadt Murnau niederließ.

1908 erwarb er ein Exemplar von Charles Webster Leadbeaters und Annie Besants Gedankenformen. Im Jahr 1909 trat er der Theosophischen Gesellschaft bei. In dieser Zeit schuf er Der blaue Berg (1909), der seine Hinwendung zur Abstraktion illustriert.

Der Blaue Berg (1909) von Wassily Kandinsky; Dr. Alexey Yakovlev, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Ein blauer Berg wird von zwei breiten Bäumen eingerahmt, von denen einer rot und der andere gelb ist. Am Fuße des Berges kreuzt eine Gruppe von drei Radfahrern und zahlreichen weiteren Personen. Die Gesichter, die Kleidung und die Sättel der Radfahrer sind alle einfarbig, und weder sie noch die flanierenden Personen haben irgendwelche Details. Fauvistische Inspiration ist auch in den flachen Oberflächen und Kurven zu erkennen. Der Blaue Berg ist ein Beispiel für Kandinskys Vorliebe für ein Kunstwerk, in dem die Farbe unabhängig von der Form dargestellt wird und in dem jeder Farbton gleich stark betont wird.

Die Anordnung ist flacher, mit vier Abschnitten: der gelbe Baum, der rote Baum, der Himmel und der blaue Berg mit den drei Reitern.

Die Periode des Blauen Reiters

Kandinskys Gemälde aus dieser Zeit sind riesige, gefühlsbetonte Farbmassen, die unabhängig von Formen und Linien beurteilt werden; diese dienen nicht mehr zur Abgrenzung, sondern überlagern sich frei, um Bilder von enormer Energie zu schaffen. Weil Musik im Grunde genommen abstrakt ist und nicht darauf abzielt, die Außenwelt abzubilden, sondern die inneren Empfindungen der Seele auf unmittelbare Weise vermittelt, war sie für die Entstehung der abstrakten Kunst von entscheidender Bedeutung.

Kandinskys Werke wurden gelegentlich mit musikalischen Begriffen bezeichnet; seine impulsivsten Leinwände nannte er „Improvisationen“ und die ausgefeilteren „Kompositionen“

Komposition V (1911) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Kandinsky, der Maler, war auch ein Kunsttheoretiker; seine theoretischen Schriften haben die Geschichte der westlichen Kunst vielleicht stärker beeinflusst als seine Kunstwerke. Er gehörte zu den Gründungsmitgliedern der Münchner Neuen Künstlervereinigung und war 1909 ihr Präsident. Die Gruppe war jedoch nicht in der Lage, Kandinskys unkonventionelle Haltung mit traditionellen ästhetischen Vorstellungen zu vereinen, und die Organisation löste sich Ende 1911 auf.

Kandinsky gründete dann mit Malern wie Franz Marc, August Macke, Albert Bloch und Gabriele Münter den Blauen Reiter.

Der Blaue Reiter Almanach wurde 1912 veröffentlicht, und es wurden zwei Ausstellungen durchgeführt. Weitere Ausstellungen waren geplant, aber der Ausbruch des Ersten Weltkriegs im Jahr 1914 machte diesen Ambitionen einen Strich durch die Rechnung und schickte Kandinsky über die Schweiz zurück nach Russland und dann weiter nach Schweden.

Cover des Almanachs Der Blaue Reiter. (ca. 1912), entworfen von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Seine Schriften in Der Blaue Reiter Almanac und die These „Über das Spirituelle in der Kunst“ (1910) waren sowohl eine Verteidigung und Befürwortung der abstrakten Kunst als auch eine Aussage, dass alle künstlerischen Medien in ähnlicher Weise in der Lage sind, einen Grad von Spiritualität zu erreichen. Er war der Meinung, dass Farbe in einem Kunstwerk unabhängig von der sichtbaren Darstellung eines Gegenstands oder einer anderen Form verwendet werden kann. Diese Konzepte hatten fast augenblicklich internationalen Einfluss, besonders in der englischsprachigen Gemeinschaft.

Michael Sadleir von der Londoner Art News bewertete sein Werk 1912. Als Sadleir 1914 eine englische Version von Kandinskys Bericht veröffentlichte, stieg das Interesse an ihm sprunghaft an.

Buchschild von Michael Sadleir, 1882; Sadleir, Public domain, via Wikimedia Commons

Im selben Jahr wurden Auszüge aus dem Text in der Zeitschrift Blast und der wöchentlichen Kunsttageszeitung The New Age veröffentlicht. Kandinsky hatte jedoch schon vorher in Großbritannien einige Aufmerksamkeit erregt; 1910 nahm er an der Ausstellung der Alliierten Künstler (organisiert von Frank Rutter) in der Royal Albert Hall teil. Sadleirs Begeisterung für Kandinsky führte auch dazu, dass der ältere Michael Sadleir 1913 viele Holzdrucke und das abstrakte Werk Fragment für Komposition VII erwarb, nachdem Vater und Sohn in diesem Jahr Kandinsky in München besucht hatten. Zwischen 1913 und 1923 wurden diese Bilder in Leeds ausgestellt, entweder an der Universität oder im Leeds Arts Club.

Die Rückkehr des russischen abstrakten Künstlers nach Russland

Kandinsky entdeckte Nina Andrejewskaja im Jahr 1916 und heiratete sie am 11. Februar 1917. Kandinsky interessierte sich für die russische Kulturpolitik und arbeitete von 1918 bis 1921 an der Reform des Kunstunterrichts und der Institutionen. In dieser Zeit produzierte er wenig, sondern widmete seine Zeit der kreativen Ausbildung mit einem Lehrplan, der sich auf Form- und Farbstudien konzentrierte; außerdem half er bei der Gründung des Moskauer Instituts für künstlerische Kultur. Sein mystisches, beschwörendes Kunstkonzept wurde schließlich von den extremen Anhängern des Instituts als zu persönlich und materialistisch verurteilt.

Kandinsky wurde 1921 von seinem Schöpfer, dem Architekten Walter Gropius, nach Deutschland berufen, um sich dem Bauhaus in Weimar anzuschließen.

Rückkehr nach Deutschland und das Bauhaus

Kandinsky unterrichtete am Bauhaus einen kompletten Anfänger-Gestaltungskurs und eine intensive theoretische Klasse, außerdem Malerei-Workshops und ein Seminar, in dem er seine Farbtheorie um neue Komponenten der psychoanalytischen Formtheorie ergänzte. 1926 erschien sein zweites konzeptionelles Buch (Point and Line to Plane) als Ergebnis der Weiterentwicklung seiner Arbeiten zur Formenlehre, vor allem zu Punkt- und Linienformationen.

Cover des Buches Point and Line to Plane (1926) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Seine Untersuchungen über die Auswirkungen von Druck auf gerade Linien, die zu den gegensätzlichen Tönen von geschwungenen und schrägen Linien führten, korrespondierten mit der Arbeit der Gestaltpsychologen, deren Forschung ebenfalls am Bauhaus diskutiert wurde. Geometrische Merkmale, insbesondere der Kreis, der Halbkreis, Winkel, gerade Linien und Kurven, wurden in seinem Unterricht und seinen Gemälden immer wichtiger.

Das war eine wirklich fruchtbare Zeit.

Diese Flexibilität zeigt sich in seinen Werken durch den Umgang mit Flächen, die reich an Farben und Farbverläufen sind, wie z.B. Gelb-Rot-Blau (1925), in dem Kandinsky seine Unabhängigkeit von den prominenten Strömungen des Suprematismus und Konstruktivismus der Zeit demonstriert. Gelb-Rot-Blau (1925) ist ein zwei Meter breites Werk mit zahlreichen primären Elementen:  ein schräges rotes Kreuz, ein gelbes Rechteck und eine große düstere blaue Kugel; eine Fülle von scharfen schwarzen Linien, Bögen, monochromen Ringen und verstreuten, bunten Schachbrettern tragen zu seiner sensiblen Raffinesse bei.

Gelb-Rot-Blau (1925) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Dieses grundlegende visuelle Erkennen von Formen und den wichtigsten Farbmassen auf dem Gemälde ist nur eine erste Strategie für die innere Welt des Werks, deren Bewunderung ein tieferes Verständnis erfordert, nicht nur der Formen und Farben, die in dem Kunstwerk vorkommen, sondern auch ihrer Interaktion, ihrer Position zueinander auf der Leinwand sowie ihrer Gesamtharmonie.

Große Synthese

Kandinsky entwickelte sein Werk in einem Wohnzimmeratelier, während er in einer Pariser Wohnung lebte. In seinen Werken tauchen biomorphe Formen mit fließenden, nicht geometrischen Kanten auf – Figuren, die Lebensformen ähneln und doch die innere Existenz des Schöpfers offenbaren. Kandinsky verwendete einzigartige Farbkombinationen, die an die slawische Volkskunst erinnern. Manchmal mischte er auch Sand mit Pigmenten, um seinen Werken einen körnigen, rustikalen Charakter zu verleihen.

Diese Phase bezieht sich auf eine Synthese von Kandinskys vorherigem Werk, in dem er alle Komponenten nutzte und bereicherte.

In den Jahren 1936 und 1939 vollendete er seine letzten beiden großen Werke, riesige Gemälde, die er seit vielen Jahren nicht mehr geschaffen hatte. Komposition IX (1936) hat stark kontrastierende, kraftvolle Diagonalen, wobei die Hauptform an einen Fötus im Mutterleib erinnert.

Composition IX (1936) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Sternchen oder kleine Farbquadrate und farbige Bänder heben sich von dem schwarzen Hintergrund der Komposition X (1939) ab, während kryptische Hieroglyphen mit Schattierungen eine massive kastanienbraune Masse bedecken, die in der oberen linken Ecke des Gemäldes zu schweben scheint. Einige Züge sind in Kandinskys Kunstwerken deutlich zu erkennen, während andere subtiler und verborgener sind; sie zeigen sich erst nach und nach denjenigen, die eine tiefere Beziehung zu seinem Werk haben.

Seine Formen (die er sanft harmonisierte und positionierte) sollten sich mit dem Geist des Betrachters verbinden.

Komposition X (1939) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Der einzigartige Kunststil des Malers Kandinsky

Wassily Kandinskys Kunst verbindet Musik und Mystik. Kandinskys Gemälde in seinen frühen Jahren weisen einen ausgeprägten expressionistischen Ansatz auf, der auf seine Begeisterung für zeitgenössische Musik und seine taktile Neigung zurückzuführen ist. Er akzeptierte jedoch alle kreativen Strömungen seiner Zeit und seiner Vorfahren, wie den Jugendstil, den Fauvismus und den Blauen Reiter, den Surrealismus und das Bauhaus, um sich dann, als er sich mit der Spiritualität im Kunstwerk beschäftigte, dem Abstraktionismus zu nähern.

Seine objektfreien Leinwände zeigen eine spirituelle Abstraktion, die durch Musik und Gefühle über eine Einheit der Sinne hervorgerufen wird. Seine Werke beinhalten die Ungewissheit der Form, die in einer Reihe von Farben dargestellt wird, sowie die Opposition gegen die traditionellen ästhetischen Normen der Kunstwelt, motiviert durch seinen christlichen Glauben und das innere Bedürfnis eines Individuums. Das zeigt sich in seinen frühen Werken wie Improvision 10 (1910) und Komposition IV (1911).

Improvision 10 (1910) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Im Laufe seiner kreativen Karriere lässt sich sein unverwechselbarer Stil in drei Kategorien einteilen: impulsive emotionale Reaktionen, gegenständliche Elemente und endgültige Kunstwerke. Kandinskys Kunstwerke wurden lebendiger und gefühlsbetonter, je weiter er sich von seinem frühen impressionistischen Einfluss entfernte, mit schärferen Konturen und ausgeprägten linearen Zügen.

Aber letztlich lehnte Kandinsky die grafische Darstellung ab und setzte mehr auf multisensorische, wogende Taifune aus Farben und Mustern, wobei er die konventionellen Beispiele zugunsten der Komplexität aufhob und verschiedene abstrakte Formen freilegte.

Was jedoch konstant blieb, waren seine göttlichen Unternehmungen mit Darstellungen und Zitaten zum Christentum. Kandinskys spätere Gemälde sind auch für ihre emotionale Kohärenz bemerkenswert. Er bewies die Einheitlichkeit der Formen in seinen Werken und ebnete damit den Weg für eine noch weitergehende Abstraktion, bei der unterschiedliche Maßstäbe und lebendige Farbtöne durch einen präzisen Kontrast von Proportionen und Farben harmonisiert wurden. Wassily Kandinsky verwendete in seinen Werken häufig die Farbe Schwarz, um die Wirkung der lebhaft gefärbten Formen zu unterstreichen, und seine Formen waren häufig biomorphe Techniken, um den Surrealismus in sein Werk einzubringen, wie zum Beispiel Last Watercolor (1944).

Last Watercolor (1944) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Die Entstehung von Kandinskys Kunstwerken

Die ersten sieben seiner 10 Kompositionen begann Kandinsky mit der Feststellung, dass „die Musik der oberste Lehrmeister ist“. Die ersten drei sind nur in Schwarz-Weiß-Bildern von einer anderen Malerin und Kollegin Gabriele Münter erhalten. Es gibt zwar Studien, Zeichnungen und Riffs, vor allem von Komposition II (1910), aber Kandinskys erste drei Kompositionen wurden bei einer Razzia der Nazis im Bauhaus in den 1930er Jahren beschlagnahmt. Sie wurden in der staatlich geförderten Ausstellung „Entartete Kunst“ gezeigt, bevor sie verbrannt wurden.

Angeregt durch christliche Prophezeiungen und das Konzept eines neuen Zeitalters, ist der Weltuntergang ein häufiges Thema in Kandinskys ersten sieben Werken.

Skizze für Komposition II (1909) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Kandinsky malte in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg Werke, die eine bevorstehende Apokalypse darstellten, die die persönliche und gesellschaftliche Realität verändern würde, wie er in seinem Buch Über das Geistige in der Kunst(1912) über den „Künstler als Orakel“ schrieb. Kandinsky schöpfte aus biblischen Legenden wie der Auferstehung Christi, der Arche Noah, Jona und dem Wal, den vier Reitern der Apokalypse, russischen Mythen und Legenden und den allgemeinen mythischen Empfindungen von Tod und Auferstehung.

Niemals versuchte er, eine dieser Erzählungen als Geschichte zu visualisieren, sondern er nutzte ihre verhüllte Symbolik als Sinnbild für die Motive von Zerstörung und Tod, die er in der Umgebung vor dem Ersten Weltkrieg drohend wahrnahm.

Cover des Buches Berücksichtigung des Geistigen in der Kunst (1910) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Kandinsky glaubte, dass ein echter Künstler, der Kunst aus einem „inneren Bedürfnis“ heraus schafft, an der Spitze einer aufsteigenden Pyramide lebt, wie er in seinen Schriften zum Ausdruck brachte. Diese aufsteigende Pyramide ist durchdringend und bewegt sich vorwärts. An der Spitze der Pyramide steht der zeitgenössische Künstler allein, der neue Durchbrüche schafft und die Realitäten von morgen ankündigt. Kandinsky war sich des wissenschaftlichen Fortschritts ebenso bewusst wie der Beiträge moderner Künstler zu grundlegend neuen Sichtweisen und Ausdrucksformen der Umwelt.

Die Komposition IV (1911) und die darauf folgenden Kunstwerke konzentrieren sich vor allem darauf, ein spirituelles Erwachen beim Betrachter und beim Künstler hervorzurufen. Kandinsky versetzt den Betrachter in die Situation, diesen epischen Erzählungen zu begegnen, indem er sie mit einem Gefühl der Verzweiflung, der Dringlichkeit und der Verwirrung in moderne Begriffe übersetzt, wie z.B. in seinem Bild des Jüngsten Gerichts am Wasser, Komposition VI (1913).

Komposition IV (1911) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Innerhalb der Grenzen von Sprache und Bild kann diese spirituelle Verbindung von Betrachter und Kunstwerk artikuliert werden. Auch Kandinsky beschrieb die Verbindung zwischen Künstler und Publikum als offen für die Sinne und das Denken, wie aus seinen Der Blaue Reiter Almanach Schriften und seinen Hypothesen mit dem Musiker Arnold Schoenberg hervorgeht. Kandinsky stellte die Theorie auf, dass (zur Veranschaulichung) Gelb die Farbe des mittleren C auf einem blechernen Horn ist; Schwarz ist die Farbe der Endgültigkeit und des Endes von allem; und diese Farbkombination erzeugt Resonanzen, ähnlich wie die Noten auf einem Klavier.

Kandinsky begann 1871 Keyboard und Cello spielen zu lernen.

Kandinsky begründete auch eine Philosophie der geometrischen Formen und ihrer Zusammenhänge. Er meinte zum Beispiel, dass die Kugel die ruhigste Form ist und den menschlichen Geist verkörpert. Kandinskys ikonische Vertonung von Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung“ veranschaulicht seine synästhetische Vorstellung eines globalen Zusammenhangs von Formen, Farbtönen und Musiknoten. Wassily Kandinsky produzierte die Bühnenfassung von „Bilder einer Ausstellung“ 1928 in Dessau. Die Originalzeichnungen der Bühnenteile wurden 2015 auf der Grundlage von Kandinskys Vorbereitungsunterlagen und dem Drehbuch des Regisseurs Felix Klee mit aktueller Videotechnik neu erstellt und mit dem Soundtrack synchronisiert.

Kandinsky arbeitete während der bayerischen Jahre der abstrakten Kunst in einer weiteren Sitzung mit Münter an seiner Komposition VI (1913). Das Werk, für das er fast sechs Monate recherchiert und geplant hatte, sollte eine Flut, eine Taufe, eine Verwüstung und eine Regeneration zugleich darstellen.

Composition VI (1913) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Nachdem er das Werk auf wandgroßen Holztafeln skizziert hatte, kam er nicht mehr weiter und konnte nicht mehr weitermachen. Münter teilte ihm mit, dass er in seinem Kopf feststeckte und nicht zum eigentlichen Thema des Bildes vordringen konnte. Sie riet ihm, nur den Ausdruck Sintflut zu sagen und sich auf den Tonfall und nicht auf den Inhalt zu konzentrieren.

Kandinsky schuf und vollendete das Mammutwerk in drei Tagen und rezitierte diesen Begriff wie ein Mantra.

Kandinsky-Ausstellungen

Die Lenbachhaus-Galerie in München besitzt die größte Sammlung von Kandinskys Gemälden in Europa. Einige der bemerkenswertesten Kandinsky-Ausstellungen sind folgende

• Kandinsky, eine bedeutende Ausstellung von Kandinskys Kunst, wurde von 2009 bis 2010 im Solomon R. Guggenheim Museum gezeigt. Eine Sammlung von Kandinskys Kunst wurde 2017 im Guggenheim unter dem Titel Visionaries: Creating a Modern Guggenheim.
  
• Vom 11. Juni bis zum 4. September 2011 zeigte die Phillips Collection in Washington, D.C. eine Ausstellung mit dem Titel Kandinsky und die Harmonie der Stille, zu der auch das Gemälde mit weißem Rand und seine Vorstudien gehörten.
• Vasily Kandinsky: Around the Circle wird vom 8. Oktober 2021 bis zum 5. September 2022 im Solomon R. Guggenheim Museum zu sehen sein, zusammen mit einer Reihe von Einzelausstellungen, die die Werke der modernen Künstler Annie C. Jones, Etel Adnan und Cecilia Vicuna zeigen.

Berühmte Kunstwerke

Kandinskys Kunstwerke waren stark von der Musik beeinflusst. Die Werke wurden oft nach musikalischen Themen benannt. Hier sind einige der berühmtesten Werke des Künstlers.

• Kleine Welten (1922)
• Auf Weiß II (1923)
• Kreise im Kreis(1923)
• Soft Hard (1926)
• Braun mit Zusatz (1935)
• Komposition IX (1936)
• Komposition X (1939)
• Kreis und Quadrat (1943)

Kreise im Kreis (1923) von Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Weitere Lektüre

Wassily Kandinsky war ein russischer abstrakter Künstler, der ein interessantes Leben führte. Wenn du mehr über Wassily Kandinskys Biografie und seine Kunstwerke erfahren möchtest, dann bist du hier genau richtig. Wir haben eine Liste mit tollen Leseempfehlungen zusammengestellt, falls du diesen Künstler noch weiter erforschen möchtest.

Über das Spirituelle in der Kunst (Kindle Version 2012) von Wassily Kandinsky

Dieses Buch ist einer der wichtigsten Texte in der Geschichte der zeitgenössischen Kunst, denn es war ein Pionierwerk in dem Bestreben, die Kunst von ihrer konventionellen Bindung an die praktische Realität zu befreien. Es wurde von dem berühmten ungegenständlichen Künstler Wassily Kandinsky verfasst und beschreibt Kandinskys eigene Philosophie der Malerei und kristallisiert Konzepte heraus, die viele andere zeitgenössische Maler der Zeit beeinflussten.

Diese Veröffentlichung hatte zusammen mit seinen eigenen bahnbrechenden Werken einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung der zeitgenössischen Kunst.

Der erste Abschnitt mit dem Titel „Über die Ästhetik“ fordert einen metaphysischen Wandel in der Kunst, der es den Künstlern ermöglicht, ihr Innenleben auf ätherische, nicht-materielle Weise darzustellen. Malerinnen und Maler sollten für ihre kreative Kunst nicht auf das physische Universum angewiesen sein, so wie Musikerinnen und Musiker für ihre Lieder nicht auf die materielle Welt angewiesen sind. Im zweiten Abschnitt, „Über die Malerei“, untersucht Kandinsky die Neurologie der Farben und das Vokabular der Formen.

Concerning the Spiritual in Art (Dover Fine Art, History of Art)

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Punkt und Linie zur Fläche(Kindle Edition 2012) von Wassily Kandinsky

In dieser Publikation, die zu den bedeutendsten Büchern der Kunst des 20. Jahrhunderts gehört, erläutert Kandinsky umfassend die grundlegende Dynamik der gegenstandslosen Malerei. Jahrhunderts. Er erörtert den Begriff des Punktes als „Proto-Element“ der Malerei, die Funktion des Punktes in der Umwelt, im Gesang und in anderen Künsten sowie die Verbindung von Punkt und Linie, die zu einem eigenen visuellen Vokabular führte, das seine eigene Nomenklatur verwendet.

Dann widmet er sich einer fesselnden Untersuchung der Linie, einschließlich der Wirkung von Macht auf die Linie, lyrischer und dramatischer Aspekte und der Umwandlung vieler Ereignisse in Formen linearer Darstellung.

Kandinsky zeigt die natürliche Verbindung der Komponenten der Farbe auf, kommentiert die Rolle von Texturen, die Komponente der Zeit und die Verbindung all dieser Aspekte mit der grundlegenden materiellen Ebene, die aufgerufen ist, die Substanz eines Kunstwerks anzunehmen, mit großer kreativer Einsicht.

Point and Line to Plane (Dover Fine Art, History of Art)

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Und damit ist unser Blick auf Kandinsky, den Künstler, beendet. Wassily Kandinsky, ein russischer abstrakter Künstler, machte die abstrakte Malerei im 19. und frühen 20. Jahrhundert populär. In seiner einzigartigen Perspektive auf Form und Funktion der Kunst betonte der Künstler Kandinsky die Verschmelzung des Visuellen mit dem Auditiven. Geräusche wurden von ihm als Farben betrachtet, und diese ungewöhnliche Sichtweise inspirierte die Produktion von Kandinskys Kunstwerken. Der Maler Kandinsky war der Meinung, dass der Zweck der Kunst darin besteht, die Originalität und die innere Vision des Künstlers zu vermitteln, was die Überhöhung der objektiven Wahrheit erfordert. Kandinskys Gemälde sollten zeigen, dass die totale Abstraktion eine tiefere, sublime Wahrnehmung ermöglicht und dass das Kopieren der Natur dieses Streben behindert.

Häufig gestellte Fragen

Was ist ein Beispiel für Wassily Kandinskys Porträtmalerei?

Der Maler Wassily Kandinsky war nicht dafür bekannt, Porträtbilder zu malen. Kandinskys Kunst war bekannt dafür, abstrakt zu sein. Ein Porträtgemälde von Wassily Kandinsky ist jedoch das von Gabriele Munter (1905).

Welche Art von Kunst hat Wassily Kandinsky gemacht?

Kandinskys Gemälde waren Beispiele für abstrakte Kunst. Er war stark von der Musik beeinflusst. Viele seiner Gemälde zeigen, wie er Musik und Kunst in einer synergetischen Weise erlebte.

Alicia du Plessis

Alicia du Plessis ist Autorin und Expertin für Kunstgeschichte. Sie schloss ihr Studium an der Universität von KwaZulu-Natal, Südafrika, mit einem Bachelor of Arts in Kunstgeschichte und Klassischer Zivilisation sowie mit zwei Honors in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab. In ihrem Hauptprojekt in Kunstgeschichte untersuchte sie die Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und das Konzept des «Anderen». Des weiteren hat sie sich mit der Verwendung der Fotografie in der Kunst befasst und damit, wie diese zur Darstellung des Lebens der Menschen eingesetzt wird.

Zu Alicias weiteren Interessengebieten in der Kunstgeschichte gehören der Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Gemälden. Zu ihren Lieblingskunstströmungen gehören der Impressionismus und der deutsche Expressionismus. Sie hat ihren Master in Kunstgeschichte noch nicht abgeschlossen (sie würde ihn gerne im europäischen Ausland machen), da sie zunächst mehr Berufserfahrung sammeln möchte, um eines Tages auch als Dozentin tätig zu sein. Erfahre mehr über Alicia du Plessis.